Search

Different economic and social crises in recent decades in Spain have driven alternative models of access and housing production to the conventional ones promoted by the inhabitants. This paper conducts an exploratory study to define the historical framework in which these phenomena appear and establish a classification according to their main characteristics. Through a review of specialised literature, the fundamental concepts necessary for an initial categorisation of these processes have been selected. It has been concluded that there are two fundamental categories: one seeking a solution to emergency situations and the other seeking consolidation over time. The most representative cases have been selected to illustrate the different categories through an online search and visits to four of these projects. This analysis aims to fill a gap in the knowledge of the current Spanish housing system, related mainly to the form of tenure of main-dwelling, concerning these alternative models, which could allow the development of new measures to correct existing problems., Diferentes crisis económicas y sociales en las últimas décadas en España han impulsado modelos de acceso y producción de vivienda alternativos a los convencionales y promovidos por las personas habitantes. El objetivo de este trabajo es realizar un estudio exploratorio que permita definir el marco histórico en el que aparecen estos fenómenos y establecer una clasificación según sus principales características. A través de la revisión bibliográfica especializada, se han seleccionado los conceptos clave necesarios para realizar una categorización inicial. Se ha concluido que existen dos categorías fundamentales: una que busca una solución a una situación de emergencia y otra que busca consolidarse en el tiempo. Se han seleccionado los casos más representativos para ilustrar las diferentes categorías a través de una búsqueda online y la visita a cuatro de estos proyectos. Este análisis pretende cubrir un vacío en el conocimiento del actual sistema de vivienda español, principalmente relaciona con la forma de tenencia de las viviendas principales, en relación a estos modelos alternativos, lo que podría permitir el desarrollo de nuevas medidas para corregir los problemas existentes.

[Resumen] La medicina y la arquitectura tienen al ser humano como objetivo último de su razón de ser. Ambas disciplinas buscan satisfacer necesidades fundamentales como la salud, la seguridad, el confort o bienestar, permitir formar una familia en un entorno seguro y, en definitiva, configurar un hábitat sostenible y sobre todo saludable.

The work and thought of the Basque sculptor Jorge Oteiza (b. Orio, 1908 – d. San Sebastian, 2003) is an omnipresent reference point in the historiography of modern Spanish architecture. Since the Jorge Oteiza Museum Foundation was opened shortly after his death, a great number of studies have been published about him, mainly in Spanish and Basque. Oteiza’s artistic career was closely connected to the postwar Spanish architectural scene. During the 1950s, he participated in numerous projects and architecture competitions and published his work in specialised journals and magazines in the field. Spain was at that time under the regime of General Franco and, as a consequence of the Civil War (1936–9), the country was suffering an economic crisis that affected culture, art, and architecture.

[Resumen] Durante la segunda mitad de los años ochenta, Francisco Javier Sáenz de Oíza se enfrenta simultáneamente a dos grandes proyectos culturales que se construyen sobre/en una arquitectura previa: el Centro Atlántico de Arte Moderno en las Palmas (1985-89) y el Centro Cultural Alhóndiga de Bilbao (1988-90). En ambos proyectos se vacía el edificio existente, manteniendo sus fachadas reconocibles, e implementando una nueva estructura que aloja un uso distinto al original, que puede tanto respetar y adaptarse a los límites formales marcados por viejo edificio como rebasarlos. Como marco teórico-conceptual para Sáenz de Oíza se identifican las ideas de Collin Rowe en su libro Ciudad Collage (1981 ed. en castellano), en el que se defiende este tipo de bricolaje urbano, donde lo viejo es mantenido -en oposición a las ideas del Movimiento Moderno- y se articula libremente con lo nuevo. Desde esa perspectiva, se examinan los dos casos de estudio -la propuesta final de la Alhóndiga y lo construido en Las Palmas- centrados en las fachadas como vestigio del pasado y el vacío como generador de los proyectos. Se establecen conexiones, paralelismos y divergencias de la misma estrategia proyectual empleada por Sáenz de Oíza basada en el collage y la descontextualización promulgados por Rowe.

