Search

Im Beitrag wird aufgezeigt, wie die Kunstdidaktik transformiert werden kann, um die Spezifika des Unterrichts im Förderschwerpunkt emotionale und soziale Entwicklung (ESE) berücksichtigen zu können. Für diesen Zusammenhang werden zentrale Prinzipien vorgestellt, die sich in der fachrichtungsspezifischen Unterrichtsgestaltung als förderlich erweisen. Diese Prinzipien werden in kunstdidaktische Denkstrukturen übertragen und die Konzeption eines didaktischen Planungsmodells für den Kunstunterricht im Förderschwerpunkt ESE dargestellt., ESE Emotionale und Soziale Entwicklung in der Pädagogik der Erziehungshilfe und bei Verhaltensstörungen, vol. 3, no. 3, p. 100

This text proposes a reflection on art education, more specifically on plastic and visual expression and some of its main problems at a theoretical and practical level. Starting by analyzing the path of teaching and learning throughout history, we question today, its practices, between traditional teaching and the need to find alternative paths, appropriate to a world in permanent change. We try to understand the conception of art from which we started and its importance in educational practices, as well as the influence of the philosophical conception of the human being by teachers and educators, regarding the way they approach the educational proposals they develop. Neste texto propõe-se uma reflexão sobre a educação artística, mais concretamente da expressão plástica e visual e alguns dos seus principais problemas a nível teórico e prático. Começando por analisar o percurso do ensino e aprendizagem ao longo da história, questionamos hoje, as suas práticas, entre o ensino tradicional e a necessidade de encontrar caminhos alternativos, adequados a um mundo em permanente mudança. Tenta-se perceber a conceção de arte, de onde partimos e a sua importância nas práticas educativas, bem como a influência da conceção filosófica do ser humano por parte dos professores e educadores, em relação à forma como abordam as propostas educativas que desenvolvem.

This article discusses how non‐formal arts education attenuates socioeconomic and cultural barriers in a vulnerable context. Although cultural capital has usually been conceived as dependent on high socioeconomic status, we explore the inclusiveness of a project of non‐formal education and how it enhances the capacity of youth to achieve empowerment and self‐confidence through the arts. We analyse the case study of a non‐formal arts educational organisation located in a deprived neighbourhood of Barcelona (Spain) and identify several key factors associated with successful social inclusion and its limitations. We find that the pedagogical processes involved create both learning opportunities and social and interpersonal skills useful for the present and future lives of the young participants. Methodologically, the case study combines non‐participant observation of the different activities of the organisation and semi‐structured qualitative interviews with young people and educators. The article concludes with some recommendations for considering artistic non‐formal education as a tool in any social inclusion agenda. The article is based on research conducted within the international project Cultural Heritage and Identities of Europe’s Future (CHIEF), funded by the EU Horizon 2020 research and innovation programme (grant agreement no. 770464).

Education involving active engagement in the arts, herein called arts education, is often believed to foster the development of desirable personality traits and skills in children and adolescents. Yet the impact of arts education on personality development has rarely been systematically investigated. In the current article, we reviewed the literature on personality change through arts education. We identified 36 suitable experimental and quasi-experimental studies. Evidence from these studies tentatively suggests that arts-education programs can foster personality traits such as extraversion and conscientiousness but not self-esteem. In addition, the effects of arts education appeared to be stronger in early and middle childhood than in preadolescence and early adolescence. However, the evidence for the effectiveness of arts education was very limited among the few included true experiments. Furthermore, the reviewed studies were heterogenous and subject to content-related, methodological, and statistical limitations. Thus, the current evidence base is inconclusive as to the effects of arts education on personality development. By identifying potential effects of arts education and limitations of past research, our review serves as a call for more research and guidepost for future studies on arts education and personality change.

