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La nature joue un rôle fondamental dans la pensée et la musique de Xenakis. Nous pouvons distinguer trois niveaux. 1. Le premier concerne les références de Xenakis aux sciences. Nous pourrions distinguer entre les références aux mathématiques et celles aux sciences de la nature. Tandis qu’avec les premières, il s’agit de « fonder » la musique, ce qui implique une opération d’abstraction, les secondes, à travers l’utilisation de modèles, entraînent un processus de transfert analogique. 2. Dans le second niveau, nous examinerons le type de nature que convoque Xenakis, pour constater que c’est la nature de la science moderne – celle des phénomènes chaotiques –, ce qui correspond à sa recherche dionysiaque d’une fusion. 3. Avec ce dernier niveau, recherchant les références sensibles et immédiates de Xenakis à des phénomènes naturels (chants de cigales, tempêtes…), nous feront l’hypothèse qu’elles ne comprennent pas selon l’esthétique classique de la représentation, mais qu’elles appartiennent déjà à une musique environnementale.

Avoir une écoute active, comparer des éléments musicaux et construire une culture musicale commune font partie des buts de l’éducation musicale. La diversification des supports d’enseignements et l’utilisation d’outils numériques sont largement recommandés. Nous présentons comment la plateforme libre d’analyse musicale Dezrann peut soutenir cette écoute active. Au cours de l’année 2021/22, 25 séances ont lieu dans 5 établissements de l’Académie de Lille, partiellement encadrés par une médiatrice et les enseignant·es d’éducation musicale. Des fiches réutilisables pour une première séance sont à disposition, et les enseignant·es peuvent aussi demander l’inclusion d’autres pièces. Nous discutons dans ce premier bilan des possibilités de ce type d’outil ainsi que de la prise progressive d’autonomie des élèves.

International audience; Violence et Société Composition sonore et film expérimental Éditions des maisons des sciences de l'homme associées

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International audience; Violence et Société Composition sonore et film expérimental Éditions des maisons des sciences de l'homme associées

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A certain number of composers from the southern shore of the Mediterranean, including Ahmed Essyad (Morocco), Zad Moultaka (Lebanon), and Saed Haddad (Jordan), adopt the aesthetics of contemporary art music. The creative development of these three composers is characterized by a critical cultural latitude, which involves engaging with southern Mediterranean traditional musics while recontextualizing or even distorting them, and at the same time adapting elements of Western avant-garde musical thought while remaining detached from it. These experiences of contemporary music are little known in the southern Mediterranean musical landscape, yet they are revealing of the social and musical dynamics currently at work in the region. This chapter examines such dynamics in terms of the composers’ subjectivity and their creative encounters with musical objects, both traditional and contemporary, in an increasingly globalized southern Mediterranean cultural sphere.

International audience; Cet article présente la librairie de codes Faust abclib pour la musique mixte, dont la première version a été publiée en avril 2021 sur GitHub. Constatant la difficulté à maintenir dans le temps les développements logiciels des centres de recherche en général et de notre équipe CICM / MUSIDANSE en particulier, nous avons lancé ce projet pour avant tout pérenniser les travaux menés autour de la libraire HOA (High Order Ambisonics) développée entre 2012 et 2015. Mais il s’est également agi d’expliciter, formaliser, transcrire en Faust pour transmettre 20 années de développements essentiellement sur Max et Pure Data dans le cadre de nos enseignements, nos recherches et nos créations. Le choix de Faust s’est imposé pour publier, rendre interopérables et pérennes ces codes précédents, avec une précision de rendu sonore remarquable. Nous exposons les caractéristiques générales de la librairie abclib en termes de fonctionnalités musicales et d’organisation du code sur le dépôt GitHub ; nous montrons comment nous avons repris et développé le cadre ambisonique et les traitements spatiaux du projet HOA du CICM ; enfin nous montrons l’approche multicanal et concluons sur les perspectives.

