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En 1984, Jack Lang, alors ministre de la Culture, met en mouvement un projet d’occupation pour le palais de Tokyo vidé des collections du Musée national d’Art moderne. Ce sera le Palais de l’Image, regroupant la FEMIS, la Cinémathèque française, le Centre national de la Photographie et la Mission du patrimoine photographique. Si la période est propice – gauche au gouvernement, patrimonialisation du cinéma, Grands Projets – les obstacles administratifs, tensions politiques et rivalités institutionnelles mènent finalement à l’arrêt du projet en 1998. La nouvelle Maison de l’Image, réduite à la Cinémathèque, s’installe dans le 13e arrondissement et le palais de Tokyo accueille un nouveau projet consacré à l’art contemporain. In 1984, Jack Lang, who was then the French Minister of Culture, set in motion a new project: the opening, in the former National Museum of Modern Art or Palais de Tokyo, of a new Centre for moving and non-moving images. This future “Palais de l’Image” was supposed to gather a film school, the French Cinémathèque and two different associations dedicated to photography. If the decade favoured these kinds of projects – a Left government, a process of giving the official status of heritage to cinema, Jack Lang’s Great Projects – administrative obstacles, political tensions and institutional rivalries lead to the end of the project in 1998. The new “Maison de l’Image’, reduced to the French Cinémathèque, moved to the 13th arrondissement of Paris and the new Palais de Tokyo became dedicated to contemporary art.

In October 2014, the city of Lille inaugurated the first public facility in charge of hiphop's practices and their bearers. Simultaneously a vehicle for and an outcome of hiphop's local public action, the "Flow" constitutes a relevant ground to analyse the support and the effects of a cultural policy that appeared in the early 2000's. Following it at its own rhythm, this work deals with the making, the invention and the settlement in the cultural landscape of a new experience.; En octobre 2014, la ville de Lille inaugurait le premier équipement public dédié aux pratiques des hiphops et de leur porteurs. Tout autant vecteur que prolongement d'une action publique local de hiphops, le Flow permet l'analyse de la prise en charge et des effets d'une politique culturelle locale initié au début des années 2000. En suivant l'équipement à son propre rythme, ce travail propose d'étudier la fabrique, l'invention et l'installation dans le paysage culturel local d'un dispositif nouveau.

Cet article aborde la création et le fonctionnement de la première galerie de prêt d’œuvres d’art (estampes contemporaines et photographies) en bibliothèque inaugurée en 1976 à Grenoble par la municipalité d’Hubert Dubedout (1965-1983), puis le déploiement de cette expérience pilote à l’échelle nationale entre 1982 et 1986 par le ministère de la Culture Jack Lang, avant de proposer un aperçu des premières politiques d’acquisitions d’œuvres multiples par l’étude de quelques artothèques exemplaires créés grâce aux subventions allouées par l’État à Angers, Montpellier, Lyon, Toulouse et Caen au cours de cette période. This article discusses the creation and operation of the first French art lending gallery (contemporary prints and photographs) in library inaugurated in 1976 in Grenoble by the municipality of Hubert Dubedout (1965-1983), then the deployment of this pilot experiment on a national scale between 1982 and 1986 by the Ministry of Culture Jack Lang, before proposing an overview of the first policies for the acquisition of multiple works through the study of a few exemplary art lending gallery created thanks to the subsidies allocated by the State in Angers, Montpellier, Lyon, Toulouse and Caen during this period.

En France, la sociologie du théâtre n’a jamais constitué un domaine de recherche à part entière, car elle a longtemps été subsumée sous la sociologie de la littérature ou la sociologie des professions artistiques. L’ouvrage de Francesca Quercia, issu de sa thèse de doctorat soutenue à l’Université Lyon 2 en 2018, constitue une contribution majeure à ce champ d’étude, aujourd’hui en plein essor. Le livre est structuré en sept chapitres, précédés d’une introduction substantielle. L’autrice y én...