[Resumen] Se establecen las relaciones entre las esculturas-pabellón (1968-97) y la Escuela de Ulm (1953), obras del polifacético artista y arquitecto Max Bill. Para ello se realiza un análisis gráfico de las mismas, estudiando el lugar, las circulaciones y la composición espacial. El hallazgo es la existencia de una relación en el modo de proyectar las diferentes disciplinas y la influencia de la arquitectura sobre la escultura en el caso de estos ejemplos. Por otro lado, se detecta una presencia abstracta en la obra de un defensor del arte concreto, que a priori rehúye del símbolo. También se hallan conceptos historicistas en un heredero de los principios modernos de la Bauhaus, fundamentos que actualiza creando la Escuela de Ulm., [Abstracr] In this article we explore the links between the Pavilion-Sculptures (1968-97) and the Ulm School of Design (1953), both of which formed part of the work of the multitalented artist and architect Max Bill. Through a graphic analysis, we study aspects such as location, movement, or spatial composition in his work, discovering the existence of a connection in the way he planned projects in different disciplines, and the influence of architecture on his sculpture in these two cases. We detect an abstract and historicist presence in the work of this defender of “concrete art,” who, a priori, avoided symbols. Historicist concepts are also found in the work of this artist, heir to the modern principles of the Bauhaus, which he updated to create the Ulm School of Design.

[EN] In this article we explore the links between the Pavilion-Sculptures (1968-97) and the Ulm School of Design (1953), both of which formed part of the work of the multitalented artist and architect Max Bill. Through a graphic analysis, we study aspects such as location, movement, or spatial composition in his work, discovering the existence of a connection in the way he planned projects in different disciplines, and the influence of architecture on his sculpture in these two cases. We detect an abstract and historicist presence in the work of this defender of “concrete art,” who, a priori, avoided symbols. Historicist concepts are also found in the work of this artist, heir to the modern principles of the Bauhaus, which he updated to create the Ulm School of Design., [ES] Se establecen las relaciones entre las esculturas-pabellón (1968-97) y la Escuela de Ulm (1953), obras del polifacético artista y arquitecto Max Bill. Para ello se realiza un análisis gráfico de las mismas, estudiando el lugar, las circulaciones y la composición espacial. El hallazgo es la existencia de una relación en el modo de proyectar las diferentes disciplinas y la influencia de la arquitectura sobre la escultura en el caso de estos ejemplos. Por otro lado, se detecta una presencia abstracta en la obra de un defensor del arte concreto, que a priori rehúye del símbolo. También se hallan conceptos historicistas en un heredero de los principios modernos de la Bauhaus, fundamentos que actualiza creando la Escuela de Ulm.