International audience; Nous présentons dans cet article un projet work in progress avec live patching au sein d’une collaboration avec le Conservatoire de Saint-Denis. Après avoir utilisé le logiciel Kiwi pour cette pratique, nous migrons vers Pure Data et Faust en poursuivant notre conception du live patching, notamment l’approche « commencer du zéro ». C’est-à-dire, construire collaborativement et en temps réel un patch sans aucun a priori, à partir d’un document vide. Cette pratique a été appliquée au sein d’un atelier avec le Conservatoire de Saint-Denis, aboutissant sur une représentation publique le 29 mars 2021 à la Maison des Sciences de l’Homme Paris Nord. Pour cette restitution, nous avons choisi de présenter une séance construite à partir des nos ateliers avec live patching. Plutôt que de coder en temps réel, les participants ont joué avec un patch déjà créé, mais pouvant interagir avec des diapositives OSC et avec leurs instruments musicaux

International audience; Nous proposons un web concert collaboratif en temps réel, c’est-à-dire, une pièce jouée entièrement en ligne par plusieurs acteurs connectés sur un même système. Il s’agit d’une approche novatrice dont l’objectif est de proposer des solutions alternatives pour la création musicale et la réalisation de concerts en temps de crise sanitaire et de distanciation sociale. Tous les participants des JIM sont invités à y participer. Ils se connecteront ensemble, via un VPN, à une interface graphique à l’aide d’un navigateur web. Les interactions sont composées avec Ossia Score. Le moteur sonore, ainsi que la session Score seront localisés sur un seul ordinateur hôte. Le rendu sonore sera généré avec un patch Max et des modules Faust.

International audience; Dans cet article, nous rendons compte d’une exploration en cours autour des techniques de décorrélation appliquées aux signaux issus d’un encodage ambisonique d’ordre élevé, utilisant l’implémentation en langage FAUST de la bibliothèque HOA Library (hoa.lib) développée au CICM (2012-2015) et ses traitements regroupés dans la bibliothèque abc.lib depuis 2020. Notre recherche a pour double objectif de déployer les approches du traitement spatial du son et de faire émerger des représentations opératoires pour manipuler la décorrélation ambisonique. Après une mise en contexte et un rappel sur les techniques employées nous présenterons les essais d’implémentations que nous avons comparés sur le plan de l’écoute musicale. Puis, nous ferons état de nos travaux en cours sur les fonctions de mapping utilisées pour les esquisses d’interfaces que nous proposons. Ces expérimentations constituent une partie de notre projet doctoral réalisé au sein de l’EUR ArTeC et de l’EDESTA dans lequel nous appliquerons ce protocole d’analyse et développement à d’autres traitements.

International audience; In this article, we'll suggest some general ideas about nature and culture concepts. Those concepts will be to link with the music of Luciano Berio (1925-2003). This initiation hopes to bring out a Lucrecian approach in the Laborintus II (1965) of Berio. And also we'll hope to bring out an implied social ecology dimension in this work.; Dans cet article, nous suggérons certaines réflexions autour des concepts de nature et de culture dans la musique de Luciano Berio (1925-2003). Ces réflexions permettent surtout d'établir une approche lucrécienne dans la pièce Laborintus II (1965) de Berio. Nous espérons ainsi mettre en évidence la dimension d'une écologie sociale qui semble caractériser cette pièce.