The 1960s and 1970s are commonly regarded as the period of transition from modern art to contemporary art. My research aims to characterize this change, not only in terms of stylistic evolutions, but as a profound reconfiguration of the institutional structures of the art field. One of its main factors consists in the expansion of public intervention in the contemporary art field, following the general development of cultural policies in all the Western liberal democracies at that time. A crucial feature of this rapprochement between contemporary art and public institutions is the choice shared by many organizations to promote avant-garde art. Support to the most recent artistic innovations and recognition of their most unconventional aspects are the two faces of this evolution, which has also benefited to some radical historical avant-gardes that were previously neglected. This reorientation represents a major break in the history of the avant-gardes, which originated in a radical opposition to any official authorities, and can explain the exhaustion of their dynamics at the end of the 1970s. It also marks a turning point in the long history of the relationship between state and culture, and can be seen as a symptom of a broader redefinition of high culture.The investigation into the causes of this change has highlighted the determining role of the public intermediaries to whom artistic decisions are delegated, in order to prevent any state control on public tastes. Because these intermediaries draw their legitimacy primarily from the art field, their choices led to import the values of the avant-garde into public institutions. From the end of the 1960s, this mechanism has been intensified by the effects of the increasing demands to democratize the art world: for lack of being able to fully answer these claims for cultural democracy (or in order to circumvent them), these intermediaries have emphasized their support to unconventional art as a mean to demonstrate, at least, their solidarity with the contemporary protests against sociocultural hierarchies.; Les années 1960-1970 sont communément considérées comme le moment de bascule de l’art moderne à l’art contemporain. Nos recherches visent à caractériser ce changement, non pas seulement en termes d’évolutions stylistiques, mais comme l’effet d’une profonde recomposition des structures institutionnelles du champ artistique, dont l’un des principaux facteurs consiste dans l’expansion de l’intervention publique dans ce domaine, suivant en cela le développement général des politiques culturelles dans la plupart des démocraties libérales occidentales. Un trait majeur de ce rapprochement entre art contemporain et puissance publique tient au choix partagé par de nombreuses organisations de s’engager en faveur de l’art d’avant-garde, dans le sens tout à la fois d’un soutien aux innovations artistiques les plus récentes et d’une reconnaissance apportée à leurs aspects les plus anti-conventionnels – ce dont profitent aussi certaines avant-gardes historiques jusqu’alors négligées. Cette réorientation représente une rupture majeure dans l’histoire des avant-gardes, fondées sur une rupture originelle avec les instances officielles, et peut permettre d’expliquer l’épuisement de leur dynamique à la fin des années 1970. Elle marque aussi un tournant dans l’histoire longue des rapports entre Etat et culture et peut être vue comme un symptôme d’une plus large redéfinition de la culture légitime.L’enquête sur les causes de ce changement a permis de mettre en évidence le rôle déterminant des intermédiaires auxquels sont déléguées les décisions artistiques publiques (afin de prévenir tout dirigisme culturel) : parce qu’ils tirent leur légitimité prioritairement du champ de l’art, leurs choix conduisent à importer dans les institutions publiques les valeurs de l’avant-garde. A partir de la fin des années 1960, ce mécanisme est redoublé par les effets des demandes multiples de démocratisation du monde de l’art : à défaut de pouvoir répondre pleinement à ces impératifs de démocratie culturelle (ou pour les contourner), ces intermédiaires exacerbent leur soutien à l’art le moins conventionnel comme le moyen de démontrer, à tout le moins, leur solidarité avec les contestations contemporaines des hiérarchies socio-culturelles.

Honorable rassemblement des professionnels du spectacle vivant et des arts plastiques que celui qui eut lieu ce mercredi dans la grande salle de La Colline, à l’initiative du Syndeac et de sa présidente, Madeleine Louarn. Stéphane Braunschweig de souligner que nombre de personnes perdent en ce moment leur emploi dans le spectacle vivant et les centres d’art. Benoît Lambert de rappeler la réalité du paradoxe bourdieusien des deux mains de l’État : les services publics doivent contrecarrer l’ef...

L’article analyse le processus de différenciation de la fonction d’inspection de l’administration centrale, à partir du cas des inspections de la Culture. Inscrit dans la théorie écologique des professions, il met en évidence ce que la professionnalisation des inspecteurs, à l’œuvre dans les années 1990-2000, doit à des luttes internes à l’État. Le rapport d’inspection est ici considéré comme une charnière entre des juridictions tenues par de hauts fonctionnaires dirigeants et des inspecteurs en cours de professionnalisation : ressource politique, il permet aux uns d’attester de la rationalité des orientations données à leurs programmes d’action et de leur indépendance vis-à-vis de considérations extérieures à l’intérêt général ; artefact d’un travail intellectuel, il permet aux autres de s’affirmer comme détenteurs d’un savoir professionnel abstrait, de donner à voir une capacité d’inférence à travers la déclinaison des diagnostics portés sur des politiques publiques en préconisations opérationnelles.

