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Este artículo comparte los lineamientos metodológicos que llevan adelante actores/investigadores y actrices/investigadoras del grupo de investigación IPROCAE (Investigación de Procesos Creativos en Artes Escénicas), perteneciente a la Facultad de Arte de la UNCPBA, y tiene como principal objetivo estudiar su propia práctica escénica simultáneamente a su realización, en la obra teatral Los otros hombres en Eva. Se desarrolla el análisis del proceso creativo atendiendo al estudio de la génesis, sobre la figura de Eva Duarte de Perón y los distintos abordajes artísticos referidos a su momificación, examinando la relación del teatro con lo político bajo la forma del teatro militante de los años 70 en Argentina e indagando el papel del azar, o los proceso aleatorios existentes en la producción del campo teatral contemporáneo, donde se emplea como procedimiento creativo y herramienta de construcción escénica.

Este texto analisa os trabalhos de Carolina Bianchi, principalmente LOBO (2018), O Tremor Magnífico (2020) e Trilogia Cadela Força – Capítulo I: A noiva e o Boa Noite Cinderela (2023). O artigo apre-senta a artista, seus trabalhos mais recentes e discute como Bianchi coloca em cena o debate da violência de gênero, através principalmente de três eixos temáticos: o papel das mulheres na história da arte, exploração de sexualidades não-normativas e presença de seres não humanos em suas obras, que convocam o debate sobre natureza versus cultura. Discute-se como a artista articula esses elementos em cena a partir de estratégias que buscam escancarar tensões e contradições, sem apresentar uma resolução, mas em uma investigação de lingua-gem que fomenta uma reflexão crítica e viva.

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‘Maráia Quéri’ e o Futuro Queer da Cena Contemporânea – O ensaio destaca elementos da encenação de Maráia Quéri – peça teatral com dramaturgia de Raquel S., estreada em 2022 no Teatro Nacional D. Maria II, em Lisboa, interpretada e dirigida pelo ator aveirense Romeu Costa – que justifiquem sua classificação na qualidade de uma peça-conferência. Ao se perguntar qual sua implicação estética e ética com questões relativas a gênero e sexualidade, ressalta-se que o espetáculo estabelece importantes conexões interdisciplinares, como com as políticas de subjetivação e a temporalidade queer. Por fim, responde-se que peças, como Maráia Quéri, são importantes produções de desprogramação colonial.

The Feminist Scenics: theorizations about science and practice of the feminist theater scene and the space and importance of feminist epistemologies in the theatrical field1 – This article describes a feminist scenic, resulting from the application of feminist epistemologies to theater, synthesizing the criticism they make of the canonical demarcations linked to the act of knowing, which contribute to the invalidation of women's experience. Its way of functioning is associated with the awareness of gender hierarchies, to which it reacts through the formulation of poetic and political strategies to confront discriminatory and sexist social models and their symbolic supports. It is concluded that this feminist scenic finds centrality in pedagogy, where emancipatory forms of knowledge and territories of resistance and creation emerge, which give new meaning to being.

Tomando como estudo de caso as quatro instâncias resultantes do projeto de pesquisa “Anatomia da violência na Colômbia”, obras cênicas estreadas entre 2010 e 2017 pelo grupo Mapa Teatro, de Bogotá, nosso artigo busca intervir em um debate atual sobre as possibilidades e limitações da relação entre criação artística e pesquisa (inclusive mas não apenas acadêmica). Recusando tanto uma separação estrita de ambos – segundo a qual a esfera estética seria totalmente alheia a questões epistemológicas – quanto uma identificação apressada demais, que diz simplesmente que “arte é conhecimento”, vemos no trabalho desses artistas colombianos uma relação dialética entre um saber tomado como material e um não-saber como abertura necessária para toda experiência possível.

