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Usando una de las historias de origen Amazónico, Monilla Amena (el árbol de la vida y abundancia), se puede insertar críticamente la producción cultural y artística de este territorio transnacional y dar cuenta de artistas-territorio amazónicos que con agencia actúan sobre espacios hegemónicos de producción cultural. Este texto ofrece unos principios para entender la producción cultural del mundo amazónico, usa este mito como línea de tiempo y espacio, y pone a la estética situada y la práctica encarnada como ejes metodológicos. Esta aproximación, en tres dimensiones, contextualiza y sitúa cada práctica a su lugar de enunciación y enfatiza cómo el sujeto productor cultural encarna, literalmente, su territorio como interrupción colectiva y no solo individual. Adicionalmente introduce las nociones de fábula, diálogo, escucha en una suerte poliglotismo humananimal y vegehumano del mundo amazónico. Esta es una lectura crítica a las disciplinas académicas que miran a los productos culturales, categorizándolos y separándolos en ejercicios taxonómicos de captura y control. Para este ejercicio, los productores culturales son denominados artistas-territorio, pues trabajan situada y contextualmente y en continuo diálogo intercultural. Sus prácticas encarnadas son actos y eventos de tipo documental simbólico (político-estético) que interrumpen espacios dentro y fuera del mundo del arte y la cultura como estrategias para ejercer soberanía cultural desde el mundo amazónico. El corpus a tratar son pinturas rupestres ubicadas en los tepuyes precámbricos del Amazonas colombiano. Que se contrasta con el análisis de una pieza audiovisual contemporánea que representa al pueblo shipibo-konibo del noreste de Perú (Favarón, Bensho). Finalmente, el texto introduce a la generación emergente de artistas-territorio Pan Amazónicos. Entiéndase esta contribución también como un homenaje al maestro Fernando Urbina Rangel, guía al mundo amazónico y como una práctica cultural encarnada, ritualizada, situada y contextual que, de otra forma, sería un simple ejercicio académico.

Este artículo aborda el estudio de la colección de objetos metálicos de una colección que resulta del hallazgo de un naufragio de la Edad Moderna. A través del inventario de los objetos objeto de estudio se desarrolló un análisis formal, funcional y social. Se pretende poner de relieve el escaso estudio dedicado a los objetos de latón y, con especial énfasis, de estaño en Portugal, además de diseccionar las metodologías utilizadas internacionalmente y documentar la discrepancia de información entre los diferentes contextos científicos que se han dedicado al tema.

En este trabajo profundizamos en el examen y sistematización de algunos aspectos de la protohistoria de la Historia del Arte como disciplina escolar para que pueda rastrearse posteriormente su cambio y continuidad en su devenir propiamente escolar. Para ello nos retrotraemos a la Ilustración y la enseñanza de la Historia del Arte en las Academias de Bellas Artes, cuyos productos derivados tendrán una destacada influencia en la conformación de toda una serie de discursos, usos y prácticas que pasarán a ser definidores de una tradición (posteriormente) escolar. El artículo, así, trata de integrar algunos de los estudios previos que se han ocupado del particular y profundiza en algunas de sus fuentes de referencia, especialmente en el manual de José de Manjarrés y Bofarull (1859) dirigido a la formación de los futuros artistas. La conclusión apunta una incipiente enseñanza de la Historia del Arte caracterizada por una visión teleológica tendente a la canonización de ciertos contenidos, con un discurso construido sobre la base de determinados etnocentrismos.

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La literatura académica sobre la práctica de dibujo en la contemporaneidad es escasa. En particular, una revisión bibliográfica revelaría ciertas deficiencias en el análisis teórico del proceso de disegno en el marco de las nuevas concepciones textuales. El presente texto pretendería, así, ofrecer una aproximación analítica y hermenéutica a la creación gráfica en la era tecnológica, a fin de examinar la pertinencia de indagar en la práctica artística como método de investigación empírica en torno a la conexión de procesos abstractos con la corporalidad. Se arguye que una metodología analítico-comparativa transdisciplinaria, que abarque ámbitos como el pensamiento gráfico y los estudios sobre medios de comunicación, facilitaría el inicio de una reconfiguración en el enfoque hacia los medios, la técnica y la creación artística actuales. A través de teóricos como Merleau-Ponty y Haraway, nos propondremos analizar parte de la dimensión emergente de los procesos creativos. En última instancia, el objetivo que se plantea como horizonte buscaría empezar a definir y reivindicar el estado ontológico previo a la formalización del dibujo estático y fijo. A saber, la materialidad fluida que encarnaría la noción de ‘dibujo-en-proceso’.