International audience

Cette thèse pose un regard critique sur la dimension politique de la scène contemporaine de théâtre au Québec, dans une perspective comparative avec celle allemande, avec une attention particulière pour les villes de Montréal et Berlin. L’autrice y explore, dans la mise en scène, les gestes et les stratégies qui permettent à l’artiste de prendre position politiquement par le théâtre, soient le recours au réel, la traduction, l’adaptation et l’ironie. La mise en relation entre Berlin et Montréal se traduit dans chacun de ces gestes, mais aussi de façon générale, dans le rôle historique et symbolique que joue l’Allemagne chez les artistes de théâtre au Québec. L’analyse prend pour objet un corpus susceptible d’être diffusé dans le réseau international des arts vivants, composé de six productions récentes ("Le NoShow" (2013) du collectif Nous Sommes Ici et du théâtre du Bunker, "Fear" (2015) de Falk Richter, "100% Montréal" (2017) de Rimini Protokoll, "Macbeth" de Shakespeare monté en 2016 par Angela Konrad, "Ein Volksfeind" de Henrik Ibsen monté en 2012 par Thomas Ostermeier et "Dans la République du bonheur" de Martin Crimp monté en 2015 par Christian Lapointe). L’approche privilégiée, inspirée de l’expérience comme conseillère dramaturgique de l’autrice, est celle de l’intermédialité. Ainsi, les dimensions politiques des oeuvres sont étudiées dans la forme que prend leur propos, dans les esthétiques et les traditions convoquées par les choix de la mise en scène, ainsi que dans les mécanismes déployés pour établir une relation avec le public. L’approche intermédiale implique aussi de mettre en relation ces éléments avec leur contexte de production, du fonctionnement institutionnel des théâtres aux modes de financement qui en permettent la réalisation, en passant par le subtil rapport de force qui régit le milieu des arts de la scène. En prenant soin de cerner les contradictions au sein des oeuvres étudiées, cette thèse esquisse une approche critique des politiques de la scène contemporaine de théâtre, dans une démarche au plus près de la pratique., This thesis offers a critical perspective on the political aspects of contemporary theatre in Quebec by using a comparative perspective with German theatre, with a particular focus on the cities of Montreal and Berlin. The author explores staging methods, gestures, and various strategies used by theatre artists to adopt political stances through theatre such as : the use of the real, translation, adaptation, and irony. The connection between Montreal and Berlin is highlighted through various gestures but also through the historical and symbolic role Germany has long held for Québécois theatre artists. This analysis will take into account a corpus of recent productions subject to international presentation : ("Le NoShow" (2013) from the artist collective Nous Sommes Ici and the Bunker theatre, "Fear" (2015) by Falk Richter, "100% Montréal" (2017) by Rimini Protokoll, Shakespeare’s "Macbeth" staged in 2016 by Angela Konrad, "Ein Volksfeind" by Henrik Ibsen staged in 2012 by Thomas Ostermeier and "Dans la République du bonheur" by Martin Crimp staged in 2015 by Christian Lapointe). Drawing on the author’s own experiences working as a dramaturg in Quebec, the thesis adopts an intermedial approach in order to explore the political aspects of the aforementioned works ; thus, it looks at what traditions are conveyed and what aesthetics are deployed through staging, as well as a host of other mechanisms, whose aim it is to garner audience sympathies. This intermedial approach will also shed a light on those elements by using the context of production, the institutional operations of theatres as to how they are financed, and the power relationships within the performing arts sector. By determining the contradictions in the studied works, this thesis will critique the politics of contemporary theatre through a practical methodology.