Bilder von Laienkünstlerinnen bleiben oft unbeachtet, egal ob im Schaufenster eines Versicherungsmaklers, auf dem Kunstmarkt, in der Kunstwissenschaft, im Diskurs der Kunstpädagogik oder der kulturellen Bildung. In dieser Dissertation rücken sie in den Fokus. Untersucht wird das implizite Erfahrungswissen, welches Bildpraxis und Bilderfahrung der Laienkünstlerinnen handlungsleitend prägt. Da sich aber sowohl die ästhetischen Erfahrungs- und Bildungsprozesse als auch die impliziten Wissensstrukturen einer direkten Betrachtung entziehen, stellt sich zudem die Frage nach der methodischen Vorgehensweise und Darstellung der Untersuchung. Die (ästhetische) Erfahrung mit dem von Bernhard Waldenfels zugrunde gelegten responsiven Erfahrungsbegriff, die (ästhetische) Bildung mit dem transformatorischen Bildungsbegriff von Hans-Christoph Koller und das implizite Wissen und Können, welches die (ästhetische) Praxis organisiert, bilden die theoretischen Grundlagen der Betrachtungen. Als Datenbasis dienen bildnerische Arbeiten von 34 Studienteilnehmenden, die in einem arrangierten Versuchssetting erstellt wurden, sowie ein anschließendes Leitfadeninterview. Die Rekonstruktion der handlungsleitenden Orientierungen erfolgt in Anlehnung an die dokumentarische Methode von Ralf Bohnsack und wird exemplarisch anhand zweier ausgewählter Fälle ausführlich dargestellt. Die Methode der Bildanalyse wird weiterentwickelt, um sozial- und bildungswissenschaftliche, phänomenologische, bildphilosophische und kunstpädagogische Arbeitsweisen zusammenzuführen. Die Studie zeigt, dass gerade die leisen Spuren (das impliziten Wissen) im Bild oder in den Bildpraktiken Anlässe für Umwandlungen, Veränderungen und Bildungen der Selbst- und Weltverhältnisse bieten und bildungsrelevant werden können. Wichtige Anmerkung: die weibliche Endung „innen“ soll jeweils für die gendergerechte Schreibung kursiviert werden. Wenn dies nicht möglich oder nicht sinnvoll ist, soll z. B. „von Laienkünstlerinnen und -künstlern“ geschrieben werden. Für den Buchtitel hat Herr Putnings die Kursivierung abgelehnt., Paintings by amateur artists often go unnoticed. Whether in the shop window of an insurance broker, on the art market, within the department of fine arts or in the discourse of art education or cultural education. In this dissertation, they move into focus. The author is going to examine the implicit experiential knowledge that shapes the pictorial practice and experience of amateur artists. However, since both the aesthetic processes of experience and education as well as the implicit knowledge structures elude direct observation, the question also arises as to the methodological approach and presentation of this investigation. The aesthetic experience with Bernhard Waldenfels' responsive concept of experience, aesthetic education with Hans-Christoph Koller's transformational concept of education and the implicit knowledge and skills that organise an aesthetic practice form the theoretical basis of the observations. Visual works by 34 study participants, which were created in an arranged experimental setting, and a subsequent guided interview serve as the data basis. The reconstruction of the orientations guiding the actions is based on Ralf Bohnsack's documentary method and is presented in detail using two selected works as examples. The method of image analysis is going to be developed further to bring together social and educational science with a phenomenological, an image-philosophical and an art educational approach. The study shows that it is precisely the implicit knowledge, the silent traces in the image or in the image practices that offer occasions for transformations, changes and formations of self and world relations which can become relevant to education., FAU Kunst und Bildung; 9

Diese Publikation reflektiert in anschaulicher, lebendiger Weise ein künstlerisches Projekt, das im ersten Corona-Pandemie-Semester mit Studierenden der Friedrich-Alexander-Universität Erlangen-Nürnberg stattfand. Die Studierenden präsentieren ihre künstlerischen Arbeiten gemeinsam mit kurzen Schilderungen, in denen sie davon berichten, wie sie den unvorhergesehenen Wechsel in ein Online-Seminar unter den außergewöhnlichen Bedingungen des ersten Lockdown erlebten., This publication attempts to vividly and lively reflect on an artistic project carried out by students of the Friedrich-Alexander-University Erlangen-Nuremberg during the first corona-pandemic semester. The students present their artistic work together with short descriptions in which they describe how they experienced the unforeseen change to an only seminar that was caused by the extraordinary conditions of the first lockdown., FAU Kunst und Bildung; 8