International audience; Mirror of our society, the experimental film also reflects the issues. This highlighting of the real is accompanied by a work of sound composition which is to examine the place in the construction of meaning and in the expression of violence. What role does sound play in audiovisual composition? What are the functions of music composition? What are the means of sound processing? How does the sound composition articulate the temporality of the film? This publication questions the relationship between image and sound, mixing origins, disciplines and approaches, with articles on filmmakers and works from all walks of life: Aldo Tambellini, Bakary Diallo, Clio Simon, Christoph Girardet, Matthias Müller, Guli Silberstein , Randa Maroufi, Philippe Rouy and Nam June Paik.; Miroir de notre société, le film expérimental en reflète aussi les problématiques. Cette mise en lumière du réel s’accompagne d’un travail de composition sonore dont il s’agit d'examiner la place dans la construction du sens et dans l’expression de la violence. Quel rôle joue le son dans la composition audiovisuelle ? Quelles sont les fonctions de la composition musicale ? Quels sont les moyens du traitement sonore ? Comment la composition sonore articule-t-elle la temporalité du film ? Cette publication questionne la relation entre image et son, mêlant les origines, les disciplines et les approches de cinéastes et des œuvres de tous horizons : Aldo Tambellini, Bakary Diallo, Clio Simon, Christoph Girardet, Matthias Müller, Guli Silberstein, Randa Maroufi, Philippe Rouy et Nam June Paik.

International audience; Les schémas, graphiques, dessins… jouent un rôle très varié chez Xenakis. Une première typologie peut distinguer d'un côté les « partitions graphiques » ; de l'autre, plusieurs cas de figure : schémas d'instruction souvent, mais aussi schémas logiques, diagrammes cinématiques et, bien sûr, dessins sur l'UPIC. L'oeuvre musicale de Xenakis est intrinsèquement liée au graphique comme outil compositionnel. Ces écritures ne sont pas des représentations, mais visent à la création, l'ouverture de mondes sonores et conceptuels nouveaux, et c'est en ce sens qu'on peut les penser sur le mode des machines abstraites et des diagrammes deleuzo-guattariens.

Ce bref article, à partir de certains documents récemment retrouvés dans les archives Xenakis, évoque les actions de ce dernier contre le dictature des Colonels. Puis, il analyse la célèbre dédicace de Nuits (« Pour vous obscurs détenus politiques [...] »). En passant, il évoque la terrible dualité de l’époque entre progressisme politique et progressisme artistique.

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International audience; Dans les différents domaines artistiques, les histoires privilégient les hommes comme artistes et de nombreux travaux ont contribué – et contribuent – à éclairer la présence des artistes femmes. Mais il est d’autres fonctions, moins en lumière et cependant indispensables à la création artistique et à sa diffusion, où les femmes ont été tout autant sinon plus effacées par l’histoire. « Maîtres », pédagogues, directeurs de lieux de production ou de diffusion, critiques, mécènes, ou encore voix de contestation, sont le plus souvent déclinés au masculin, laissant croire qu’il n’y a pas eu, ou très peu, de femmes dans ces fonctions médiatrices. Dans cette publication collective dressant un bilan de trois années de recherche (2016-2019) autour du projet lauréat « Genre et transmission : pour une autre archéologie du genre » (financé par la COMUE UPL – hébergé par le laboratoire Sofiapol), et plus particulièrement de son deuxième sous-axe « Genre, création artistique, matrimoine », l’objectif est d’étudier, au prisme des rapports de genre, la présence, la place, les trajectoires de femmes dans ces activités de médiation. Décentrant aussi le regard porté généralement sur les arts, cette perspective amène à considérer l’existence même des arts comme intrinsèquement liée à des processus de circulation, de diffusion et de mises en réseaux – des savoirs comme des personnes. À travers treize contributions, précédées d’une introduction, nous souhaitons faire résonner ces questions dans les différents domaines abordés – arts plastiques et visuels, musique, théâtre et danse – sur une période allant de la fin du XVIIe siècle à nos jours, permettant aux questions abordées d’entrer en écho pour saisir les continuités et les ruptures, les paradoxes et les cohérences, d’un point de vue à la fois diachronique et synchronique.Sommaire Charlotte Foucher Zarmanian, Hélène Marquié et Frédérick Duhautpas « Introduction »Partie 1 : Transmettre : penser les pédagogies, devenir enseignante, tisser des filiations Claire Heggen et Ariane Martinez « Claire Heggen, du mime à la marionnette : maïeutique des objets scéniques »Bianca Maurmayr « Femmes et transmission du savoir dansé dans la France du XVIIIe siècle. Mise en lumière d’un matrimoine chorégraphique » Cécile Kubik « La pratique féminine du violon en France au XIXe siècle, vecteur oublié de la transmission instrumentale »Frédérick Duhautpas et Sandra Soler Campo « Nadia Boulanger (1887-1979). Pédagogie et transmission »Éva Belgherbi « Apprendre à sculpter. Enjeux d’une transmission autour de quelques médiatrices en France et en Angleterre vers 1900 »Partie 2 : Se regrouper pour se faire connaître et s’organiserHélène Marquié « Élaborer et transmettre une culture de la danse : initiatives singulières et synergie collective (France, 1871-1914) »Nathalie Coutelet « La Halte, société des auteurs féminins (1909-1914) »Justine Bohbote « Une mémoire manquante ? Une histoire des expositions collectives d’artistes femmes en France des années 1970 à nos jours »Marie-Dominique Gil « Au-delà de Sexual Politics. Kate Millett (1934-2017), sculptrice et historienne de l’art. Retour sur le parcours méconnu d’une figure historique du féminisme »Partie 3 : Figures en marge des créatrices : médiatrices des œuvres et des esthétiquesCharlotte Foucher Zarmanian « Historienne de l’art, une figure en construction autour de 1800. Les contributions de Félicité de Genlis (1746-1830) et de Germaine de Staël (1766-1817) »Émilie Oléron Evans « L’indispensable "assistante" : Sabine Hackenschmidt (1873-1939) au Cabinet des Estampes de Strasbourg (1913-1939) »Adeline Pavie « Des professionnelles au Musée du Louvre (1915-1960) : chercheuses, enseignantes, critiques d’art et médiatrices »Julie Botte « Le National Museum of Women in the Arts : d’une collection particulière dédiée aux artistes femmes à la création d’un "musée à elles" »