This paper explores the play Carnes tolendas. Retrato escénico de una travesti, starring the award-winning Argentinean actress and writer Camila Sosa Villada and directed by María Palacios. From the perspective of Theatre Studies, we analyze the possibility of the play to produce scenes of equality in terms of Jacques Rancière (2010; 2012). For this purpose, we observe how the performance is part of the crisis of the character (Ryngaert, 2013) in virtue of the fact that the construction of the staging consists on multiple textualities that are identified and reconstructed. We delve into the description and analysis of the construction of voices (Jolly and Moreira da Silva, 2013) and corporealities (Fischer-Lichte, 2011) that stage different materials, including dramatic texts, songs, biographical accounts and openings for dialogue with the audience. On stage, Sosa Villada summons numerous bodies: the bodies of violent men from the family and police universe, the bodies of fragile women, the broken and worn bodies of García Lorca's women, her own trans body and even her own old body. The stage constructs and deconstructs representations of bodies and voices in the rhapsodic logic that stitches fragments together in contemporary theatre. The dramaturgy of the stage opens up the possibility for spectators to go through an experience that gives voice to an invisible history and to be dazzled by the poetic capacities of the performer. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

El presente trabajo consiste en un estudio de la obra Carnes tolendas. Retrato escénico de una travesti, protagonizada por la galardonada actriz y escritora argentina Camila Sosa Villada y dirigida por María Palacios. Desde la perspectiva de los estudios teatrales, analizaremos la posibilidad de la obra de producir escenas de igualdad en términos de Jacques Rancière (2010; 2012). Para ello observamos cómo el espectáculo se inscribe en la crisis del personaje (Ryngaert, 2013) en virtud de que la construcción de la puesta está atravesada por múltiples textualidades que son identificadas y reconstruidas. Se profundiza en la descripción y análisis de la construcción de voces (Jolly y Moreira da Silva, 2013) y corporalidades (Fischer-Lichte, 2011) que escenifican distintos materiales, entre ellos textos dramáticos, canciones, relatos biográficos y aperturas al diálogo con la audiencia. En escena, Sosa Villada convoca numerosos cuerpos: cuerpos de varones violentos del universo familiar y policial, cuerpos de mujeres frágiles, cuerpos rotos y gastados de mujeres lorqueanas, su propio cuerpo travesti y hasta su antiguo cuerpo. La escena construye y deconstruye representaciones de cuerpos y voces en la lógica rapsoda que cose fragmentos en el teatro contemporáneo. La dramaturgia escénica abre la posibilidad de que el público experimente una puesta en escena que da voz a una historia invisibilizada y se deslumbre con las capacidades poéticas de la intérprete.

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En las diversas formas de escrituras teatrales contemporáneas (textuales y escénicas), el actor/ la actriz recurre a menudo a contar su propia historia y se transforma en narrador(a) de sus propias vivencias personales, traumáticas, violentas o sublimes, mezclando su propia realidad con universos ficcionales. El actor se vuelve entonces vulnerable ante sí mismo y ante aquel que lo observa. El espectador está frente a sucesos escénicos desbordados en sus límites entre lo presentado y lo representado. El velo de la “cuarta pared”, que permitía entrar en la ficción, se desdibuja y aparecen los actores/actrices-performers “desnudándose” (en alma y/o en cuerpo) frente al espectador. Este último, a su vez, se convierte en una especie de “voyerista” o se encuentra, de repente, haciendo parte de la escena. Ante estas formas de creación, surgen preguntas sobre el trabajo técnico, creativo, ético que los actores llevan a cabo en el proceso de crear y convivir con sus personajes.

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Reseña del libro Nuevos espacios, nuevos formatos, nuevas dramaturgias en el teatro hispánico actual (Madrid, Dykinson, 2022), de Belén Tortosa Pujante y Guadalupe Soria (eds.). La presente reseña analiza la compilación realizada por Belén Tortosa y Guadalupe Soria en su libro Nuevos espacios, nuevos formatos, nuevas dramaturgias en el teatro hispánico actual (2022), surgido a partir del congreso internacional del PERFORMA (2019), así como en el marco de los dos últimos proyectos de investigación del grupo santiagués: “PERFORMA. El teatro fuera del teatro: performatividades contemporáneas en la era digital” y “PERFORMA2. Metamorfosis del espectador en el teatro español actual”. De esta forma, se presenta un conjunto de doce capítulos de autoría diversa en los que se aborda desde diferentes perspectivas el teatro posdramático hispánico, así como las performances o instalaciones de más relevancia en el contexto actual.