A lo largo de los quince años, entre 1895 y 1910, al frente del Museo Nacional de Bellas Artes, Eduardo Schiaffino fue configurando un discurso museal recurriendo a piezas donadas, legadas o adquiridas. Respecto a este último modo de ingreso, nos interesa detenernos en los proyectos de incorporación al acervo de reproducciones facsimilares de dibujos europeos de los siglos XV al XVIII, y de calcos escultóricos de diferentes épocas y contextos culturales. Estas decisiones nos plantean una serie de interrogantes relativos a los roles asignados en las narrativas curatoriales de este período a estas piezas, su imbricación con obras originales, así como la fundamentación teórica subyacente en los proyectos de su incorporación al acervo.

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Aunque la mayoría de las obras de arte tienen un componente físico ineludible, el estudio de la cultura material en la historia del arte ha estado menos desarrollado que el de otro tipo de objetos como los de las llamadas artes "artes menores" o "artes aplicadas". En el caso de las obras artísticas, la primacía del factor estético/visual ha oscurecido a menudo la materialidad. Sin embargo, no podemos perder de vista que las obras de arte son objetos en primer lugar, y que la materialidad precede a las imágenes que transmiten. Este artículo quiere reflexionar primero sobre el estado de la cuestión respecto a los estudios de la cultura material como fuente para la investigación histórica tanto en el ámbito anglosajón como latinoamericano, para luego explorar algunos de sus alcances, oportunidades y posibles proyecciones para los campos de la historia y la historia del arte. Para esta última disciplina identificamos tres aproximaciones al objeto de estudio desde la perspectiva de la cultura material: el estudio de la obra de arte como artefacto, el estudio de los objetos representados y el estudio del entorno material del artista (su taller). Ilustraremos estos tres enfoques con ejemplos desde la literatura académica revisada.

El objetivo de este artículo es encontrar una relación entre la aparición de la Facultad de Artes de la Universidad Central del Ecuador (FAUCE) y el cambio de paradigma del arte hacia nuevos temas de investigación. Como metodología se hace un análisis de documentos históricos de la FAUCE en los que se discute el perfil de los estudiantes y de los egresados, y los planes de estudio. Se indaga en las disputas por la posibilidad de incluir materias teóricas en la malla curricular de artes. Asimismo, se analizaron todas las tesis de los estudiantes de la FAUCE entre 1970 y 2008. El resultado es una lectura cuantitativa de los temas tratados en las disertaciones de tesis. Los resultados de este estudio son las evidencias que permiten que establecen el cambio de pensamiento en la producción artística del Ecuador.

La pintura La clínica de Agnew (1889) de Thomas Eakins demuestra ser un cúmulo de temáticas que atañen a dos aspectos específicos, desarrollados a finales del siglo XIX. El primero, presentar al cuerpo humano como algo cotidiano, sin tapujos, alejado de la divinización presentada por el academicismo pictórico. El otro, ofrecer una visión muy íntima del autor, al ser una contestación a la sociedad de la época, sobre los supuestos abusos a sus estudiantes mujeres, y como una característica de continuidad representada en la mayoría de su obra fotográfica y pictórica, la visión ajena del desnudo. El objetivo de este trabajo es interpretar la influencia del positivismo en la representación de Thomas Eakins sobre el estudio médico en su obra La clínica de Agnew (1889), a través de un análisis riguroso de las personas y elementos propios de la obra, así como de la comprensión de las motivaciones del propio autor al realizarla. Para el análisis de esta pieza pictórica se utiliza, como metodología, la propuesta de Michael Baxandall del ojo de la época, bajo su teoría de historia social del arte, así como, el método comparativo, ambas con una serie de adecuaciones que permiten comprender de mejor manera la pieza. A través de este análisis se pretende vislumbrar el conocimiento científico médico de la época, lograr comprender el estudio quirúrgico que se fue construyendo con la aplicación de las ciencias positivistas, en especial, con el uso del método clínico de la observación como un método para el arte.