The present article aims to retrace the history of the progressive increase in the share of noises in the avant-garde music of the 20th-21st centuries, from the proliferation of dissonance and noise at the start of the twentieth century to Agostino Di Scipio's "audible ecosystems". It is possible, schematically, to think of this progression of noise according to two main categories. On the one hand, noise can occur according to a morphological logic. Here, musicians are interested in noise for its sonic, musical potential, for the pleasure that the listener can take in being invaded by complex sounds, interesting from a sonic point of view. The second major way for avant-garde music to generalize noise is criticism, whether it be social, political or other. In this sense, noise replaces the dissonances for which Theodor Adorno, referring to Schoenberg, wrote in his Philosophy of New Music: "The dissonances that frighen them [the listeners] speak of their own situation", implying the condition of the alienated. The article is divided into five parts. The first evokes the generalization of dissonance in Stravinsky'work or the American "bad boys" of the years 1910-30, before focusing on the bruitists and on Edgar Varèse, who intertwine morphological research and criticism in their generalization of noise. The second part deals with the immediate post-World War II era when, fitting with the logic of technocratic progress that characterizes the avant-garde (serial music and musique concrète in particular), morphological research is predominant. With the years 1960-70, criticism seems to gain the upper hand: the histories of rock, free jazz and, for the avant-garde, of such composers as Luigi Nono or Helmut Lachenmann are evoked. In the fourth part, we acknowledge the generalization of of noise and, ultimately, its trivialization in recent years, and analyze the proposals of Agostino Di Scipio and Hildegard Westerkamp, which form two distinct trends. By way of conclusion, the article goes on to sudy the case of Iannis Xenakis, a composer who successfully interweaves morphological research and critical positioning, in works where background noise or plain noise itself invades the musical fabric.