La retícula es el soporte conceptual y formal utilizado como paradigma de la modernidad en las artes plásticas durante el siglo xx, presente avant la lettre en la arquitectura, y un elemento de rezagada incorporación a la escenografía en la concepción del espacio escénico, aun nutriéndose de ellas. Ante su escasa y esporádica presencia en la escena en el pasado siglo, el artículo expone el aliento que adquiere en su ocaso y las formas que adopta en el siglo actual, fundamentalmente en la práctica escenográfica clásica en el teatro a la italiana. A través de una sucinta selección de ejemplos, y aplicando una metodología analítica y comparativa, se aporta un examen y taxonomía de cómo la retícula se ha denotado en el espacio escénico y qué ha connotado como sistema significante. El teatro de texto, la ópera y la danza son los territorios artísticos de las artes escénicas que se han recorrido, para desvelar los aspectos funcionales, plásticos y significativos de los paisajes de la abstracción geométrica configurados por la retícula.

Este artículo explora nociones de masculinidad y pertenencia en el drama The Brothers Size de Tarell Alvin McCraney. Autor afroestadounidense contemporáneo, McCraney crea personajes complejos que problematizan nociones colectivistas de la identidad afro en los Estados Unidos. A través de una dramaturgia estilo raw theatre, sincrética y de gran musicalidad lingüística, The Brothers Size interroga la masculinidad afroestadounidense al contraponer la vida íntima de sus personajes con ideas, patrones y expectativas que reducen su existencia a discursos y conflictos raciales. Su dramaturgia invita a repensar al personaje afro desde la individualidad, la interacción y la diferencia. This article explores notions of masculinity and belonging in Tarell Alvin McCraney’s The Brothers Size. McCraney creates complex characters that problematize collectivist notions of African American identity. Through a raw theater style, syncretic blendings and great linguistic musicality, The Brothers Size interrogates African American masculinity by contrasting the intimate lives of the characters with ideas, patterns and expectations that reduce Black, male existence to racial discourses and conflicts. His dramaturgy rethinks the Black, male character by furthering individuality, interaction and difference.

Primeiro estranha-se, depois entranha-se: A precariedade no Teatro Britânico Contemporâneo

Santa Teresa de Ávila (1515-1582) patrona de los escritores, mostró desde temprana edad una gran facilidad para la fabulación y para la persuasión, así como un gran deseo de ser la protagonista de su propia vida en un tiempo en el que las mujeres solo podían optar a roles secundarios. En el presente artículo se indaga en la vida y obra de esta escritora, así como en la influencia que su figura tiene en la literatura contemporánea, fundamentalmente en el teatro español. La belleza con que Teresa de Cepeda narrará sus encuentros con el Amado, no sólo será motivo de inspiración para múltiples artistas dentro y fuera de la escena, sino que, además, logrará cambiar la realidad religiosa de su momento y la convertirán en la lideresa de una nueva orden, las carmelitas descalzas, en una época en la que el catolicismo poseía un gran poder político y económico.

Lo studio prende in esame una recente opera teatrale di Alberto Conejero, La geometría del trigo (prima edizione: 2018; prima rappresentazione: 2019), analizzandone la complessa struttura su più piani temporali e ricostruendone la localizzazione sociale e geografica. Vengono indagate le relazioni tra i sei personaggi che animano la vicenda e si individua nel vincolo tra le diverse generazioni il nucleo tematico centrale dell’opera.

Este 2022 se cumplen quince años del estreno de Griegos, la primera obra de Convención Teatro, una singular grupalidad del circuito independiente del teatro de la ciudad de Córdoba. En este escrito se realiza un recorrido por la trayectoria del grupo, que conforma sus integrantes según cada proyecto escénico –aunque siempre cuenta con la dirección de Daniela Martín– y que, desde ese 2007 hasta la actualidad, estrenó catorce piezas. En sus propuestas, Convención Teatro despliega políticas compositivas como la reescritura, la experimentación de autorías complejas, el trabajo colectivo, la construcción de dispositivos escénicos de interpelación a lx espectadorx, la exploración de la palabra poética, el cuestionamiento de las convenciones teatrales y la metateatralidad, en lo que constituye una apuesta por inaugurar comunidades de escritura y de interrogación.