Kunst-, Musik- oder Theaterprojekte mit Kindern leben von spontanen Einfällen und Improvisation. Grade diese Unwägbarkeiten machen die Ergebnisse so besonders. Für die Erwachsenen ist es nicht immer leicht, ihre Kursstrukturen für die Ideen der Kinder zu öffnen. In diesem Sammelband berichten Autorinnen und Autoren über eigene Erfahrungen mit dem Curriculum des Unwägbaren und beschreiben, wie Kinder kulturelle Bildungsangebote wahrnehmen, die Erwachsene erfinden. Es geht um Kunst- und Musikunterricht an Schulen, um Theaterworkshops, Bildrezeption und um das, was Kinder über ihr Mitmachen bei kulturellen Bildungsprojekten erzählen. Was bedeutet ihnen das? Mit welcher Motivation machen sie mit? Lernen sie dabei etwas? Die Perspektive der Kinder ist als Forschungsfrage ebenso interessant wie auf der praktischen Ebene. Erwachsene Lehrkräfte und Bildungsinstitutionen können daraus viel lernen.

From a theoretical and empirical perspective, the article analyzes an experience in art education developed with students of the public school system in Uberlândia city, Minas Gerais State, at the University Museum of Art - MUnA, Brazil. With a qualitative approach and a descriptive and interpretative character, the research found that the contact with an art museum allows the student not only to broaden his knowledge of the world, but also to enrich his cultural education and improve his capacity for expression. It also provides students a greater interaction with the social environment in which they live. Knowledge in art is an apprenticeship that starts from the observation of a work of art, reading and artistic practice. The readings and behaviors that each student has when appreciating a work of art are related to his experience with different artistic manifestations. It is indispensable that schools, art teachers and educational actions in museums be important mediators for the art knowledge production to students. Building this knowledge from the constant access to these artistic and educational spaces, as well as the development of artistic activities in these spaces, may allow the student to broaden his understanding of the national culture. We also verified that the students produced significant artistic works during the educational action in the museum, which contributed to their greater experience with art.

Kunst ist in Adornos Verständnis funktionslos - und gerade deshalb in der Lage, besondere ästhetische Erfahrungen zu ermöglichen. Eine Kunstpädagogik im Anschluss an Adorno kann, so der Autor, nicht nur zu einem kritischen Blick auf die Wirklichkeit befähigen, sondern auch als Teil politischer Bildung verstanden werden.

