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María Zambrano and Octavio Paz began publishing each other’s writings since they met at the Second International Congress of Anti-Fascist Writers in 1937 in Valencia. With respect to their continued collaborations in Mexico, France, and Spain, the scarcity of comparative studies of the two authors is surprising. Essays like ‘Filosofía y poesía’ (1939), ‘La destrucción de las formas’ (1944) and ‘Poema y sistema’ (1944) by Zambrano show a clear repercussion in the essayistic and poetic work of Paz, also beyond his books El arco y la lira (1956) and Los hijos del limo (1972/1974). Some of the most obvious parallel aspects between the two oeuvres are the description of analogies, the metaphors of masks, the observations of a dialectic between opposites, and the quest for a lost unity. With the re-readings of the aforementioned essays, I propose to portray the underestimated influence of the philosopher in the work of the poet.

Las representaciones de la desaparición y la (in)visibilidad juegan un papel clave a lo largo de la obra de Antonio Méndez Rubio (Fuente del Arco, Badajoz, España, 1967). Este estudio combina un enfoque temático y formal en las huellas y el silencio en una selección de poemas que abarca poemarios como Un lugar que no existe (1998), Por más señas (2005), Razón de más (2008) y Va verdad (2013). Más allá de arrojar luz sobre lo ocult(ad)o o tratar de revelar historias y memorias colectivas traumáticas ocultadas, muchos de los poemas de Méndez Rubio que aluden a huellas las presentan como agentes activos que no revelan objetos ocultos. El compromiso en esta poesía se basa en una visión del texto poético como objeto y espacio visual y una visión expandida de la relación compleja entre lo visible y lo invisible que engloba también la presencia y ausencia de elementos acústicos.

Interview with Nara Mansur.

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Esta traducción al español de un artículo que se gestó en inglés para la revista International Feminist Journal of Politics cumple dos propósitos políticos transfeministas. El primero es reflejar el carácter multilingüe del proceso que produjo este texto. En particular, una de les autores no sabe inglés, entonces esta traducción permitió su acceso al artículo. A su vez, el acceso de la coautora al contenido del artículo, nos dio la posibilidad al resto de nosotres de escuchar su crítica y de modificar nuestras palabras y nuestras obras de arte de acuerdo a su crítica. Pensamos que la existencia de una versión en español habilitará otra clase de lectores y espectadores y, a su vez, nos permitirá escuchar otra clase de interpelaciones y de críticas en español. El segundo propósito es responder a una inconformidad que tenemos sobre lo que se escribe acerca de las políticas globales de la producción de conocimiento fuera del Norte Global. El resto de la introducción al español y la conclusión se dedicarán a mostrar dicha inconformidad por medio de una lectura crítica a un libro de la profesora francesa Audrey Alejandro de la London School of Economics and Political Science (LSE) (Escuela de Economía y Ciencia Política de Londres) a partir de la experiencia de J.C.D. Calderón con los rechazos a sus poemas y a hacer un aporte metodológico neo-materialista y transfeminista a los estudios reflexivos y de sociología del conocimiento en la disciplina por medio de la evidencia del archivo de los rechazos a la poesía. Este artículo fue publicado originalmente con el título Learning how to embrace trans/feminisms and queer/cuir-ness in International Relations through art and creative methods en la International Feminist Journal of Politics. Les autores de dicho artículo son les mismes que les autores de esta publicación: J. C. D. Calderón, Francisca Calderón Melo, Paolo Axolotl y Zafo. Esta traducción se hizo con el permiso de Taylor & Francis Ltd, https://www. tandfonline.com.

