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Julius EASTMAN (1940-1990) was an African-American composer who left a remarkable work, of which the current revival underestimates some fascinating aspects, including its very creative handwritten musical notation. This doctoral thesis is a study of sixteen musical manuscripts, on a total of about eighteen, left by Eastman. It is a first-hand study, carried out in part at University at Buffalo, where these musical archives are gathered. This study is mainly in three parts. At first, a methodological approach, aimed to build the adequate framework to consider the « object-manuscript ». The purpose here is to go beyond pragmatic readings (that of the « user-manual score »), to study the acts of writing as aesthetics acts to the fullest. Then, an original approach of each manuscripts scores, underlining the main evolutions, especially in the field of the notation of time and of the vocal parts, which seems to be two major issues. At last, a theoretical reflexion about what this study on Eastman brings to the uderstanding of what is, in general, the musical notation, faced with some important theories about writing of signs, images, spellings, etc. This study is sustained by a solid work about Eastman’s musical biography ; it contains a lot of comparisons between eastmanians ways of writing music and those of, among others in the Twentieth century, Schwitters, Ligeti, Berio, Berberian and Cage. Eastman’s radicality and singularity are described in its progressive construction. The Eastman’s original contribution in the notation and conception of time, which deeply concerns performers and actual composers, is described as a fundamental contribution in his legacy.; Julius EASTMAN (1940-1990), compositeur Africain-américain, a laissé une œuvre marquante dont la redécouverte actuelle laisse parfois dans l'ombre des aspects passionnants, notamment son usage de notations musicales manuscrites extrêmement inventives. La présente thèse étudie seize des dix-huit manuscrits musicaux laissés par Eastman. Il s'agit d'une étude de première main, réalisée en partie lors d'un séjour d'études à University at Buffalo où les archives du compositeur sont regroupées. Il y a trois plans d'étude. Un plan méthodologique d'abord, qui cherche à instituer un cadre adéquat à l'étude critique de l'objet-manuscrit. Il s'agit de dépasser la lecture pragmatique (celui de la partition mode-d'emploi) pour étudier les actes d'écriture en tant qu'ils sont des actes esthétiques à part entière. Ensuite un abord original de chacun des manuscrits, en soulignant les évolutions fondamentales, notamment dans la notation du temps musical et de la voix, qui se dégagent comme des enjeux majeurs. Enfin, une réflexion théorique sur ce que cette étude d'Eastman apporte à la compréhension de ce qu'est la notation musicale en général, confrontée à de grandes théories de l'écriture des signes, du rapport à l'image, aux graphies, etc. La thèse s'appuie sur un solide travail mené sur la biographie musicale d'Eastman. Elle intègre des comparaisons entre des notations eastmaniennes et d'autres sources du XXe siècle (Schwitters, Ligeti, Berio, Berberian, Cage). La radicalité et la singularité d'Eastman sont resituées dans sa construction progressive. Son apport dans la notation et la conception du temps, qui concerne au premier chef les interprètes et les compositeurs d'aujourd'hui, est décrite comme une part fondamental de son legs.

Ce volume contient une sélection révisée et étendue des contribution au colloque Rigueur organisé par le Centre de Mathématiques Laurent Schwartz (École polytechnique et CNRS) à l’École des Hautes Études en Sciences Sociales les 2 et 3 juillet 2019.; International audience; Résumé du chapitre : Si la rigueur est une nécessité pour l’informaticien qui s’adresse à une machine, peut-être un idéal pour le mathématicien ou le philosophe qui doivent convaincre leurs collègues, quelle place a-t-elle en musique pour le compositeur et l’interprète? La partition est parfois comparée à un programme et dans le cas de la musique mixte, qui combine instrumentistes humains et réponses électroniques, la partition du compositeur est effectivement augmentée d’un programme informatique chargé de synthétiser les sons électroniques ou de transformer le son des instruments. Examiner la notion de rigueur dans le champ musical à partir de ses acceptions informatiques n’est donc pas dénué d’intérêt. Nous nous y essayerons à partir de quelques outils informatiques utilisés en composition assistée par ordinateur et pour l’électronique en temps réel.A propos de l'ouvrage (4ème de couverture) :Ce volume propose d’interroger et de confronter les idées de rigueur dans les trois disciplines ayant leur propre langage que sont les mathématiques, la musique et la philosophie, afin de créer, entre autres, un axe permettant de mieux sentir leur légendaire interpénétration.À une époque où le discours public manque dangereusement de rigueur intellectuelle, au profit de toujours plus d’image et de chiffre, il a semblé utile de convier philosophes, musiciens et mathématiciens soucieux de venir témoigner de ce qui, dans leur propre démarche disciplinaire de chercheur, convoque ce qui peut s'apparenter à une démarche rigoureuse.Si la notion de rigueur semble intrinsèque aux mathématiques, le lecteur trouvera bien des surprises en rencontrant en math des rigueurs esthétiques, intuitives et un jeu subtil entre rigueur et sens. De même découvrira-t-il l’importance d’une dynamique rigoureuse nécessaire à la création musicale, qui lui semblera peut-être transverse à l’idée de sensible, tout comme la force d’une rigueur, toujours centrale et libératrice, du discours philosophique.Auteurs : G. Drouin, J-L. Giavitto, N. Giménez Comas, G. Heinzmann, S. Jaffard, J. Lassègue, G. Longo, R. Natalini, F. Patras, T. Paul, M. Schmidt.

