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Este artigo tem como escopo a análise musical do primeiro movimento da Sonatina para violão de Sérgio Vasconcellos-Corrêa, além de investigar suas implicações na interpretação musical por meio de experimentações práticas, visando a performance. Partimos do pressuposto de que um exame aprofundado da obra pode enriquecer o processo criativo do intérprete, fornecendo embasamento teórico para suas experimentações e contribuições musicais. Autores como Rink (2007), Cook (1999) e Rothstein (1995) constituem o referencial teórico em uma breve reflexão sobre análise, interpretação e performance musical. O método analítico proposto por John White (1976) foi empregado, subdividindo o processo em microanálise, análise intermediária e macroanálise. Os resultados demonstram a relevância da análise como uma ferramenta importante, fornecendo dados para experimentações práticas que abrangem desde elementos menores, como relações motívicas, passando por questões fraseológicas, até questões mais amplas, como movimentação harmônica e forma musical.

A viralização de músicas através de plataformas de streaming e redes sociais é comum, mas nem todas as músicas virais se tornam sucessos. Neste contexto, nosso objetivo é descobrir o que difere as músicas virais dos hits para além da definição. Nós utilizamos uma metodologia quantitativa em paradas de sucesso do mercado brasileiro. Comparamos músicas de sucesso e virais quanto às suas características intrínsecas e extrínsecas, e os resultados revelam diferenças significativas entre elas. Características como gêneros musicais, tópicos das letras e emoções surgem como elementos cruciais para distinguir tais canções no contexto brasileiro. Além disso, características temporais indicam diferenças nos processos de difusão entre hits e virais. Em geral, este estudo oferece percepções sobre o consumo de música no Brasil, revelando a conexão entre as características das músicas e seu sucesso e viralização em plataformas de streaming.

O presente estudo tem como objetivo mapear as potencialidades e limitações da impressão 3D na fabricação de instrumentos musicais, com foco no ensino de música. Este estudo constitui uma revisão sistemática da literatura, conduzida utilizando a abordagem do Methodi Ordinatio. As buscas foram conduzidas em março de 2023 nas bases de dados Web of Science, ScienceDirect, Scopus e SciELO. Durante a pesquisa, foi empregada a combinação de termos-chave "Printed musical instruments", "Science and technology in 3D" e "music teaching" articulados pelo operador booleano AND. O corpo de pesquisa final compreendeu um total de 11 artigos. Constatou-se que é crescente o uso da impressão 3D na fabricação de instrumentos musicais. Os estudos analisados abordam aspectos como qualidade sonora, materiais e técnicas. Conclui-se que a impressão 3D tem potencial na fabricação de instrumentos, promovendo inovações em design, qualidade e acessibilidade, especialmente na música inclusiva, com oportunidades adicionais pela integração com eletrônica.

O artigo analisa as versões homônimas de Di-stances, de Vânia Dantas Leite: música sobre suporte fixo, e audiovisual, realizadas a partir de desenhos de Paulo Garcez. Contextualiza a primeira versão, de 1982, em duas vertentes da música contemporânea: a acusmática e a experimental. Problematiza, a partir de um texto inédito da compositora, aproximações e distanciamentos a cada campo, seja por ter na leitura musical dos desenhos de Garcez seu principal mote, seja por ser realizada em suporte fixo. A partir de uma análise da obra audiovisual, discute as interpretações dos desenhos de Garcez, afirmando a hipótese, embasada por Bayle, Garcia e Caesar, de que há uma confluência entre as imagens sonoras e visuais na versão acusmática. Evidencia ainda que, por se tratar de uma animação a partir dos desenhos sobre a música anteriormente composta, a versão audiovisual explicita essa equivalência, sendo um exercício estético sobre a obra acusmática.

Not applicable.

Este estudo propõe analisar as Três Sátiras para Piano de José Alberto Kaplan à luz da intertextualidade. A discussão é norteada por autores como Klein (2005), Kaplan (2006), Fonseca (2005) Gomes (1985) e Hatten (1985). Os objetivos da investigação consistem em compreender as múltiplas referências de contrastes estilísticos e estéticos utilizadas pelo compositor e explorar as conexões entre tais elementos. Além disso, a investigação visa contribuir para o aprimoramento de aspectos interpretativos associados a partir da análise das referências intertextuais. Através de uma abordagem analítico-comparativa, são examinados aspectos musicais heterogêneos que conferem peculiaridade às suas obras. Ao estabelecer essas interrelações, o trabalho contribui para a elaboração da performance e para a compreensão da obra.

O objetivo desta pesquisa foi investigar as estratégias de prática que uma pianista expert utilizou enquanto aprendia uma nova música a partir de uma melodia cifrada. Duas sessões de prática foram realizadas, ambas envolvendo a aplicação do protocolo think-aloud concorrente, na qual a pianista relatava verbalmente seus pensamentos enquanto aprendia a música e do think-aloud retrospectivo, aplicado minutos depois, no qual ela assistia à gravação de sua própria performance. As sessões foram gravadas, transcritas e submetidas a uma análise de conteúdo. Os resultados mostraram 15 estratégias de prática utilizadas pela pianista, que foram categorizadas com base em componentes de codificação de informações na memória. Observou-se, ainda, que o aprendizado da música escolhida envolveu estratégias distintas em relação à aprendizagem de músicas por partitura. O uso dessas estratégias pode fornecer ferramentas pedagógicas a serem utilizadas por professores e estudantes de piano para o aprendizado de músicas a partir de melodias cifradas.