Este artículo analiza parte de la obra poética de Raúl Zurita, expresada tanto en algunos de sus poemarios como en sus “inscrituras” o inscripciones materiales, y también en sus automutilaciones corporales, para determinar las funciones de su arte frente a las prác-ticas biopolíticas neoliberales (Foucault, Agamben, Calveiro) y como apuesta por una communitas del dolor (Diéguez). Se explica el sentido y función que cumplen libros como Purgatorio (1982), Canto a su amor desaparecido (1985) y zurita/in memoriam (2007), e intervenciones como su verso “ni pena ni miedo” en el Desierto de Atacama, su presen-cia en memoriales o su intervención “El mar del dolor”, todo como formas diferenciadas de resistencia desde el arte, frente a estrategias del poder que pretendieron “dejar morir” a parte de la sociedad en el contexto de la dictadura militar en Chile (1973-1990) y tam-bién en otros contextos de violación a los derechos humanos. This article analyzes part of the poetic work of Raúl Zurita, expressed both in some of his poetry books and in his “inscriptions” or material inscriptions and in his corporal self-mutilations to determine the functions that his art fulfills in the face of neoliberal bio-political practices (Foucault, Agamben, Calveiro) and as a bet for a communitas of pain (Diéguez). It explains the meaning and function of books such as Purgatorio (1982), Canto a su amor desaparecido (1985) and zurita/in memoriam (2007), or interventions such as her verse “ni pena ni miedo” in the Atacama Desert, her presence in memorials or her intervention “El mar del dolor”; all as differentiated forms of resistance from art, against strategies of power that tried to “let die” part of the society in the context of the military dictatorship in Chile (1973-1990) and also in other contexts of human rights violations.

La obra Still Life (1960) de Giorgio Morandi adquiere un carácter didáctico en la ecfrasis que de ella hace el poeta argentino Hugo Mujica. Bajo una mirada fenomenológica, Mujica discurre literariamente sobre el carácter artístico de esta pintura, sugiriendo una noción “aurática” –a la manera de de Walter Benjamin– pero dirigida bajo el carácter propio de la poética del autor argentino. Mujica entiende que la poesía no adquiere dominio de significación. Still Life no tendrá el de la representación. Entre lo indeterminado del carácter de la imagen como tiempo y el acto mismo de escritura poética, Still Life se torna un modelo de escritura en el rasgo ontológico de lo artístico, en términos del poeta.

En esta reseña, José Siles analiza y describe las características del último poemario del poeta Salvadoreño André Cruchaga.

RESUMO O artigo traça um breve panorama da poesia em língua francesa com a qual Sérgio Milliet deu início à sua carreira literária. Diferentemente do destino reservado aos versos compostos em língua portuguesa, os poemas dessa fase inaugural não foram jamais retomados pelo autor em edições posteriores de sua obra poética. A um rápido exame das obras publicadas ainda no período genebrino, de essência semelhante, acrescentam-se comentários acerca de um dos poemas publicados na revista Klaxon, “La guerre”, e do livro lançado na Bélgica em 1923, Œil-de-bœuf. Acredita-se que essa leitura pode apontar os rumos que a poesia millietiana tomaria a partir de 1926 e dar subsídios para uma análise mais acurada da crítica poética e do trabalho tradutório de Sérgio Milliet.

Este trabajo pretende estudiar las poéticas explícitas del poeta Antonio Gamoneda desde el punto de vista del contenido, basándose en las últimas propuestas teóricas al respecto, con el fin de llegar a conclusiones relevantes para el ámbito de los estudios literarios. El autor, pese a su reticencia a participar en el mundo intelectual, posee una relativamente abundante producción ensayística en forma de textos breves, entrevistas y charlas. A través del análisis exhaustivo de estos materiales se han identificado cinco núcleos temáticos fundamentales que serán desarrollados en el presente artículo: el origen del pensamiento poético, el acto de creación, la relación poesía-muerte, la poesía como no-ficción y la relación de la poesía con la política. A través de esta investigación, se propone al lector una manera distinta y productiva de acercarse al pensamiento y a la obra del poeta leonés. Asimismo, el trabajo plantea una reivindicación de su poética en el contexto literario-sociológico actual. This paper aims to study poet Antonio Gamoneda’s explicit poetics from the point of view of content, based on the latest theoretical proposals in this regard, in order to reach conclusions relevant to the field of literary studies. The author, despite his reluctance to participate in the intellectual world, has a relatively abundant essay production in the form of short texts, interviews, and talks. Through the exhaustive analysis of these materials, five fundamental thematic nuclei have been identified and will be explained in this article: the origin of poetic thinking, the act of creation, the poetry-death duality, poetry as a non-fiction genre and the connection between poetry and politics. Through this research, the reader is offered a different and productive way of approaching Antonio Gamoneda’s thinking. Likewise, the work proposes a vindication of his poetics in the current literary-sociological context.