Hinweise zu den beiden Dateien: 1. TobiasLoemke_Diss_OPUS.pdf: Dieses Dokument stellt das E-Book des Hauptteils der Dissertation von Tobias Loemke mit angehängtem Anhang dar. Dieses E-Book ist so konfiguriert, dass nicht nur die Transkriptquellen im Kapitel 8 direkt mit den entsprechenden Transkriptpassagen im Anhang verlinkt sind, sondern auch Bilder dieses Kapitels und etliche Querverweise innerhalb der anderen Kapitel. • Wenn Sie dieses Dokument im AcrobatReader öffnen und auf einen Link gehen, der auf eine Seite im Anhang verweist, öffnet sich automatisch ein weiterer Tab mit dem Anhang. Sollten Sie den im neuen Tab geöffneten Anhang mit dem bereits geöffneten Hauptteil direkt vergleichen wollen, ziehen Sie den Tab des Anhangs aus dem Hauptfenster des AcrobatReaders. Dadurch erhält der Anhang ebenfalls ein eigenes Fenster, der mit dem bereits geöffneten Hauptteil verlinkt bleibt. So lassen sich das PDF des Hauptteils und das PDF des Anhangs direkt miteinander vergleichen. • Über interne Links ist der Hauptteil der Dissertation von Tobias Loemke zugleich mit anderen Seiten des Hauptteils verknüpft. 2. TobiasLoemke_DissAnhang_OPUS.pdf: Dieses Dokument stellt das E-Book des Anhangs der Dissertation von Tobias Loemke dar. Es richtet sich an Leserinnen und Leser, die den Hauptteil als Printversion vorliegen haben. Künstlerische Prozesse von Studierenden an Hochschulen verlaufen nicht immer so reibungslos, wie es sich die Lehrenden wünschten. Manchmal verhakt sich etwas in ihrer Arbeit. Manchmal scheinen sie sich selbst im Weg zu stehen, weil sie sich noch nicht auf neue Schritte einlassen können. Umgekehrt überraschen sie nicht selten ihre Dozenten mit enormen Fortschritten. Tobias Loemke hat solche Phänomene untersucht und den handlungsleitenden Orientierungen von Studierenden bei ihrer Arbeit nachgespürt. In seiner Arbeit verknüpft er methodologisch einen grundlagenforschenden Ansatz mit der Reflexion eigener kunstpädagogischer Praxis als Hochschullehrer. Er rekonstruiert und analysiert, wie Studierende ausgewählte Artefakte ausbreiten und dabei von ihrer künstlerischen Arbeit erzählen: von Experimenten, Fortschritten, Rückschlägen und Kehrtwendungen auf der Suche nach dem eigenen Weg; er betrachtet und analysiert Bezüge der ausgebreiteten Artefakte zueinander, welche Wege und Entwicklungen der Studierenden sich darin spiegeln, und auch wie sich Studierende beim Ausbreiten ihren Artefakten zuwenden. Auf diese Weise gelingt ihm für die qualitativ-empirische Forschung die Entwicklung einer neuen Methode. Dieses Vorgehen kann aber auch Lehrende dazu ermutigen, innezuhalten, aufmerksam zu schauen und zu hören, um den handlungsleitenden Orientierungen von Studierenden im Verhältnis zur eigenen Lehrpraxis nachzuspüren und auf diese Weise Bildungsprozesse besser verstehen und unterstützen zu können. Artistic processes of University students do not always run as smoothly as lecturers would like them to. Sometimes students get stuck. Sometimes they stand in their own way, because they cannot allow themselves to engage in new steps. Reversely, they often surprise their lecturers by making enormous progress. Tobias Loemke investigated such phenomena and traced action-guiding orientiations in his students' works. He methodologically combines a basic research approach with reflections on his own art education practice as a university teacher. He reconstructs and analyzes how students present selected artefacts and tell of their artistic work: experiments, advances, setbacks and reversals in search of their own path; he examines and analyzes the references of the laid out artefacts to each other, which paths and developments of the students are reflected in them, and how students face their artefacts while laying them out. In this way he succeeds in developing a new method for qualitative empirical research. This method can also encourage educators to pause, attentatively observe and listen in order to get a sense of students' action-guiding orientiations in relation to their own teaching practice and therefore to better understand and support educational processes.

This article explores how aesthetic gestures, experiences, interventions might help us make visible certain problematic, enduring, and historically contingent aspects of the troubling ways of being in which we, modern/Cartesian subjects exist in the world. The article does not seek to ultimately suggest some pedagogical strategies or approaches that will help us deconstruct/dismantle these problematic aspects. Instead, it proposes that the common way in which we imagine solutions to our problems, is the very way, through which these problems are being created in the first place. The text pays particular attention to two problematic constitutive characteristics of the modern/Cartesian subject. First is the reductivist insistence on having our being reduced to knowing (Andreotti, 2016) that results in having our relationship to the world mediated (exclusively) through knowledge. Second is our insistence on being able to see/sense/experience ourselves only as separate, presumably autonomous, individuals that ultimately ends up producing us as such. (DIPF/Orig.)

This paper offers a frame to reflect on the role of aesthetics in the development of a critical pedagogy for social justice in adult education. Arts-based research and practice have the power to illuminate the participants’ views, ideas, and feelings, as well as the systems of values that are embedded in their contexts. Critical thinking and awareness are the result of relational and political processes, triggered by experience and going beyond subjectivity. The authors aim at defining a pedagogical practical theory that celebrates complexity, opens possibilities, develops the new, and triggers deliberate action, rather than fostering specific behaviours or learning. The paper itself is a piece of that pedagogy, developed through a cooperative method of writing-as-inquiry (duoethnography), here triggered by a photographic exhibition and resulting in the dialogic exploration of feminism in the authors’ lives. In this example, it is shown how individual voices can be juxtaposed to develop an open, transforming theory of feminism, identity, and education.