O objetivo deste artigo é identificar, com base numa teoria psicoacústica, o tipo de experiência sonora da narrativa The Midnight gospel (2020), abordando-a enquanto elemento que confere profundidade e multidimensionalidade à narrativa. Recorre-se à noção de níveis de realidade e à ideia de sonosfera para analisar o universo sonoro da série, de modo a elucidar o jogo de imersão musical, vocal e eletrônica que põe à prova a atenção da audiência. As conclusões levam a três aspectos importantes do alcance cognitivo, pedagógico e psicológico da série em análise cujo título já prediz que seus autores querem dar uma “boa notícia à meia-noite”. 1) Percebe-se que, se por um lado, a complexidade sonora mergulha o espectador no ambiente narrativo, ela também o convida a um esforço cognitivo de atenção e compreensão que o retira da condição imersiva. 2) Pedagogicamente, medita-se ouvindo música ou pronunciando sons, amplia-se a percepção fruindo variados repertórios musicais; abre-se o corpo à ampliação da consciência e à escuta do daimon. 3) a imersão musical, o retorno à protomúsica e o “efeito sereia” aparecem como estimulantes psíquicos capazes de devolver ânimo e entusiasmo para a própria existência do personagem, mas também, por um processo de identificação, da audiência.

José Luis Perales (Castejón, Cuenca, España, 1945) se despidió de los escenarios en una extensa gira que tuvo lugar entre 2021 y 2022. El compositor, cantante y escritor dijo adiós a los escenarios tras superar el medio siglo de carrera musical y grabar veintisiete álbumes de estudio. Este artículo tiene como objetivo principal analizar las canciones que el conquense interpretó en sus dos conciertos en Cuenca, que tuvieron lugar el 20 y 21 de agosto de 2021. En el listado, compuesto por veintitrés canciones, incluyó los temas “Y cómo es él” y “Baladas para una despedida” que aparecen en el título de esta propuesta, se comparará con el que defendió en otras ciudades dentro de la misma gira. Además, se atenderá a su disco de procedencia, estilo, producción, discográfica, sentido de masculinidad y a las referencias sobre el ámbito rural y las ciudades pequeñas que planteó e incluyó en las mismas. Para ello, se parte de un estudio de caso que se fundamenta en una investigación cualitativa, analítica, estilística y descriptiva de las canciones ofrecidas en estas citas, sus grabaciones de procedencia, discográfica, productores originales y una entrevista directa que su hijo, Pablo Perales, director artístico de esta gira y de estos conciertos, brindó al investigador. Por supuesto, también se tiene en cuenta la literatura existente en ámbitos académicos sobre el conquense.

En la actualidad existen una gran cantidad de espacios donde se interpreta música. Estos lugares podrían dividirse en dos grandes grupos: las construcciones proyectadas específicamente para hacer música -los auditorios, los teatros de ópera, las salas para música de cámara- y los sitios que son utilizados por los músicos o propuestos por los compositores pero que fueron concebidos inicialmente para otro uso, los que podríamos llamar "ambientes acústicos" -un espacio público abierto o cerrado, una iglesia, un galpón, un estadio, un bar-. Los espacios que conforman estos dos grupos se comportan de manera diferente; sin embargo, en la práctica musical actual se usan casi de manera indistinta. En este trabajo detallaremos el comportamiento acústico de espacios no estándar que se utilizan en la Argentina para representar espectáculos musicales y multimedia o para sitiar instalaciones sonoras.

Compartimos algunas reflexiones emergentes de la participación en la mesa de discusión Los procesos creativos en las artes desde una perspectiva multidisciplinar, en el marco del GAPS2 Seminario Global de Artes y Psicología "Creatividad en la música y las artes" realizado en York, Graz, La Plata y Melbourne, entre el 14 y el 16 de septiembre de 2023. En la mesa de discusión irrumpen múltiples voces, relatos y experiencias que muestran con claridad la diversidad de campos de conocimientos, contextos y momentos donde la creatividad es posible. Las experiencias nos permiten definir a la creatividad como un proceso complejo e indisciplinado, en el que las artes son interpeladas.

Why does music move us? What harmonic resources manage to cause a greater pleasant experience in listeners? The aestheticity of music lies in the repetition of forms, in the recognition of patterns. Composers take advantage of that predictability to play with listeners' expectations. Mastering the technique to cause sweating and piloerection in response to a musical stimulus is of great interest to creatives. Based on the publications of the musical theorist Frank Lehman, specialized in the harmony of the soundtracks of epic millennial cinema, this article analyzes some harmonic cadences present in different audiovisual formats to agree that it is in the violation of expectations through chromatisms and after their subsequent diatonic realignment where the astonishment of the spectators occurs. This research connects classical aesthetics with the psychology of music.

El trabajo pretende determinar el papel que puede desempeñar la música juvenil marroquí en la construcción de un ideal identitario disidente. Partiendo del análisis del discurso musical de varios grupos contraculturales buscamos caracterizar el papel de sus formulaciones subversivas de nociones como la pertenencia y la identidad para crear fisuras en la construcción canónica de todo el paradigma cultural. Pretendemos llegar a la conclusión de que tal labor marginal y erosiva abre expectativas de cambio a todo el modelo cultural marroquí marcado por patologías y desajustes crónicos que impiden su regeneración y su metamorfosis.