En los últimos años, he conformado un corpus de poemas escritos por poetas mapuche en los que la relación entre poesía y nütram —tipología discursiva ancestral entendida como relato de carácter verídico e histórico, traspaso de saberes y también conversación— resulta evidente. El mismo está conformado por poemas de Jaime Luis Huenún, Maribel Mora Curriao, Viviana Ayilef, César Cabello, Wenuan Escalona, entre otros. En esta oportunidad, propongo abordar dos direcciones respecto del vínculo entre poesía y nütram: la que indica que la poesía no es posible sin las conversaciones, sin el traspaso de relatos; y la dirección opuesta, en la cual el poema acontece aun sin el traspaso del relato. En la segunda dirección, el nütram se manifiesta por su falta o interrupción, al mismo tiempo que los poetas trazan lecturas acerca del lugar que esta narrativa oral mapuche ocupa en las decisiones estéticas y políticas de sus pares.

The aim of this work is to present and justify the proemato as a hybrid literary genre from different literary positions, through the analysis and comparison of some poetic and short narrative texts with the proematos of the Costa Rican writer Jorhan Chaverri. Characteristics are established that allow differentiating the proemato from other genres and styles of literary writing, which supports the conclusion that it is a (hybrid) genre that comes from the combination of poetry, narrative and micronarrative, but at the same time distinguished from them. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

Part of the poetry of Abigael Bohórquez (1936-1995) can be read as poetry of homosexual testimony. Specifically, his last collection of poems, his poetic testament, Poesida (1996), allows for this reading, since this cruel but supportive document seeks to put shame on the side of the heteronormative discourse, the one that reacted by condemning homosexual practices at the height of the Hiv/Aids pandemic in the 1980s & 1990s of the 20th century. Poesida will be studied from the poetics of misrepresentation, as a proposal for analysis for the dissident resistance to the discursive normalization that the collection of poems offers, both in the confrontation of the literary tradition, as well as in the poetic space and in the autobiographical references. Bohórquez builds a mural, a testimony, a series of songs and portraits so as not to forget, dignify and resist the shame with which they tried to classify those who died with the weight of stigma and guilt. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

In this article the author takes inspiration from the analysis of a poem by Nelo Risi to highlight some important characteristics of the process of transformation and symbolization of unconscious contents typical of the psychoanalytic process, referring to the passage, described by Freud, from the representation of thing to the representation of word proper not only to the analysis, but also to the mental work of the artist when he creates a work. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

Nel 1953 Amelia Rosselli iniziò a dedicarsi con determinazione alla poesia e a scrivere quei componimenti che più tardi sarebbero confluiti in Variazioni belliche (1964). Il 1953 fu l'anno in cui morì Rocco Scotellaro – caro amico di Rosselli – e la guerra fredda cominciò a influenzare l''atmosfera' che caratterizzò l'esordio della 'letteratura dell'era nucleare'. Il personale e il politico si sono sempre intrecciati nella poesia di Rosselli, e questo contributo sostiene che l'ansia nucleare, in aggiunta all'uccisione nel 1937 da parte dei nazifascisti del padre e dello zio di Rosselli, diede una fondamentale impronta al contenuto, allo stile, e alle soluzioni retoriche delle Variazioni belliche. L'articolo, inoltre, argomenta che la malattia mentale di cui la poetessa soffrì negli anni '70 sia da mettere in relazione con il clima di paranoia dell'era nucleare. Questa circostanza è attestata dalla 'prosa poetica' di Storia di una malattia (pubblicata in Nuovi Argomenti nel 1977), la quale pertanto è qualche cosa di più interessante della mera testimonianza d'una 'insolita', e individuale, 'esperienza esistenziale'. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

La poesia di Giovanni Raboni è sempre stata connessa alla città di Milano fin dalla sua prima raccolta, Le Case della Vetra (1966), dove la città appare come una metropoli industriale e il luogo delle memorie dell'autore. Tradizionalmente la critica ha considerato Raboni un nichilista e ha interpretato il suo ritratto di Milano come quello di una città desolante e priva di speranza. Partendo da un testo dell'autore recentemente riscoperto, quest'articolo mette in dubbio una simile analisi e intende offrire una reinterpretazione spaziale della sua poesia. A tal proposito, le affinità tra Raboni e le teorie di Heidegger appaiono evidenti: secondo il filosofo tedesco, i poeti possiedono l'abilità di 'imparare ad abitare' un luogo attraverso la loro poesia. In tal senso, anche Raboni impara ad abitare Milano, vi forgia la propria identità e immagina un futuro dove gli individui possano vivere i moderni paesaggi urbani senza sacrificare la propria autenticità. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

