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Submitted by Alberto César do Nascimento Silva (allbertocns@gmail.com) on 2021-04-29T13:44:29Z No. of bitstreams: 1 TESE - WALDÍVIA DE MACÊDO OLIVEIRA.pdf: 4434664 bytes, checksum: d559969afd0992d0516532abc22fe4d3 (MD5) Approved for entry into archive by João Costa (joaocosta@uepb.edu.br) on 2021-05-13T00:34:11Z (GMT) No. of bitstreams: 1 TESE - WALDÍVIA DE MACÊDO OLIVEIRA.pdf: 4434664 bytes, checksum: d559969afd0992d0516532abc22fe4d3 (MD5) Made available in DSpace on 2021-05-13T00:34:11Z (GMT). No. of bitstreams: 1 TESE - WALDÍVIA DE MACÊDO OLIVEIRA.pdf: 4434664 bytes, checksum: d559969afd0992d0516532abc22fe4d3 (MD5) Previous issue date: 2020-12-28 CAPES This paper proposes a theoretical and critical reflection on the novel Eles eram muitos cavalos by Luiz Ruffato (2001/2012), situating some lines of the strength and artistic and aesthetic thinking of a fragmented literature that was often questioned, denied, rejected in regard to its proper classification within the literary genres established to date in the various models and theoretical manuals, giving rise to central questions within the discourses and generating critical challenges about contemporary literature. Starting from the relations established between Ruffato's novel and the Cubist art, especially Duchamp's ready-made. The thesis is divided into three chapters. In the first chapter, we sought to trace a path that covered the conscious understanding of the theoretical aspects of the novel itself, the experimental form of the novel in fragments, the multiplicity that has accompanied the literary making embracing the artistic making of his poiesis, as well as pertinent comments from the specialized criticism, we relied on theorists like Lukács (2000), Bakhtin (2002) and Harrison (2007) among others. Consequently, in the second chapter, the analysis and social criticism that the corpus of analyzes brings to our research makes it even richer and more interesting since it is not enough to just treat literature or any artistic expression outside its historical and social context, because it is essential to approach the work in its complexity, in this sense, we understand how the idea of fragment creates an issue of reality, of the daily tragicidade conceived within the great Brazilian metropolis, of discourse as an instance of the present/presentificação of reality through which the subjects are understood and taken in their singularities according to Agamben (1993; 2010), Schollhammer (2009), Resende (2008). In the perspective of establishing a relationship that goes beyond the form and content of the novel in fragments, we sought to undertake artistic creation for the third chapter as a means through which art policy proposals reveal the world considering in the novel "classic" historical and the aesthetic proposal present in Eles eram muitos cavalos from an avant-garde reading of the 20th century and a critical look towards the 21st century novel, the way it is linked to the artistic creation plan. Thus, together with the literary fragments of Ruffato's novel, the paper in question involves the analysis of Duchamp's ready-made artistic production and cubist painting with the main objective of identifying the intersection of distinct arts and close aesthetic moments, discussing from the perspective of Paz (2002), Sypher (1980) in which it was intended to reach decisive questions for contemporary aesthetic thinking, from notions about the literary production of the present, the reality and the presentificação and the daily tragicidade of the less favored population in large urban centers and their immaterial wealth, as well as the possibility of poetic creation to signify space/text as ready-made-text in a critical reflection on literary making. O trabalho em questão é um estudo sobre o romance Eles eram muitos cavalos de Luiz Ruffato (2001/2012). Nosso objetivo é analisar o corpus proposto a partir de elementos da estrutura do fragmento numa reflexão crítica e teórica sob a ótica do ready-made duchampiano, localizando algumas linhas da força e do pensamento artístico e estético de uma literatura que foi por muitas vezes questionada no tocante à sua adequada classificação dentro dos gêneros literários estabelecidos até hoje nos diversos modelos e manuais teóricos, os quais originaram questões centrais no interior dos discursos e pesquisa da área, gerando desafios críticos sobre a literatura contemporânea. Partimos da hipótese de que esta obra de Luiz Ruffato encontra-se estabelecida dentro das relações que normatizam o romance