[Resumen] "A Vila do Mañá" es un proyecto que se está desarrollando mediante talleres de una semana en los Ayuntamiento de Galicia, hasta el momento se ha desarrollado en Rianxo, Ames, Verín, A Pobra do Caramiñal, Mondoñedo y Riveira. Es realizado por el equipo de PØSTarquitectos, financiado desde los diferentes Concellos, y recibe el apoyo de la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de A Coruña (ETSAC), del Colegio Oficial de Arquitectos de Galicia (COAG), de la Asociación para a Defensa do Patrimonio Cultural Galego (APATRIGAL) y contando con el aporte de material de la empresa TEAIS. "La ciudad del mañana" es un proyecto educativo cuyo objetivo es que desde la infancia y a través del juego se tome conciencia de todas las escalas de lo común: la arquitectura, el patrimonio, el urbanismo y el paisaje. El objetivo principal es que la infancia y la adolescencia estén presentes de forma activa en los procesos de construcción del espacio común (plaza, barrio, ciudad), dotándolos de las herramientas necesarias para desarrollar su creatividad, desde el arte y la arquitectura. El fin es provocar en ellos el despertar de una nueva mirada sobre los espacios en los que desarrollan su vida. Se espera poder introducir próximamente esta actividad de “Aprendizaje y Servicio” dentro de la estructura docente, formal o no, de la Escuela de Arquitectura, puesto que son estudiantes de arquitectura de los últimos cursos los que realizan los talleres. No se trata de solo llevar la arquitectura a los niños, sino llevar a los arquitectos a los niños, a que interactúen con ellos, que se produzca un intercambio de conocimiento. Por ello, es importante este contacto entre diferentes generaciones en un aprendizaje bidireccional, pues los estudiantes de arquitectura aprenden enseñando y, al mismo tiempo, realizando un servicio a la sociedad., [Abstract] How can we recover the identity of the city? How can the city be a meeting or exchange place again? How can we feel safe again inside our homes, in the neighborhood, in the city? How can we make of the city is our place? What should we do so that the city stops being something associated with dirty, gray, monstrosity? These are the issues that we deal with “The City of tomorrow”. “The City of tomorrow” is an educational project whose objective is to make aware of all the scales of the common: architecture, heritage, urban planning and landscaping, since childhood and through games. The project presents through a week of workshops in different town halls in Galicia, which are carried out by the PØSTarquitectos team, with the support of ETSAC (Architecture University), COAG and APATRIGAL. The main goal of our project is to make childhood and adolescence is actively present in the construction process of public space (squares, neighborhoods, cities) providing children and teenagers with the necessary tools to develop their creativity through art and architecture. The purpose is to raise a certain curiosity in them and to awaken their interest in the spaces where urban life is evolving.

Eduardo Delgado Orusco y Javier ViverEl Faro / The LighthouseRU books, Málaga, 2016, 132 páginas.Idiomas: castellano/ inglés. 21 x 21 cm. Cubierta blanda. 15 €. ISBN: 978-84-944786-1-1

Durante el curso 2015-2016, la villa de Sada se convirtió en un laboratorio de experiencias arquitectónicas y urbanas para el alumnado y el profesorado del segundo curso de la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de la Universidad de A Coruña. El presente libro se estructura en dos grandes líneas de investigación: una ligada al hecho proyectual, estético e interdisciplinar de la arquitectura, y otra centrada en el desarrollo urbano desde su evolución histórica hasta temas ambientales o de planeamiento.

In this article, the Portuguese architect João Mendes Ribeiro explores the connections between architecture and set design. Drawing on his wide experience, he talks about the diff erences, the processes and the methods shared by both disciplines, and those that clearly set them apart. Off ering a critical perspective of his architectural and set design projects, from his early beginnings through to his latest work in the fi eld of restoration, he identifi es relationships and traces their development. Taking an architectural approach and going beyond a chronological overview, this article off ers an insight into how elements of set design have been incorporated into his buildings., Entrevista ao arquitecto portugués João Mendes Ribeiro na que se profundiza nas conexións entre a arquitectura e a escenografía. Dende a súa ampla experiencia, fala das diferenzas, dos procesos e metodoloxías que son común a ámbolas disciplinas e aqueles aspectos que claramente as diferencian. Repasando criticamente os seus proxectos arquitectónicos e de escenografía, dende os seus inicios ata as súas últimas obras ligadas á rehabilitación, establécense relacións e trázase a súa evolución. Máis alá dunha lectura cronolóxica, esta revisión permite entender, dende a súa ollada como arquitecto, as transferencias da escenografía ás súas obras construídas