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Este artigo pretende constituir um capítulo da história da literatura brasileira colonial. Nesta contribuição, procura-se traçar um olhar historiográfico sobre o repente como elemento constituinte da poética brasileira. O objetivo deste trabalho, assim, é evidenciar a tradição da poesia de repente na literatura brasileira desde os seus primeiros passos. Para isso, parte-se das observações de Joaquim Norberto Sousa e Silva (2002), principalmente a sua recensão dos poetas repentistas coloniais. Como sequência do trabalho, aponta-se para Gregório de Matos e Caldas Barbosa como repentistas, procurando aporte nas manifestações literárias em performance da cantoria nordestina brasileira do século XX e XXI.

Archivo histórico de Kipus: Revista Andina de Letras y Estudios Culturales, 2004.

Archivo histórico de Kipus: Revista Andina de Letras y Estudios Culturales, 2004.

Archivo histórico de Kipus: Revista Andina de Letras y Estudios Culturales, 2004.

Este artigo apresenta como principal objetivo refletir sobre a temática do suicídio na poesia de Carlos Drummond de Andrade, que, aliás, é um tema pouco explorado nas pesquisas contemporâneas, muito embora este autor enfoque tal assunto em diversos livros, principalmente em Boitempo, publicado pela editora Nova Aguilar em 1988. Interessa-se, portanto, em analisar, com mais empenho, os poemas “Abrãozinho” e “Morte do noivo”.

Poesia da terra Editora Feminas, selo Margaridas, 2024 Autora: Bárbara Matias Kariri Ilustração: Gabriel Silva INDJA

Este estudo procura pôr em diálogo as criações poéticas de Carlos Drummond de Andrade e de Emily Dickinson, sobretudo a partir dos processos de intensificação da realidade, no estranhamento e na singularização, que apresentam no processo de criação de imagens e na reflexão que apresentam em torno do fazer poético. Através do privilégio do método comparativo é prestada especial atenção a conceitos como mínimo, finito, matéria e residual assim como a reiterada presença, em diferentes etapas da criação dos dois autores, da perspetiva de uma visão do chão, indissociável de uma forma particular de absorver o mundo e de pensar, por dentro, a Criação Poética, procurando romper com processos de idealização e mitificação da realidade e repensando elementos como o tempo e o espaço. Serão abordados igualmente o diálogo entre concisão e fluidez, vital também para as duas poéticas, procurando ver vasos comunicante de diálogos, mas também divergências e singularidades que tecem a complexidade dos dois autores.

El artículo “La poesía como instrumento de motivación” tiene como objetivo motivar a los alumnos en el aprendizaje de alemán, debido a una drástica deserción de los estudiantes en las clases de nivel medio y superior (A1.2, A2.2) del Plan Global en el Centro de Enseñanza de Idiomas de la Facultad de Estudios Superiores Acatlán (FES Acatlán) de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM). Por ese motivo, se requiere un análisis profundo de los diferentes aspectos de la motivación y su aplicación en la clase de alemán. En este contexto, la poesía juega un papel importante, porque acerca a los alumnos a la cultura meta con el objetivo de fortalecer su personalidad, fomentar su conciencia social, ampliar su horizonte cultural y lograr el éxito en el aprendizaje de alemán. Se han escogido poesías expresionistas de Georg Trakl y poesías de Bertolt Brecht con una posición crítica hacia la sociedad. Estos poemas sirven a los estudiantes para madurar en su personalidad e interesarse por la cultura y lengua meta. Para este propósito, se ha agregado un apartado de recomendaciones didácticas, en el cual se refleja la teoría de la motivación y su aplicación en los talleres literarios. Así, el artículo se presenta en tres apartados: “Reflexión teórica acerca de la motivación”, “Motivación a través de poesía” y “Recomendación para la didáctica”.