A partir de un trabajo etnográfico de seguimiento de ensayos, proponemos desarrollar la perspectiva de producción deseante para el análisis de procesos creativos pertenecientes a la escena contemporánea en Córdoba, Argentina. Este enfoque dialoga con la filosofía deleuzeana y nos permite reflexionar sobre el ensayo como un agenciamiento particular de materiales diversos que posibilita la producción de máquinas escénicas. De este modo buscamos reconocer los vínculos entre las dinámicas de trabajo, las relaciones entre los sujetos, las problemáticas recurrentes, las circunstancias en que aparecen las ideas centrales y las conexiones que movilizan la escena. La lógica desjerarquizada del deseo resulta fundante del trabajo colectivo del teatro contemporáneo en Córdoba, el cual desarrolla procesos de autoría múltiple en la construcción de sus obras.

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Occidental theater is born through intermediality. Starting from literary structures to develop itself as a language, for many centuries the theater has been understood as an enunciator of the dramatic text. Furthermore, in its evolution, theater will embrace, from an early age, other artistic languages. However, all these possibilities of entanglement will be intentionally articulated and will expand in the experiments of contemporary theater, reducing the limits and creating problematic and new concepts about art fields, unexplored until then. That being said, we will analyze the construction proposal of the spectacle 'When I die, I'll tell God everything' (2019), by the collective 'O Bonde', which links the work of the actors with music, storytelling, dance and proposes a unique visuality through several scenic elements. In addition, the dramaturgy of the spectacle is conceived from newspaper news and real stories, which tenses the relationship between the real and the fictional, bringing new dimensions to the spectator. Therefore, the spectacle proposes a hybrid narrative, which is updated through the interaction between these different media and supports in the dialogue with spectators in the ephemeral time of the theatrical scene. Our objective is, therefore, to investigate questions about the spectacle and respective subjectivities in the delimitation of an intermediate bias for the construction of the scene. To delimit the scope of analysis, the concepts of Patrice Pavis, Chiel Kattenbelt and Silvia Fernandes are used as a theoretical basis.

Em seus espetáculos, o diretor alemão Thomas Ostermeier propõe uma abordagem sociológica que procura encenar as relações e as estruturas de poder de nossa contemporaneidade. Quais são os obstáculos à concretização de tais objetivos quando o foco recai sobre o entrecruzamento dos eixos de opressão de raça, classe e gênero? O presente ensaio busca investigar as contradições inerentes ao autodeclarado realismo sociológico de Ostermeier a partir da reflexão sobre os espetáculos Retour à Reims [Retorno a Reims] (2019) e Histoire de la Violence [História da Violência] (2020), baseados nas respectivas obras literárias homônimas de Didier Eribon e Édouard Louis.

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Verônica Gerchman e Sandra Vargas são duas artistas brasileiras da mesma geração que se dedicam ao Teatro de Animação em diferentes frentes. São fundadoras de duas das principais companhias especializadas na linguagem: a Cia Truks e o Grupo Sobrevento. O texto discorre sobre aspectos da personalidade e da carreira artística dessas duas mulheres, tendo em vista a importância de seus feitos não apenas para o desenvolvimento da linguagem, mas para a formação de outras mulheres bonequeiras. Para tanto, a autora utiliza entrevistas e bibliografia específica, além de se referir à própria experiência enquanto bonequeira/pesquisadora no convívio com as referidas artistas.

O objetivo deste ensaio é verificar de que modo o grupo Performa Teatro, fundado e dirigido pelo pesquisador, ator e diretor teatral Matteo Bonfitto,constitui um caso emblemático na cena brasileira atual de expansão das virtualidades da estética e da poética cênica meyerholdianas em nossa contemporaneidade.

