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Digitales Musik-Erfinden spielt durch die steigende Anzahl an Apps oder Webanwendungen und den niederschwelligen Zugang mittels digitaler Endgeräte sowohl in informellen als auch in formellen Settings eine immer größere Rolle. Besonders für den schulischen Kontext ist dabei zu bedenken, dass Prozesse des Musik-Erfindens häufig als Gruppenarbeit initiiert werden und damit ohnehin eine interaktionale Komplexität aufweisen, die durch die Verortung im Digitalen noch eine Steigerung erfährt. Musikstudierende für Problemstellen und Gelingensbedingungen von Kollaboration in Prozessen digitalen Musik-Erfindens zu sensibilisieren, ist Ziel des hochschuldidaktischen Aufgabenformats. Anhand der künstlerischen Strategie der Soundscape-Composition (in Anlehnung an Vorbilder der 1970er-Jahre um Schafer, Westerkamp und Truax) werden Studierende dazu angeregt, eigene digitale Kollaborationen zu erproben. Anschließend sollen diese Erfahrungen im Hinblick auf die Kollaboration durch geeignete Reflexionsanlässe erschlossen und theoretisiert werden.

Zu Beginn der 1990er-Jahre entwickelte sich eine unverkennbare Popularität, Musik aus Afrika in die Musikdidaktik einzubringen. Seither ist Musik aus Afrika zu einem nahezu festen Bestandteil der musikdidaktischen Fachliteratur geworden. Allerdings zeigen zahlreiche bisher unerschlossene historische Quellen ein viel weiter zurückliegendes, musikdidaktisch motiviertes Interesse an afrikanischen Kulturen und ihrer Musik. In der vorliegenden Studie werden Schnittstellen zwischen Musikdidaktik und Ethnomusikologie aus unterschiedlichen Perspektiven detailliert dargestellt: Einem historiographischen Blick auf nunmehr 100 Jahre folgt eine breit angelegte Schulbuchanalyse, die durch eine Befragung von impulsgebenden Musikpädagogen ergänzt wird. Im Zentrum steht die Frage: Welche Ziele liegen einer Thematisierung von Musik aus Afrika in der Musikdidaktik zugrunde?, In the early 1990s, a surge in popular interest in music from Africa brought this topic into music didactics. Since then, music from Africa has become one of the fundamental parts of music didactic literature. However, numerous historical sources show earlier interest in integrating African cultures and its music into education. The study Africa in music didactics offers a detailed analysis of the interface between music didactics and ethnomusicology from different perspectives: A 100-year long historiographical retrospective, a broad textbook analysis, and a survey of three protagonists. The core question at the heart of this study: What are the objectives of addressing music from Africa in music didactics?

Die Studie geht grundlegenden Fragen nach der musikbezogenen Orientierung von jungen Erwachsenen, die sich am Beginn ihres Berufsausbildung oder ihres Studiums befinden, nach. Diese jungen Erwachsenen müssen sich in der Phase des Übergangs kulturell neu orientieren. Fokussiert wird dabei auf Faktoren, die die heutige Ausprägung von musikalisch-kultureller Teilnahme und Teilhabe aktuell und im Laufe des Lebens beeinflusst haben und dabei in der neuen Lebensphase am Beginn von Ausbildung und Studium potenziell wertvolle Funktionen übernehmen. Praktische Relevanz erlangt die Studie, indem auch Empfehlungen für die Ausgestaltung musikbezogener Förderprogramme gegeben werden.

Auf dem Weg in die Berufstätigkeit standen Frauen aus dem Bürgertum lange Zeit vor allem pädagogische Berufe offen und da die meisten als Mädchen eine fundierte musikalische Ausbildung erhielten, lag Musikpädagogik nahe. Als Musik- und Gesangsinstitut, Musikakademie oder Gesangs- und Opernschule sind in Adressbüchern, Werbeanzeigen und weiteren Quellen des 19. und frühen 20. Jahrhunderts private Musikschulen omnipräsent, denn eine breite Nachfrage an Musikunterricht war - bis zum Siegeszug von Grammophon und Radio - stets vorhanden. In dieser gesellschaftlichen Ausgangslage eröffneten auch zahlreiche Frauen ihre eigenen Musikschulen, die mit Unterrichtsangebot und Konzerten ein fester Bestandteil des Musiklebens in Städten wie Leipzig, Dresden, Erfurt oder Halle waren. Zudem leisteten viele dieser Institutionen wichtige Beiträge bei der Professionalisierung von Musikpädagogik um die Jahrhundertwende. Dieses Buch trägt zur musikbezogenen Sozialgeschichte des Kaiserreichs neue gendersensible Einsichten bei: Neben berufs- und gesellschaftsgeschichtlichen Fragen zu den Musikschulleiterinnen und ihren Musikschulen steht auch die ökonomische Komponente von Musikkultur und Musikpädagogik im Fokus.