The aim of this paper is the exploration of Kegan’s constructive-developmental theory through the analysis of the behavior of an agent within Wenders’s film Alice in the Cities, which is used as a case study. In the first part, we will approach Kegan’s ideas regarding the evolution of human beings’ consciousness as they move through five progressively more complex orders of consciousness. We will also approach the connections of Kegan’s perspective to Mezirow’s Transformation Theory. Then, we will draw insights from the film in order to expand the exploration of some crucial issues of Kegan’s theory, such as: How is a person’s consciousness developed? Are there signs, when a person is situated in a certain order of consciousness, that he/she has the potential to move toward a next one? Which might be the adult educator’s role in assisting the learners’ evolutionary process? Finally, in the last section, some limitations of Kegan’s perspective will be critically discussed.

In this issue, "the editors of RELA want to stimulate the reflection and dialogue on how aesthetics plays a role both in theory and in practices of adult education and learning." (DIPF/Orig.)

The article shows how unemployed working-class women in South Africa, through collective aesthetic experiences, achieved a sense of catharsis that strengthened the resolve to work towards creating alternatives. The text is based on a series of popular education workshops that were recorded in sound and images, and interviews with individual emerging artists. It draws on theory developed in practice by workers in the nineteen-eighties when they asserted their dignity and humanity as creative subjects and demonstrates how the women, some twenty-five years later, articulate a similar defiance. The article suggests that certain preconditions must be met before the process of conscientisation through creative work can achieve its objective of preparing participants for action: repoliticise art and education by building radically horizontal relationships; create a playful third space for experimentation and generating knowledge, and encourage improvisations that allow contradictions to emerge and be examined critically. (DIPF/Orig.)

This article outlines the central components, foundations and key activities of the Feminist Museum Hack, an investigative, pedagogical, analytical and interventionist tool we have designed to explore patriarchal assumptions behind the language, images and stragecrafting (positioning, lighting) of museums and art galleries. We also share findings from a study of student and community participants who employed the Hack in a museum in Canada and an art gallery in England. While differences existed due to institutional genres, findings showed participants’ ability to see and to reimagine absences, objectification, fragmentation, and double-standards and apply these to the world beyond the institution’s walls. As a form of pedagogy of possibility, the Hack encourages critique, just ire and the imagination. As it hones visual literacy skills it emboldens participants to challenge the authority of the museum narratives and to engage in creative practices of agency and activism.

Seit Mitte des 19. Jahrhunderts wurde die Einführung eines kunstgeschichtlichen Schulunterrichts in Deutschland kontrovers diskutiert. Durch die neuen Möglichkeiten der Fotografie waren ortsgebundene Artefakte im Medium des gedruckten Bildes universell verfügbar geworden. Vielen erschien es folgerichtig, das elitäre Bildungsgut der bildenden Kunst jetzt auf dem Weg der schulischen Vermittlung allen Schichten zugänglich zu machen. Verlage stellten sich mit entsprechenden Lehrbüchern, Mappenwerken und Wandbildern schnell auf den wachsenden Bedarf ein. Befördert wurde das Anliegen durch die wissenschaftliche Pädagogik, die das Lernen durch Anschauung favorisierte und eine Modernisierung schulischer Curricula vorantrieb. Dem Kunstbuch im Schulunterricht widmete sich die Publikation mit einer Vielzahl von Beispielen aus der Zeit von 1880 bis 1930.