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resumo O artigo propõe um debate a respeito do teatro tardio de Samuel Beckett a partir do conceito de paródia, tal como utilizado por Theodor W. Adorno e Hans-Thies Lehmann para pensar tanto a crise do drama quanto as possibilidades de sua superação. Nesse contexto, a peça Aquela vez é analisada como um caso singular de seu teatro tardio. As relações entre memória e narrativa na experiência individual, tais como propostas pelo texto beckettiano, são examinadas à luz do emprego da voz em off como recurso de encenação. Com base nesses elementos, o artigo discute a pertinência do conceito de paródia para o teatro tardio de Beckett.

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O artigo analisa um texto teatral do autor argentino Copi, buscando abordar implicações de diferentes noções de identidade no teatro argentino moderno. Procura-se demonstrar que aspectos do teatro contemporâneo, antecipados na obra do autor argentino, tais como a participação criadora do espectador na experiência artística e a existência de um conceito ampliado de encenação, são necessários para se compreender a espécie de escrita de trânsito universal, fortemente ancorada à realidade histórica argentina, presente em Eva Perón de Copi.

This paper intends to open a debate around the hierarchical status of the author in the new modes of building dramatic sense in today's theater. In order to do this, first we examine the role and figure of the author; and, secondly, we analyze the historical evolution of the different stage discourses. Our analysis shows that contemporary stage practices, even when they criticize the text-centric model as well as the one based on traditional author, they nevertheless continue to recognize an authorial function. The current modification is that they introduce modes of production in which the stage play arises from the collaboration of all poetic fields, that is to say the playwright, the performance, the direction, and the group. In this way, contemporary theater approaches the notion of complex authorships. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

Desde 1997 nossa equipe de trabalho (ÁQIS / Núcleo de pesquisa sobre processos de criação artística da Universidade do Estado de Santa Catarina) vem pesquisando os processos de conformação de identidade cultural associados ao teatro. O estudo do fenômeno do teatro de grupo é hoje um elemento fundamental para a compreensão da cena brasileira, por isso para analisar os desdobramentos do teatro na contemporaneidade parece central identificar o papel que o teatro de grupo joga na conformação de novos padrões de trabalho.

Esta contribución se plantea de qué manera actores con diversidad funcional cambian el espacio teatral. Se parte de la hipótesis de que las anomalías corporales hacen consciente la superposición de los dos hic et nunc del teatro, uno estético/simbólico y otro, físico/concreto. Tres ejemplos del teatro contemporáneo ilustran cómo este hecho se deja utilizar estéticamente: Esta breve tragedia de la carne, de Angélica Liddell (2015), Disabled Theater (2012), de Jérôme Bel, y Mi piedra Rosetta, de José Ramón Fernández, realizado por David Ojeda (2012). El análisis mostrará que en estas obras, la relación entre espacio escénico y espacio del espectador es inseparable del impacto del espectáculo entero. Las tres obras enfocan los conceptos exclusión, inclusión e intercambio.

O ensaio busca descrever, analisar e interpretar Vergonha, obra teatral encenada pelo Coletivo Bruto em Piracicaba em outubro de 2016. Com isso, visamos refletir sobre as potencialidades de expandir o teatro documentário para além de sua forma mais habitual, exibicionista, individualista e melodramática, devolvendo ao teatro sua força não de ser real, mas de enfrentar um Real além da mera realidade, para melhor pensar o seu tempo.

Con base en los postulados de Victor Hugo y Lope de Vega, se analiza el carácter lúdico del teatro, arte espectacular que vincula el texto dramático con el lector/espectador, lo que da paso a una vivencia colectiva. En el caso del drama moderno, se propone que el escritor se sitúe al margen de posicionamientos doctrinales propios de las normas academicistas. Finalmente, se hace hincapié en la necesidad de ejercer una crítica objetiva alejada de ideologías, a fin de que el público pueda acercarse al teatro del mejor modo posible.

Abordando o conjunto das chamadas “peças de fala” (Sprechstücke), as primeiras quatro obras escritas para o teatro ainda nos anos 60 por Peter Handke, Prêmio Nobel de Literatura de 2019, o ensaio busca localizar nelas mais do que o jogo autorreferencial alienado censurado por muitos num suposto pós-modernismo. Relacionando o projeto do autor com uma tradição modernista propriamente austríaca e com as preocupações de uma possível filosofia política da linguagem, investigamos essa dramaturgia como uma operação crítica em relação a um funcionamento coercitivo da linguagem, para ao fim relacionar esse interesse com sua posição na história do teatro, propondo seu papel chave para compreender a cena contemporânea.