Resumo Olhares dos homens e outros poemas

Nos seus mais de sessenta anos de magistério e produção escrita, Benedito Nunes dividiu a sua atividade por vários campos e sub-campos de conhecimento, num permanente tráfego geográfico e intelectual cujos vértices foram, sobretudo, a filosofia e a literatura. Esta constante dualidade manifesta-se de modo protuberante no modo como Benedito entende, de modo lato, o conhecimento. E, igualmente, nas sínteses dialéticas que propõe, e que conectam aqueles dois campos de conhecimento sob a alçada da hermenêutica, uma hermenêutica singular vinculada a Hartmann (em primeira instância) e, mais ainda (em fase posterior), a Heidegger, projetando-se num modo igualmente singular de prática crítica e pedagógica.

Después de sentar las bases para un diálogo interdisciplinario entre literatura y teología, este artículo se propone analizar un estudio de caso especialmente interesante. Se trata de La edad dorada (2003) de la poeta argentina Diana Bellessi (1946-), un poemario que problematiza explícitamente la noción de “gracia”. El estudio aborda sucesivamente tres ejes temáticos que giran alrededor de: (1) el tipo de cosmovisión presente en el poemario, que tendería hacia el panenteísmo; (2) el papel de la mirada; y (3) la concepción de la “gracia” como fuerza que opera en una existencia marcada tanto por la muerte como por la maravilla de vivir. El análisis destaca la tensión, en el poemario, entre una poética habitada por la gracia y la experiencia del duelo por el padre, imposibilitado de “decir gracias”.

La perspectiva teológica de la escritura fue un aspecto compartido por las diversas personalidades que integraron el grupo Orígenes, si bien se dio predominantemente en las plumas de Fina García Marruz y Gastón Baquero. Las siguientes líneas se centran en el papel estructural del Nuevo Testamento en la primera autora, con especial énfasis en los poemarios Las miradas perdidas (1951) y Visitaciones (1970). A través de los modelos bíblicos, la escritura es entendida por García Marruz como un baile entre iluminación y pérdida, y que solo puede repetirse si mantenemos la puerta abierta al huésped.

Entrevista con la escritora cubana Gleyvis Coro Montanet

Reseña de Todo significa sed (2023), de Lucía Ocampo.

En este artículo analizamos Nocturno de Chile (2000), del novelista chileno Roberto Bolaño (1953-2003), a partir de la forma visual de la narración. La extensa producción de este escritor posee un carácter imagético innegable que abordaremos a partir de su correlato con las formas de producción del teatro y el cine. La hipótesis es que el diálogo inter-artes nos ofrece una nueva forma de acercamiento a su obra y, especialmente, a la novela que abordaremos en este estudio. Las imágenes de Nocturno de Chile transitan entre el fin de la democracia y la dictadura por medio del delirio de un hombre agónico que revisa su vida afectivo-literaria como respuesta a una agresión intelectual.

O estudo tem como objetivo narrar a experiência de confluência entre poesia, formação e cuidado em dispositivos de atenção psicossocial do Rio de Janeiro, Brasil. A partir dos conceitos de Ailton Krenak, foram construídas reflexões sobre modos de formar e cuidar mais aliados à vida comunitária. Os resultados foram apresentados pelas seguintes narrativas: “Poesia, a cura da palavra”, que apresentou como a roda de poesia devolveu o direito do discurso às pessoas em sofrimento psíquico; “Terapia de palácio” revelou a importância do sujeito coletivo e a (re)ocupação do território; e “Poesia como invenção de paraquedas coloridos” funcionou como estratégia de cuidado. A poesia serviu como estratégia de constituição de coletivos, revelando a importância de se estar, cuidar e de formar, tendo como princípio o direito à palavra e ao território.

O artigo trata sobre poesia, cuja publicação se dá na plataforma de rede social Instagram. Essa instapoesia encontra grande reconhecimento em escala global e pertence aos fenômenos literários mais populares da atualidade, dentre os quais esse é discutido teoricamente à luz da conjuntura de formatos curtos. Discute-se, aqui, teoricamente, sobre os propiciamentos das plataformas de mídia social que deram origem a novas práticas de produção e apresentação de poesia, bem como sobre as estratégias de comunicação e autorrepresentação por parte das autoras. Além disso, são analisadas mais profundamente as contas das poetas Rupi Kaur e R.M. Drake.