The article is a teaching proposal of a great practical use. It discusses kindergarten class management, based on bibliographic review. It presents nine innovative Art activities, in order to manage the behavioral and emotional difficulties of the kids. It is considered whether it has been possible to replace traditional classroom management practices (such as exclusion from a popular activity, punishment, zero tolerance to acts opposing the rules of the class and consequences of bad actions) with the pioneering class management practices through Art activities. Four Art activities are presented on the article, where Art was utilized as a means of expression, communication and improvement of the behavior of children. Moreover, five Art activities with Parent Counseling are presented. Two of these Art activities with Parent Counseling (in the prehistoric hall of the Museum of Drama and in the ancient Agora of Philippi) engaged children in their Cultural Heritage, having parents as models of respect for the ancient monuments. In conclusion, the nine innovative Art activities developed the subjects of Kindergarten, kept the interest of the children undiminished and contributed to the progressive management of the classroom., SUBMITTED: DECEMBER 2017, REVISION SUBMITTED: FEBRUARY 2018, ACCEPTED: MARCH 2018, REFEREED ANONYMOUSLY, PUBLISHED ONLINE: 27 APRIL 2018

Der bedeutende Künstler antwortet auf den »Anruf der Zeit«. Dies stand für den großen Museumsmann und Kunsttheoretiker Georg Schmidt fest. Und bereits im letzten Drittel des 19. Jahrhunderts forderten Baudelaire und Manet, der Künstler müsse »modern« sein, »Antwort auf die Zeit« geben. Auch Fritz Billeter geht von der Grundthese aus, dass zwischen Kunst und Gesellschaft ein ständiger Austausch stattfindet. Er betrachtet in dem vorliegenden Essay diese Wechselwirkung beispielhaft unter dem Aspekt des Seismografischen. So, wie der Seismograf als Instrument des Geologen Erschütterungen, Verwerfungen, Erdbeben aufzeichnet, so macht die seismografische Kunst auffällige Wechsel, Brüche und Spannungen in der Gesellschaft bildhaft sichtbar. Kunst als Antwort auf die Zeit. Billeter wirft in seinem Werk ein besonderes Licht auf Künstler, die die Wirkung der Atombombe und den Holocaust ins Bild zu fassen versuchten, wägt aber auch - gleichsam vorausschauend - einige Hypothesen ab, wie Kunst auf die Phänomene der Globalisierung und der digitalen Revolution antworten kann. Der Essay zeigt, dass Kunst nicht vom Himmel fällt, dass Kunst nicht immer nur von Kunst kommt, dass sie sich nicht einfach in ihrer Eigengesetzlichkeit entfaltet, sondern im steten Austausch mit der Gesellschaft entsteht.

Wolfgang Legler liefert mit dem vorliegenden Buch einen kompakten Überblick über die Entwicklung des Zeichen- und Kunstunterrichts von der Renaissance bis zum Ende des 20. Jahrhunderts. Der Schwerpunkt liegt dabei weniger auf historischer Vollständigkeit als im Aufzeigen von ideengeschichtlichen Entwicklungen, wechselnden fachlichen Orientierungen und der jeweils wirksamen kulturellen, politischen und/oder ökonomischen Kontexte. Die Einführung in die Fachgeschichte wird so auch zu einer Einführung in kunstpädagogisches Denken. Dem ursprünglichen Charakter einer einführenden Vorlesung entsprechend können die vierzehn Kapitel des Buches auch einzeln oder abweichend von der chronologischen Abfolge gelesen werden. Das Buch richtet sich an Studierende und Lehrende der Kunstpädagogik an Hochschulen sowie praktizierende Kunstlehrerinnen und Kunstlehrer, stellt aber auch für fachfremde Interessierte eine spannende und informative Lektüre dar.

Künstlerische Bildung konzipiert Kunstpädagogik von der Kunst her. Dabei fokussiert sie in komplexer Weise die verschiedenen Ebenen von Bildung, Philosophie und Kultur. Diese Festschrift für Carl-Peter Buschkühle versammelt zahlreiche Perspektiven aus den angesprochenen Bereichen zu einem interdisziplinären und internationalen Diskurs über die Grundannahmen, Ziele und Methoden Künstlerischer Bildung. Mit Beiträgen von Kunibert Bering, Manfred Blohm, Andreas Brenne, Carl-Peter Buschkühle, Ludwig Duncker, Sidonie Engels, Marc Fritzsche, Christina Griebel, Sara Hornäk, Timo Jokela, Joachim Kettel, Nanna Lüth, Roland Meyer-Petzold, Rolf Niehoff, Wolfgang Sautermeister, Lutz Schäfer, Ansgar Schnurr, Diederik Schönau, Johanna Staniczek, Andreas Steffens, Mario Urlaß, Jan Veldman, Raphael Vella, Christian Wagner, Klaus Werner.