[EN] The Jorge Oteiza Foundation Museum in Alzuza (Navarra, Spain) was designed by the architect Francisco Javier Sáenz de Oíza, with the sculptor Jorge Oteiza intervening in the architectural decisions at particular moments. The building marked the conclusion of a series of collaborations between them, beginning in the early 1950s, marked by an intense convergence between art and architecture. The building contains and interacts with the artistic works in a powerful way, but at the same time with great care and awareness, demonstrating the extent to which Sáenz de Oíza understood the sculptural work of Oteiza. This article explores the connection between the museum (2003) and the artistic experiments of the sculptor in pieces called “Light Wall” (1956), made using glass models and collages whose main references are the Suprematist paintings of Malevich. Sáenz de Oíza made use of Oteiza’s artistic concept, which took shape in the fabric of the architecture. Le Corbusier’s chapel in Ronchamp serves as a bridge between their ideas, a reference found in Oteiza’s sculptural experiments and in his text Experimental Proposal (1957) and in the architecture proposed by Sáenz de Oíza for the museum, [ES] La Fundación Museo Jorge Oteiza en Alzuza (Navarra, España) es obra del arquitecto Francisco Javier Sáenz de Oíza en la que, en ciertos momentos, el escultor Jorge Oteiza intervino en las decisiones arquitectónicas. Este edificio concluye una serie de colaboraciones entre ambos, que se iniciaron en los primeros años cincuenta, en las que arte y arquitectura confluyen con gran intensidad. El contenedor arquitectónico acoge e interacciona con las piezas artísticas de una forma potente, pero, al mismo tiempo, con gran cuidado y una consciente intención que demuestran cómo Sáenz de Oíza comprendía la obra escultórica de Oteiza. En el artículo se establece la conexión entre el Museo (2003) y los experimentos plásticos del escultor en su piezas denominadas “Pared luz” (1956), realizadas mediante maquetas de vidrio y collages y que tienen como referencia las pinturas suprematistas de Malévich. Sáenz de Oíza recurre a este concepto plástico de Oteiza que toma cuerpo en la propia materialidad de la arquitectura. Como puente entre las ideas de ambos se establece la Capilla de Ronchamp de Le Corbusier, referencia tanto en los experimentos escultóricos oteizianos y su texto Propósito Experimental (1957) como en la arquitectura propuesta por Sáenz de Oíza para el Museo.

[EN] In 1953, Jorge Oteiza read Bruno Zevi’s book Architecture as Space. How to look at Architecture, making notes and drawings in his copy, which is preserved in his personal library. This reading had an influence on the architectural projects he was developing at that time, both in interiors such as the Córdoba Chamber of Commerce, or exteriors such as the façade of the Basilica of Aránzazu. From its analysis, this reading can be considered as a key point in the evolution of the sculptor’s relationship with architecture, as it led him to consider space as a common material, allowing him to progress in both disciplines., [ES] En el año 1953 Jorge Oteiza lee el libro Saber ver la Arquitectura de Bruno Zevi, dibujando y anotando reflexiones en su ejemplar, conservado en su biblioteca personal. Esta lectura le influye directamente en sus trabajos que estaba realizando en la arquitectura, bien en el interior, como en la Cámara de Comercio de Córdoba, o bien en la fachada exterior, como en la Basílica de Aránzazu. A partir de su análisis, se establece que esta lectura es uno de los punto clave en la evolución de la relación del escultor con la arquitectura, que le lleva a la compresión del espacio como material común, permitiéndole avanzar en ambas disciplinas