El presente trabajo busca trazar paralelismos entre el cine y la música, desde una perspectiva fronteriza y decolonial. Para ello, se eligieron y analizaron algunas películas, con sus bandas sonoras, así como canciones que resuenan con los temas abordados. Construyendo una mirada transversal del cine a través de la música, se buscó cuestionar o desmantelar categorías cruciales para el cine Occidente-centrado, que aún reflejan una nostalgia colonial y persisten en divisiones ideológicas, como entre el «cine-arte» o cine «moderno» y el «resto». Así, el texto se divide en tres secciones centrales y dos conclusivas: Cine visto por la música inserta epistemológicamente el tema, analizando rizomáticamente las fuerzas horizontales y verticales del cine y de la música; Cine-música modal aborda algunas películas-músicas desde una perspectiva transcultural de la música modal, centrándose en sus ciclos de repetición, transformación, así como de muerte y renacimiento simbólicos; Modal, tonal, atonal aborda los cambios que la música y el cine han enfrentado y engendrado, desde las transformaciones de la música modal en tonal y «atonal»; Pequeña coda resume brevemente el camino trazado a lo largo de la obra y Da capo al fine lo concluye. Se espera que el artículo, de carácter ensayístico, pueda contribuir a enriquecer las reflexiones cinematográficas y de otras artes, sobre todo porque parte de una mirada-escucha no especializada, construida a partir de un arte distinto, la música, lo que considero una poderosa y fecunda forma de encuentro, precisamente porque permite el tránsito transcultural y rizomático entre diferentes artes y saberes.

En este trabajo discuto algunos postulados de la cognición musical encarnada y de la fenomenología del mundo social, con el propósito de describir algunas potencialidades de estas perspectivas para el estudio de la experimentación musical en la infancia a partir del cuerpo. La tesis que sostengo es que ambas posiciones resultan ser enfoques complementarios para el estudio de la experiencia musical y pueden enriquecer sus respectivos campos de conocimiento. Presento los argumentos de la cognición musical encarnada y la fenomenología del mundo social, con el fin de mostrar algunas semejanzas y diferencias. Expongo de qué forma los límites explicativos de la cognición musical encarnada podrían ser solventados por la fenomenología del mundo social y, al mismo tiempo, cómo los aportes teóricos de la fenomenología pueden ser ampliados mediante las interpretaciones del enfoque cognitivo encarnado. Considero que la relevancia de estas reflexiones pueden ser un primer paso hacia la generación de fundamentos más sólidos para el estudio de la experiencia musical infantil en la educación musical, lo que se traduzca en una comprensión más profunda respecto al proceso de aprendizaje de la música en la infancia. Esto implica la necesidad de recurrir a la reflexión filosófica dentro de las contribuciones de la cognición encarnada, a fin de brindar una mayor claridad epistemológica tomando como base la fenomenología del mundo social.

Entre 2018 y 2021 se realizó una macroencuesta en la que participaron cuatro mil sujetos, todos ellos músicos profesionales y en activo, de la tradición llamada clásica y de formación académica, de noventa y seis países diferentes. Se considera que los participantes han de poseer amplios conocimientos y dominio del repertorio musical de los estilos musicales de diferentes épocas históricas, y con ello se pretende conocer la preferencia musical y dilucidar hasta qué punto ésta puede estar condicionada por el repertorio predominante a lo largo de su formación. La pregunta nuclear de esta investigación solicitaba el nombre de cinco compositores y el resultado obtenido mostró una clara tendencia hacia el barroco y el clasicismo, pues el 51,1% de la muestra coincidió citando a tres compositores: Bach, Mozart y Beethoven, reuniendo el 48,9% restante a más de novecientos compositores. La presencia de compositoras es mínima, pues solo un 3,2% del total de las respuestas se decanta por el repertorio compuesto por mujeres. Predomina el repertorio histórico frente al contemporáneo en la formación profesional, algo que puede verse reflejado tanto en la preferencia musical como en la escucha o la interpretación, ocupando en este estudio lugares poco relevantes.

Objetiva investigar pesquisas que abordam a literatura coral goianiense, identificando canções que, em sua essência, refletem aspectos locais e possuem características técnicas, históricas e estilísticas de Goiás. Baseando-se em Sampaio e Mancini (2007) e na ferramenta Parsifal (2023), ambos focados em revisão sistemática, a estrutura deste artigo segue uma sequência que considera o posicionamento de nove estudos em relação a uma lista de qualidade, a um formulário de extração de dados e às questões de pesquisa conforme os dados extraídos. Embora poucos estudos abordem essa literatura, destaca-se a importância do coro para a identidade cultural e histórica do estado. Composta por música clássica, folclórica e popular, seus elementos atravessam tradições que permeiam o imaginário do povo goiano. Possuindo aspectos de relevância (científica, política, pedagógica, social, histórica) e significado, esta pesquisa dará à literatura coral goianiense a visibilidade e importância que ela merece, considerando-a um patrimônio histórico e cultural imaterial do Estado, tema até então inexplorado.