The chants of the latin Church were transmitted orally from the beginning until the ninth century. A number of variants, which can be spotted in the manuscripts which were preserved from the Carolingian ages, show the diversity of coexistant traditions in the medieval Europe, even before the invention of musical notations. The study of tonal, modal or ornamental variants, whether they are intentional or unintentional, invite to distinguish between errors and authentic choices made by the copist, who is a real witness of the local and cultural traditions. The intellectual or musical interpretations of these chants will take advantage of this rich diversity, much more than the tendency to impose a uniformity, which has no roots in History., Les chants de l’Église latine se sont transmis oralement depuis les origines jusqu’au xe siècle. Les nombreux manuscrits parvenus, depuis l’époque carolingienne, jusqu’à nos jours, attestent par leurs variantes une certaine diversité de traditions coexistant, dès avant l’invention de la notation musicale, dans l’Europe médiévale. L’étude des variantes tonales, modales ou ornementales, soient-elles volontaires ou involontaires, invite à faire une distinction entre des erreurs, ou d’authentiques choix de copistes, témoins de préférences locales ou culturelles. Les interprétations, intellectuelles et musicales, de ces chants bénéficieront de cette riche diversité, plus que de la réduction à une uniformité sans ancrage dans l’histoire.

International audience; The famous ms. Paris, BnF, fr. 844 contains on its margins and blank pages more than fourty poems, mostly unica, which were added by different hands after the codex was compiled, between the end of the 13th century and the beginning of the 14th. This paper discusses the possibility of identifying errors in the case of unica: if the comparison of different readings may at least lead to detect some evident errors, both in the text and in the music, how can scholars confront this task when any ground for comparison is missing? Thanks to the interaction of textual and musical elements but also to the in-depth study of these poems’ receptional milieu, this interdisciplinar research shows a new fruitful approach to this question, together with the first outcomes of a thorough analysis of the five Occitan dansas conserved as added pièces by the Chansonnier du Roi.; Le célèbre manuscrit Paris, BnF, fr. 844 contient une quarantaine de pièces ajoutées après la confection du codex et copiées par différentes mains entre la fin du xiiie siècle et le début du xive siècle, la plupart étant des unica. L’article a pour perspective de réfléchir sur la possibilité de délimiter des fautes dans le cas de pièces à attestation unique. Si la confrontation de plusieurs leçons peut au moins permettre la détection de quelques erreurs évidentes, qu’elles relèvent du texte ou de la mélodie, comment peut-on aborder cette question de la « faute » sans support de comparaison ? Grâce à une confrontation des éléments textuels et musicaux mais aussi à une étude fine du contexte de réception, l’étude propose ici une nouvelle approche au problème des fautes dans les unica, fondée sur une recherche interdisciplinaire, mais aussi les premiers résultats de l’analyse détaillée des cinq dansas occitanes, ajouts à attestation unique du Chansonnier du Roi.

Situé dans le domaine de l’informatique musicale, ce projet de maîtrise en musique est centré sur le développement d’une plateforme web pour l’apprentissage de la guitare, permettant d’exploiter un mode de notation spécialement adapté à l’instrument, qui inclut les multiples aspects du jeu et de l’interprétation (tablature, doigtés, fonctions harmoniques, etc.) et vise à mettre en lumière les relations qui existent entre différentes facettes de la musique, les paramètres sonores et ceux du geste instrumental. En collaboration avec le guitariste et pédagogue qui a mis au point cette notation multi- modale, l’objectif de ce mémoire a été de trouver une solution informatique adaptée pour rendre accessible cette notation dans un contexte pédagogique et au sein d’une plateforme numérique d’apprentissage qui repose sur les technologies modernes du Web. En préalable à l’implémentation de la plateforme, a été effectuée une analyse des outils existants –dans le domaine informatique pour l’apprentissage de la musique– des points de vue technique et pédagogique. Les fonctionnalités principales de la plateforme mise sur pied, dans son état actuel de déve- loppement, comprennent l’accès à une collection de partitions sous forme numérique, une interface graphique présentant les tablatures de façon dynamique, flexible et synchronisée au rendu sonore, et ce, à un tempo ajustable par l’utilisateur. La plateforme offre aussi une gamme d’outils pertinents pour l’apprentissage de la guitare (métronome, dictionnaire d’ac- cords, etc.) et permet d’éditer et de partager rapidement des partitions dans la représentation alternative du pédagogue., In the field of computer science applied to music, this project of master degree in music is centered around the development of a Web platform to support guitar learning, allowing the use of a notation specially adapted to the instrument, and that includes multiple aspects of guitar playing, interpretation (tablature, fingering, harmonic functions, etc.) and which goal is to highlight existing relations between different aspects of music, sound parameters, and instrumental gestures. In collaboration with the guitarist and teacher that created this multimodal notation, the goal of this memoir was to find a suited solution, in the field of computer science, to make this notation available in a pedagogical context and through a digital learning platform that relies on modern web technologies. Before the implementation of the platform, an analysis of existing tools –in the field of com- puter science applied to musical learning– has been made from technical and pedagogical points of view. Main features of the platform, in the current state of development, include an access to a collection of digital partitions, a graphical interface presenting tablatures in a dynamic and flexible way, synchronised with audio rendering and which tempo is adjustable by the user. The platform also offers a set of useful tools when it comes to guitar learning (metronome, chord dictionary, etc.) and allows to edit and share scores quickly in the pedagogue’s alter- native notation.