El arquitecto Luis Miró Quesada Garland publicó el libro Espacio en el tiempo. La arquitectura moderna como fenómeno cultural en 1945. Entonces llevaba casi diez años de ejercicio profesional y otros tantos escribiendo artículos sobre arte y arquitectura. El presente trabajo analiza una selección de escritos tempranos de Miró Quesada, publicados entre 1938 y 1944, con el propósito de comprender sus planteamientos sobre belleza, adecuacionismo y estilo. La hipótesis sostiene que en estos artículos está el germen de la propuesta teórica que desarrollará, más adelante, en el libro. Como objetivo específico, se propone examinar sus aportes, tanto en la plástica como en el campo teórico que le sirvió de sustento. Se parte del enfoque de Juan Acha quien señala que es indispensable conocer nuestra realidad latinoamericana y teorizar el arte según nuestras necesidades, pues nuestro arte responde a necesidades locales, obedece a influencias contemporáneas y es a la vez conservador.

Editorial del monográfico Las fronteras de la historia del arte y los estudios visuales. Reflexiones en torno a su objeto de estudio. Las siguientes aportaciones analizan la naturaleza fluida del objeto de estudio de la historia del arte, valorando el impacto que han tenido las distintas dinámicas interdisciplinares que han desplazado y cuestionado sus límites. Con ello, se busca medir la capacidad de esta rama del saber para enfrentarse a una cultura visual en constante transformación, que debe adaptarse a la emergencia de nuevos objetos (como las imágenes creadas con inteligencia artificial) y que debe revisar permanentemente sus metodologías de investigación para el estudio tanto de las obras contemporáneas como de las creadas en el pasado.

En la actualidad las imágenes son omnipresentes: estamos rodeados de ellas, vivimos por ellas, habitamos en ellas e, incluso, devenimos imágenes. Es por ello que resulta imperativo aproximarnos a la Historia del Arte con una mirada inclusiva que nos permita repensar sus roles y añadir nuevos medios, entre los que destacan los videojuegos. Así, nos hemos aproximado a su análisis a partir de los Estudios Visuales y nos hemos interrogado acerca de la intermedialidad y transmedialidad de una de las entregas de la saga Assassin’s Creed, Unity (Ubisoft, 2014), especialmente relevante para acercarnos a la tecnocultura, a la concreción del espacio en un lugar y como se despliega en los videojuegos, las estrategias que desarrolla este título para apelar a la autenticidad apostando por la verosimilitud y el re-conocimiento en vez de la exactitud, la relevancia del anacronismo, cómo explora las conexiones entre la historia y la memoria, y cómo se sitúa en relación a los géneros. Como se evidencia en el artículo, en los videojuegos se ponen en tensión todas estas cuestiones y se advierte el peso de nuestra memoria visual y el rol que desempeña en cómo percibimos las imágenes y la importancia que les damos.

The last fifteen years have witnessed the emergence of Latin American visual studies. In this essay, we create a genealogical picture of the field and demonstrate that, by drawing from Latin American cultural studies and cultural criticism and through its focus on the region's social and political issues, it has developed a specificity of its own. First, we briefly examine the contributions made by Latin American art history, social sciences, and communication to the discourse of Latin American visual studies. Second, we address the relationship between visual and cultural studies, arguing that the latter is the main epistemic field from which the former has emerged. In the third and main section, we detail key directions, themes, and projects currently being developed. We conclude by underscoring several aspects of Latin American visual studies' epistemic and intellectual specificity, with a final reflection on the field's potential evolution as it consolidates within academia. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

At the beginning of the 19th century, the young painter Ingres wanted to become a history painter. This project was nonetheless deeply shaken by the political and ideological upheavals shaking Europe by that time. By nostalgically broadening his artistic culture to the sources of sculpture from the past, Ingres developed in a quasiscientific manner a painting based on the history of art and the emerging discipline of archaeology. Thanks to a true intellectual quest and the progressive mastery of an increasingly "sculptural" painting, Ingres imitated the original creative gesture and adorned his canvases with numerous elements borrowed from sculpture to better give them a sacred character of eternity, by analogy with the contents of temples and churches. Ingres thus opened the way to a painting enriched by sculpture which renounced serving any temporal power but delighted in a sort of autotelism. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

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En la siguiente recesión se ponen de manifiesto los principales ejes de interés de esta monografía sobre el papel de la mujer en diversos ámbitos históricos y su didáctica desde la docencia universitaria. En ese sentido, diversos autores exponen algunos paradigmas y cómo realizan su enseñanza desde su labor docente.