Municipal housing in Vienna, called Wiener Gemeindebau, is gaining new significance in research and cultural work in the discourse on affordable housing in the city and the increasing heterogeneity of urban life. However, it has also been a field imbued with the ideological projections, desires, and anxieties of various political parties. In the revival of the historical myth as a sociopolitical utopia of the so-called Red Vienna period and the simultaneous culturalization of conflicts and precarious living, municipal housing is a sensitive field within which questions of cultural coexistence are constantly negotiated. This article draws on insights gained through fieldwork in the context of the research project “Klingender Gemeindebau” (Sounding out municipal housing), which was conducted in the Anton-Figl-Hof, a medium-sized complex from the late 1950s in Vienna’s fourteenth district. Approaching municipal housing primary through the lens of music consumption, this study examines the potential of music for understanding neighborhood relationships and creating spaces for encounter: How does the diversity of origin, languages, age groups, and interests resonate in the musical preferences expressed by the residents? What role do sound and music play in everyday life and in the ways in which municipal housing is imagined and narrated by its residents? And how does public music consumption affect interpersonal relationships between so-called longtime and new tenants in providing space for both conflicts of non-belonging and inclusive forms of musical sociability?

Nosso objetivo é interrogar certas concepções sedimentadas sobre o Blues e mostrar como estas operaram ruídos semântico-hermenêuticos que, por vezes, impediram uma compreensão mais ampla e complexa desse centenário gênero musical afro-americano. A partir de análises e argumentações que consideram o Blues como uma manifestação dinâmica e processual, buscou-se aprofundar a compreensão estrutural inextricavelmente relacionada a fatores sócio-histórico-culturais. Dessa forma, alguns estereótipos e verdades essencialistas estabelecidas foram colocados em xeque: os que reduzem o Blues a uma forma de canção folclórico-popular essencialmente lamentosa e triste. Estes reducionismos, intencionais ou não, acabaram por excluir análises do Blues mais celebrativo, alegre, malicioso e dançante, ou seja, elementos que vão além das matrizes laborais-religiosas com suas cargas de sofrimento e/ou drama. A partir da pêntade reflexiva composta por estrutura, processo, função, significação e hermenêutica, focamos na busca por conceituações e revisões teórico-analíticas fundamentadas em diálogos transdisciplinares entre Etnomusicologia, Musicologia, História, Antropologia e Sociologia.

A motivação e o engajamento são temas de interesse em diversos estudos teóricos e empíricos. Neste sentido, o presente texto tem como objetivo discutir a relação entre motivação e engajamento em contextos de prática, ensino e aprendizagem de música. Para isso, os conceitos de motivação e engajamento são revisados, assim como a teoria do fluxo para relacionar os temas discutidos no texto. As revisões apresentadas destacam que a motivação e o engajamento interagem de maneira dinâmica, uma vez que a motivação inicial que levou à ação pode ser sustentada pelo engajamento do indivíduo na atividade. Além disso, os processos motivacionais e de engajamento podem ser qualificados de forma a conduzir as pessoas a uma experiência de fluxo. O presente texto também apresenta uma revisão de alguns estudos empíricos sobre a motivação e o engajamento em processos de prática, ensino e aprendizagem de música em diversos contextos como forma de relacionar os aspectos teóricos apresentados com as possibilidades de pesquisas empíricas e aplicações em processos de ensino e aprendizagem.

O texto analisa as lógicas de criação curricular para a formação do músico popular profissional, destacando a proposta da Bituca – Universidade de Música Popular. Esta instituição se apresenta como uma alternativa aos currículos tradicionais, que são estruturados com base na música erudita ocidental, especialmente no Ensino Superior. Foram utilizadas como fontes: documentos produzidos pela escola, entrevistas semiestruturadas com coordenadores e mestres da instituição, além das respostas dos egressos da Bituca a um questionário on-line. As ferramentas teóricas da Teoria dos Códigos de Legitimação permitiram desvelar os princípios organizacionais do currículo e compreender as críticas direcionadas aos cursos superiores de música. Os resultados indicam que a lógica de construção curricular da Bituca visa estruturar um processo de formação do músico popular por meio da imersão prática. Esse processo promove a interação com mestres renomados em plena atividade profissional e utiliza um repertório intencionalmente selecionado, focando na música popular brasileira, especialmente a mineira. Assim, a seleção de conhecimentos é flexível, adaptando-se às demandas da prática musical e dos estudantes.

На матеріалі докторату А. Хибінського “Beiträge zur Geschichte des Taktschlagens” («Внесок до історії диригування») окреслено комплекс завдань, форм, методів і цілей діяльності капельмейстера ХVI–XVIIІ ст. Визначено обсяг знать, умінь та особистих якостей, необхідних для провадження ефективної капельмейстерської діяльності. Прослідковано еволюцію форм і методів керування колективним виконанням музики: за безпосередньої участі капельмейстера в музикуванні як співака або інструменталіста-концертмейстера; за допомогою батути або візуальних засобів мануальної техніки. Виявлено основні фактори, які сприяли поступовій трансформації візії цілей капельмейстерства від рутини гучного відбивання такту до мистецтва диригентської інтерпретації. У світлі залучення частини українських земель до тогочасних європейських культурних процесів, виявлено можливість запозичення виконавського досвіду вітчизняними (зокрема, львівськими) реґентами-капельмейстерами. Намічено напрями подальших досліджень праці А. Хибінського як нововіднайденого наукового артефакту.

