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Em sua segunda conversa publicada nesta Revista Viso, o ator japonês Ryonosuke Mori e o crítico teatral brasileiro Patrick Pessoa retomam o seu debate em torno das possíveis identidades e diferenças entre a crítica de arte e a criação artística. Seis anos após sua última conversa, e atravessados por novas experiências pessoais e históricas, como a pandemia e o fim do espaço para a crítica teatral no jornal para o qual Pessoa escrevia, algumas de suas posições se alteraram. Outras não. Desta vez, o foco dos dois amigos está em uma reflexão sobre a noção de “acontecimento”.

“Qual é a sua relação com a pornografia?” Essa pergunta, endereçada diretamente ao público, é o fio condutor do espetáculo História do olho: um conto de fadas pornô-noir, escrito e dirigido por Janaina Leite com base no romance de Georges Bataille. Este ensaio realiza uma análise da História do olho de Janaina Leite à luz do romance de Bataille. Nele são reveladas possíveis articulações entre as assim chamadas “perversões sexuais” e a sexualidade infantil, entre a pornografia e o circo, entre a performance e a comédia.

Apresentado oralmente no X Encontro do GT de Estética da ANPOF, o presente texto foi construído como um diálogo filosófico com as “Teses sobre a estetosfera”, apresentadas por Rodrigo Duarte no mesmo evento e também publicadas no número 29 da Revista Viso.

O artigo apresenta uma crítica imanente da peça "Depois do filme", de Aderbal Freire-Filho, estabelecendo relações entre os elementos da encenação e as ideias de Paul Lafargue, dos pré-socráticos e de Machado de Assis.

Estruturado em três seções, este ensaio apresenta, na abertura de cada seção, uma crítica escrita no calor da hora para um jornal de grande circulação. Os espetáculos analisados são: “A Boba”, de Wagner Schwartz; “Fúria”, da Lia Rodrigues Cia. de Danças; e “Pi: Panorâmica insana”, com direção de Bia Lessa. Após a transcrição integral de cada uma dessas críticas, o ensaio propõe um exercício de “crítica da crítica”, fornecendo informações contextuais sobre as trajetórias dos três supracitados artistas, mas sobretudo tentando reconstruir, com base em um exercício de “associação livre”, as memórias corporais que de algum modo podem ser relacionadas com a minha recepção visceral imediata dos três trabalhos. Dentre essas memórias, destacam-se outras duas críticas breves publicadas no mesmo jornal: as críticas dos espetáculos “Domínio público”, de Wagner Schwartz, Renata Carvalho, Maikon K e Elizabeth Figer; e “Isto é um negro?”, de Tarina Quelho e Mirella Façanha, um dos experimentos de teatro-ensaio mais importantes dos últimos anos. O objetivo é pensar como a crítica das artes da cena pode ser, a um só tempo, uma resposta visceral, artística e filosófica a diferentes proposições estéticas.

No intenso agora é uma meditação sobre o suicídio baseada em uma perspectiva anti-psicológica, de fortes tintas existencialistas. O mito de Sísifo, de Camus, é a obra filosófica com a qual o filme dialoga mais diretamente. Para defender esta tese, o filme de João Moreira Salles é inserido no contexto de um debate cinematográfico sobre as relações entre o suicídio e a política que inclui uma breve análise dos seguintes filmes: Trinta anos esta noite, de Louis Malle; O inquilino, de Roman Polanski; Os amantes constantes, de Phillipe Garrel; e Morrer aos trinta anos, de Romain Goupil, filme preferido de Salles sobre o período.

Este diálogo filosófico entre um ator japonês e um crítico teatral brasileiro incorpora à sua própria forma a tese de fundo defendida pelo crítico brasileiro: a de que a crítica teatral é uma forma de arte.

Esse artigo é uma réplica ao texto de Vladimir Vieira intitulado "Pina 3D e a força sensível do cinema".

O texto discute a atualidade das peças de aprendizagem de Brecht, mostrando como alguns dos princípios formais dessas peças são fundamentais para a compreensão do teatro contemporâneo, notadamente daquele praticado pela Cia. dos Atores, com sede no Rio de Janeiro. O texto também discute a importância do anti-ilusionismo brechtiano para a produção acadêmica na área de filosofia.

Este ensaio discute um possível conceito de “arte contemporânea” baseado na idéia de negatividade. Seu ponto de partida é uma análise da “dialética do esclarecimento” como apresentada nos filmes Medéia, de Pier PaoloPasolini, e Morte em Veneza, de Luchino Visconti.

Este ensaio fornece uma interpretação do filme Paris, Texas, de Wim Wenders, à luz da dialética da civilização como apresentada por Herbert Marcuse em Eros e civilização: uma interpretação filosófica do pensamento de Freud. Para que a “aplicação” do pensamento de Marcuse ao filme de Wenders não soterre a obra de arte com filosofemas previamente existentes e de uso disseminado, o contato entre a imagem do cineasta e a palavra do filósofo acontece em uma via de mão dupla. Assim, se a princípio a caracterização marcuseana da dialética entre a pulsão erótica e as demandas da civilização serve para articular algumas das imagens do filme de Wenders, tentamos mostrar, no final de nosso percurso, como o filme de Wenders permite a formulação de algumas questões que tornam visível o quanto o próprio Marcuse negligenciou uma das principais contribuições de Freud para a reflexão estética: a relação essencial entre a pulsão de morte e a negatividade da arte.

O texto defende, a partir de uma análise das Memórias póstumas de Brás Cubas, de Machado de Assis, que a ironia do autor deve ser lida como uma espécie de ironia trágica. A fundamentação dessa hipótese é realizada em três etapas: na primeira, apresenta-se o conceito de ironia trágica, como tematizado por Christoph Menke e Wayne Booth; na segunda, mostra-se como a noção de ironia trágica permite compreender a célebre definição de Lukács de que “a ironia é a objetividade do romance”; finalmente, o texto discute como o conceito de ironia trágica ao mesmo tempo esclarece e subverte as interpretações tradicionais da obra de Machado de Assis.