International audience; Cet article raconte l’itinéraire politico-musical du jeune Xenakis, de la Résistance et des combats de décembre 1944 à Metastaseis (1953-54). Les combats de décembre 1944 signent la première défaite de la gauche grecque (et de sa révolution politique) et Xenakis est grièvement blessé. Obligé de fuir en France, il décide de se consacrer à la musique, mais il développe dans un premier temps – maintenant les liens avec ses combats passés – son projet bartókien, qui n’est pas évoquer le réalisme socialiste. Puis, il se lance dans le calcul et l’abstraction, pratiquant une révolution proprement artistique. Cette dernière se développe comme un transfert de la révolution politique trahie vers le domaine artistique. Mais elle possède également une dimension politique et historique à part entière : Metastaseis renvoie aux grandes manifestations qui ont eu lieu durant la guerre ou aux débuts de décembre 1944.

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The article presents a case study of the dance solo Heroics (or Heroic study, from the ballet Scriabiniana) of the Russian avant-garde choreographer Kassian Goleïzovsky (1892-1970). This study proposes a methodological approach based on movement analysis, in order to investigate the meaning conveyed by this “abstract” dance. After tracing back the origins of this “revolutionary” dance in 1920s, we offer a comparative analysis of the figures issued from two versions of this solo, filmed in the 1960s and 1970s: the first staged by the choreographer himself, and the second “restored” after his death. The difference between movement qualities and postural attitudes shows, however, two opposite projects behind what could have been mistaken for the “heroic style” of the soviet era., L’articolo presenta un caso di studio sull’assolo di danza L’Eroico (o lo Studio eroico, dal balletto Scriabiniana) del coreografo avanguardista russo Kassian Goleizovskij. Tale studio propone un approccio metodologico basato sull’analisi del movimento, con lo scopo di decifrare il significato racchiuso in questa danza “astratta”. Dopo aver ripercorso le origini di questa danza “rivoluzionaria” degli anni Venti, viene offerta un’analisi comparativa delle figure tratte da due versioni di questo assolo, riprese negli anni Sessanta e Settanta: la prima messa in scena dal coreografo stesso, la seconda “rinnovata” dopo la sua morte. La differenza tra le qualità del movimento e gli atteggiamenti posturali mostra, in realtà, due progetti opposti dietro a quello che poteva essere scambiato per lo “stile eroico” dell’era sovietica.

International audience; Cet article s’inscrit dans le cadre de notre doctorat, codirigé par Alain Bonardi et Jean-Marc Chouvel. Il propose une étude de l’électronique de Répons (1984) de Pierre Boulez (1925-2016). Son objectif est de mettre à jour un choix musical déterminant dans la composition de Répons, à partir de l’analyse de l’utilisation de l’électronique dans cette œuvre. L’article se concentre sur les différents types d’utilisation d’une ligne à retard numérique en temps réel dans Répons, en tant que traitement sonore inédit et omniprésent. La création de Répons, le 18 octobre 1981 à Donaueschingen, inaugure en effet la 4X, premier processeur de son numérique en temps réel. Plusieurs exemples ont été réalisés grâce au logiciel Max. En 1984, pour la version instrumentale complète de Répons, Max n’existait pas encore. C’est par souci de clarté de représentation graphique que ce logiciel est ici utilisé. Les contraintes liées à la programmation originale sont respectées.

International audience; Since 2015, MotusLab and IReMus have been collaborating on a research project on the recording, study and transmission of acousmatic music performance.This article describes a new stage of the project aimed at creating an acousmonium in virtual reality (VR). To do this, MotusLab and IReMus collaborated with, on the one hand, the CICM of the University of Paris 8 for the realization of the VR acousmonium in Unity and, on the other hand, the LAM of Sorbonne University for the acoustic measurement of loudspeakers. The long-term objective is to develop the MotusLabTool software, used for acousmatic music research, to enable a quality binaural rendering of performance recordings.; Depuis 2015, MotusLab et l’IReMus collaborent sur un projet de recherche portant sur l’enregistrement, l’étude et la transmission de l’interprétation de la musique acousmatique.Cet article décrit une nouvelle étape du projet visant à créer un acousmonium en réalité virtuelle (VR). Pour ce faire, MotusLab et l’IReMus ont collaboré avec, d’une part le CICM de l’Université Paris 8 pour la réalisation de l’acousmonium en VR dans Unity et, d’autre part, le LAM de Sorbonne Université pour la mesure acoustique des haut-parleurs. L’objectif étant à terme de faire évoluer le logiciel MotusLabTool, servant à la recherche sur la musique acousmatique, pour permettre un rendu binaural de qualité des enregistrements d’interprétations.