У статті розглянуто розроблену й апробовану балетними установами методику підготовки танцівників, яка поєднує класичний екзерсис і результати новітніх наукових досліджень руху людського тіла — Progressing ballet technique (РВТ). Доведено, що ця методика не лише сприяє оптимізації фізичних кондицій і технічної вправності танцівників, а й формує сучасне постмодерне світосприйняття в результаті розширення інтероцептивного і пропріоцептивного діапазону відчуттів. Послідовне й осмислене впровадження цього методу в українські навчальні заклади допоможе підготувати нове покоління танцівників відповідно до сучасних стандартів хореографії. PBT підвищить конкурентоспроможність українських артистів на міжнародній арені та сприятиме розвитку хореографічної культури в Україні. Наукова новизна статті полягає у висвітленні методу РВТ у мистецтвознавчому контексті як одного зі способів формування постмодерного танцювального світосприйняття.

У науковій статті аналізується складний і динамічний процес трансформації вокального естрадного виконавства в Україні періоду кінець ХХ ст. — початок ХХІ ст. Детально вивчаються умови, що вплинули на цей процес, та розкриваються результати цієї видозміни станом на 2024 рік. У підсумку наводиться обширний аналіз різноманітних виконавських прийомів та вокальних технік, характерних для сучасної естрадної музики, порівняно з минулим століттям. Серед представлених прикладів докладно розглядаються виконавські особливості таких напрямів, як: поп, етнопоп, соул, R’n’B, електропоп, поп-рок, реп, whisperpop та ін. Для аналізу використовуються конкретні приклади, зокрема з вокального конкурсу «Євробачення». Представлені пісні на кожному конкурсі дозволяють зрозуміти тенденції суспільного попиту на музичні напрями в кожний конкретний рік як на загальноєвропейському рівні, так і на рівні будь-якої країни-учасниці. Крім того, у статті досліджується той факт, що розмаїття вокальних стилів не обмежується лише застосуванням нових технологій, а й активно використовує здобутки вокального мистецтва минулого. Висновано, що сучасне вокальне естрадне виконавство зумовлює неабиякі можливості для вокальної педагогіки, адже сучасному викладачеві доводиться працювати в розмаїтті стилів та навіть передбачати майбутні тенденції на основі досвіду минулого.

Рецензія на видання: В. Н. Миславський. Західний кінематограф: концептуально-термінологічний словник. Харків: ТОВ Видавництво «Точка», 2024. — 228 с.; 426 іл.

У статті досліджено внесок видатного українського прозаїка І. Нечуя-Левицького у вивчення вітчизняного хореографічного мистецтва, зокрема побутового бального танцю ХІХ століття в контексті утвердження національної ідентичності. Постаючи формою проведення дозвілля привілейованих прошарків українських міст, бальний танець у текстах І. Нечуя-Левицького підсвічує екзистенційні кризи в долях героїв. Доведено, що творчий метод українського прозаїка, його спостережливість виплекали концепцію танцю, яка за рівнем узагальнення не поступається результатам пізніших антропологічних досліджень. Запропоновано враховувати соціальний запит на несценічну танцювальну активність молоді і дорослих, ґрунтуючись на традиціях української хореографічної культури.

Стаття присвячена дослідженню формування одягу мешканців Дніпропетровщини. На основі вивчення експонатів, що знаходяться в музеях області, проведено дослідження впливу культурних особливостей переселенців з прилеглих територій на еволюцію стилістичних та структурних елементів одягу місцевого населення. Зовнішній вигляд і компоненти вбрання жителів Дніпропетровщини набували своєї унікальності в умовах віддалених сіл та хуторів, де вони формувалися самостійно. Також слід виділити особливості вигляду складових елементів одягу, а саме сорочок у людей унікальної професії лоцманів, яких не було на інших територіях України. Автори діляться думками про принципи формування в населення відповідального ставлення до предметів побутової культури, ремесел, традицій життя українців певного регіону. Опис матеріалів та аналіз історичних подій, побуту мешканців регіону може бути використаний у вивченні дисциплін фахівцями в галузі історії української культури, мистецтвознавства, дизайну одягу тощо, може бути впевнено застосований як один із суттєвих важелів у вихованні широких верств населення України в процесі формування етнічної самоповаги та патріотизму у визначенні свого місця в сучасному світі.

У статті розглянуто драматичну історію взаємин Тараса Шевченка і Ликери Полусмак та її віддзеркалення в ліричній поезії останнього творчого періоду Тараса Шевченка, у т. зв. Ликериному циклі. Лінгвофілософський аналіз періоду зародження, розквіту і згасання почуття, що об’єктивізує різні екзистенційні стани Тараса, презентує нові смислові акценти в реальній історії взаємин і у творчості поета. Творче піднесення митця, спричинене посиленням почуття кохання, відкарбувалося в поезії «Ликері», її портреті; екзистенціали зневіри в буттєвому контексті простежуються в поезії «Барвінок цвів і зеленів…» і, зрештою, екзистенціали розпачу і усвідомлення неминучої самотності оприявнюються в поезії «Л». Мета статті: розкрити глибинну суть істинних взаємин Тараса і Ликери. Особлива увага в статті приділена духовному й душевному пориву Ликери після смерті Тараса. Наголошується, з якою великою людською жертовністю вона віддавала шану і прихильність людині, яку, на жаль, свого часу так легковажно втратила, і тільки глибоко усвідомивши провину за втрачене щастя, довгі роки зігрівала «самотню хату» Тараса.