experimental contemporâneo. Para tanto, é imprescindível destacar as injunções sociais e políticas inseridas nessa produção literária, por esse motivo, a tese foi dividida em três capítulos distintos que dessem conta da forma e estrutura romanesca dentro de sua relação com o ready-made e seu contexto histórico-social. No primeiro capítulo traçamos um caminho sobre o entendimento dos aspectos teóricos do romance em si, a forma experimental dos fragmentos, a multiplicidade que acompanha o fazer literário, embrincando consigo o artístico de sua poiesis, como comentários pertinentes da crítica especializada, utilizamo-nos de teóricos como Lukács (2000), Bakhtin (2002) e Harrison (2007) entre outros. No segundo capítulo, a análise e crítica social que o corpus de análises traz à pesquisa visto que não basta tratar a literatura fora de seu contexto histórico e social, pois é imprescindível que se aborde a obra em sua complexidade, compreendemos, assim, como a ideia de fragmento engendra a problemática do real, da tragicidade cotidiana concebida no seio da grande metrópole brasileira, do discurso como instância do presente/presentificação do real através do qual os sujeitos são compreendidos e tomados em suas singularidades na esteira de Agamben (1993; 2010), Schollhammer (2009), Resende (2008). No último capítulo, buscamos compreender a criação artística como meio através da qual propostas da política da arte revelam o mundo considerado no romance como histórico do tipo ―clássico‖ e a proposta estética presente em Eles eram muitos cavalos a partir de uma leitura vanguardista do século XX e um olhar crítico em direção ao romance do século XXI. Sendo assim, conjuntamente aos fragmentos literários do romance de Ruffato, o trabalho em questão passa pela análise da produção artística do ready-made de Duchamp e a pintura cubista com o objetivo principal de identificar a intersecção de artes distintas e momentos estéticos próximos, discutindo à luz de Paz (2002), Sypher (1980) em que se pretendeu chegar a questões decisivas para o pensamento estético contemporâneo, a partir de noções sobre a produção literária do presente, o real e a presentificação e a tragicidade cotidiana da população menos favorecida nos grandes centros urbanos e sua riqueza imaterial, bem como a possibilidade da criação poética de significar o espaço/texto como ready-made-texto em uma reflexão crítica sobre o fazer literário.

This research was made to analyze the myths about Helena in the homonyms tragedy of Euripides, Narcissus, in Metamorfoses by Ovid, and Psyche, in O asno de ouro, examining their paradoxes from the beauty that they represent and the tragic life which they lived. These questions come from the confluences between these mythical narratives and their original sacredness, facing a context in that is testified a constant process of transformation and heyday of the philosophical logos in Ancient Greek and Roman civilizations. Traditionally associated with religious ceremonies, the myths exerted great importance, being fundamental to the paideia, contributing to the social and cultural formation of that people. However, they had their position questioned by the increasing of the philosophical thinking which showed a new discursive method to reflect about humanity. In our hypothesis, the enchanted beauty of Helena, Narcissus and Psyche, instead of characterize a god’s gift, contrarily, correspond to the destiny or dismal situation they will suffer. And to substantiate our investigation, we’ll construct dialogues with some authors, like Plato and Aristotle, who contribute with their thinking about the poiésis and their principles into their social context. For the analyzes of this philosophic aesthetic, it will be used the studies of Benedito Nunes (2016), Umberto Eco (2017), Georges Bataille (1987) among others. For the analyzes of the sacred aspect and its semantic multiplicity, it will be used the studies of Mircea Eliade (1992/2008/2013/2016), Joseph Campbell (1990/1992/2004/2007/2015), Ernest Cassirer (1992), Northrop Frye (2014), Jean-Pierre Vernant (1978/1989/1990/2000/2002/2006/2008) among others. We emphasize that, to guide our arguments, it will be used a hermeneutic perspective through Hans-Georg Gadamer (1999) and Paul Ricouer (1989/1994/2015/2016). Using the perspective of these interlocutors, we will base our arguments on the defense of the ‘Tragic Beauty Myth’, emphasizing the sacred disposition that, even in a powerful philosophic reflection, still remains vivid and active. Because of that, even in the heydays of the pólis, the myths went on stage and starred the