Die Autorin nimmt das bislang kaum erforschte Schnittfeld zwischen Musik- und Museumspädagogik in den Blick, indem sie untersucht, welche Zielsetzungen sich mit Musikermuseen verbinden. Sie kombiniert dazu historisch-quellenbasierte Zugänge mit einer empirisch-qualitativen Interviewstudie und fokussiert insbesondere Kulturelle Teilhabe als ein sowohl in der Musik- als auch in der Museumspädagogik relevantes Bildungsziel. (DIPF/Orig.) Composer house museums in Germany offer a variety of pedagogical activities for primary and secondary school classes. Therefore, the author explored the educational goals of these activities by combining a historical-philological research approach with a qualitative study. Focusing on the goal of cultural participation, this paper shows that the pedagogical activities of composer house museums are located in the interdisciplinary field between museum education and music education. (DIPF/Orig.)

Der Beitrag beinhaltet den Entwurf eines reliablen und validen Messinstruments für musikbezogene Kreativität, das am Kompetenzbegriff und -diskurs orientiert ist. Der Autor betrachtet zunächst verschiedene Bestimmungen und Modelle von Kreativität, wie sie in Psychologie und (Musik-)Pädagogik entworfen wurden. Schließlich führt er ein allgemeines und ein musikbezogenes Modell in einem eigenen Strukturmodell für musikbezogene Kreativität zusammen, das in der empirischen Kompetenzforschung eingesetzt werden kann. (DIPF/Orig.) Creativity is an important goal dimension of learning in school in general and of music education in particular. Despite a multitude of theoretical considerations, no valid and reliable measurement instrument for music-related creativity is available until today. Against the background of competence orientation, this paper therefore attempts to create a model of creative competence in music. For this purpose, considerations of Amabile and Webster are combined to a competence model with three dimensions and six subdimensions. The model differentiates between creative thinking processes, music-specific knowledge and expertise, and motivational prerequisites. Implications of this proposed model are discussed. (DIPF/Orig.)

Der Autor geht von begrifflichen Unklarheiten innerhalb der Interkulturellen Musikpädagogik aus und entwickelt im Rekurs auf die analytische Philosophie eine eigene Definition des Begriffs ‚Musikkultur‘. Dabei plädiert er für eine an die Alltagssprache angelehnte Auseinandersetzung mit zentralen Begriffen, um auf diese Weise eine tragfähige Ausgangslage für den musikpädagogischen Fachdiskurs zu schaffen. (DIPF/Orig.) In this paper, I will explain how analytic philosophy can contribute to answering the question of what we mean by ‘music culture’. I am going to outline the basic features of analytic philosophy and analyze a concept of ‘music culture’. Finally, I’ll discuss the resulting definition in the context of different definitions of ‘culture’. (DIPF/Orig.)

Im vorliegenden Beitrag wird der Versuch unternommen, die von der New London Group für den Fremdsprachenunterricht vorgeschlagene Konzeption einer Pädagogik der Multiliteracies für den musikpädagogischen Diskurs fruchtbar zu machen. Dabei wird an die Vorstellung von Musik als sozialer Praxis angeknüpft, die in der wissenschaftlichen Musikpädagogik in den vergangenen zwei Jahrzehnten zunehmende Verbreitung gefunden hat. Im Zentrum steht die Fragestellung, welche Implikationen sich aus dem Konzept der Multiliteracies für produktionsdidaktische Kontexte ableiten lassen. Hierzu werden zunächst Ergebnisse einer empirischen Studie über Response-Projekte vorgestellt, die das Spannungsfeld deutlich machen, in dem sich Komponist*innen befinden, wenn sie einerseits Schüler*innen möglichst große ästhetische Freiräume gewähren und sie andererseits an eine bestimmte kompositorische Praxis heranführen möchten. Anschließend werden die Ergebnisse in den zuvor entfalteten theoretischen Kontext eingebettet und diskutiert.

