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O texto pretende explorar a constituição do sentido de uma obra, relacionando-a com uma noção de vida expandida para além do âmbito pessoal de um artista. Apresentando o paradoxo da liberdade, tal como aparece no texto de Merleau-Ponty dedicado a Cézanne, quero explorar a tensão entre necessidade e liberdade, e a imprevisibilidade nascida nas possibilidades de tal tensão. O sentido de uma vida e de uma obra dela nascida não têm, para Merleau-Ponty, uma explicação causal, nem recorrendo aos dados objetivos da vida de um artista, nem aos dados subjetivos de seu projeto pessoal, porque ambas as esferas fazem parte de uma única vida desenrolando-se dinamicamente em uma liberdade para além de uma noção meramente subjetivista. É na tensão entre projetos pessoais e as contingências da vida que a criação do artista se desenrola, e entre os condicionamentos e possibilidades constantemente abertas, um sentido vai se desvelando, sem rumo certo, discernível apenas em retrospecto. Encerrarei as reflexões com uma abordagem sobre a noção de “repetição criativa” proposta por Landes, tomando a expressão como fenômeno no qual o sentido nasce na tensão entre a pura repetição e a pura criação, tentando mostrar a espontaneidade e a fecundidade dos atos expressivos em suas possibilidades sempre abertas.

Estamos acostumados a ter uma visão particular do mundo e, às vezes, a nossa maneira de pensar parece inquestionável. No entanto, o que sustenta as nossas ideias? Existe apenas uma maneira de pensar sobre a realidade ou sobre o estado das coisas? O trabalho que aqui se apresenta, tenta problematizar e colocar em tensão diferentes pressupostos sobre a arte e a beleza. Este estudo apresenta uma proposta para refletir sobre o que sustenta os nossos juízos de valor em trono da estética (enquanto conceção de beleza) e da arte (enquanto criação artística). Atualmente, a arte parece favorecer mais a posse da obra do que a sua contemplação. Tudo parece estetizado e as fronteiras entre arte e realidade tornam-se cada vez mais indistintas.

This article aims at investigating a hermeneutic perspective, in tune with contemporary theories, in the later sections, §§ 49-60 of the Critique of Aesthetic Judgment, KU, and EE. Trying to further qualify the mere-reflection and the aesthetic judgment in opposition to the reflection and function of the imagination yielding the empirical schemes and concepts. But still, in specifying the aesthetic reflection as a reflective interpretation, presupposed and modeled by the complex and polysemic structure of the aesthetic ideas in §§ 49, 51, 58, 59. Questioning Kant's formulations, aligned with the argument of Allison, Longuenesse and Makkreel, in order to establish intersections with the aestheticsemantics of Danto and Rancière. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

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No horizonte em que a noção de conceito entra em crise, já não basta simplesmente apelar a ele. O propósito é outro: sem renunciar ao conceito, a tarefa é através dele mesmo, articular uma representação correta daquilo que é, per se, irrepresentável. Em outros termos, é preciso apresentar à linguagem o objeto. Isso não só imprime na linguagem um papel fundamental como ferramenta a esse outro modo de ser, mas deposita nela mesma a realização da crítica como práxis transformadora. Na linguagem, em geral, e na expressão e em certas características e elementos a ela associados, em particular, Adorno deposita a atividade interpretativa da filosofia como um ponto de encontro (uma espécie de imanência dialética) entre a linguagem (pensamento) e o objeto (coisa). O presente artigo visa posicionar o conceito de linguagem como categoria filosófica fundamental não apenas no que diz respeito à natureza geral da obra de Adorno, mas também – e especificamente – no quadro da chamada primeira etapa de sua produção intelectual.