The proposal is to analyse critically the development of the Workshop, an educational space shared by several subjects in the Architecture Degree, during the first five years of implementation in the Escuela Técnica Superior de Arquitectura de la Universidade da Coruña (ETSAC). Specifically focused in the second course and from the point of view of the Architecture Project subjects, has the Workshop improved the training of the project? An analysis of the different teaching methodologies implemented is carried out, as well as of the diverse approaches of the student’s works, of the internal functioning and the management of the teaching staff, of the variations in the contribution of all the subjects involved, of the connections and overlapping with the own subject’s workshop, of the student learning and academic performance obtained. The difference between what is stated in the Study Plan and what is happening in the classroom day by day., Se propone realizar un análisis critico del desarrollo del Taller, un espacio de enseñanza compartido por varias asignaturas, en el Grado en Arquitectura durante sus cinco primeros años de funcionamiento en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de la Universidade da Coruña (ETSAC). Específicamente centrado en el segundo curso, y desde la perspectiva de las asignaturas de Proyectos Arquitectónicos, ¿el Taller ha mejorado la enseñanza del proyecto? Se analizan las diferentes metodologías docentes empleadas, los enfoques de los trabajos desarrollados por el alumnado, el funcionamiento interno y gestión de los diferentes equipos docentes, variaciones en el aporte de cada una de las asignaturas implicadas, conexiones y solapamientos con el taller propio de cada asignatura, el aprendizaje del alumnado y los resultados académicos obtenidos. Se visibilizará la diferencia entre lo escrito en el Plan de Estudios y aquello que sucede en el día a día del aula.

The recreation of the trip made by the sculptor Jorge Oteiza from Irún to the Brussels Universal Exposition (Belgium, 1958) makes it possible to know the architecture he visited, which are listed in the documentary material available in his archive. The aim is to determine the influence that those architectonical experiences represented in his thinkings and projects. The way of integrating art and architecture that Oteiza defends, pointing out the example of the Pavilion of Finland by Reima Pietilä; but he rejects pavilions based on boastful structures (French pavilion) or those built on the idea of total transparency (German pavilion), as well as the artistic montages shown on the basis of lights, sounds and movement. It is also established the direct influence that the Pavilion of Austria, by Karl Schwanzer, had on the architectonical project he was developing at that time with the architect Roberto Puig for the Monument to Batlle in Montevideo. By this, it is confirmed the existing link between Oteiza and the architecture during the 50’s, not only as a collaborator but as a creator since he developed creative sculptural and architectural projects based on those issues and architectonic references discovered in his trip to the Expo’58., La reconstrucción del viaje del escultor Jorge Oteiza desde Irún hasta la Exposición Universal de Bruselas (Bélgica, 1958) permite establecer qué arquitectura visitó, gracias al material documental conservado en su archivo. El objetivo es determinar la influencia de estas experiencias arquitectónicas en sus ideas y proyectos. En la Exposición reconoce en el Pabellón de Finlandia, obra de Reima Pietilä, el modo de integración del arte y de la arquitectura que él defiende; pero rechaza pabellones basados en alardes estructurales (pabellón francés), aquellos que se apoyan en una trasparencia total (pabellón alemán) o los montajes artísticos que impliquen luces, sonidos y movimiento. Se establece la influencia directa del Pabellón de Austria, obra de Karl Schwanzer, en el proyecto arquitectónico que estaba desarrollando en ese momento, junto con el arquitecto Roberto Puig, para el Monumento a Batlle en Montevideo. De este modo, se constata la conexión de Oteiza con la arquitectura du­rante los años cincuenta, no solo como colaborador, sino como creador, puesto que desarrolla procesos creativos, tanto escultóricos como arquitectónicos, que parten de cuestiones y referencias arquitectónicas descubiertas en su viaje a la Expo’58 de Bruselas.