Ce mémoire aborde la récupération de la musique à des fins politiques en interrogeant le rapport ambigu entre propagande et diplomatie musicale pendant la Guerre froide. Centrée principalement sur la production musicale aux États-Unis dans les années 1950, l’étude s’attarde aux stratégies adoptées, autant par des musiciens jazz que classique, pour critiquer et dénoncer les politiques discriminatoires d’une chasse aux sorcières communistes lancée par le sénateur républicain Joseph R. McCarthy (1908-1957). Elle montre également comment les dirigeants des États-Unis ont cherché à encenser les valeurs américaines en promouvant internationalement le jazz comme symbole démocratique, en particulier contre l’Union soviétique. Les deux premiers chapitres servent à camper le décor : le premier chapitre brosse par une mise en contexte un portrait politique et historique de la Guerre froide – en partant du postulat que celle-ci trouve ses racines dans la Révolution d’octobre 1917 –, et introduit le contexte sociopolitique des années 1950 en mettant l’emphase sur l’importante influence qu’a eue le maccarthysme, conception politique anticommuniste du sénateur McCarthy, sur la vie américaine. Le deuxième chapitre, également de mise en contexte, établit les différences entre les politiques culturelles américaines et soviétiques. Ce chapitre présente le Cultural Presentations program, le programme d’échanges culturels subventionné par le département d’État, de même que les relations culturelles officielles entre les États-Unis et l’URSS de 1958 à 1985. Les deux derniers chapitres présentent des études de cas afin d’illustrer l’impact sociopolitique sur la vie et la production musicales des années 1950. Le troisième chapitre analyse la présence du jazz au sein du Cultural Presentations program et retrace le parcours de quatre grands musiciens jazz ayant pris part au programme pour faire rayonner le jazz à l’international, tout en soulignant l’ironie d’utiliser des Afro-Américains comme représentants de la démocratie d’une Amérique ségrégée. Le quatrième chapitre traite spécifiquement du genre lyrique américain et des critiques du maccarthysme inscrites dans certaines œuvres de ce répertoire. Une attention particulière est portée à l’opérette Candide de Leonard Bernstein (1918-1990), en raison de l’engagement politique notoire du compositeur et du propos explicitement politique de l’œuvre. Cette recherche vise, en somme, à faire un état des lieux de la récupération politique de la musique en mettant en relation deux visions différentes de son utilisation aux États-Unis, This thesis addresses the subject of the political employment of music by questioning the ambiguous relationship between propaganda and musical diplomacy during the Cold War. Focusing mainly on the musical production in the United States in the 1950s, this study examines the strategies adopted by both jazz and classical musicians to criticize and denounce the discriminatory policies of this communist witch-hunt embodied by Republican Senator Joseph R. McCarthy (1908-1957). It also shows how U.S. leaders have sought to promote American values by internationally promoting jazz as a democratic symbol, particularly against the Soviet Union. The first two chapters serve to set the stage: the first chapter provides a contextualized political and historical portrait of the Cold War – starting from the premise that it is rooted in the October 1917 Revolution –, and introduces the socio-political context of the 1950s by emphasizing the important influence that McCarthyism, the anti-communist political conception of Senator McCarthy had on American life. The second chapter, also contextualizing, establishes the differences between American and Soviet cultural policies. This chapter introduces the Cultural Presentations program, the cultural exchange program funded by the Department of State, as well as the official cultural relations between the United States and the USSR from 1958 to 1985. The last two chapters focus on case studies to illustrate the socio-political impact on music life and productions in the 1950s. The third chapter discusses the presence of jazz in the Cultural Presentations program and traces the journey of four great jazz musicians who took part in the program to promote jazz internationally, while highlighting the irony of using African Americans as representatives of democracy in a segregated America. The fourth chapter deals specifically with the American operatic genre and the criticisms of McCarthyism in some works of this repertoire. Particular attention is paid to Leonard Bernstein’s (1918-1990) operetta Candide, due to the composer’s notorious political commitment and the explicitly political purpose of the work. This research aims to take stock of the political usage of music by linking two different visions of its use in the United States.

International audience; Pôle de Recherche Interdisciplinaire en Sciences sociales : Mémoires, Expositions, Objets COLLOQUE RIFREQ « Comment la synthèse est-elle possible en recherche qualitative? » 10-11 juin 2021-Montpellier.

International audience; De toute antiquité, les arts de la scène apportent aux sociétés humaines une expression en résonnance avec leur présent commun, mettant en scène corps et objets utiles aux représentations : instruments de musique, costumes, masques, pinceaux, espaces dédiés… Les communautés qui partageaient ces expériences souhaitaient prolonger de tels moments de partage, les rejouer, les mettre à profit, en en conservant des reliques et en les échangeant via des supports de textes et d'images. Dès lors, face à l'incertaine circulation des traces de ces poèmes, de ces airs, de ces mouvements, de ces jeux et même des lieux, résultent des logiques de collections, de mémoire, de connaissance, d'économie et de pouvoir. Les techniques d'imprimerie, de gravure, de photographie et de film ont ouvert à une large circulation et une industrialisation des copies d'oeuvres. Le développement de ces dispositifs sociotechniques se poursuit dans la seconde moitié du XX e siècle avec un accès étendu aux télécommunications et aux enregistrements, renforcé au début du XXI e siècle par les formes sans cesse renouvelées de partages numériques des expériences des arts. Ces mutations profondes ont modifié les pratiques culturelles et les formes artistiques. Pour les arts de la scène, la qualité de l'expérience vécue in situ semble encore échapper à celles télé-ou rediffusées, aussi immersives et participatives fussent-elles : « encore manque-t-il à la reproduction la plus parfaite une chose : le hic et nunc [l'ici et maintenant] de l'oeuvre d'art-l'unicité de son existence au lieu où elle se trouve (Benjamin : 18). » Cependant, la technique, « une active productrice d'art (Hennion et Latour : 240) », prolonge et participe tant à sa médiation qu'à sa patrimonialisation.