International audience; Since 2015, MotusLab and IReMus have been collaborating on a research project on the recording, study and transmission of acousmatic music performance.This article describes a new stage of the project aimed at creating an acousmonium in virtual reality (VR). To do this, MotusLab and IReMus collaborated with, on the one hand, the CICM of the University of Paris 8 for the realization of the VR acousmonium in Unity and, on the other hand, the LAM of Sorbonne University for the acoustic measurement of loudspeakers. The long-term objective is to develop the MotusLabTool software, used for acousmatic music research, to enable a quality binaural rendering of performance recordings.; Depuis 2015, MotusLab et l’IReMus collaborent sur un projet de recherche portant sur l’enregistrement, l’étude et la transmission de l’interprétation de la musique acousmatique.Cet article décrit une nouvelle étape du projet visant à créer un acousmonium en réalité virtuelle (VR). Pour ce faire, MotusLab et l’IReMus ont collaboré avec, d’une part le CICM de l’Université Paris 8 pour la réalisation de l’acousmonium en VR dans Unity et, d’autre part, le LAM de Sorbonne Université pour la mesure acoustique des haut-parleurs. L’objectif étant à terme de faire évoluer le logiciel MotusLabTool, servant à la recherche sur la musique acousmatique, pour permettre un rendu binaural de qualité des enregistrements d’interprétations.

International audience; This paper presents soundworks, a framework dedicated to prototyping and developing distributed multimedia applications using Web technologies. Since its first release in 2015, the framework has been used in numerous artistic and research projects such as concerts, installations, workshops, teaching or experimental setups. We first present how this diversity of contexts and objectives permitted to identify a set of patterns able to support recurring needs of expert users in exploratory tasks. We then detail new developments that have been achieved to provide better support to these patterns. More particularly, we describe the novel distributed state management system dedicated at simplifying the implementation of remote control and monitoring interfaces and, the plug-in system implemented to improve the extensibility of the framework and foster composition of dedicated functionalities. We believe that these new developments can provide a solid ground to further research and artistic practices in the area of distributed music systems. The soundworks framework is open-source and released under BSD-3-Clause license.

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International audience; This paper presents [°poly°], a generative and interactive music installation based on networked, tangible and semi-autonomous modules. After a presentation of the research objectives and inspirations, the paper describes the hardware and software implementation, and finally reports on the main compositional aspects. A video presentation is available at https: //youtu.be/6azZ5_TcmkE.

International audience; Les formes multimédia semblent aujourd'hui supplanter les anciennes représentations liées à la « graphosphère ». Marquant un retour au réel en prétendant atteindre leurs spectateurs plus directement, elles n'en véhiculent pas moins des représentations, dont on attend beaucoup en termes de renouvellement artistique. Mais on sait moins que ces nouvelles technologies sont d'emblée associées à la notion d'accident : il existe d'une part le risque de disparition de l'oeuvre à support numérique; d'autre part, nous pouvons envisager la simulation de l'accident comme éprouvé d'un événement sur scène, non pas en le modélisant, mais en le rendant possible dans un environnement homme-machine. Nous montrons un exemple de chacune de ces deux situations dans cet article : tout d'abord, lorsque la technologie devient condition de possibilité d'une oeuvre et met en danger son existence, sa pérennité, comme l'illustre l'exemple de l'oeuvre musicale Diadèmes de Marc-André Dalbavie ; ensuite, lorsque l'accident est envisagé comme événement, comme le propose l'opéra numérique Alma Sola, forme ouverte scénique assistée par ordinateur : il s'agit de susciter chez l'interprète une perte de repères devant mener à un certain renouvellement de l'oeuvre et de son interprétation, et en même temps de donner un sens au parcours de fragments lyriques séparés.