International audience; This essay addresses a little studied aspect of medieval music notation, the note or nota as a symbolic figure (figura), which symbolism was perfectly standard in the Middle Ages. The musical note, like all objects and beings emanating from God, is a symbol standing for that which surpasses humans, the invisible spiritual world. In the first half of this essay, we explore the functions of the nota in a magical work originating in a university milieu and focused on the nota, the Ars notoria. The case of the Ars notoria demonstrates that the nota is not a neutral or even logical written sign, but rather a figura that operates outside alphabetical writing codes and that speaks to the presence of God and of his wisdom in the world. In the second half of this essay, we demonstrate that this conception of the nota as a key to the spiritual world is relevant to the musical nota. Indeed, the nota in music is a microcosm of God; it represents the part of God that dwells in the world, the Holy Spirit or Pneuma. In turn, the symbol-nota represents the special force (virtus) of chant or song (cantus), or, to use medieval terminology, song’s special property (proprietas). Thanks to its force and property, song – as represented by the nota – is able to exceed the abilities of the human being producing it, assuming that he is in tune with the musical perfection that is the musica mundana, the music of the spheres.; Cet essai détaille un aspect peu étudié de la note musicale au Moyen Âge, la note (nota) en tant que figure (figura) symbolique, un symbolisme tout-à-fait dans l’ordre des choses au Moyen Âge. Car la note musicale, issue de Dieu comme tout objet et être médiévaux, est un symbole (symbolum) qui représente ce qui surpasse les humains, à savoir le monde spirituel et invisible. Dans un premier temps, nous explorons les fonctions de la nota dans une tradition de magie universitaire qui lui est dédiée, l’Ars notoria, pour illustrer le fait que la nota n’est pas une « écriture » neutre et logique, mais une figura qui se place en dehors de l’écriture alphabétique et assure de la présence de Dieu et de sa sagesse dans le monde. Dans un deuxième temps, nous démontrons que cette conception de la nota comme clef ouvrant sur le monde céleste est également pertinente dans le contexte musical. La nota est un microcosme de Dieu ; elle représente la partie de Dieu qui habite le monde, l’Esprit Saint ou Pneuma. À son tour, ce symbole qu’est la nota témoigne de la force (virtus) spécifique au chant (cantus), et donc de sa propriété (proprietas) spéciale. Ainsi le chant peut-il excéder les capacités de l’être humain qui le produit, si du moins celui-ci est en accord avec la parfaite musica mundana.

1. Introduction À l’origine de mon exposé, il y a une constatation sous la forme d’une analogie : l’écriture informatique semble en passe aujourd’hui de devenir une nouvelle forme d’équivalent général. Traditionnellement depuis Aristote (même si l’expression est de Marx), c’est la monnaie qui joue ce rôle : l’équivalent général permet à des entités hétérogènes d’avoir une commune mesure dans l’échange. En devenant marchandises, des entités hétérogènes deviennent ainsi monétairement comparable...

1. D’abord, d’où je viens Ma formation, ma réflexion de compositeur me situent d’évidence à la croisée de deux courants. D’abord celui de l’école concrète, qui m’a entraîné à la discipline descriptive des caractères et des valeurs de l’événement audible considéré comme « objet », sonore ou musical selon son contexte et/ou sa fonction. Pour avoir eu le privilège de collaborer à l’édification du très singulier Traité des Objets musicaux de Pierre Schaeffer et d’en avoir suivi les étapes, (compl...

1. Résumé Mêlant anamnèses personnelle et collective, cet article présente le langage iconique spécifique d’une discipline. Il contraste une évolution, lente et graduelle, et des mutations, en tout petit nombre. 2. Introduction Toutes ces mutations d’écriture qu’eurent en commun arts et sciences, au lever du xxe siècle ! Durkheim et la sociologie ; Saussure et la linguistique ; Vidal de la Blache et la géographie, sans parler de son influence plus tardive sur la création en histoire de l’écol...