The purpose of this article is to present a new "terminology" that organizes, makes intelligible and sheds light on some clinical experiences undertaken by Sándor Ferenczi when treating individuals with a history of trauma. We propose to designate, under the term "expressive mutuality", the analyst's gesture of allowing himself to express the impact of the affects that are provoked by the patient's emotional expressions, producing profound repercussions in the latter. The expressive mutuality highlights three points worked on by Ferenczi, which will be discussed throughout this article: i) the construction of trust and the reorganization of the dynamics of the splitting; ii) the development of the affect that was interrupted when denied; iii) the critical reconsideration of the analyst's technical principle of neutrality. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

By considering the limitation of discursive language before the intimate experience with God, many Christian mystics adopted or recommended silence as a response to that experience. Nevertheless, in his Expositions of the Psalms, Saint Augustine, despite endorsing the recurrent suspicion regarding logos, advises against silence. Before something that can neither be talked about nor fallen silent before, the solution would be to sing with jubilus, a song of exultation without words, practiced at that time. The present article will examine this curious prescription, checking firstly the possible limitations of silence as a form of expression (be it general or mystical experience) and, secondly, how music could reveal itself as the most adequate response to an experience of the transcendent. For this purpose, besides Saint Augustine's Expositions, texts by contemporary authors including Ludwig Wittgenstein, Vladimir Jankélévitch and Susanne Langer will be considered, all of whom were attentive to the theme of ineffability. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

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RESUMO Trata o presente artigo de um estudo sobre o modo como Merleau-Ponty busca extrair, da teoria freudiana dos sonhos, consequências ontológicas concernentes à vinculação expressiva entre as diferentes dimensões da experiência onírica, especificamente sobre o papel dos restos diurnos na descarga da libido, na realização do simbolismo ou, o que é a mesma coisa, na conversão do simbolismo em algo narrativo e sensível, especificamente afetivo. Conforme se mostrará, para Merleau-Ponty, seja no sonho sonhado seja no sonho relatado podemos verificar, entre a dimensão imaginária (afetiva e narrativa) introduzida pelos restos diurnos, por um lado, e a dimensão simbólica (ou inconsciente) expressa como significante esquecido, por outro; uma sorte de unidade sem coincidência, uma indivisão meramente expressiva. A pergunta deste artigo é ‒ do ponto de vista ontológico ‒ de que modo a indivisão expressiva entre o sonhado e o relatado dispensa o recurso à ideia de uma interioridade transparente?

Comentário do texto apresentado por Ricardo Barbosa no X Encontro do GT de Estética da ANPOF.

O artigo é orientado pela hipótese metodológica de que problemas centrais da estética da música – como o é o caso do problema da expressão – se deixam compreender melhor à luz das relações entre música e linguagem. Na primeira parte, procuramos mostrar em perspectiva histórica como a concepção de expressão varia sintomaticamente de acordo com as diferentes visões acerca de tais relações. Essa análise histórico-sistemática conecta nossa hipótese metodológica a uma hipótese teórica, desenvolvida na segunda parte: a de que o conceito de expressão não é um simples conceito empírico e sim um conceito constitutivo, do qual, no entanto, fazemos um uso regulativo na medida em que emprestamos nossa competência comunicativa a objetos como as peças musicais.

Este texto foi desenvolvido a partir da leitura e da discussão do texto Linguagem e expressão na música de Ricardo Barbosa, apresentado por este no encontro do GT de Estética ocorrido em março de 2021. Nele, busco apresentar de forma resumida a tese de Barbosa acerca do caráter expressivo da música e sua análise da relação entre música e linguagem. A resposta que proponho longe de definir se há relação e de que tipo entre linguagem e música, procura simplesmente mostrar que não há uma equivalência direta entre sons, significados e expressão. Ademais, haveria um tipo de expressão própria à obra de arte que pressupõe, necessariamente, a intencionalidade de se expressar algo artisticamente. O “algo” seria o significado da obra, sua intensionalidade, identificado pelo público. Este seria um esquema geral para toda expressão artística e, portanto, para a música.