unprecedented and the unusual of the human life. Facing that, we justify the relevancy of our research; we emphasize that, as a methodology, it will be used the qualitative and investigative analysis of propositions and we will be in constant interaction with several areas of the knowledge, as it is required for a study of the Sciences of Religions. Nenhuma A nossa pesquisa objetiva analisar os mitos de Helena, na tragédia homônima de Eurípedes, Narciso, nas Metamorfoses (Ovídio), e Psiquê, em O asno de ouro (Apuleio), observando os paradoxos que deles emanam, a partir da beleza que representam e da vida trágica em que incorrem. Tais problematizações advêm das confluências entre as narrativas míticas, com a sua sacralidade original, com um contexto em que se vê crescente o processo de secularização e o apogeu do lógos filosófico na Antiguidade greco-romana. Tradicionalmente vinculadas às cerimonias religiosas, os mitos exerceram grande importância, sendo fundamentais para a paideia, contribuindo com a formação social e cultural do povo. Entretanto, eles tiveram a sua posição questionada, ao passo em que o florescimento da filosofia demonstrou um novo modo discursivo de refletir sobre a humanidade. Em nossa hipótese, a beleza encantadora de Helena, Narciso e Psiquê, ao invés de se caracterizar como uma dádiva divina, corresponde, contrariamente, ao destino e/ou à situação funesta que eles irão sofrer. E, para que possamos fundamentar a nossa investigação, construiremos diálogos com alguns autores, a exemplo de Platão e Aristóteles, que muito contribuem com as suas reflexões sobre a poiésis em seus princípios e em sua contextualização social. Para a exposição sobre a estética filosófica, irão nos auxiliar Benedito Nunes (2016), Umberto Eco (2017), Georges Bataille (1987) entre outros. Acerca do mito, o seu aspecto sacro e sua multiplicidade semântica, nos auxiliarão Mircea Eliade (1992/2008/2013/2016), Joseph Campbell (1990/1992/2004/2007/2015), além de Ernest Cassirer (1992), Northrop Frye (2014), Jean-Pierre Vernant (1978/1989/1990/2000/2002/2006/2008) entre outros. Salientamos que, para a tessitura de nossos argumentos, faremos uso de uma perspectiva de leitura hermenêutica, através de Hans-Georg Gadamer (1999) e Paul Ricouer (1989/1994/2015/2016). A partir desses interlocutores, alicerçaremos os nossos argumentos em defesa do ‘mito da beleza trágica’, enaltecendo o caráter sacro que, mesmo em um contexto de uma reflexão filosófica pujante, ainda permanece vívido e atuante. Por isso, até mesmo no apogeu da pólis, os mitos subiram no palco e protagonizaram o inaudito e o insólito da vida humana. Diante disso, justificamos a relevância do nosso trabalho, e destacamos que, como metodologia, buscaremos a análise qualitativa e investigativa das proposições e estaremos em constante interação com diversas áreas do conhecimento, como requer um estudo em Ciências das Religiões.

Resumo A peca A Morte de um Caixeiro-Viajante (1949) de Arthur Miller tem como protagonista Willy Loman , um vendedor norte-americano fracassado de classe media baixa. Assim, acontece o insolito: um homem comum, torna-se um heroi tragico. Um acontecimento insolito de fato, porque, segundo a terminologia dramatica de Aristoteles, um heroi e um homem nobre e de alta posicao. Ha, portanto, uma controversia sobre o heroi tragico aristotelico em torno da peca, que nao foi considerada por varios criticos como uma tragedia, por nao incorporar os criterios aristotelicos. Mas, o sofrimento de um homem comum nao pode ser tragico? O primeiro questionamento deste artigo discuta se e possivel definir Willy como um heroi tragico segundo a teoria Aristotelica. Para resolver esta questao, compara-se A Poetica de Aristoteles com a peca de Miller para responder se ainda existem herois tragicos. O segundo questionamento deste artigo discute se ainda existe tragicidade, uma discussao baseada em Rudolf Steiner, um defensor do desaparecimento da tragicidade. Steiner e atacado por Raymond Williams e Arthur Miller, que defendem a presenca do heroi tragico e a tragicidade na modernidade. Por contrapor as nocoes de tragicidade de Aristoteles, Steiner, Williams e Miller, este artigo oferece tambem uma discussao sobre o desenvolvimento historico do heroi tragico e da tragicidade. Percebe-se que o desenvolvimento historico da tragedia mostra que um homem comum pode ser tragico, pois, o sofrimento de Willy , o homem comum, provoca terror e piedade, uma vez que aconteceu com ele pode acontecer a qualquer um de nos. Palavras-chave: Tragicidade; Heroi Tragico; A Morte de um Caixeiro Viajante; Arthur Miller.