Le questionnement derridien sur l’écriture part d’un constat : l’impressionnante uniformité conceptuelle du statut de l’écriture à travers l’histoire de la philosophie de Platon à Husserl. Depuis le début de son histoire, la métaphysique n’a eu de cesse de restreindre les pouvoirs de l’écriture, en subordonnant celle-ci à la primauté philosophique de la parole. Dans le paradigme philosophique partant de Platon et allant jusqu’à Husserl, l’écriture est conçue comme une modification inessentiel...

« La matière moderne a la structure de la lettre. »Jean-Claude Milner Le solfège, plus spécifiquement l’écriture proprement musicale de la musique, constitue le cœur même de la musique, un cœur qu’on dira logique s’il est vrai qu’il y va d’une aptitude logique de la musique à faire monde. Les mutations en cours de l’écriture musicale doivent donc être évaluées à hauteur de cette disposition : il en va de la logique musicale même, non de simples transformations techniques. * La première chose ...

Le xxe siècle a été celui d’une véritable révolution scientifique qui a concerné la physique, avec essentiellement l’apparition puis le rapprochement de la théorie de la relativité et de la théorie des quanta. S’il est vrai que le défi de l’unification de la physique quantique et de la théorie générale de la relativité au sein d’une théorie quantique de la gravitation n’a pas encore été relevé, la théorie quantique des champs, qui réalise le mariage de la mécanique quantique et de la théorie ...

PREAMBULE : Le chapeau qui est censé coiffer mon intervention d’aujourd’hui est donc « Philosophie ». Si c’est bien au titre de philosophe que je prends la parole ici, ce n’est évidemment pas au nom d’un « tout » indistinct et dominateur dont l’enseigne serait la discipline « philosophie » conçue comme « totalité de surplomb » de toutes les autres disciplines. Si je m’attache à quelque chose qui prétend bel et bien relever d’une certaine « philosophie de l’écriture » ou « théorie du gramme »,...

Au seuil du xxie siècle, et même du IIIe millénaire, la musique pose une question aux autres arts comme aux sciences : comment ajuster les différentes écritures (musicale, mathématique, chorégraphique, biologique...) – qui sont au fondement des modes de pensée concernés –, aux nouvelles exigences des matières sur lesquels ces pensées embrayent ? La musique, ainsi, dispose d’un système d’écriture autonome (le solfège) fondé sur une lettre particulière (la note) qui, inventée au début du IIe mi...

La première écriture de la danse (chorégraphie) est présentée dans un ouvrage de 1700, Chorégraphie ou l’art de décrire la Danse de Raoul Auger Feuillet. Cette écriture a connu un succès durable et elle est toujours en usage pour les danses baroques. En 1928, Rudolf Laban propose une cinétographie, destinée à écrire les mouvements, y compris ceux de la danse. Cette nouvelle écriture ne ressemble pas du tout à celle de Feuillet. Nous proposons d’analyser et de qualifier une profonde mutation d...

International audience; Western musicians and musically educated people acquire most of their repertoire through reading musical scores. Learning to read music is a long and time-consuming process. Some crucial conventions must be mastered, and implemented according to sensorimotor patterns that are specific to the instruments one plays. This chapter explores some aspects of these conventions related to time representation. It presents a syntactic characterization of a fragment of Standard Music Notation, and discusses some cognitive consequences of principles that govern the syntax. A preliminary hypothesis about obstacles to reading is put forward. A consequence of the hypothesis is that certain musical styles appear to be very much in synch with Standard Music Notation, whereas others do not find an easy representation within it.

The main goal of this work is to solve some of the difficulties that composers encounter when notating music. Firstly, we describe how the Western musical notation (WMN) is limited when attempting to write specific musical elements. Secondly, we show the possible advantages that multimedia writing (MW) could offer on the notation of such elements. To address these issues, we used MW in six “experiments/composition projects” that were conceived to answer specific notation questions. The results obtained thereof allowed us to demonstrate the efficacy of MW for overcoming current limitations in music notation. More specifically, MW constitutes a group of procedures that allows to simultaneously represent information in different ways. This information could be either text, sounds, still or moving images, among others. Such procedures can be used to note down a message to further save it and transfer it from the composer to the performer. In the context of our experimental paradigms, MW has proven to be efficient for: the notation of timber, the integration of musicians from oral tradition in mixed music works, the incorporation of instrumental techniques drawn from oral tradition music into written music, the integration of a tonal language in a music score, the notation of new instrumental and vocal techniques, the guidance at using new software, and the incorporation of expressiveness associated to music styles of oral tradition into written works. We consider that two types of notation that proved to be efficient in this research could be added to the body of already existing MW, namely auditive notation and the notation of a know-how by the means of video., Ce travail a pour but principal de répondre à certaines difficultés de notation rencontrées par les compositeurs. Dans un premier temps, nous nous se proposons de montrer les limites du système d’écriture musicale occidentale (SEMO) dans la notation de certains éléments de la musique et, dans un deuxième temps, de montrer les avantages qu’offre l’utilisation de l’écriture multimédia (EM). Les résultats de ce travail, obtenus à partir de six « expériences-projets de composition », montrent l’efficacité de l’EM : un ensemble de procédés qui permettent l'utilisation simultanée de plusieurs modes de représentation de l'information (tels que textes, sons, images fixes ou animées, entre autres), servant à noter un message afin de pouvoir le conserver et le transmettre du compositeur à l’interprète. Dans le cadre de la composition musicale, l’EM, telle que nous l’avons employée ici, s’est montrée efficace pour noter les éléments suivants : le timbre, des nouveaux modes de jeu, des nouvelles techniques vocales, des instructions pour l’emploi des logiciels ; et aussi l’EM s’est montrée efficace pour l’intégration des éléments suivants dans les œuvres de musique mixte : le jeu d’un musicien de tradition orale, des modes de jeu tirés des musiques de tradition orale et exécutés par un musicien de tradition écrite, une langue tonale (et l’expressivité liée aux genres de musique de tradition orale dans les œuvres écrites. À l’ensemble de notations multimédia déjà existantes et disponibles pour la composition musicale, nous ajoutons deux types de notation qui se sont révélés efficaces dans cette recherche : la notation auditive et la notation d’un savoir-faire au moyen de la vidéo.