En este texto el autor pretende reivindicar la poesía de un autor que es totalmente desconocido para las nuevas generaciones, Francisco Torres Dávila. Después de que sus textos aparecieran en varias revistas literarias ecuatorianas y publicara dos libros de poesía, Torres Dávila guardó un total silencio literario; dejó de publicar y desapareció, por voluntad propia, del panorama cultural del país. Hace poco se conoció la noticia de su muerte, de ahí la necesidad de recordar su obra literaria, pues sin duda es una de las voces poéticas más importantes de su generación.

Indefinible acaso irreverente inevitable todo padece a su paso lo animado y las cosas sin vida las letras lo sacro y cada una de las intenciones los poderes, lo visible y lo invisible ni los dioses saben evitar su sino

La edición del conocido y parcialmente estudiado manuscrito titulado Canzonette diverse in Lingua Spagnuola con acordes para guitarra, conservado en Roma en el fondo Corsini de la Accademia dei Lincei (Cors625), constituye una pieza importante en el ámbito de los estudios literarios, musicales e histórico-culturales y de las investigaciones sobre las relaciones entre Italia y España en el Siglo de Oro. Los trabajos del equipo coordinado por Patrizia Botta y compuesto por filólogos hispanistas, expertos en musicología, paleografía, codicología e historia social, contribuyen a arrojar luz sobre el contexto en que nació este singular cancionerillo y su función de instrumento de diversión para el mundillo cortesano romano que se reunía alrededor de la familia Peretti.

El artículo propone nuevas reflexiones sobre la presencia de Ferrante II de Nápoles en la poesía de Cariteo (Benet Garret, 1450-1514). Por una parte se estudia la imagen ideal del rey transmitida por el poeta con relación al pensamiento humanístico del Quattrocento. Por otra se analizan las implicaciones interpretativas y estilísticas que supone la figura del soberano en el marco del pretrarquismo del cancionero Endimione de Cariteo. En este sentido se determina y se estudia el motivo del príncipe amado creado por Garret como tema funcional en el cancionero y en el conjunto de su obra. Se relaciona dicho tema con la vertiente política de su producción y el desarrollo de la misma atendiendo al contexto histórico. Nuestro trabajo aporta novedades a la literatura crítica sobre el autor, que hasta hoy únicamente se había ocupado de Ferrante II en la obra de Cariteo de manera general junto a los demás reyes de la dinastía aragonesa de Nápoles y solo en relación a su poesía encomiástica.

Este artículo defiende la tesis de que nos encontramos en el medio de un cambio radical del paradigma lírico de la modernidad. A partir de una consideración crítica de la colección de poesía La flor del extérmino, del escritor chileno Andrés Ajens, y de una interpretación a contracorriente de la fórmula la edad de los poetas del filósofo francés Alain Badiou, este ensayo define los contornos de un agotamiento lírico que coincide con la declinación de los grandes relatos que estructuraban la modernidad. El propósito último es ofrecer pistas para dilucidar los nuevos rumbos que la poesía estaría tomando en el presente.

Partiendo de los evocadores versos de Gil de Biedma, en el presente artículo se aborda el tema de la recepción de la poesía hispánica en Italia, analizando las dinámicas de su difusión en nuestro país a partir de los años ochenta y hasta hoy, a través de las páginas de la popular revista mensual Poesia (del editor Nicola Crocetti), publicación periódica que desde 1988 sigue divulgando la escritura poética y difundiendo las voces del panorama literario mundial entre los lectores italianos. El objetivo es ofrecer una primera catalogación de los textos y las referencias a la poesía de ámbito hispánico (sobre todo español) incluidos en el conocido periódico italiano, a fin de esbozar una reflexión sobre la tipología de autores y textos seleccionados y su recepción. En las páginas de Poesia, el lector italiano puede leer traducciones y versiones originales de escritores españoles de diferentes épocas y estilos: así, al lado de autores clásicos como Góngora (traducido por importantes poetas italianos contemporáneos) o San Juan de la Cruz, encontramos a los más relevantes escritores de las generaciones del 27 y del 50, así como textos poéticos de la literatura española más actual.