Neste texto, o nosso objetivo é indicar, seguindo o horizonte proposto por Primo Levi em Os afogados e os sobreviventes [1986], que é possível comunicar ou diminuir a distância entre o expressar e o compreender. Como hipótese, argumentaremos que embora não nos seja permitido sentir no lugar do outro, é-nos possível compreender a sua expressão; essa compreensão se daria a partir de uma conversão do olhar, fundamentada em uma vontade de comunicar. Para isso, utilizaremos – no horizonte da problemática de Levi – alguns elementos da filosofia de Simone de Beauvoir, em especial a sua noção de situação, e de Ludwig Wittgenstein, com ênfase em sua noção de apresentação panorâmica. Ambas as noções mencionadas sugerem, a nosso ver, atitudes metódicas, das quais Levi se aproximou.

O ensaio tem como objeto a relação entre dança e morte, refletida a partir de obras coreográficas nas quais compreendemos que a dança expressa a condição existencial da morte em sua inexorabilidade, tragédia, poesia. Nesse pensamento, percebe-se a relação da morte e da vida com a temporalidade. O mesmo ocorre na dança, posto que esta é uma arte do tempo, um tempo criado no qual podemos transformar o corpo, a vida e a morte. Nessa perspectiva, buscamos tecer uma rede de significações acerca dessa relação, dialogando com a arte coreográfica e a filosofia. Essa percepção contribui para a compreensão da arte como fenômeno educativo ao nuançar questões da existência como é o caso da morte.

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O propósito deste artigo é a interseção (interação) do mito e da religião com a arte, como um celeiro dos verdadeiros símbolos da humanidade. Na concepção de Cassirer, o homem é "um animal simbólico", não apenas o "animal racional" de Aristóteles, pois antes de raciocinar e concatenar idéias em linguagem articulada, o homem gesticula, chora, ri, dança, caminha, canta, come, caça, cozinha, tece, dorme, ama, isto é, atua no mundo, instituindo o que Lévy-Strauss conceituou como o primado da "pré-semiótica". Por esta razão, o estudo dos símbolos das sociedades primitivas é fundamental para a compreensão não só do homem como um ser existencial, ético e estético, mas também das relações que o homem tece com o mundo.

The present work seeks to show that despite the great differences between the Dialectics of the Enlightenment and the Aesthetic Theory, Theodor Adorno's elaborate conception of art in the Aesthetic Theory is indebted to the Dialectics of the Enlightenment, that is, it is carried out based on the assumptions developed in it. For example, one of the fundamental assumptions of Enlightenment Dialectics is that the origin of art was the result of the separation between mimetic praxis, situated in prehistory, and praxis whose central core is lighting as a domain of nature, situated in history. This dichotomy was not abandoned in the Theory of Aesthetics, on the contrary, this work uses this separation to develop its main concepts. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

This article investigates how Gilbert Simondon articulates bodily forces to a incorporeal or expressive superficiality recut of communication. The text detects explicit mentions of communication in Simondon's main doctorate thesis, presented in 1958, to distinguish implicit operations which, far from securing the transmission of commands, zigzag between incompatible orders to produce and maintain blocks full of tension. A semiotic (un)framing will gradually come to light, while the thesis allows us to falsify dualist descriptions of individuation; affirm the disparity of perspectives from a preindividual problematic zone; surprise a communication which condenses affects within crystalline solutions; and contemplate affective disparity as a trigger for an expressive surplus, extracted from bodily mixtures. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

Throughout his work, Sándor Ferenczi concerns himself with the dimension of the body in the psychoanalytic experience, framing it predominantly from the point of view of expression. This paper presents a reading, based on his theory, on the constitution of multiple modes of expression. To do so, we propose six ideas organized in two parallel and complementary series: the first involves the notions of omnipotence, catastrophe, and regression; the second groups the ideas of condition, adaptation, and complexification. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