Ce mémoire a pour objet l'utilisation de la notation braille dans l'enseignement de la musique. Il s'inscrit dans le cadre du projet européen Music4VIP. Le projet vise essentiellement à réaliser et tester des ressources pédagogiques permettant l'exploitation du logiciel BME (Braille Music Editor) dans un contexte d'éducation intégrée. Il vise une adoption plus large du braille musical en encourageant son utilisation par des équipes dont le but principal est l’apprentissage de la musique.

National audience; We present a rhythm transcription system integrated in the computer-assisted composition environment OpenMusic. Rhythm transcription is the act of translating a series of dated events to a structured, pulsed representation linked with traditional music notation. Our system favours interaction with users in order to find a satisfactory balance between various criteria, in particular the precision of the transcription and the readability of the produced music scores. This system is based on a uniform approach, using hierarchical representations of duration notation in the form of rhythm trees, and an efficient algorithm to lazily enumerate the possible transcriptions. It is run through a dedicated interface allowing to explore the solution space, visualise and edit the transcriptions, taking special care of grace notes.; Nous présentons un système pour la transcription rythmique intégré dans l'environnement de composition assistée par ordinateur OpenMusic. La transcription rythmique consiste à traduire une suite d'événements datés vers une représentation pulsée et structurée liée à la notation musicale traditionnelle. Notre système privilégie les interactions avec l'utilisateur afin de trouver un équilibre satisfaisant entre différents critères, en particulier la précision de la transcription et la lisibilité des partitions produites. Ce système s'appuie sur une approche uniforme, utilisant des représentations hiérarchiques de la notation de durées sous forme d'arbres de rythmes, et des algorithmes efficaces pour l'énumération paresseuse de solutions de transcription. Sa mise en oeuvre se fait via une interface dédiée permettant l'exploration de l'espace des solutions, leur visualisation et leur édition locale, avec une attention particulière portée sur le traitement des appoggiatures.

Si les noms de Garin le Lorrain ou Gerbert de Metz nous plongent dans l’univers familier de la Geste des Loherains, ceux de Garnier d’Arches, Gautier d’Epinal, Aubertin des Arvols, Jacques d’Epinal, Anchise de Moivrons, Jean le Taboureur ou Simars de Boncourt nous sont nettement moins connus. À ces poètes, que les manuscrits désignent par leurs noms, s’ajoutent deux autres auteurs de chansons dont nous ne conservons que le titre : le Comte de Bar, sans doute Thiébaut II de Bar (1239-1291), et...

International audience; Les partitions musicales sont des objets structurés, et nouspouvons donc envisager des opérateurs capables de modi-fier la structure d’une partition, d’en combiner plusieurs,et de produire de nouvelles partitions à partir de conte-nus pré-existants. Les encodages actuellement disponiblessont cependant conçus à des fins de rendu et d’échange, etne peuvent pas être directement exploités pour des mani-pulations algébriques. Nous proposons une approche quitire parti d’une modélisation et d’une extraction du con-tenu musical caché au sein de la notation, et nous défi-nissons un ensemble d’opérateurs que l’on peut combinerpour générer de nouvelles partitions à partir d’un corpusexistant. Nous montrons que cette approche fournit un ou-til de haut niveau permettant d’exprimer des applicationssimples et utiles, susceptible d’être mis en place facile-ment avec des composants standards et nécessitant peu dedéveloppements spécifiques.