У статті виконано аналіз останніх публікацій та досліджень і розглянуто деякі сучасні концепції театрального мистецтва, такі як «постдраматичний театр» та «театр спонтанності». У межах розвідки запропоновано концепцію «театру-ікіґай» як театру нової генерації. У процесі дослідження сучасного театру в контексті метафізичного простору ми дійшли висновку, що за основу роботи театрального простору взято принцип дзеркальної моделі співіснування, де зовнішнє являється лише відображенням внутрішніх процесів людини. Також виявлено, що сприйняття глядачем класичного театрального дійства відбувається «за горизонталлю». У той час як театр-ікіґай пропонує сприйняття інформації «за вертикаллю», тобто не через стимули, реакції та проєкції, а через глибинні трансформаційні процеси індивіда. Як результат дослідження ми представили унікальну модель вистави, де рух актора відбувається за чакральним стовпом (від нижніх чакр до верхніх), «за вертикаллю», унаслідок чого він віднаходить свій ікіґай або своє призначення, автоматично транслюючи його глядачеві.

The article examines the life and work of one of the leading Ukrainian theater and film actors Stepan Shahaida (1896–1938) in the discourses of the Cultural Renaissance of Ukraine in the 1920s and the historical trauma caused under the conditions of the Bolshevik terror. The Ukrainian Renaissance — an important phenomenon of the XX century — became possible thanks to the NEP, Ukrainianization and some autonomization in the economic and cultural life of the Ukrainian SSR. Stepan Shahaida — one of the most famous actors of that time — made his contribution to the achievements of theatrical art, which gained its national uniqueness thanks to the efforts of the director, a proponent of Europeanization, Les Kurbas. As his student and associate in the famous “Berezil” theater (Kyiv, Kharkiv), Shahaida played the main roles in the plays “The fooled ones” by Marko Kropyvnytskyi, “Commune in the steppes” by Mykola Kulish, “Jacquerie” by Prosper Merimee, “The Golden Belly” by Fernand Krommenlink, “The King is playing” by Victor Hugo. After starring in the film “The Man from the Forest” by Heorhii Stabovyi, he transferred to the Odesa Film Factory, where he successfully embodied the image of the Cossack Chapyra in “Pearl of Semiramis” also directed by H. Stabovyi. During ten years, he played in many films, including: “Five Brides” by Oleksandr Soloviov, “The Museum Guard” by Borys Tiahno, “Perekop” by Ivan Kavaleridze, “Karmeliuk” by Faust Lopatynskyi, “Ivan”, “Aerograd” by Oleksandr Dovzhenko, “Rich bride” by Ivan Pyriev. The actor is characterized by high professionalism and humanity. Stepan Shahaida, like many conscious Ukrainians, took part in the Liberation War for the Ukrainian sovereignty. He was arrested and shot on January 20, 1938 in the cells of the NKVD, becoming an innocent victim of Stalinist repressions.

У статті започаткований розгляд специфіки буття дитячого хорового виконавства під час повномасштабного російського вторгнення. Досліджено загальний стан хорових колективів, зміни в їхньому кількісному та якісному складі, творчу й організаційну специфіку роботи. За допомогою аналітичних та компаративних методів встановлено характер впливу умов діяльності, що виникли внаслідок військової агресії, на художньо-творчі результати. Охарактеризовано стан концертної та гастрольної діяльності колективів, намічено стратегію подальших досліджень. Виявлено, що дитяче хорове виконавство під час війни зазнає значних втрат, однак і отримує безпрецедентну увагу, зокрема в європейських країнах. Визначено роль міграції населення у формуванні нових наукових проблем, у тому числі проблеми регіональної вокальної специфіки. Намічено стратегічні перспективи подальших досліджень, зокрема акустичного та психологічного спрямування.

Esse artigo aborda algumas questões técnicas, poéticas e conceituais implicadas em Játékok [Jogos], do compositor húngaro György Kurtág. Ao longo do artigo, são abordadas ideias do próprio compositor, tanto do ponto de vista composicional quanto didático-pedagógico, em cruzamento com ideias de outros compositores com os quais se traça uma lúdica e criativa tradição húngara de ensino musical. Além disso, busca-se melhor compreender a potência do brincar na vida e no desenvolvimento infantil, por meio de conceitos e concepções da filosofia e da psicologia contemporânea, e como uma tal potência foi composicionalmente explorada por Kurtág em Jogos. As abordagens conceituais são entremeadas por análises de algumas peças dos Jogos. O objetivo do estudo é contribuir na compreensão e aplicação de processos de ensino e aprendizagem instrumental atentos a uma possível aliança entre a exploração de gestualidades físico-corporais lúdicas e prazenteiras com sonoridades e pensamentos musicais contemporâneos.

Este artigo apresenta uma discussão sobre a prática do violino na música popular brasileira com ênfase no gênero choro a partir de um conjunto de composições de José Eduardo Gramani (1944-1998). Inicialmente são apresentados recursos do instrumento com ênfase no aspecto rítmico para sua inserção na linguagem do choro. Em seguida, será feito um levantamento dessas composições e arranjos de música popular brasileira para violino, rabecas e outros instrumentos. Finalmente, três exemplos dessas composições serão analisados através da teoria das tópicas na música brasileira proposta por Piedade (2013; 2017) e dos recursos técnicos mencionados. Para ilustrar esses trechos analisados, foram feitas gravações em vídeo.