Submitted by Boris Flegr (boris@uerj.br) on 2021-01-07T18:36:43Z No. of bitstreams: 1 Tese_Michelle Thieme de Carvalho Moura.pdf: 1836207 bytes, checksum: 31ac7e4a6e59225b483107e7a3790015 (MD5) Made available in DSpace on 2021-01-07T18:36:43Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Tese_Michelle Thieme de Carvalho Moura.pdf: 1836207 bytes, checksum: 31ac7e4a6e59225b483107e7a3790015 (MD5) Previous issue date: 2017-01-27 The central proposition of this thesis is to discuss how we have dealt with our own incompleteness in contemporaneity. By adopting the Sartre's perspective of subjectivity, man here is thought to be devoid of any essence that gives him a finish, being condemned to represent himself and to dramatize in life. Theatricality, therefore, is understood here as an inseparable condition of human existence. This condition is responsible for conferring upon man the uncomfortably perpetual renewal obligation of always being re-established in a tragic tension with the world. The issues raised by this central axis were organized in this thesis into three chapters. The first of them seeks to discuss how the tensions and conflicts inherent in our incompleteness - and our theatricality - can be articulated with a "tragic dimension" of existence, using the Sartrian notions of anguish and self-representation as the guiding thread. This discussion is deepened through a dialogue with the cinema of Brazilian documentarist Eduardo Coutinho, more specifically with two films of his: Jogo de Cena and Moscou. The second chapter seeks to understand how the particularities of our contemporary way of life are related to the exacerbation of the search for a finish in the present day. In this context, a much-used current form of intensification of this search seems to occur through the "ideal of completeness". There are discussed two phenomena that help to reveal the effects of this ideal on contemporary forms of psychic suffering: first, the relation between man and work, and then his relationship with online social networks. At the end of the second chapter, the thesis sets forth how a tragic-phobic logic is at the service of some practices and "psi" phenomena that help to strengthen the current ideal of completeness. As a counterpoint to this way of looking at incompleteness in everyday contemporary living, the theatricality placed on the scene in art, discussed throughout the third chapter, is thought of as a place where the unfinished and its tragic facet can be experienced as a potent human dimension. To do this, we first sought to discuss the structure of theatrical art in its broadest sense, then a more specific analysis was made of the actor's craft, and finally, through a dialogue with the process of creating the play Nomadic, it came to a discussion on the poetics of typical destabilization of the "contemporary theater". It has been found that while in daily life - especially in the contemporary - we tend to ignore the theatricality that constitutes us as free and unfinished beings, in theatrical art, in turn, our theatricality is all the time reaffirmed. It is possible to affirm, therefore, that the tragicity of our unfinished human dimension, when placed on the scene by theatrical art, is able to sustain, to varying degrees, conditions of privileged possibilities so that the subject manages to transform the discomfort that imprisons him - and produces sufferings - in a discomfort that deconstructs and amplifies ways of existing. This possibility, in the current scenario, besides being liberating, is extremely transgressive A proposta central dessa tese consiste em discutir de que forma temos lidado com nosso próprio inacabamento na contemporaneidade. Ao adotar a perspectiva sartriana de subjetividade, o homem aqui é pensado como sendo desprovido de qualquer essência que lhe confira um acabamento, estando fadado a representar-se e a teatralizar na vida. A teatralidade, portanto, é aqui entendida como condição inseparável do existir humano. Essa condição é responsável por conferir ao homem a incômoda obrigação perpetuamente renovada de estar sempre se refazendo em uma trágica tensão com o mundo. As questões levantadas por esse eixo central foram organizadas, nessa tese, em três capítulos. O primeiro deles busca discutir de que forma as tensões e conflitos inerentes ao nosso inacabamento - e à nossa teatralidade - podem estar articulados com uma dimensão trágica da existência, usando como fio condutor as noções sartrianas de angústia e representação de si. Essa discussão é aprofundada através de um diálogo com o cinema do documentarista brasileiro Eduardo Coutinho, mais especificamente com dois filmes seus: Jogo de Cena e Moscou. O segundo capítulo busca entender de que forma as particularidades de nosso modo de viver contemporâneo se relacionam com a exacerbação da busca por um acabamento nos dias de hoje. Nesse contexto, uma forma atual muito usada de intensificação dessa busca parece ocorrer através do ideal de completude . São aí discutidos dois fenômenos que ajudam