International audience

INScore is an environment for the design of Interactive Augmented Music Scores. This score provides a musical notation extension for arbitrary graphic objects, describing explicit relationships between graphic space and time, the representation of interpretation in music notation and real-time interaction.The porting to mobile platforms and the web allows an opening to new uses. These heterogeneous platforms raise both technical problems and questions of design, in terms of presentation as well as interaction with the score.; INScore est un environnement pour le design de partitions musicales augmentées. Ces partitions permettent l’extension de la notation à des objets graphiques arbitraires, la description de relations explicites entre les espaces graphiques et temporels, la représentation de l’interprétation au sein de la notation et l’interaction en temps réel.Le portage sur plateformes mobiles et sur le web permet une ouverture à de nouveaux usages. Ces plateformes hétérogènes soulèvent à la fois des problèmes techniques et des questions de design, tant en terme de présentation que d’interaction avec la partition.

International audience

International audience; La notation de la musique sert les besoins de la représentation, de l'écriture et de la création artistique. Confrontée aux nouvelles formes musicales comme les musiques électroniques, les oeuvres interactives, le live coding, aux phénomènes de migration de l'instrument musical vers des plates-formes gestuelles et mobiles, aux hybridations avec la danse, le design, le multimédia, la partition contemporaine est sou-vent étendue, éclatée sur des supports différents, revisitée à travers de nouvelles formes d'écriture. Cet article fait le point sur les évolutions actuelles de la notation musicale et sur les outils informatiques émergents pour servir ses be-soins.

Dans cette recherche, nous proposons une réflexion sur l'introduction d'un objet sémiologique dans le processus d'enseignement-apprentissage du solfège et sur les implications d'une activité de construction de contours mélodiques, médiatisée par ordinateur, dans ce processus. Pour appuyer nos réflexions, un dispositif numérique a été spécialement conçu et développé et nous l'avons appelé LOCREAM pour Logiciel pour la Création de Mélodies tonales. Ce dispositif, permettant la manipulation des fragments de contours mélodiques dans le but de réaliser des mélodies tonales, a été conçu selon des principes venant de la pédagogie et de la didactique de la musique. Enfin, LOCREAM a été testé dans deux classes de solfège dont, à la fin de ce travail, nous présenterons et discuterons les résultats.

International audience

De nombreux ethnomusicologues en sont venus à partager l'idée de John Blacking que l'analyse de la musique correspond à la description de « séquences de différents types d'actes créatifs ». Les séquences sont composées de réactions découlant de la reconnaissance par le musicien d'un groupe de traits caractéristiques. Dans toute série d'actes dont l'objectif est de produire de la musique (au sens large du terme), des structures de natures différentes doivent être coordonnées. L'inventaire, même incomplet, des types de coordination possibles fournit une base de données permettant d'analyser au moins une partie des critères régissant les choix effectués pour une interprétation musicale donnée, dans la mesure où ces critères ont été créés par rejet d'autres options. Ceci vaut également pour les inventaires des traits caractéristiques des habitudes vocales et instrumentales, et des modèles utilisés pour la composition et l'interprétation. Analysis of Acts of Music. — Many ethnomusicologists have come to share the view of John Blacking that to analyze music is to describe “sequences of different kinds of creative act.” Such sequences are composed of responses that follow from one or another performer's recognition of a cluster of distinctive features. Patterns of more than one kind must be coordinated in any series of acts that is intended to produce music (in the broad sense of the term). An inventory, however incomplete, of types of coordination that were in some sense possible provides a basis for estimating at least some values of the choices that have been made in a given performance, to the extent that these values were created by rejection of the other options. The same point holds for inventories of distinctive features, of vocal and instrumental habits, and of models used in composition and performance.

Bien que radicalement oral, non seulement le jazz n’ignore pas l’écriture mais il en use volontiers. Se fondant sur le double principe que l’oralité ne saurait se définir comme un simple défaut d’écriture et que l’usage de l’écriture n’annule pas la nature orale d’une approche poétique, la présente étude s’efforce de mettre en évidence comment ce que Walter Benjamin repère comme « l’ère de la reproductibilité technique » ou que McLuhan appelle « l’ère électrique » ouvre au jazz la perspective d’une nouvelle oralité. L’enjeu philosophique de ce travail est de montrer comment le jazz, sans disqualifier l’écriture, réconcilie à sa manière poésie mimétique et valeur de vérité, impérieusement disjointes depuis l’exclusion platonicienne des artistes en général, et du poète mimétique en particulier, hors les murs de la cité. Jazz as a Second Form of Orality. — Besides being radically oral, jazz does not neglect, but instead willingly uses, writing. This study is based on two principles: “orality” cannot be defined as a mere lack of writing; and the use of writing does not nullify the oral nature of a poetic approach. The effort is made to show how what Walter Benjamin has called the “era of technical reproducibility” or McLuhan the “electric era” opens for jazz the perspective of a new orality. The philosophical point is to show how jazz, without disqualifying writing, reconciles (in its way) mimetic poetry and truth values, which have been imperiously separated since the Platonist exclusion from the city of artists in general and of mimetic poets in particular.