Pese embora a relevância da atividade artística de Victor Macedo Pinto (1917-1964), responsável por um legado musical eclético, em que o piano assume um papel central, o compositor e pianista português acabou por cair no esquecimento. Este artigo debruça-se sobre os seus Nove Instantâneos para piano, uma obra composta em 1956 e dedicada a Margot Dias. Partindo de um enquadramento da obra no repertório pianístico do compositor e de um levantamento das audições históricas nos anos 1950 e 1960, procurou-se reconhecer características e padrões performativos que refletissem o estilo singular de Macedo Pinto enquanto compositor, bem como as marcas de influência das personalidades que cruzaram o seu percurso artístico. Esta análise contemplou também a identificação das competências musicais e técnicas abordadas na obra, justificando a pertinência da sua implementação em contexto pedagógico e o seu posicionamento no repertório português do século XX destinado a jovens pianistas.

Neste artigo apresento algumas estratégias utilizadas pela pianista brasileira Magdalena Tagliaferro no que diz respeito à formação de seu repertório, a fim de obter respeitabilidade como musicista por parte da crítica musical francesa entre 1908 e 1939. Para tal tarefa, utilizo como fontes as publicações da imprensa francesa acessíveis pela web na plataforma www.retronews.fr, assim como a própria autobiografia da pianista (Tagliaferro, 1979). Como desdobramento, apresento três instâncias em que a imprensa francesa retratou a pianista: durante as estreias de composições contemporâneas, consolidando sua imagem como uma intérprete moderna e eclética; nas gravações realizadas em estúdio, inserindo-a na ascendente indústria fonográfica; e, por fim, em suas incursões enquanto cantora, uma faceta pouco explorada na carreira da pianista - que exemplifica sua liberdade e ousadia artística.

This article proposes a division of the concept of space in music into four spaces, namely the internal, external, intrinsic and extrinsic spaces. Having reviewed these concepts in texts from numerous authors and composers, we aggregate a variety of concepts into these four main categories of space in music. We also present possible transgressions of the boundaries of these concepts, with the understanding that these transgressions are common practice for contemporary composers. Currently, these practices of transgression tend to be confused because of the lack of a clear definition for the spaces in question.

Nos últimos anos, a produção para violão de Joaquim Francisco dos Santos (1873-1935), o Quincas Laranjeiras, vem sendo reavaliada a partir do surgimento de novas fontes, documentos e partituras (AMORIM, MARTELLI, 2023a; 2023b; 2023c; 2023d). Objetivando colaborar com esse processo, o artigo apresenta um manuscrito inédito de Andantino, peça de sua autoria que ficou conhecida na historiografia do instrumento como Prelúdio em Ré Menor. Ancorado nos pressupostos teóricos de Figueiredo (2016), o texto faz um apanhado do histórico da obra, levanta e coteja as fontes disponíveis (etapas de recenseamento e colação), evidenciando os critérios que nortearam a escolha do texto-base e, como resultado, a realização de uma edição dupla (aberta e crítica) que visa colaborar com a difusão do repertório brasileiro original para violão anterior à década de 1950.

Com o interesse voltado prioritariamente ao resgate e à performance desta obra de Brandão, apresentamos a seguir uma edição prática (Carneiro, 2021; Figueiredo, 2004), elaborada com aporte crítico, realizada a partir do manuscrito autógrafo disponível no Museu Villa-Lobos.

Neste artigo trazemos os primeiros resultados de uma investigação que busca pensar as práticas musicais ambientadas em territorialidades decoloniais, a partir de uma perspectiva interseccional. Tendo como assunto de pesquisa o álbum visual Meu Esquema, de Rachel Reis, propomos a articulação da noção de cena musical a partir da conexão com conceitos como Performance, Amefricanidade, Feminismo Decolonial e Ancestralidade, para compreender fenômenos culturais urbanos ancorados em performances de gênero, pós-gênero, raça/etnia, sexualidades, cidadania, classe, que se materializam em cidades da América Latina. Com este objetivo, propomos o conceito de cena musical afrolatina/diaspórica, que nos parece mais adequado para dar conta de processos culturais ambientados em localidades marcadas pela opressão colonial e a violência étnica-racial.

Discutimos neste artigo a interpretação ao violão da ária “Assisa à piè d’un salice” do 3º ato da ópera Otello, composta por Gioachino Rossini em 1816. Também conhecida por “Canção do Salgueiro”, esta ária, cantada pela personagem Desdêmona, foi transcrita pelo violonista e compositor Mauro Giuliani por volta de 1820, e integra o op. 119 do pot-pourri “Le Rossiniane – prima parte”. Buscamos informar sua performance a partir da comparação entre suas fontes primárias, trazendo ainda informações sobre seu contexto emocional e dramático, convenções e práticas vocais e instrumentais da época, e informações históricas e estilísticas sobre os compositores e a ópera Otello. Como resultado, identificamos ritmos, notas, sinais, dinâmicas, indicações expressivas e práticas estilísticas que permitem aproximar a performance da adaptação de Giuliani ao original de Rossini.

Aldeamento indígena desde o século XVII, o Embu possuía como característica a presença de diversos músicos entre seus habitantes. De acordo com D. Duarte Leopoldo e Silva, arcebispo de São Paulo, a “banda do Embu” era formada por “indios” guaianazes sendo “a melhor das redondezas, senão a única, e era “como parte obrigada das grandes solenidades da vizinhança, e até mesmo de Itanhaém e Bragança”. Tendo em vista a relevância do tema para a historiografia da música no Brasil, empreendemos uma pesquisa nos Maços de População de São Paulo (1765 a 1850) em busca de registros de músicos no aldeamento do Embu. A seguir, cruzamos as informações obtidas com os registros da paróquia do Embu, para encontrar marcos importantes na vida familiar dos indivíduos identificados de forma a reconstituir a biografia e a trajetória desses músicos indígenas esquecidos.