Resumen: En 1964 Giulio Carlo Argan impartió tres conferencias en Madrid bajo el título “Situación y problemáticas del Arte contemporáneo” a las que asistió e intervino Jorge Oteiza. Desde material original e inédito, se repasan sus reflexiones sobre la segunda conferencia: “Proyecto y tecnología en el arte y la arquitectura”. Se analizan y comparan las ideas de ambos en tres aspectos: la Ley de los Cambios aplicada a la arquitectura y a determinados arquitectos; la estética y la ética en el campo arquitectónico; y la integración del arte y la arquitectura y su distinción de la ingeniería. Fruto de estos coloquios y propiciado por el debate que existía sobre la enseñanza de la arquitectura en Madrid, Oteiza propuso una Nueva Escuela de Arquitectura e Investigaciones Estéticas Comparadas. Así, se busca ampliar el estudio de la influencia de Argan en la arquitectura española, en la que Oteiza participaba con clara actitud propositiva., In 1964, Giulio Carlo Argan gave three lectures in Madrid under the title “Status and Problems of Contemporary Art”. Jorge Oteiza attended the lectures and took an active part in them. Drawing on original and unpublished material, this paper looks at his thoughts on the second lecture, entitled “Design and Technology in Art and Architecture”. It analyses and compares the ideas of both authors from three standpoints: the “law of changes” as applied to architecture and certain architects; aesthetics and ethics in the field of architecture; and the integration of art with architecture rather than with engineering. As a result of these discussions, and prompted by the existing debate on the teaching of architecture in Madrid, Oteiza proposed a New School of Architecture and Comparative Aesthetics. This paper thus aims to expand on the study of Argan’s influence on Spanish architecture, a field in which Oteiza was proactively involved.

El avance de la arquitectura española en la década de los años cincuenta se debió, entre otros factores, a las colaboraciones e intercambios entre arquitectos y artistas, de los cuales el escultor Jorge Oteiza es una figura de referencia. En esa década, al mismo tiempo que desarrollaba su proceso experimental en la escultura, participó en el mundo arquitectónico interviniendo tanto en numerosos proyectos -con diferente grado de implicacióncomo en la construcción de un discurso teórico centrado en el modo de integración del arte y la arquitectura partiendo del espacio como materia común. Durante el año 1958 Oteiza reflexiona sobre la ciudad que, al igual que su escultura conclusiva (cajas vacías, cajas metafísicas), es entendida como espacio desocupado de formas, pero con la suficiente potencia para cumplir una función de servicio a las personas, material y espiritual. Una ciudad que, frente a la ocupada por formas, artilugios, publicidad acoge vacíos transformados en espacios receptivos, que tienen cualidades más allá de la materia arquitectónica que la rodea y donde se desarrolla la vida política y espiritual de sus habitantes. Aparecen en su propuesta para el Monumento a José Batlle en Montevideo y en intervenciones posteriores: “Frente al tipo de plaza cerrada y ocupada que se repite [la plaza] se abriría desocupada y receptiva. Estéticamente en su comportamiento correspondería al de una inmensa estatua vacía, facilitando al máximo la libertad de circulación del ciudadano, una posibilidad de reposo espiritual e incluso de reflexión” (Oteiza, Monumento al Foguerer en Alicante, 1972). Actualmente asistimos a un debate tenso sobre el espacio público y la participación social en su configuración y utilización. Nuevas formas de uso están siendo demandadas y ejecutadas por parte de la ciudadanía y, al mismo tiempo, se impone una ocupación formal unida a la privatización de ese espacio y a un control por parte de otros poderes. Hoy en día, la plaza, como fundamento de l

This paper analyses the mural projects of Basque sculptor Jorge Oteiza on façades and internal walls between the years 1951-58. At first, he dealt with walls as ground planes on which to execute his sculptures, finally viewing them as an empty plane with spatial possibilities, defined by the minimum forms and the action of natural light. Based on original, previously unpublished material, we explore the evolution of this work with the aim of establishing to what extent this process was marked by the architecture on which his work was executed, by the architects with whom he collaborated, or the stage of his sculptural experimentation with which they are associated. We show that apart from the presence of an architect, there is a correlation between the way in which the reliefs were applied to the wall and the work carried out on the space where the project was created: the larger the spatial work on the wall, the greater the relationship with the space within which it was inserted, at every scale, from the interior of the architecture to the urban space., Se analizan los trabajos murales de Jorge Oteiza realizados en diversas arquitecturas, bien en fachadas, bien en paramentos interiores, dentro del periodo 1951-1958. Inicialmente trata el muro arquitectónico como un plano-masa sobre el que sitúa sus intervenciones, hasta finalmente entenderlo como un plano vacío con posibilidades espaciales, definido por las mínimas formas y por la acción de la luz natural. Partiendo de material original e inédito, se determina la evolución de estos trabajos con el fin de establecer en qué medida este proceso viene marcado por la arquitectura en la que se ubica el trabajo, por los arquitectos con los que colabora, o por la fase de experimentación escultórica en la que se encuentra. Se demuestra que, al margen de la presencia de un arquitecto, existe una correlación entre el tratamiento del muro con relieves y el trabajo con el espacio en el que se ubica la intervención: a mayor trabajo espacial en el muro, mayor relación con el espacio en el que se inserta, a todas las escalas, desde el interior de la arquitectura al espacio urbano.