a revelar os efeitos desse ideal nas formas contemporâneas de sofrimento psíquico: primeiramente é analisada a relação do homem com o trabalho, e em seguida sua relação com as redes sociais virtuais. Finalizando o segundo capítulo, a tese coloca em cena de que forma uma lógica tragicofóbica está a serviço de algumas práticas e fenômenos psi que ajudam a fortalecer o atual ideal de completude. Como um contraponto ao modo de encararmos a incompletude no viver contemporâneo cotidiano, a teatralidade colocada em cena na arte, discutida ao longo do terceiro capítulo, é pensada como um lugar onde o inacabamento e sua faceta trágica podem ser experimentados como uma potente dimensão humana. Para isso, primeiramente buscou-se discutir a estrutura da arte teatral no seu sentido mais amplo, em seguida foi feita uma análise mais específica do ofício do ator, e por último, através de um diálogo com o processo de criação da peça Nômades, chegou-se a uma discussão sobre as poéticas de desestabilização típicas do chamado teatro contemporâneo . Constatou-se que enquanto no viver cotidiano - especialmente no contemporâneo tendemos a ignorar a teatralidade que nos constitui enquanto seres livres e inacabados, na arte teatral, por sua vez, nossa teatralidade é o tempo todo reafirmada. É possível observar, portanto, que a tragicidade de nossa dimensão humana inacabada, quando colocada em cena pela arte teatral, consegue sustentar, nos mais diversos graus, condições de possibilidades privilegiadas para que o sujeito transforme o incômodo que o aprisiona e produz sofrimentos - em um incômodo que desconstrua e amplie modos de existir. Essa possibilidade, no cenário atual, além de ser libertadora, mostra-se extremamente transgressora

Willy Loman, the protagonist of Arthur Miller’s Death of a Salesman (1949) is a simple, flawed, middle class salesman. Can a common man such as Willy Loman be considered as a tragic hero? Does tragedy still exist in modern drama? Could the dark side of the “American dream” be the external flaw that provoces Loman’s fall? The objective of studying Arthur Miller’s play Death of a Salesman is focused on the possibility whether the protagonist, Willy Loman, can be considered a tragic hero. This study consists of a literary and historical perspective and is of a qualitative-descriptive character. The problem focuses on the question: what could be the influence, or rather, the illusion of the “American dream” that causes Willy’s tragic fall? This study is constructed by three cornerstones: first, the analysis of drama and tragedy from the perspective of Aristotle’s theory; second, the analysis of social drama and ultimately, the historical and literary perspective of the concept of the “American dream” as a reason for Willy Loman’s fall. The results of this study indicate that Death of a Salesman is not a period piece and that this play highlights issues from the past that are still current. It is noticed that Willy Loman meets his inglorious end because he is fooled and deluded by the “American dream”. The development of tragedy, culminating in modern social drama, indicates that a common man can be tragic, exactly because of the fact that Willy is an ordinary human being, which even more provoces feelings such as fear and pity, once what happened to him can happen to anyone of us. Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES A Morte de um Caixeiro-Viajante (1949) de Arthur Miller tem como protagonista Willy Loman, um simples vendedor fracassado da classe média baixa. Um homem comum como Willy Loman pode ser considerado como herói trágico? Existe ainda tragicidade no drama moderno? Seria o lado sombrio do “sonho americano” a falha trágica externa para a queda de Loman? O objetivo do estudo da peça de Arthur Miller, A Morte de um Caixeiro-Viajante, está centrado na possibilidade do protagonista, Willy Loman, ser considerado um herói trágico. Esta é uma pesquisa que abrange a perspectiva históricoliterária, bibliográfica e de carater qualitativo-descritiva. A problemática trabalhada centra-se na questão: qual seria a influência, ou melhor, a ilusão, do “sonho americano” que provoca a queda trágica de Willy? O estudo é desenvolvido sob três frentes: em primeiro lugar, a análise da dramaticidade e tragicidade sob a ótica da teoria de Aristóteles; em segundo lugar, a análise do drama social e, finalmente, a perspectiva histórico-literária do conceito do “sonho americano” como uma razão para a queda de Willy Loman. Os resultados do estudo apontam na direção de que A Morte de um Caixeiro-Viajante não é uma peça de época, e que esta peça ressalta questões do passado, ainda atuais. Percebe-se que Willy Loman encontra seu fim inglório porque é enganado e iludo pelo “sonho americano”. O desenvolvimento da tragédia culminando no drama social moderno mostra que um homem comum pode ser trágico, pois, o fato de Willy ser um ser humano comum, provoca sentimentos tais como terror e piedade, e estes ficam maiores, uma vez que aconteceu com ele pode acontecer a qualquer um de nós.