Em 1996, os Atores de Laura escreveram e encenaram Decote, criação coletiva realizada a partir de leituras de crônicas e peças de Nelson Rodrigues, assim como de improvisações de temas e tipos recorrentes do universo rodrigueano como paixão, amor, traição, doença, morte, opressão familiar, jogo de futebol e de sinuca, tias solteironas, canalhas e jornalistas. A peça foi publicada no ano seguinte à estreia e além de fazer parte do repertório da companhia sendo, portanto, ocasionalmente encenada, também é trabalhada em outras escolas de teatro e grupos de teatro amador do Brasil. O objetivo deste artigo é, destarte, examinar a intertextualidade entre o espetáculo dos Atores de Laura e a obra rodrigueana, tomando como aporte teórico as considerações de Antoine Compagnon acerca da intertextualidade em O trabalho da citação e de Renato Cohen sobre o hipertexto teatral. Além da análise dessa intertextualidade entre Decote e o universo rodrigueano, é levado em conta, ainda, que o jogo intertextual não se dá apenas em relação ao universo do dramaturgo, como também diz respeito ao próprio trabalho dos Atores de Laura. Dessa forma, será considerado o conceito de retrosserialidade proposto por Marsha Kinder.

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O artista Robert Wilson é uma importante figura para o teatro contemporâneo, pois seus espetáculos teatrais são compostos de uma virtuosa visualidade, que se constitue em metáforas e signos que precisam ser decodificados pelo espectador de acordo com sua observação perante a obra. Com base em sua trajetória artística e pessoal é que percebemos a construção da identidade cênica e a maneira que são concebidas suas obras. Uma das formas de enunciação poética do artista acontece através da liberdade dada ao fruidor para experimentá-la, fazendo com que seus espetáculos sejam um conjunto de espectros de paisagens a serem elucidadas pelo próprio observador. Devido a isso, para adentrarmos em questões ontológicas evocadas pela visualidade do artista, é necessário que contextualizemos alguns relatos de sua trajetória pessoal. Essa foi uma das principais instâncias que fizeram com que questões conceituais fossem exploradas cenicamente por esse diretor teatral ao longo dos anos. Portanto, para que afunilemos este estudo, iremos visualizar os caminhos da narrativa do personagem bíblico Adão, no espetáculo Adam’s Passion. Ademais, nossos materiais metodológicos para esta investigação se imbricam nos pensamentos de ontologia da arte, concatenados por Currie (1989), e pela abordagem da análise de espetáculos de Belém (2014).

Desde hace casi dos décadas, el teatro se ha convertido en un excelente canal para que los hijos de quienes desaparecieron durante la última dictadura militar argentina articulen sus trabajos de duelo y búsqueda identitaria. Esta explosión de obras de teatro de “segunda generación” se concreta en la década del 2000, con el nacimiento del movimiento Teatro x la identidad. Tras asentar las bases conceptuales de la posmemoria y cartografiar otras acciones performativas realizadas por los hijos, me centro en algunas de las obras más representativas de Txi: Instrucciones para coleccionistas de mariposas (Eva Pérez, 2002), Hija de la dictadura militar (Lucila Teste, 2008), La búsqueda (Anabella Valencia, 2005) o Una caja blanca (Andrés Binetti, 2005). Mi propósito es establecer los modos con que estos jóvenes dramaturgos apelan a un pasado traumático del que, por edad, no conservan ningún recuerdo. Se trata en la mayoría de los casos de obras teatrales cuyas historias son marcadamente personales y subjetivas, cuando no claramente autobiográficas.