4 émissions d'1/2 heure ((, 12, 19 et 25 janvier 2013)

En 1969, le musicologue Andreas Holschneider, dans une étude sur une miniature provenant d’un tropaire nivernais de la seconde moitié du xie siècle, pouvait encore l’analyser selon une simple dichotomie : soit le signifiant était fidèle au signifié, soit il s’en détachait au profit d’une idée plus abstraite. C’est ainsi qu’il y distinguait deux zones nettement séparées : un arbre « stylisé » d’une part et des musiciens « dessinés de manière réaliste » d’autre part, ces derniers offrant la pos...

En ce début du troisième millénaire, la musique adresse une question aux autres arts comme aux sciences : comment ajuster les écritures musicale, mathématique, chorégraphique, biologique, etc., aux nouvelles matières sur lesquelles ces pensées embrayent ? S’il est vrai que le système autonome d’écriture musicale, le solfège, inventé il y a près de 1 000 ans, s’avère désormais en partie inadapté aux nouveaux matériaux sonores qu’il s’agit de composer, l’actuelle prolifération empirique des simples notations ne saurait pourvoir aux mutations en jeu : en matière d’écriture musicale, il en va non de techniques neutres mais bien de logique musicale, de ce qu’un discours ou un développement veulent dire musicalement. S’il s’agit donc de penser les mutations en cours en matière de « logique musicale », et leurs exigences, en matière de nouvelles « lettres/notes » musicales, qu’en est-il de problématiques semblables dans les autres arts et dans les sciences ? Qu’en est-il de mutations équivalentes dans les autres arts, singulièrement dans ceux qui entreprennent de se doter d’une écriture qui leur est propre, comme la chorégraphie ? Qu’en est-il surtout dans les sciences, en mathématiques mais aussi en logique, comme dans les sciences ayant à nouer leurs propres lettres à l’impératif galiléen de s’écrire mathématiquement ? Comment ce double dispositif (écriture mathématique importée/modes endogènes d’inscription) tend-il aujourd’hui à se nouer en physique, en chimie, en biologie, en informatique ? Ce volume rassemble différentes contributions présentées et discutées lors d’un colloque tenu à l’École normale supérieure (Paris, Ulm) en octobre 2007.

National audience; 4 émissions d'1/2 heure ((, 12, 19 et 25 janvier 2013)

Actes des Rencontres La légende de Médée, organisées par l'Université de Créteil et l'École Normale Supérieure en novembre 2005; National audience

Introduction La musique pour guitare electrique contemporaine beneficie depuis plus de trente ans d’un vocabulaire sonore et gestuel tres developpe : son propre « classique », son sale blues-rock, sons extravagants electroacoustiques, sons meticuleux spectraux… Noter ces effets inventes par les musiciens depuis 1940 pose des defis considerables et provoque des recherches passionnantes, comme le montrent les travaux des participants de ce colloque. Pour contribuer a une analyse critique de cet...

Article traduit en espagnol par Francisco Vilanueva : « Algunas propiedades de las representaciones: el caso de la notación musical », Espacio Sonoro, nº 23, février 2011. http://www.tallersonoro.com/anterioresES/23/Articulos.htm (30/08/2017).; International audience; De nos jours, la notion de représentation est centrale dans plusieurs disciplines, la linguistique, les sciences cognitives, en psychologie, dans l’intelligence artificielle, en neurosciences et en philosophie. Les représentations et le mécanisme de représentation sont les fondements et le processus par lequel nous appréhendons et connaissons le monde. D’un point de vue philosophique (occidental), deux thèses majeures s’affrontent pour répondre à la question « comment connaissons-nous le monde » ? D’une part, le « réalisme direct », selon lequel nous voyons et percevons directement les choses du monde comme elles sont. D’autre part, le « réalisme indirect », selon lequel nous ne connaissons le monde que par les représentations crées par notre perception, nous étant impossible d’appréhender le réel directement. Nos mécanismes de connaissance reposant sur la construction et l’organisation de représentations à partir de notre perception [Savary 1998, 28].Ce texte, n’est qu’un prolégomène à une étude plus large sur la représentation et les représentations dans le contexte de la musicologie, de l’interprétation et de la composition musicale assistée par ordinateur, et ne se penchera que sur l’étude de quelques propriétés des représentations dans le cadre de la notations musicale. Nous aimerions rappeler, que ce texte n’est pas une étude sur la notation musicale, mais sur le concept de représentation dans le cadre musical. La notation musicale ne sera utilisée que pour exemplifier les différentes thèses proposées.

Éminente spécialiste de la musique de l'Antiquité, Annie BÉLIS est l'auteur de plusieurs ouvrages et de plus d'une centaine d'articles, parus dans des revues scientifiques de haut niveau, tant en France qu'à l'étranger. Elle y a abordé aussi bien les questions de théorie et de notation musicale que la facture des instruments, la carrière des musiciens, l'esthétique des Anciens... Fondateur et directeur artistique de l'Ensemble Kérylos, elle est l'auteur des transcriptions de toutes les partitions qui sont interprétées par l'Ensemble Kérylos. Annie BÉLIS interprètera des extraits de musique du IIème siècle après J.-C, sur la lyre grecque et peut-être sur le luth romain des œuvres de l'époque des Antonins : Seikilos, /Chant funéraire/ Mésomède de Crète, /Hymne au Soleil /et /Hymne à Némésis.