Münster ; New York : Waxmann 2022, 279 S. - (Studien zur Musikkultur; 6) - (Dissertation, Hochschule für Musik und Theater Leipzig, 2020), Das Phänomen Musik begegnet uns in vielen Facetten. Wie aber kann gelehrt werden, was nicht im gegenständlichen Sinne vorhanden ist, sondern sich in faszinierender Weise der Greifbarkeit entzieht? Auf der Basis langjähriger Erfahrung in künstlerischen, pädagogischen und therapeutischen Kontexten fragt die Autorin in ihrer Dissertation nach grundlegenden Bedingungen des Musizierens, die für professionelle Aufführungen ebenso gelten wie für elementares Lernen. Ausgehend von berührenden Momenten, in denen eine ,auratische‘ Atmosphäre Raum greifen kann, erarbeitet sie Kriterien, gelingende von nicht gelingenden musikalischen Interaktionen zu unterscheiden. Sie untersucht, wie Menschen einander im Musizieren begegnen, wie sich ein Musizieren im emphatischen Sinne zeigt und wie es sich zeigen lässt. Der Entwurf eines Modells der „Auragogik“ nimmt Unverfügbares wie Didaktisches in den Blick und macht musik- und kunstphilosophische Ansätze u.a. von Christian Grüny, Georg W. Bertram und Gernot Böhme für das individuelle Musizieren wie für unterrichtspraktische Fragen auf sämtlichen Niveaustufen produktiv. (DIPF/Orig.)

Der Autor untersucht die App „GarageBand“ mittels qualitativer Inhaltsanalyse in Bezug auf die Tradierung von Geschlechterstereotypen. (DIPF/Orig.)

Die Autorin untersucht in ihrer Studie Professionswissen als Basis von Handlungsentscheidungen von Musiklehrer*innen. Der Fokus liegt dabei auf Singen und Stimmbildung in den Klassen 1–6, theoretisch ist die Untersuchung innerhalb der Expertise- und Kompetenzforschung verortet. Sowohl erfahrene Musiklehrer*innen als auch Lehramtsstudierende wurden von der Autorin beim Unterrichten auf Video aufgenommen und anschließend im Rahmen eines Video-Stimulated-Recall-Interviews befragt. Die ersten Ergebnisse deuten auf eine umfangreiche und differenzierte Wissensbasis hin, die eng mit den musikalischen Fähigkeiten, den professionellen Überzeugungen und Erfahrungen der (angehenden) Lehrer*innen sowie mit motivationalen und emotionalen Faktoren verknüpft ist. (DIPF/Orig.) The present study explores the cognitive foundations of expert music teachers’ decision-making in the general music classroom. The focus is on singing and voice training in grades 1–6. The investigation is theoretically framed by concepts from expertise and competence research. Seven expert music teachers and two teaching students volunteered to be videotaped while teaching a singing lesson. Shortly afterwards, they completed a video-stimulated recall interview. Qualitative content analysis is used to examine the data. The initial findings suggest an extensive and differentiated knowledge base that is intimately linked to the participants’ musical skills, professional beliefs, and professional experience, as well as to motivational and emotional factors. (DIPF/Orig.)

Der vorliegende Beitrag fokussiert Differenzkonstruktionen im Bereich der musikalischen Bildung. Er diskutiert Ergebnisse der ersten Phase des Verbundprojektes ���be_smart ��� Bedeutung spezifischer Musik-Apps f��r die Teilhabe von Jugendlichen und jungen Erwachsenen mit komplexen Behinderungen an kultureller Bildung��� im Hinblick auf die Frage, welche Konstruktionsweisen von Behinderung, Musik und Talent im Kontext der Nutzung digitaler Musizier-Medien in inklusionsorientierten musikp��dagogischen Settings wirksam werden. Die Autor*innen bedienen sich dazu in der Ergebnisdarstellung differenztheoretischer und ableismuskritischer Theoriefragmente. Im Zentrum stehen zwei Ergebnisfelder: Zum einen geht es um die Frage, welche Verst��ndnisse von Behinderung in der Analyse der Interviews herausgearbeitet wurden. Zum anderen um die Frage, welches Verst��ndnis von digitalen Musikinstrumenten die Interviewpartner*innen zugrunde gelegt haben. Im Vordergrund stehen dabei Verschr��nkungen und Wechselbeziehungen zwischen beiden Feldern und ihre m��glichen Auswirkungen auf inklusive musikp��dagogische Settings. (DIPF/Orig.)

2022, [233] S., Die Autor*innen reflektieren über die Spezifik von Handeln in der Kulturellen Bildung, diskutieren aktuelle Forschungen dazu und fragen danach, wie explizite und implizite Handlungsverständnisse in der Kulturellen Bildung thematisiert und kulturelle Bildungspraktiken angesichts komplexer Bedingungen vollzogen werden. Besonderes Augenmerk gilt der Perspektive, wie angesichts von individueller wie kollektiver Handlungsverantwortung kritische, insbesondere diskriminierungskritische und postkoloniale Aspekte in der Kulturellen Bildung beforscht werden können. (DIPF/Orig.)