Este trabalho se aterá a uma leitura comparativa da trajetória das personagens Gretchen, da obra alemã Fausto (1808), de Johann Wolfgang von Goethe, e Margarida, da obra brasileira O Seminarista (1872), de Bernardo Guimarães. Existe, no entrecruzamento dos enredos, um elemento comum – dentre outros – que permite a comparação entre as personagens citadas: o amor como caminho à destruição, para o qual convergem questões como o risco e atributo da beleza e as condições sociais e religiosas que delinearam a identidade e atuação da mulher na sociedade. O destino trágico está inscrito no corpo das personagens, e se anuncia, por um lado, como lição da igreja àquelas que se desviam dos preceitos morais por ela estabelecidos, e por outro lado, se revela como a confirmação da sina daquela que outrora nascera mulher, bela, mas sem dote, resignada aos códigos sociais e a tutoria do homem.

A abordagem da temática do risco sob o enfoque do riso tem sido prática recorrente na produção de cronistas brasileiros contemporâneos, tendência na qual o risco se impõe como objeto e o riso se revela como estratégia. Ao tornar risíveis, em seus textos, as ameaças com as quais lidamos cotidianamente, esses textos denotam nosso ânimo para enfrentar aflições pessoais e coletivas, evidenciando aspectos culturais relevantes, maneiras de pensar e agir peculiares de nosso tempo. Os conceitos de risco, riso e crônica são explorados por meio de uma abordagem diacrônica e sincrônica, bem como desdobrados em um panorama teórico-conceitual mais amplo no qual são investigadas as noções complementares de experiência e reflexividade, felicidade e alegria, memória e esquecimento. Os contrastes e distâncias aí evidenciados servem para problematizar as relações entre risco e riso no corpus literário selecionado. O estudo analítico abrange 15 crônicas de Luis Fernando Verissimo, João Ubaldo Ribeiro, Millôr Fernandes e Moacyr Scliar. O objetivo mais amplo do estudo é investigar o modo pelo qual se exprime nos textos escolhidos o enredamento do risco e do riso em circunstâncias existenciais características da época atual. Aventa-se, entre outras, a hipótese mais geral de que a crônica oferece-se como espaço de mediação entre o registro de comportamentos tipicamente contemporâneos e a recriação artística de vivências genuinamente humanas. The thematic approach of risk brought into focus by the concept of laughter has been a recurrent practice concerning the literary production of Brazilian contemporary chroniclers. Such trend is based on the assumption that risk is imposed on as an object, whereas laughter appears to be a strategy. In order to make laughable the threats we have to deal with in everyday life, their texts usually indicate our courage in facing both personal and collective woes. Such texts highlight relevant cultural aspects of our time as well as typical ways of thinking and being. Concepts such as risk, laughter and chronicle are hereby considered in two different ways one being diachronic, and the other synchronic. The same concepts are then unfolded in reference to a broader theoretical-conceptual panorama allowing that complementary notions such as experience and reflexivity, happiness and joy, memory and oblivion be studied. Once proved by evidence in the above-mentioned notions, contrast and distances will be taken to account for the complex relationship between risk and laughter as found in the selected literary corpus. The analytical study carried on here covers fifteen chronicles signed by Luis Fernando Verissimo, João Ubaldo Ribeiro, Millôr Fernandes and Moacyr Scliar. Its assumed larger scope concerns an inquiry about the manner by which the collected texts express the entanglement of risk and laughter in view of existential circumstances that so well typify life at the present time. As a more general hypothesis, it is here proposed that every chronicle operates an actual mediation between on one side the records of human behavior clearly related to the present time, and the artistic reinvention of genuinely human experiences on the other.