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O presente trabalho tem como objetivo apresentar um relato de experiência vivenciado durante o estágio supervisionado realizado no curso de Pedagogia do Instituto de Ciências Humanas do Pontal, da Universidade Federal de Uberlândia. A partir das observações realizadas no estágio, sentimos a necessidade de propiciar às crianças uma atividade de escrita significativa, o que leva a experiências para ressignificar a escrita como algo prazeroso e uma forma de expressão. A partir disso, trabalhamos a ideia do “Livro dos Sentimentos”, confeccionado com os escritos e desenhos feitos pelos alunos, cujo processo será relatado ao longo deste texto. A atividade foi desenvolvida com uma turma de 3º ano do Ensino Fundamental, de uma escola municipal em Ituiutaba, Minas Gerais. Participaram da construção do livro, vinte e seis crianças com faixa etária entre 8 e 9 anos de idade. Em linhas gerais, identificamos que essa experiência realizada em uma escola pública contribuiu sobremaneira para a nossa formação, pois nos permitiram revisitar conceitos relativos à infância e ao processo de aprendizagem da escrita. Assim, a construção e a execução deste projeto foram primordiais por possibilitarem a oportunidade de pensar e planejar ações que contribuíssem de fato com a realidade analisada.

Resumo Subsiste, ao longo de toda a obra de Sándor Ferenczi, uma preocupação com a dimensão do corpo na experiência psicanalítica, concebendo-o predominantemente sob o viés da expressão. Este artigo visa apresentar uma leitura, com base em sua teoria, sobre a constituição dos múltiplos modos de expressão. Para isso, são propostas seis ideias que se organizam em duas séries paralelas e complementares. A primeira envolve as noções de onipotência, catástrofe e regressão; a segunda agrupa as ideias de condição, adaptação e complexificação.

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Este artigo tem por objetivo apresentar uma interpretação deleuziana da filosofia de Baruch de Espinosa, pensador moderno que se contrapôs às principais concepções cartesianas sobre a natureza do mundo, do homem e de Deus. Deleuze mostra que Espinosa, ao identificar Deus como a única substância existente, extingue o problema da dualidade substancial e, portanto, o problema da união entre corpo e alma, inaugurando, junto com Duns Scott e Friedrich Nietzsche, uma ontologia da imanência, capaz de pensar a univocidade do ser. As concepções de Espinosa mudaram o modo de compreender a relação corpo-mente, buscando novos caminhos para a postura dualista vigente. Revisitar sua obra é uma forma de rediscutirmos a filosofia dualista, ainda presente em diversas concepções atuais. Este trabalho está alicerçado em uma pesquisa qualitativa, partindo de uma revisão bibliográfica da obra de Espinosa a partir de uma interpretação deleuziana de suas principais concepções acerca de sua substância única.

This essay begins with an analysis of an article by Susan Leigh Foster that criticizes the applicability of Judith Butler's idea of performativity to dance studies, and in particular, the role of transvestism as a subversion of gender norms. Foster proposes the concept of choreography as an alternative to performativity because it involves the historical imaginary and cultural memory of dance, understood as a subject whose analysis should be crucial to the reconceptualization of gender through movement. The article examines this dispute as a conflict between dance studies and philosophy and explores the differences between ontology and theatricality that lie at the root of the conflict between Butler and Foster. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

According to Zolin (2019), the recent female authorship fiction lives an intense production moment, in which gender issues still appear mixed with other demands of post-modern women. In this sense, the novel Meu marido, published in 2006, by the psychoanalyst Lívia Garcia-Roza, brings as narrator protagonist Bela, a 30-year-old girl, married and mother, who suffers from the breakdown of her family life. Even with a female character subject to oppression, tyranny, silence and constant physical and psychological abuse, inflicted by her husband, delegate Eduardo, the author manages to give visibility to the conflicts that permeate the daily lives of women silenced by oppressive love relationships. Indeed, this article, which aims to reflect on the representation of the female character's subordinate voice in the mentioned novel, is supported by the theoretical contributions of cultural studies and feminist criticism, with studies by, among others, Coelho (1993), Perrot (2005), Bonicci (2007), Bourdieu (2015) and Zolin (2019). [ABSTRACT FROM AUTHOR]