What would be the links between the cultural and the social? Why does a cultural association develop social actions? Starting from the specific case of the Association R.A.M.a, in Montpellier, this thesis aims to develop reflections on the above questions in the perspective of the neoliberal frame of reference. The hypothesis put forward here is that, in addition to being influenced by the neoliberal turn, social and cultural policies are undergoing a process of diversion of their objectives so as to place them in a nebulous zone where the limits and attributes of each are mixed. This vestige of the fieldwork experience is both a descriptive and analytical account of the observations collected and an exercise in articulating theory and praxis. In this sense, the exercise has a dual purpose: to deal with the topic at hand, but also to reveal the research and learning process of a foreign student.; Quels seraient les liens entre le culturel et le social ? Pour quelles raisons une association à finalité culturelle développe-t-elle des actions sociales ? Partant du cas précis de l’Association R.A.M.a, à Montpellier, ce mémoire a pour ambition le développement des réflexions sur les questions précédentes dans la perspective du référentiel néolibéral. L'hypothèse ici lancée est qu’en plus d’être influencées par le tournant néolibéral, les politiques sociales et culturelles vivraient un processus de détournement de leurs objectifs de façon à les mettre dans une zone nébuleuse où les limites et les attributs de chacune se mélangeraient. Ce vestige de l’expérience de terrain en stage est à la fois un récit descriptif et analytique des observations collectées et un exercice d’articulation entre théorie et praxis. Dans ce sens, l’exercice a un double objectif : traiter le sujet en question, mais également révéler le processus de recherche et d'apprentissage d’un étudiant étranger.

Cet article étudie les conséquences possibles de l’évolution actuelle du phénomène muséal sur la place des collections au sein du musée. La mondialisation, le développement du numérique, ainsi que l’influence de nouveaux courants de pensée, comme le postcolonialisme, pourraient transformer la manière de définir le musée. Cette transformation s’inscrit cependant dans une évolution plus globale, qui se poursuit depuis les années 1970. L’auteur évoque les principaux jalons qui ont conduit les musées à privilégier le public sur la gestion des collections, mais aussi l’émergence de l’autonomie progressive des réserves au sein du système muséal. Ce principe le conduit à envisager de manière conjointe l’évolution des réserves et celle des lieux d’exposition, à la lumière d’autres tendances pouvant être observées au sein du système économique mondial. This article studies the possible consequences of the current evolution within the museum phenomenon concerning the place of collections within the museum. Globalization, the development of digital technology, and the influence of new currents of thought, such as postcolonialism, could transform the way in which we define museums. However, this change is part of a more global development, which has continued since the 1970s. The author discusses the main trends that have led museums to focus on the public to the detriment of collection management, as well as the emergence of off-site storage within the museums. This principle leads him to consider jointly the evolution of storage and exhibition spaces in light of other trends within the world economic system. Este artículo examina las posibles consecuencias de la evolución actual del fenómeno museístico en torno al rol de las colecciones dentro del museo. La globalización, el desarrollo de la tecnología digital, así como la influencia de nuevas corrientes de pensamiento, como el poscolonialismo, podrían transformar la manera de definir el museo. Sin embargo, esta transformación forma parte de una evolución más global, que ha estado ocurriendo desde la década de 1970. El autor analiza los principales hitos que han llevado a los museos a dar prioridad al público sobre la gestión de las colecciones, pero también el surgimiento de la autonomía progresiva de las reservas dentro del sistema museístico. Este principio le lleva a considerar conjuntamente la evolución de las reservas y la de los espacios de exposición, a la luz de otras tendencias que pueden observarse en el sistema económico mundial.