National audience; O conceito de live coding/live patchingcontempla a programação ao vivo de eventos musicais,para a performance extemporânea,através de diversas ferramentas de programação (ou patching). A nossa proposta inicial eradesenvolver metodologias e ferramentas para a inclusão e a iniciação às práticas de live codinge live patching,para usuários não familiares com a música e a programação. Com esse intuito, consolidamos a programação musical ao vivo,como atividade criativae educacional,emnosso grupo de pesquisa, produzindoum corpus de práticas colaborativas, armazenadas na nuvem do projeto, estabelecendo uma colaboração internacional, com grupos de trabalho da Universidade Paris 8, na França, e publicandoum número de trabalhosque relataram e ilustraram os produtos criativos da nossa pesquisa.

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International audience; À partir des paroles recueillies auprès de dix chorégraphes au cours d'une enquête qui s'est étirée sur trois ans, Yvane Chapuis, Myriam Gourfink et Julie Perrin ont élaboré un vocabulaire de la composition en danse. Il s'organise en vingt notions, mises en perspective historiquement ou conceptuellement, suivies de quatre discussions spécifiques et de dix portraits de circonstance.Ce livre témoigne de pratiques et d'opérations qui donnent forme et sens aux œuvres. Ouvrant à des conceptions hétérogènes de la composition, il n'épuise pas le champ des possibles, mais peut servir de repère pour aborder la création chorégraphique contemporaine.Les chapitres du livre sont en ligne ici : https://arodes.hes-so.ch/search?p=author%3A%5BPerrin%2C%20Julie%5D&ln=fr

International audience; La forme dans On Love II de Saed Haddad fait émerger deux moments opposés dont elle réalise la médiation. Il s’agit, d’une part, d’un premier moment affirmatif, valant pour thème, et d’autre part d’un second moment, fluide et énergique, voire impétueux, qui précipite le premier dans une sorte de liquidation. Tandis que le premier moment, expressif, condense la matière "orientale", le deuxième tend à la neutraliser. La forme se construit ainsi dans l’articulation de ces deux moments que nous distinguons comme deux catégories formelles par "chant solo" et "déchaînement". Pour mieux saisir la teneur d’un tel enjeu formel, il importe de rappeler d’abord la poétique qui l’inspire et le stimule, à savoir une certaine conception de l’amour que Saed Haddad adopte et lie étroitement à la posture d’altérité. En ce sens, la synthèse, telle que la forme dans On Love II la réalise, ne serait rien d’autre qu’une manière d’être de l’amour, à même la forme instrumentale.

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This paper introduces, documents and reflects on an intercontinental live patching experience based on simultaneous remote interaction using the software Kiwi, and that can be subsumed under several features of Ubiquitous Music. The experience involved two academic groups based in three different universities between Brazil and France, namely, a research group from the two Brazilian Federal Universities of Acre and Paraíba, and a working group based at the University Paris 8 in France. The intercontinental simultaneous interaction may trigger reflections on the implications of the presence/absence of the human being, on the implicit patterns of territorialisation reproduced in the context of intercontinental live patching, and on the operative action of mnemonic processes within the practice., Este artigo apresenta, documenta e reflete uma experiência intercontinental de live patching baseada na interação remota simultânea usando o software Kiwi. Este estudo pode ser analisado a partir de várias características da música ubíqua. A pesquisa envolveu grupos de pesquisa de duas universidades federais brasileiras, Acre e Paraíba, e um grupo de trabalho baseado na Universidade Paris 8 na França. A interação intercontinental simultânea desencadeou reflexões sobre as implicações da presença/ausência do ser humano, sobre os padrões implícitos de territorialização reproduzidos no contexto do live patching intercontinental e sobre a ação operativa dos processos mnemônicos dentro da prática musical digital. No contexto desta pesquisa, essas reflexões emergiram como parte do desenvolvimento de estratégias efetivas de utilização criativa do software.