Rezension von: Christian Rittelmeyer: Warum und wozu ästhetische Bildung? Über Transferwirkungen künstlerischer Tätigkeiten. Ein Forschungsüberblick. Oberhausen: ATHENA-Verlag 2017 (124 S.; ISBN 978-3-89896-674-0; 20,00 EUR).

Fragen danach, ob Kunst- und Kulturarbeit in der Schule tatsächlich positive Effekte auf die Schüler/-innen – wie auch auf die Schule als Ganzes – hat und welche Gelingensbedingungen bedeutsam für eine erfolgreiche Kunst- und Kulturarbeit an der Schule sind, sind bisher empirisch noch nicht ausreichend beantwortet. Der vorliegende Bericht will dazu einen Beitrag leisten, indem er Resultate aus der längsschnittlichen Untersuchung des Modellprogramms „Kulturagenten für kreative Schulen“ zu den Erhebungszeitpunkten (2012/)2013 und (2014/)2015 präsentiert. Mit Bezug auf das erste Programmmonitoring aus 2013 wurden 2015 wesentliche Fragestellungen beibehalten, um die Ergebnisse zu den beiden Erhebungszeitpunkten vergleichen zu können. Zusätzlich wurden einzelne neue Fragestellungen und Perspektiven aufgenommen. Im ersten Kapitel wird das Modellprogramm „Kulturagenten für kreative Schulen“ kurz skizziert (1.1), sowie die Ziele und Inhalte der drei Teilkomponenten (Teilprojekte) des Gesamtprojekts erläutert (1.2). Im zweiten Kapitel folgen Hinweise zum methodischen Vorgehen. Aufgeteilt wird dieses Kapitel in eine Darstellung des Forschungsdesigns (2.1) und eine Beschreibung der Erhebungsinstrumente (2.2). Im letzten Unterkapitel werden die teilnehmenden Schulen und die Rücklaufquote thematisiert (2.3). Im dritten Kapitel werden die Ergebnisse des Programmmonitorings vorgestellt, dabei werden Kontexte, Prozesse, Veränderungen und Perspektiven an den Schulen berücksichtigt. (DIPF/Orig.)

CEPS Journal 3 (2013) 1, S. 79-96, If we consider the role of education and its implications in the formation of a critical and conscious user of architecture, it is obvious that the development of educational strategies related to the sustainable development of our common space and environment becomes fundamental. Among the objectives of art education, we should consider our commitment with authentic and actual problems in our societies. One of them is the awareness of the characteristics of the built environment. Our cities are, in fact, the results of time-space plasters that function as units of spatial experiences in everyday life. The oldest buildings are iconic points of reference, and their simple presence produces a collection of unique meanings to the collective memory of a culture. Their demolition would in many cases injure the cities’ images and memory. The main question is how to develop programs at all educational levels to promote critical and responsible attitudes towards the common environment covering all the aspects that shape the concepts of sustainable spatial development. However, it is not possible to create strategies without proper information about the views of the students. The collection and analysis of this views is the main theme of the paper. It is supported by an empirical research on the image of architecture and the environment, held among secondary school students. The research is based on the idea that one of the most efficient critical attitudes towards the world would be to develop an unconditional connection of art work with “everyday life conditions” to promote the education of critical and responsible “perceivers” of the environment. (DIPF/Orig.)