Desde os tempos antigos, o desejo sexual tem sido objecto de múltiplas reflexões filosóficas e tem servido como uma força magnética de força coerciva para a criação das mais diversas obras artísticas. No contexto teatral, o seu potencial tem sido explorado e (re)apresentado não só através de uma tradição dramatúrgica, mas também através da sua materialização performativa. Assim, este artigo propõe uma breve abordagem ao tema do desejo sexual, o seu significado e significados dentro do drama britânico contemporâneo, tendo como exemplo a voz da geração pós-intérprete de dramaturgos como Nick Payne, Anya Reiss Penelope Skinner, entre outros. Os autores escolhidos revelam um retrato da sociedade do ano 2000 (2000- 2015), e as suas peças foram transformadas em espectáculos que estrearam no Royal Court Theater em Londres. Este artigo visa também compreender como o desejo sexual é comunicado no âmbito de um diálogo e como as suas personagens transmitem (ou não) uma abordagem naturalista da perspectiva dos dramaturgos sobre a sua sociedade contemporânea.

En este artículo, nos aproximamos a la dramaturgia de Roberto Cossa para analizar aquellas piezas en las que el reparto está formado por los miembros de una familia que realizan en escena el acto cotidiano de comer. Nos referiremos a Nuestro fin de semana, en su primera etapa, y a La Nona, No hay que llorar, El tío Loco y Años difíciles, en la segunda. El estudio del banquete nos permite, por un lado, comprobar el valor simbólico que este gesto adquiere en su dramaturgia y, por otro lado, examinar la evolución estética Cossa. Así pues, de las escenas en las que comer en familia transcurre con una tensa tibieza, pasaremos a una distorsión en la que la violencia y el sexo aparecen ante la mesa. La voracidad se convierte en la materialización del egoísmo de los victimarios y adquiere un alcance simbólico que apunta hacia la Dictadura del extratexto.

El trabajo da cuenta de una investigación llevada a cabo en el teatro independiente, en la ciudad de Córdoba, y en el Departamento de Teatro de la Facultad de Artes de la Universidad Nacional de Córdoba (UNC). La indagación apuntó a relevar los procedimientos escénicos como líneas de fuerza que atraviesan el dispositivo teatral contemporáneo. Se propuso establecer las vinculaciones existentes entre el ámbito independiente y el académico. Se realizaron entrevistas a directores, actores y diferentes hacedores del campo teatral. Se observaron y registraron más de cien obras teatrales gestadas como producciones independientes y también trabajos finales de las distintas cátedras de la Escuela de Teatro de la Facultad de Artes (UNC). También fueron tomadas en consideración las producciones propias de los autores de este trabajo, tanto escénicas como teóricas. Este relevamiento fue analizado y puesto en tensión y diálogo con teorías teatrales, estéticas y filosóficas que entendimos eran pertinentes al tema de investigación. Se concluye que algunas de las problemáticas que con mayor fuerza aparecen en la teatralidad actual es la puesta en crisis de la relación realidad-ficción y la pregunta del arte acerca de sí mismo. Se advierte que ese límite débil entre realidad y ficción que se percibe en la dinámica social, es asumido por el teatro, que borra a su vez sus propios límites, como una mirada crítica sobre el entramado de poder que construye la realidad.

Teatro pós-dramático, de Hans-Thies Lehmann constitui-se em auspiciosa ferramenta para a compreensão do teatro contemporâneo, esmiuçando agudos temas e problemas da teoria e da prática teatral e colocando-os à clara luz das explicações brilhantes.

For almost two decades, the theater has become an excellent channel for the chil - dren of those who disappeared during the last Argentine military dictatorship to articulate their work of mourning and identity search. This explosion of "second generation" theater plays is made concrete in the 2000s, with the birth of the Teatro x la identidad movement. After laying the conceptual foundations of the post-memory and mapping other performative actions carried out by the children, the article focuses on some of the most representative works of Txi: Instrucciones para coleccionistas de mariposas (Mariana Eva Pérez, 2002), Hija de la dictadura militar (Lucila Teste, 2008), La búsqueda (Anabella Valencia, 2005) or Una caja blanca (Andrés Binetti, 2005). Our intention is to establish the ways in which these young dramatists appeal to a traumatic past of which, by age, they do not preserve any memory. In most cases, these are plays whose stories are markedly personal and subjective, if not clearly autobiographical. [ABSTRACT FROM AUTHOR]