The whole path of Merleau-Ponty’s thought is crossed – sometimes more evidently than others – by what I propose to qualify as the idea of literature and philosophy as visual apparatuses, to use an expression that was born – and not by chance – in the field of Film Studies. More precisely, I aim at asserting that Merleau-Ponty sees literature and philosophy working in his epoch as convergent apparatuses (dispositifs) of vision, in turn understood as a bodily and not merely ocular practice. Immediately after that, I should specify that such convergent visual apparatuses peculiarly function by words, and that Merleau-Ponty stresses their different efficiency in expressing his epoch. Moreover, I think that the implicit idea of philosophy as a visual apparatus working by words “like all literature” has a particularly relevant but so far not consequently developed place in in the last period of Merleau-Ponty’s thought. Also, I would like to stress that such a perspective is crucial in our own time too, even though I consider it to be different from Merleau-Ponty’s. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

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A publicação da obra “O Sentido da Beleza” do filósofo George Santayana assinala a maturidade da estética norte-americana. A partir de uma abordagem psicológica naturalista ele se volta a questão da beleza para entender por que, como e onde a beleza surge, as condições necessárias para sua formação e os elementos que auxiliam o seu florescimento. Apesar da importância, desde a morte do filósofo em 1952 sua obra cai em um estágio de semiesquecimento. O propósito do presente trabalho é justamente recuperando do limbo histórico essa obra tão relevante esclarecer como Santayana tratou o problema da beleza nessa primeira obra juvenil.

O presente artigo objetiva discutir o fenômeno expressivo da Arte da Performance, a partir dos pressupostos de uma teoria da expressão estética presente na filosofia de Merleau-Ponty. Para tanto, em um primeiro momento reflete-se acerca das noções de ruptura e fronteira presentes na Arte da Performance, à luz do método fenomenológico utilizado por Merleau-Ponty, a épokhe; em seguida, intenta-se aproximar a análise dos textos estéticos de Merleau-Ponty, na perspectiva de uma teoria do estilo, e o fenômeno expressivo presente na Arte da Performance. Constata-se que é na análise da potência criativa de re-criar o mundo, identificada na pintura de Cézanne, na linguagem e no enigma da visão, que Merleau-Ponty desenvolve uma teoria estética do estilo. A noção de estilo emerge nos ensaios merleau-pontyanos como capacidade de entrelaçamento de uma dimensão pessoal com uma dimensão universal, ou ainda, como expressão do ser com o mundo. A Arte da Performance enquanto arte de fronteira, híbrida em linguagens e fundada no aqui e agora da corporeidade encarnada, realiza em sua atividade o fenômeno expressivo presente na teoria da expressão estética de Merleau-Ponty.

Resenha de caráter crítico-descritivo do livro Translation and Emotion: a psycological perspective, de Séverine Hubscher-Davidson, chefe do Departamento de Tradução na Open University (UK) e responsável por inúmeros artigos sobre processos psicológicos ligados à tradução. Lançado em 2018 pela Routledge, o volume analisa três áreas distintas nas quais as emoções influenciam os tradutores: o material emocional contido nos textos-fonte, as emoções dos próprios tradutores e as emoções dos leitores dos textos de partida e de chegada. Esses aspectos são detalhados segundo a concepção de três estágios de processamento da emoção: a percepção, o controle e a expressão da emoção.

Adorno entendeu o fenômeno artístico da expressão como um “fenômeno de interferência” entre o elemento mimético e a técnica. No caso da música, a expressão responderia pela força do particular em sua tensão dialética com o universal, determinante para a elucidação do sentido utópico da ideia de uma musique informelle: “fazer coisas das quais não sabemos o que são”. O artigo procura mostrar que podemos admitir um primado da expressão em Adorno.

Propomos discutir neste artigo o conceito de expressão presente na filosofia de Theodor Adorno. O objetivo é pensá-lo como atitude práxica formativa. Ao transformar a teoria num corpus acabado de verdade, a prática coisifica o pensamento e, por consequência, instrumentaliza a formação. No intuito de romper a lógica da linguagem da eficácia, própria da prática, encontramos na ideia de expressão um espaço possível para a revitalização ou reconfiguração crítica desta lógica formativa, isto é, encontramos nele uma teoria como resíduo de esperança.

O presente artigo é uma reflexão sobre questões decorrentes da pintura e seu processo de criação quanto imagem. Será considerado desde os materiais até seu desdobramento conforme experiência estética. Para tais fins teremos a pintura como cerne, pelo fato de ser um dos meios de expressão mais relevantes da história da arte e por afinidade pessoal.