CEPS Journal 3 (2013) 1, S. 97-117, Unlike the previous phenomenon of modern art, contemporary art strives to return to society and everyday life, while thematising the current issues that the individual faces here and now. One of its more frequent topics is that of sustainable development, and the accompanying issues of environment, values, relations to others, etc. All such topics are part of the concept of active citizenship, which is why understanding contemporary art calls for active citizenship. This particularly holds true for relational art, which demands active participation on the part of the viewer. This paper inquires into the possibilities of the connection of contemporary art and citizenship education in elementary schools. Contemporary pedagogic doctrine highly encourages cross-curricular teaching; therefore, I have focused my analysis on the curricula of the subjects of Art Education, and Citizenship and Patriotic Education and Ethics, determining that (from this perspective) their link is quite troublesome. The absence of contemporary art from the curriculum of Art Education has been criticised on many occasions, but the problem of its curriculum seems to be of a conceptual nature. Only by a more intense inter-institutional link between schools and contemporary art galleries and museums can the common goals of art education and citizenship education be realised. This paper will, therefore, strive to show potential cross curricular links in content on three examples of participatory practices (Proletarians of All Countries, Beggar Robot and EU/Others), while warning (from the pedagogic perspective) against the often neglected fact that contemporary art is experienced here and now. (DIPF/Orig.)

Kunst riechen untersucht Geruch in der ju¿ngeren bildenden Kunst, um die Frage zu beantworten, wie olfaktorische Kunst vermittelt werden kann. Ausgangspunkt sind ku¿nstlerische Strategien und Werke von Ku¿nstlern der (zeitgeno¿ssischen) bildenden Kunst, die Aroma und Geruch bewusst in ihren Arbeiten in Gebrauch nehmen. Analysiert werden Werke von Marcel Duchamp, Wolfgang Laib, Anya Gallaccio, Carsten Höller, Dan Mihaltianu, Teresa Margolles, Sissel Tolaas, Olafur Eliasson, Karla Black, Bruce Nauman, Peter DeCupere, Sabotage Communications, Jenny Marketou, Carrie Paterson und Wolfgang Georgsdorf. Im Zentrum der Untersuchung stehen mo¿gliche Vera¿nderungen der Rezeptionsgewohnheiten und der a¿sthetischen Erfahrung durch geruchsbasierte Kunst. Aus den Erkenntnissen entwickelt sich der Entwurf der olfaktorischen Ausstellung Smeller 2.0 samt Vermittlungsu¿berlegungen.

Künstlerische Bildung und Hauptschulpädagogik? In einer kriselnden, sich stark verändernden Schulform findet das Konzept einer Bildung aus der Kunst heraus zunächst kaum Anknüpfungspunkte und Umsetzung. Warum künstlerische Bildung besserer Kunstunterricht sein kann und warum es sich lohnt, ein solch anspruchsvolles Bildungskonzept, trotz erhöhter Anforderungen an Lehrer und Schüler, anzuwenden und umzusetzen, zeigt Christian Wagner in der vorliegenden Publikation. In welcher Form und mit welcher Begründung kann das Konzept künstlerischer Bildung in einer Schulform umgesetzt werden, deren Schülerschaft als sozial schwach und bildungsfern betrachtet wird? In einer Schulform, die auch dadurch gekennzeichnet ist, dass das Fach Kunst an Bedeutung verliert und nicht selten fachfremd unterrichtet wird? In welcher Weise ermöglicht die künstlerische Bildung eine grundlegende Befähigung des Menschen dahingehend, Kunst als existenzielle Erzähl- und Gestaltungsfähigkeit zur Lebensgestaltung zu nutzen? Wie viel Kunst hält Schule aus? Inwieweit kann Bildung aus der Kunst heraus alternativ definiert werden und sich loslösen von einer Verzweckung und Nutzenorientierung? Diese Arbeit soll aufzeigen, dass das Konzept der künstlerischen Bildung auch oder gerade im Bereich der Sekundarstufe 1 umsetzbar ist. Im Rahmen des regulären Schulbetriebs wurde mittels verschiedener Unterrichtsversuche an einer Ausrichtung des künstlerischen Bildungskonzeptes gearbeitet. Die Darstellung dieser Unterrichtsbeispiele steht im Mittelpunkt dieser Arbeit. Alle Projekte werden ausführlich dokumentiert und reflektiert.

Kunst nach 1945 in der Grundschule