Made available in DSpace on 2021-07-14T10:22:32Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2011-12. Added 1 bitstream(s) on 2021-07-14T11:28:45Z : No. of bitstreams: 1 S0101-90742011000200002.pdf: 104356 bytes, checksum: d50d16f3b190e64507a316b48b7fca0c (MD5) Seguindo as pistas do jovem leitor Nietzsche em sua relação intensa e apaixonada com a música, abordamos historicamente seu envolvimento inicial com a causa wagneriana, no final da década de 1860 e inícios da década de 1870. Nas ideias e escritos de Richard Wagner os anseios nietzscheanos ecoaram em sua busca por um estilo, por uma sonoridade na palavra e por um arrebatamento do leitor. Em sua correspondência e em seus textos, percebemos um jovem filólogo(sofo) empolgado, mas, às vezes, desconfiado: Wagner representaria uma alternativa para um novo modelo cultural aos alemães na segunda metade do XIX? O músico poderia ensinar a nação a estabelecer novas relações com a palavra? Poderia ensinar a ler artisticamente? Following clues from the young reader, Nietzsche, with regards to his intense and passionate relationship with music, we can historically approach his initial involvement in the Wagnerian cause during the late 1860s and early 1870s. The ideas and writings of Richard Wagner echoed Nietzschian concerns in his search for a style, for the sonorous quality in words, and for the enthusiasm of the reader. In his correspondence and in his writings, we see a young philologist (philosopher) excited, but sometimes suspicious: does Wagner represent an alternative to a new cultural model for the Germans in the second half of the 19th century? Could a musician teach a nation to establish new relationships through words? Could he teach a more artistic manner of reading? Universidade Estadual Paulista Universidade Estadual do Centro-Oeste, Programa de Pós-graduação em História Universidade Estadual Paulista

Fundo Mackenzie de Pesquisa The novel Nenhum Olhar, by the Portuguese author José Luís Peixoto and winner of the 2001 Saramago Award, focus on the trajectory of a small group of characters from a nameless city (Alentejo?). Among them, some characters are emphasized, José and his wife José s parents , and the cook, married to Moisés, from whom a daughter is born and she later marries Salomão, cousin of the second José. First of all, we cut out the chronotopos which we considered crucial to understand the narrative. Then, based on the reflexions that came from the first chapter, we discuss, on the second one, the topic of the bakhtinian relegation and point out the importance of the look as a dialogical source in the novel. Also we notice that the text is built with basis on the duplication process which questions the mythical universe and permits considering its paradigm the Holy Family under new perspectives. The main interdiscursive sources which the author uses are responsible for the text-matrix parody and for the tragical view of world, seen in third chapter, which makes presence through the narrative. This project has the objective of studying the chronotopos and dialogical procedures in Nenhum olhar, viewing the examination of the tension between its underlying ideology and the one from the model on which it is based. O romance Nenhum Olhar, de autoria do português José Luís Peixoto e vencedor do Prêmio José Saramago 2001, focaliza a trajetória de um pequeno grupo de personagens de uma comunidade sem nome (Alentejo?). Destacamos, dentre elas, José e sua mulher - pais de José - , e a cozinheira, casada com Moisés, que geram uma filha que se casa com Salomão, primo do segundo José. Primeiramente, recortamos os cronotopos que consideramos cruciais para a compreensão da narrativa. Em seguida, a partir das reflexões advindas do primeiro capítulo, problematizamos, no capítulo II, a questão do rebaixamento bakhtiniano e ressaltamos a preponderância do olhar como recurso dialógico no romance. Notamos, então, que o texto constrói-se mediante o processo de duplicação, que dá origem ao tempo mítico e permite considerar o paradigma bíblico a Sagrada Família sob novas perspectivas. Os principais mecanismos interdiscursivos de que lança mão o escritor são responsáveis pela paródia do texto-matriz e pela concepção de mundo trágica, contextualizada no terceiro capítulo, que percorre a narrativa. Este trabalho tem como objetivo o estudo dos cronotopos e dos demais procedimentos dialógicos em Nenhum Olhar, com vistas ao exame da tensão entre a ideologia a ele subjacente e a do modelo que lhe serve de guia.