The present work aims to present an experience report lived during the supervised internship carried out in the Pedagogy course of the Institute of Human Sciences of Pontal, of the Federal University of Uberlândia. From the observations made in the internship, we felt the need to provide children with a meaningful writing activity, which leads to experiences to reframe writing as something pleasurable and a form of expression. From this, we worked on the idea of the "Book of Feelings", made with the writings and drawings made by the students, which process will be reported throughout this text. The activity was developed with a class of 3rd year elementary students, from a municipal school in Ituiutaba, State of Minas Gerais. Twenty-six children between 8 and 9 years old participated in the construction of the book. In general, we identified that this experience carried out in a public school contributed greatly to our training, as it allowed us to revisit concepts related to childhood and the process of learning to write. Thus, the construction and execution of this project were essential because they allowed the opportunity to think and plan actions that would actually contribute to the analyzed reality. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

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Copyright of Abriu, Estudos de Textualidade do Brasil, Galicia e Portugal is the property of Abriu, Estudos de Textualidade do Brasil, Galicia e Portugal and its content may not be copied or emailed to multiple sites or posted to a listserv without the copyright holder's express written permission. However, users may print, download, or email articles for individual use. This abstract may be abridged. No warranty is given about the accuracy of the copy. Users should refer to the original published version of the material for the full abstract. (Copyright applies to all Abstracts.)

Este artigo está inserido em um processo de pesquisa de doutorado As idades do Expressionismo – criação de estilo e atmosfera em filmes de animação, que tem sua origem no questionamento sobre as possíveis influências que o cinema de animação recebeu do movimento expressionista – mais particularmente de suas vertentes nas artes plásticas e no cinema. O cinema de animação teria, portanto, além das influências de meios como, por exemplo, os cartoons, os livros infantis e o próprio cinema live action, a influência específica do Expressionismo Alemão na constituição de sua linguagem. Dentre as várias possibilidades de análise, adotamos aqui uma abordagem histórica e formal, para identificar um dos principais elementos expressivos formais do Expressionismo Alemão – a iluminação em claro-escuro –, e, em seguida, verificar a ocorrência deste elemento expressivo formal no filme Branca de Neve e os sete anões.

O artigo tem como objetivo examinar como a expressividade pode ser percebida e criada na arte. Geralmente, a expressividade é entendida como uma propriedade que as obras de arte possuem de transmitir uma emoção do artista ou como um efeito da projeção de sentimentos do percebedor sobre elas. Recusando essa posição, sugerimos que a expressividade é um fenômeno perceptivo que resulta da apreensão de certas qualidades dinâmicas intrínsecas às obras. Tais qualidades dinâmicas são discutidas por Arnheim e Dewey e, em seu conjunto, constituem a base daquilo que Stern chamou de “afetos de vitalidade”. Essa nova abordagem da expressividade conduz-nos a uma reformulação, também, de nossa concepção do ato de expressão artística. Em vez de uma ação de descarga de conteúdos subjetivos, a expressão parece ser uma atividade perceptivamente guiada, em que o artista, através do modo como organiza e apresenta os diversos elementos de sua obra, evidencia nela forças vivas e dinâmicas.

O cinema autoriza múltiplas formas de representar e interpretar a realidade. Além de permitir a fruição estética, significa também uma oportunidade para pensarmos e refletirmos sobre o real. Sob o ponto de vista educativo, assume-se como fonte relevante para desenvolver capacidades críticas, estéticas e criativas, além de contribuir para a aquisição de conhecimentos e competências curriculares e vitais. Sob um prisma social, contribui para a discussão de perspetivas, ideais e comportamentos, alimentando a pertença ou a diferenciação entre indivíduos, grupos e comunidades. Assim, o cinema mostra-se como um ator e agente incontornável nas negociações entre o homem e o seu mundo, permitindo diálogos, expressões e experimentações da realidade que alimentam o progresso, a mudança e a reflexão sobre quem somos, de onde vimos e para onde vamos.