Os espaços teatrais existentes na segunda metade do século XIX abrigavam espetáculos de companhias líricas que percorriam a costa marítima para apresentar-se em diversas cidades do Brasil, incluindo em sua rota as cidades de Desterro e Rio Grande. Neste texto são abordadas questões com o objetivo de compreender uma parcela dessas rotas desenvolvidas pelas formações musicais. O referencial teórico centra-se sobretudo no processo civilizatório a partir de Norbert Elias (1994, 2001).

O artigo pauta a relação entre a poeta e compositora Lilinha Fernandes (1891-1981) e o violonista e compositor Quincas Laranjeiras (1873-1935), apresentando partituras, fontes e documentos inéditos ou pouco conhecidos, frutos da parceria entre esses dois personagens ao longo da década de 1920, buscando evidenciar, nesse período, a eventual importância de ambos no cenário musical e literário do Rio de Janeiro. Ancorados em base documental e em diálogo com a literatura disponível sobre o tema, nosso objetivo é pautar figuras relacionadas ao violão ainda pouco conhecidas e cujas produções (ou parte delas) antecedem à década de 1930, promovendo o resgate (sempre em construção) de trajetórias e/ou obras obliteradas.

Understanding the didactic-pedagogical structures concerning the teaching-learning process of the conducting, are not summarized to the technical-gestural aspects, it permeates administrative, logistics and psych-pedagogical elements. To visualize this perspective in the light of labor reality, the narratives of academic, artistic and professional life are resorted through a cycle of interviews with national (Brazil) and international conductors. The professional to be interviewed is the Canadian conductor and professor Jean-François Rivest. Considered one of the most prominent violinist of his generation, Rivest studied at Julliard School with Ivan Galamian, and his musical path soon led him to a fruitful international career. As a Professor at the Université de Montréal, founded the institution's Symphony Orchestra. Giving voice to conductors as Rivest allows us to visualize new practical, conceptual and pedagogical perspectives, and directs us to look at the real needs of the field of conducting: to think and act beyond the gestural technique.

Since the advent of sound cinema, human whistling has been used in a wide range of situations, from the light-hearted to the eerie. Despite their apparent simplicity, whistled melodies can play a central role in the sonic dramaturgy of a film, thanks in part to their timbral characteristics, which place whistling in a fluid space between the vocal and instrumental domains. This educational path is addressed to students of theory, analysis, and composition, as well as to students of music history in music high schools, and to students of related musical disciplines in conservatories and university courses. The aim is to provide analytical tools for understanding the fundamental role of such music in multimedia communication by analyzing some illustrative film sequences with whistled music. For that purpose, some key concepts will be explained to frame audiovisual construction strategies, providing research methods and skills applicable to other soundtrack elements. Finally, attention is drawn to the processes of re-semantization activated by the citation of pre-existing music, taking into account intertextual and intermedial references.

The musicologist and the music critic are two distinct and well-characterized professional profiles, but they can be complementary and a possible convergence can be hoped for. This article focuses on the specificity of the two professions, on the knowledge required for both, and on their separate but, if necessary, interchangeable functions. In fact, a productive circular process can be activated when both activities set themselves the primary goal of «expressing in words the specific musical experience and the specific qualities of the work» (Adorno), rising to the challenge of verbal transcoding and providing the reader with keys to interpretation and access to the works. The training of music professionals and their role in Italian society are two topics that are inextricably linked to the issue of music education and the marginal role it plays in our school system, with serious repercussions on the daily work of those who work professionally in the field of music. Despite the practical problems of journalistic production, critical discourse should not be just news, but a link in the hermeneutic chain. Any serious criticism of a performance is also an ‘exegesis’ of the work performed. The musicological competence would allow the critic to regain his authority in the free spaces of the Web and to maintain his own function in a cultural scenario that has undergone a profound change in the last few years. Likewise, critical-aesthetic judgment should be one of the components of any musicological activity that aspires to cultural breadth and knows how to connect with a wider public. No less important is the question of engagement with contemporary thought and creativity: the current absence of critical debate on new music is in fact a problem that affects both the ethical and political mandate of the music critic and the relationship between musicology and civil society.

This paper illustrates the important contribution of Italian university musicology to the training of future music educators, emphasizing the formative role of the history of music (or musics) not only for future musicians or musicologists, but for the training of all students. It also highlights some problematic aspects of the current regulatory framework for the teaching of music history.

This paper proposes some reflections on the peculiarities and main critical issues of Wikipedia, with particular reference to the study of music history. The entry on Alessandro Scarlatti will be used as a specific case. The main stages in the evolution of this entry are traced, starting with an analysis of the comments posted on the “discussion” page and the changes made by users. General reflections will then be made, based on a comparison with the corresponding entry of a “traditional”, authoritative project: the Dizionario biografico degli Italiani.

This review concerns the first volume of the “Edizione nazionale delle opere musicali di Giuseppe Tartini” (“National edition of the musical works of Giuseppe Tartini”), which consists of L’arte dell’arco, edited by Matteo Cossu. This is a famous collection of variations for violin based on a gavotte by Arcangelo Corelli. The volume offers a critical edition of Tartini’s variations and provides information on the sources and reception of an important text for violin didactics.