[EN] This paper analyses the mural projects of Basque sculptor Jorge Oteiza on façades and internal walls between the years 1951-58. At first, he dealt with walls as ground planes on which to execute his sculptures, finally viewing them as an empty plane with spatial possibilities, defined by the minimum forms and the action of natural light. Based on original, previously unpublished material, we explore the evolution of this work with the aim of establishing to what extent this process was marked by the architecture on which his work was executed, by the architects with whom he collaborated, or the stage of his sculptural experimentation with which they are associated. We show that apart from the presence of an architect, there is a correlation between the way in which the reliefs were applied to the wall and the work carried out on the space where the project was created: the larger the spatial work on the wall, the greater the relationship with the space within which it was inserted, at every scale, from the interior of the architecture to the urban space., [ES] Se analizan los trabajos murales de Jorge Oteiza realizados en diversas arquitecturas, bien en fachadas, bien en paramentos interiores, dentro del periodo 1951-58. Inicialmente trata el muro arquitectónico como un plano-masa sobre el que sitúa sus intervenciones, hasta finalmente entenderlo como un plano vacío con posibilidades espaciales, definido por las mínimas formas y por la acción de la luz natural. Partiendo de material original e inédito, se determina la evolución de estos trabajos con el fin de establecer en qué medida este proceso viene marcado por la arquitectura en la que se ubica el trabajo, por los arquitectos con los que colabora, o por la fase de experimentación escultórica en la que se encuentra. Se demuestra que, al margen de la presencia de un arquitecto, existe una correlación entre el tratamiento del muro con relieves y el trabajo con el espacio en el que se ubica la intervención: a mayor trabajo espacial en el muro, mayor relación con el espacio en el que se inserta, a todas las escalas, desde el interior de la arquitectura al espacio urbano.

[Resumen] El objetivo de esta Tesis doctoral es profundizar en la relación entre Jorge Oteiza y el mundo arquitectónico, tanto desde los proyectos y colaboraciones en los que participó, como a través de sus propios escritos y su pensamiento. El estudio de esta faceta del escultor se plantea como un reflejo del proceso experimental que desarrolló desde su vuelta a España, en el año 1948, hasta el abandono de su investigación escultórica en 1960. Ha sido fundamental el retorno a las fuentes originales con el fin de recuperar, en estado puro, el trabajo de experimentación de Oteiza. Esta investigación se apoya en el material hallado en su archivo personal, lo que ha permitido acceder a su pensamiento directo y reflexiones inéditas sobre cuestiones arquitectónicas. Se analiza el trasvase de ideas, en ambos sentidos, entre el escultor y la arquitectura de los años cincuenta, en la que participó no como un mero observador desde lo escultórico, sino como activo creador. Se ha comprobado que el desarrollo de las ideas de Oteiza está ligado a lo arquitectónico, entendido como todo aquello que atañe al mundo de la arquitectura, no solo lo construido. Para ello se determina el grado de participación de Oteiza en lo arquitectónico y se estudia su evolución. Al mismo tiempo, se establecen las relaciones e influencias de Oteiza y el mundo del pensamiento arquitectónico, concretando las fuentes que constituían el mundo referencial del escultor. De forma paralela, se tiene en cuenta la evolución de sus esculturas comprobando si se relacionan con cuestiones ligadas a la arquitectura. Este análisis abarca y conecta todas las escalas posibles: de la escultura, ligada a conceptos espaciales, a la ciudad entendida como espacio urbano. Desde el punto de vista, el de la creación de espacios, para Oteiza la escultura y la ciudad comparten propósitos y tienen el mismo fin. Con esta nueva mirada, desde lo espacial (escultura, arquitectura y ciudad) se pretende recuperar sus ideas, su proceso