International audience; Le psautier de Pierre Davantès (1555) est pourvu d'une préface musicale qui révèle une pensée théorique originale. Bien avant les notations musicales chiffrées de Jean-Jacques Souhaitty (1632 - vers 1697) puis de Jean-Jacques Rousseau, Pierre Davantès promeut une écriture musicale simplifiée, pourvue de chiffres arabes et d'un système de points, pensé pour exprimer certains aspects de la notation musicale de son époque, notamment des éléments de pensée modale et de solmisation, jugés alors très encombrants. Dans le corps de son ouvrage, les mélodies sont entièrement décryptées en solmisation, et l'on peut par comparaison avec les rares autres sources solmisées y constater des tendances spécifiques, des choix, alors même que le système est réputé relativement universel. La contribution se centre donc sur les aspects techniques de cette entreprise philanthrope et prosélyte.

Bélis Annie. Théodore Reinach et les partitions grecques. In: Un siècle d'architecture et d'humanisme sur les bords de la Méditerranée. La villa Kérylos, joyau d'inspiration grecque et lieu de mémoire de la culture antique. Actes du 19ème colloque de la Villa Kérylos à Beaulieu-sur-Mer les 10 et 11 octobre 2008. Paris : Académie des Inscriptions et Belles-Lettres, 2009. pp. 253-278. (Cahiers de la Villa Kérylos, 20)

Actes d'un colloque tenu les 19 et 20 octobre 2006 à l'Université Paul Valéry de Montpellier III. Bibliogr. p. 220-221 et 273-274. Notes bibliogr. Index

The notation of traditional music poses specific problems of interpretation: to what extent is it possible, even desirable, to restore the system of origin beyond the notes? Today's performer does sometimes rectifie tunes formerly noted to conform them into his conception; We will propose two examples: the Judeo-Spanish tradition noted by Hemsi and interpreted by Françoise Atlan; The Breton tradition noted by Hersart de La Villemarqué and sung by Yann-Fañch Kemener; Others, on the contrary, because they think that ancient music may have a strange souding system, sing or play in musical systems unusual in contemporary times; We shall propose two examples: China of the eighteenth century and the Middle East of the thirteenth century., La notation des musiques traditionnelles pose des problèmes spécifiques d’interprétation : dans quelle mesure est-il possible, voire souhaitable, de restituer au-delà des notes le système d’origine ? L’interprète d’aujourd’hui en effet rectifie parfois des airs notés jadis pour les faire rentrer dans sa conception ; nous en proposerons deux exemples : la tradition judéo-espagnole notée par Hemsi et interprétée par Françoise Atlan ; la tradition bretonne notée par Hersart de La Villemarqué et chantée par Yann-Fañch Kemener ; d’autres au contraire, parce qu’ils pensent qu’il s’agit de musique ancienne et que le système peut sonner d’une manière étrange, naviguent dans des systèmes musicaux inusités à l’époque contemporaine ; nous en proposerons deux exemples : la Chine du XVIIIe siècle et le Moyen-Orient du XIIIe siècle.

Actes d'un colloque tenu les 19 et 20 octobre 2006 à l'Université Paul Valéry de Montpellier III. Bibliogr. p. 220-221 et 273-274. Notes bibliogr. Index; International audience

ISBN : 2-213-63073-9.; Des signes glissés entre les lignes aux figures de notes envahissant la page du manuscrit, la notation musicale déroule tout au long du Moyen Âge son histoire singulière. Elle forge une étape cruciale de l'histoire culturelle occidentale. Écrire la musique n'était pas au Moyen Âge une condition nécessaire de la pratique musicale enracinée dans l'oralité et la mémoire. Noter, c'est proposer une figuration métaphorique du son et de la parole. Cette confusion de l'ouïe et de la vue puise ses racines dans la Bible. Elle montre que les développements de la notation ne répondent pas en premier lieu à des nécessités musicales. La notation souligne le prestige et l'autorité de l'écriture et du livre qui la contient. Elle permet parallèlement de penser la musique et d'analyser toujours plus finement les contours de son langage. Cinquante-trois planches retracent le parcours original de l'« image musique », objet d'intercession, de méditation sur la parole, la forme et le sens.

La thèse étudie les graduels, graduels composites (graduels-lectionnaires et graduels-sacramentaires) et missels ayant été produits entre la fin du ixe et la fin du xie siècle et notés en une notation, qui, depuis le xixe siècle, est appelée aquitaine. Son centre d’intérêt est la transformation de tels livres notés entre la période carolingienne tardive et les débuts de la réforme grégorienne. La proposition soutenue est que le changement qui conduisit de la transmission exclusivement orale à...

International audience

http://www.dr8.cnrs.fr/plus_microscoop/numeros/MSHS13.pdf