Der Autor stellt zentrale Ergebnisse einer Interviewstudie mit bayerischen Gymnasiallehrkräften zum Thema Musiktheorie im Unterricht vor. Sie kulminieren in einer „Typologie des Denkens über (das Unterrichten) von Musiktheorie“, die u. a. deutlich macht, wie bestimmte inhaltliche Auffassungen zum ‚Gegenstand‘ Musiktheorie und damit verbundene didaktische Einschätzungen ineinandergreifen. (DIPF/Orig.) Based on qualitative research, this paper investigates teachers’ conceptions of music theory, how they think about teaching the subject, and whether certain types can be distinguished in this regard. Three ideal types were identified. They differ, among other things, in which aspects of music theory they consider central: propositional knowledge about music theory or the connection to pieces of music, the connection to listening, and the connection to practice. If the first aspect is strongly emphasized, music theory tends to be decontextualized and thought of as an end in itself. If the latter aspects are emphasized, especially teachers at schools with a focus on music strongly relate the individual aspects of music theory to each other. Other teachers typically problematize the teaching of music theory. (DIPF/Orig.)

Die Autorinnen untersuchen die Einstellungen von Lehramtsstudierenden des Faches Musik zur schulischen Inklusion. Auf Basis quantitativer Analyseverfahren berichten sie Zusammenhänge zwischen der „persönlichen Bereitschaft zur Inklusion“ und Lehrerselbstwirksamkeit, Schulformzugehörigkeit, dem Ausmaß des Kontakts mit dem Thema Inklusion an der Universität und der schulischen/ beruflichen Erfahrung mit Menschen mit Behinderungen. Angesichts des Umstands, dass fast ein Drittel der befragten Musikstudierenden angab, keine persönlichen Erfahrungen mit Menschen mit Behinderungen zu haben, schlagen die Autorinnen vor, entsprechende Möglichkeiten im Rahmen des Studiums zu schaffen. (DIPF/Orig.) This study examines the attitudes of preservice general music teachers (N = 205) toward school inclusion, as measured by the EFI-L (Seifried, 2015). Results show associations of the particularly relevant ‘personal readiness for inclusion’ with (1) teacher self-efficacy, (2) school form affiliation, (3) extent of contact with the topic of inclusion at university, and (4) school/professional experiences with people with disabilities. Given that nearly one-third of the music students surveyed indicated that they had no personal experience with people with disabilities, opportunities should be provided at university. Qualitative analyses of free mentions suggest that making music together in particular would be suitable for gaining positive experiences with people with disabilities. (DIPF/Orig.)

Die Autorin untersucht, welche Vorstellungen sich jugendliche Schüler*innen vom Prozess des Komponierens machen. Sie interessiert sich dabei besonders für Sprachbilder, mit deren Hilfe die Beteiligten versuchen, das schwierig zu beschreibende Phänomen des Komponierens zu fassen, und die damit Rückschlüsse auf handlungsleitende Erfahrungen von Schüler*innen in diesem Kontext ermöglichen. Vor dem Hintergrund eines der kinästhetischen Schemata, das sich als besonders wirkmächtig erwiesen hat, diskutiert die Verfasserin in ihrem Beitrag sowohl Besonderheiten dieser Art von Forschung als auch mögliche Implikationen für die Unterrichtsgestaltung. (DIPF/Orig.) In the German music educational discourse, the increase of publications on composition in music lessons has produced a variety of terms which are used to circumscribe the concept of composition or attempt to define it more broadly. These substitute terms are employed mainly to avoid connotations of composition as the product of an ingenious mind, which in turn might lead to certain narrow conceptions of the term. With regard to composing in school, the question arises whether the term ‘composition’ evokes similar connotations in pupils as are implied in music education research. This article presents selected results from a broader study by focusing on reconstructing pupils’ conceptions about composition and interpreting them regarding the implied genius connotation. This is achieved using the theory of experience-based understanding and systematic metaphor analysis as a method of qualitative research, both of which are employed in music education research for the first time. (DIPF/Orig.)