[Resumen] Entrevista a la arquitecta catalana Carme Pinós en la que nos habla de la arquitectura como un acontecimiento festivo ligado a la vida. Identifica sus proyectos, situados en entornos muy diversos y de diferentes escalas, como una respuesta específica al contexto, poniendo en valor el trabajo en equipo de su estudio. A través de sus obras reivindica el compromiso social de la profesión, situándolo en primer término cuando habla de su papel como docente y demandando un papel activo de las escuelas de arquitectura en su recuperación, [Abstract] We offer an interview with the Catalan architect Carme Pinós, in which she talks about architecture as a festive event linked to life. She identifies her projects, located in a wide variety of environments and on different scales, as a specific response to the context, placing special emphasis on the teamwork carried out by her studio. Through her designs she asserts the social commitment of the profession, prioritising it when she speaks about her role as a teacher, and calling for an active role by schools of architecture in its recovery

[Resumen] Entrevista a la arquitecta de origen hindú Anupama Kundoo que desarrolla su trabajo profesional, investigador y docente, de una manera fuertemente interconectada. Su trabajo parte de dos premisas: el bajo impacto para el medioambiente de sus propuestas y la fuerte conexión que establece con el contexto socioeconómico en el que se desarrollan. Además, ha desarrollado su trabajo en diferentes contextos culturales de todo el mundo, lo que le otorga una mirada amplia a las cuestiones de la arquitectura contemporánea. Desde esta perspectiva, Kundoo representa una aproximación necesaria a la Arquitectura que, diez años después de la crisis económica mundial, se aleja de posiciones del start architect system y se enfrenta al futuro de la profesión desde su actitud personal., [Abstract] Interview with the Indian architect Anupama Kundoo who develops her practice, research, and teaching in a strongly interconnected way. Her works starts from two principles: the low impact for the environment of her proposals and the strong contention that she establishes with the socioeconomic context in which they are. Besides, she has developed her work in different cultural contexts around the world, which gives a wide view to the issues of contemporary architecture. From this point of view, Kundoo reflects a necessary approach of understanding Architecture that, ten years after the global economic crisis, moves away from the positions of the start architect system and faces the profession’s future from her personal attitude.

[Resumen] Entrevista realizada al arquitecto catalán Toni Gironès, cuya obra sirve para ilustrar el concepto “construcción mínima / intervención máxima”. El objetivo es mostrar las cuestiones teóricas que sustentan su proceso de diseño y construcción, como la idea de habitabilidad, que es entendida como una mediación entre los habitantes y el medio en el que viven, con sus características biológicas y ambientales, pero también con unas determinadas prexistencias que se intentan revelar. Situado en el pensamiento analógico y con la intuición personal como herramienta, Gironès proyecta con dos elementos clave: el límite, como espacio de trabajo, y el tiempo, como parte de la construcción de su obra.[Abstract] This is an interview with the Catalan architect Toni Gironès, whose work serves to illustrate the concept of “minimal construction / maximum intervention”. The aim is to explore the theoretical issues that underlie his design and construction process, such as the idea of habitability, seen as a mediation between the inhabitants and the environment in which they live, with their biological and environmental characteristics, but also with certain previously existing aspects he seeks to reveal. Aligned with the concept of analogical thought, with personal intuition as a tool, Gironès designs by making use of two key factors: limits, as a working space, and time, as a part of the process of building his creations