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Im Zentrum der vorliegenden Masterarbeit stehen ausgewählte Kriegsfotografien aus Deutschland, mit denen die amerikanische Fotografin Lee Miller das Ende des Zweiten Weltkrieges dokumentierte. Nach Beendigung ihrer Modelkarriere tauschte Elizabeth „Lee“ Miller (1907-1977) die Rollen und machte sich Anfang der 1930er-Jahre einen Namen als renommierte Fotografin im Bereich der Kunst- und Modefotografie. Während ihrer Zusammenarbeit mit Man Ray kam sie Ende der 1920er in Kontakt mit der Pariser Avantgarde, wobei vor allem die Bildsprache des Surrealismus nachhaltigen Einfluss auf das weitere Werk der Fotografin ausübte. Im Rahmen ihrer Zusammenarbeit mit dem Modemagazin Vogue begleitete Miller als akkreditierte Kriegsreporterin die amerikanischen Truppen durch Europa und berichtete über die Invasion der Alliierten. Fotografien hatten mit dem Aufkommen der Magazine in den 1930er-Jahren einen großen Stellenwert innerhalb der Berichterstattung erlangt und dienten während des Zweiten Weltkrieges vorwiegend propagandistischen Zwecken. Vogue verfolgte mit Millers Kriegsberichterstattung das vordergründige Ziel, den Kriegseintritt der Alliierten unter der weiblichen Bevölkerung zu propagieren und für dessen Unterstützung zu werben. Neben einer ausführlichen Beschreibung der Aufnahmen aus Leipzig, Buchenwald, Dachau und München werden die zugrundeliegenden historischen Begebenheiten erörtert. Der Schwerpunkt der Masterarbeit liegt auf den Besonderheiten der Motive und Kompositionen von Lee Millers Kriegsfotografien. Anhand zahlreicher Vergleiche wird unter anderem folgenden Fragen nachgegangen: Welche motivischen Referenzen sind erkennbar? Lassen sich Parallelen zu der für das Kriegsende typischen Ikonografie feststellen? Zudem werden die jeweiligen Fotografien in den Kontext von Millers Reportagen und diverser privater Nachrichten gestellt. Da vor allem die Fotografien aus den befreiten Konzentrationslagern Buchenwald und Dachau die Betrachtenden mit unsagbarem Leid konfronti

Martin Schwarz (* 1946) ist ein bildender Künstler, Autor und Verleger aus Winterthur (Schweiz). — Teilnehmer an der „documenta 6“. — Träger des Kunstpreises der „Carl Heinrich Ernst-Kunststiftung“ und weiterer Preise. — Martin Schwarz ist „Konzept-Künstler“ und tätig in vielen Bereichen der Malerei, Skulptur, Buchkunst und Objektkunst. — Zahlreiche Ausstellungen, weltweit und in eigenen Ateliers. — Zusammenarbeit mit namhaften Künstlern, u.a. mit H.R. Giger. — Das hier vorgelegte Verzeichnis von Kunsthistorikerin Bettina Sitter ist der erste Teil einer „Biographie in Ausstellungsdaten und Texten“ über Martin Schwarz, entstanden in Zusammenarbeit mit dem Künstler.

Die Geste der Berührung begleitet eine gewisse Vorstellung von Relationalität – denn wer/was berührt wen/was? Inwiefern konstituieren sich Beziehungen erst durch haptischen Austausch und was fühlen wir dabei? Der Essay widmet sich der fotografischen Serie Hands (Für mich) (2014–2016) der Künstlerin Josephine Pryde und fokussiert diejenigen Fotografien, welche die spezifische Verbindung zwischen Fingerspitzen und berührungssensiblen Technologien zeigen. Die Berührung wird darin als Mittlerin des Kontakts verstanden – sie lässt Dichotomien zwischen Subjekt und Objekt, zwischen Körperlichkeit und Virtualität, zwischen Abstoßen und Affizieren fluide werden.

Seit den 1980er Jahren ist der US-amerikanische Künstler Christopher Williams mit seinen Fotografien, die oft kommerzielle Bildsprachen zitieren, international erfolgreich. Formal- und produktionsästhetisch entsprechen seine Arbeiten höchsten Qualitätsstandards – ein Umstand, der es fraglich macht, warum Williams als Konzeptkünstler bezeichnet wird. Anhand der frühen Begriffsbildung der Konzeptkunst, wie sie unter anderem durch Joseph Kosuth vollzogen wurde, untersucht dieser Essay, inwiefern diese Theorien für Williams gültig sind. Es zeigt sich, dass sich die Sphäre von Williams’ künstlerischen Zugriffen weit über die Bildebene ausdehnt und in dessen Trägermedien übergreift. Darin liegt der konzeptuelle Kern seiner künstlerischen Praxis. Dass der Fotografie dabei aufgrund ihrer Medienspezifik eine begünstigende Rolle zukommt, verdeutlichen die Überlegungen von Jeff Wall, die am Ende des Essays herangezogen werden.

Christian Boltanski und Henrik Olesen schufen mit knapp 40 Jahren zeitlicher Distanz Werke, die zentrale Topoi postkonzeptueller Gegenwartskunst sowie räumlicher Inszenierung verhandeln. Der Essay diskutiert die künstlerische Strategie, Dinge an die Stelle des repräsentierten Individuums zu setzen, unter drei Gesichtspunkten und erörtert Parallelen und Differenzen zwischen den beiden Positionen. Inwiefern können Dinge die Funktion eines Porträts übernehmen? Können massengefertigte Gegenstände persönliche Einzigartigkeit vermitteln? Wie beeinflusst die räumliche Präsentation den Aussagegehalt der Artefakte? Der Essay verfolgt, wie sich die ästhetische Erfahrung zwischen dem Auslösen von Begehren nach Individualität und der simultanen Deprivation dieses Wunsches vollzieht.