Die vorgestellte Studie untersucht, welche Bedeutungen junge Erwachsene musikbezogenen Praktiken nach Ende der Schulzeit beimessen und wie sich ihr Umgang damit im weiteren Lebenslauf entwickelt. Die vorgestellte Studie stützt sich auf Interviewmaterial, das in einer Teilstichprobe eines größeren musikpädagogischen Verbundprojekts erhoben wurde, und knüpft an theoretische und empirische musikpädagogische Arbeiten zum Befähigungsansatz an. Die vorgestellten Ergebnisse werden entlang der rekonstruierten musikbezogenen Biographie eines Interviewpartners vorgestellt, und es werden abschließend Vorschläge für die Verknüpfung schulischer und außerschulischer Musizierangebote und Praktiken formuliert. (DIPF/Orig.) This qualitative study contributes to the sparse research on musical participation of young adults by exploring long-term impact of former musical practices on current ones. Based on the capability approach, semi-structures interviews with 31 academic and vocational students were conducted focusing on current and former musical practices in- and outside of school as well as the satisfaction with them. The musical biography of one participant is discussed in relation to the results of the whole sample. Findings indicate a striking impact of former musical practices and the importance of wellbeing for displaying agency. But even practices formerly not aimed by participants themselves can lead to genuine musical participation. In fostering pupils’ lifelong musical participation school teachers appear to be very important. (DIPF/Orig.)

Zu Beginn der 1980er Jahre entsteht innerhalb der Hip-Hop-Kultur in den USA das Beatmaking – eine Musikpraxis, die auf dem kreativen Umgang mit bereits vorhandenem Klangmaterial basiert und hauptsächlich in informellen Kontexten ausgeübt wird. In den letzten 40 Jahren hat sich das Beatmaking in enger Verbindung mit musik- und medientechnologischen Entwicklungen global verbreitet und vielfältig ausdifferenziert. Dabei hat es vor allem im Bereich der populären Musik in musikalisch-ästhetischer und technisch-praktischer Hinsicht maßgebende Impulse gesetzt. In seiner qualitativ-empirischen Studie geht Chris Kattenbeck der Frage nach, was es bedeutet, als Beatmaker*in künstlerisch kompetent zu handeln, welche Fertigkeiten und Kenntnisse dafür nötig sind und wie diese erworben und entwickelt werden. Damit liefert er grundlegende Erkenntnisse über eine bislang kaum erforschte Musikpraxis und die mit ihr verbundenen künstlerischen Strategien und Techniken, ästhetischen Ziele und Vorstellungen, Wissensformen und Lernpraktiken. Dabei zeigt sich unter anderem, dass bestimmte in der Musikpädagogik vorherrschende Verständnisse – etwa von Musiklernen oder Musiktheorie – ungeeignet sind, das Beatmaking adäquat zu erfassen. Die Studie bietet daher nicht zuletzt Anlass, diese Verständnisse zu hinterfragen und neu zu konzeptualisieren, um mit der Vielfalt musikalischer Praxen in Zukunft angemessen umgehen zu können., At the beginning of the 1980s, beatmaking emerged within hip-hop culture in the U.S. - a musical practice based on the creative use of already existing sound material and practiced mainly in informal contexts. In the last 40 years, beatmaking has spread globally in close connection with developments in music and media technology and has become diversified in many ways. Especially in the field of popular music, beatmaking has set decisive impulses in musical-aesthetic and technical-practical respects. In his qualitative-empirical study, Chris Kattenbeck explores the question of what it means to act as an artistically competent beatmaker, what skills and knowledge are necessary for this, and how these are acquired and developed. In doing so, he provides fundamental insights into a hitherto hardly explored musical practice and the artistic strategies and techniques, aesthetic goals and ideas, forms of knowledge and learning practices associated with it. Among other things, it shows that certain prevailing understandings in music education - of music learning or music theory, for example - are inadequate to adequately capture beatmaking. Therefore, the study offers not least reason to question these understandings and to reconceptualize them in order to be able to deal appropriately with the diversity of musical practices in the future.

Die Autoren erinnern an die Gründungssituation des AMPF im Jahre 1971 und an die daran geknüpfte Hoffnung auf eine bessere Finanzierung und damit Ermöglichung musikpädagogischer Forschung; sie benennen die Diskussion um die Wissenschaftlichkeit der Disziplin und weisen auf die wichtige Tagung in Peseckendorf hin, die der Verein zu einer Selbstvergewisserung nutzte. Abschließend werfen sie einen skeptischen Blick auf die jüngsten Entwicklungen des Arbeitskreises und ziehen auf diese Weise eine zwar interessierte, aber auch kritische Bilanz nach 50 Jahren AMPF. (DIPF/Orig.) In 2021, the German Association for Research in Music Education (AMPF) celebrated its 50th anniversary. On this occasion, this article provides a brief look at the circumstances for the founding of this oldest music educational research association in the Federal Republic of Germany. It becomes clear in which political and content-related debates the ideas for a stronger networking and an intensive exchange on questions of music educational research rooted and which developments have shaped the AMPF since 1972. (DIPF/Orig.)