Les collections museales et l’alienabilite Si la recherche sur les objets est consideree fondamentale dans les musees (Burcaw, 1983 : 47), l’alienabilite d’objets de collection – soit l’etude des conditions de leur cessibilite – est un theme de recherche marginalise en museologie. Alors que de tout temps, les musees ont effectue quelques transactions avec certains de leurs objets, ces operations rarement affichees et rarement commentees sont longtemps restees ignorees (Miller, 1985 : 289). E...

Repousser l’horizon des collections Le catalogue de l’exposition Foreign Exchange, qui se deroula au Weltkulturen Museum de Francfort en 2014-2015 (Deliss & Mutumba, 2014), s’ouvre sur une photo en double page montrant les resultats de l’expedition du musee dans la region de la riviere Sepik (Nouvelle-Guinee) en 1961 : proprement monstrueux. Des centaines, sinon des milliers d’objets sont etales sur des tables dans une salle immense de la Ostbahnhof, en attente sans doute d’un dedouanement. M...

Les bibliothèques publiques dépositaires de collections patrimoniales sont aujourd’hui incitées à inscrire leurs actions en faveur de ces collections dans le cadre général de politiques définies par l’État. En même temps, elles doivent répondre de leur utilité auprès des collectivités qui les financent. L’étude conjointe des politiques incitatives de l’État depuis douze ans, et des textes programmatiques qui fixent l’engagement des bibliothèques dans le cadre plus large d’une politique municipale ou intercommunale, montre que les bibliothèques utilisent les collections pour obtenir une reconnaissance d’une légitimité culturelle et scientifique qui leur fait encore défaut. Ce faisant, elles apprennent à se penser comme des objets politiques. Public libraries housing national collections are today urged to focus their projects concerning these collections on state defined policies. At the same time, from a utilitarian standpoint, they are accountable to those administrations that provide them with financial contributions. A joint survey of state incentive policies of the past twelve years and documents defining libraries’ commitments within the wider field of local policies reveals that libraries take advantage of their collections in order to obtain recognition the scientific and cultural legitimacy to which they aspire. They thus begin to consider themselves political objects. Las bibliotecas públicas que poseen colecciones patrimoniales, son invitadas en el presente a inscribir sus acciones en favor de esas colecciones en el marco general de las políticas definidas por el Estado. Al mismo tiempo, deben rendir cuentas sobre su utilidad a las instituciones que las financian. Un estudio conjunto de las políticas de incentivo del Estado desde hace doce años, y de los textos programáticos que establecen el compromiso de las bibliotecas en el marco más amplio de una política municipal o intermunicipal, muestra que las bibliotecas utilizan las colecciones para obtener el reconocimiento de una legitimidad cultural y científica de la que aún carecen. Al hacerlo, aprenden a pensar en sí mismas como objetos políticos.

Pour introduire ce dossier sur les collections patrimoniales, et plus singulierement celles des musees, un detour s’impose : qu’est-ce que collectionner ? Et comment cette pratique s’inscrit-elle dans la societe ? Nous examinerons ensuite les proprietes de la collection publique avant d’insister sur l’interdependance entre la collection d’objets et la production des discours d’exposition. Pour continuer, nous reviendrons sur les atouts et les faiblesses des collections au xxie siecle. Enfin, ...

International audience; Public libraries housing national collections are today urged to focus their projects concerning these collections on state defined policies. At the same time, from a utilitarian standpoint, they are accountable to those administrations that provide them with financial contributions. A joint survey of state incentive policies of the past twelve years and documents defining libraries’ commitments within the wider field of local policies reveals that libraries take advantage of their collections in order to obtain recognition the scientific and cultural legitimacy to which they aspire. They thus begin to consider themselves political objects.; Las bibliotecas públicas que poseen colecciones patrimoniales, son invitadas en el presente a inscribir sus acciones en favor de esas colecciones en el marco general de las políticas definidas por el Estado. Al mismo tiempo, deben rendir cuentas sobre su utilidad a las instituciones que las financian. Un estudio conjunto de las políticas de incentivo del Estado desde hace doce años, y de los textos programáticos que establecen el compromiso de las bibliotecas en el marco más amplio de una política municipal o intermunicipal, muestra que las bibliotecas utilizan las colecciones para obtener el reconocimiento de una legitimidad cultural y científica de la que aún carecen. Al hacerlo, aprenden a pensar en sí mismas como objetos políticos.; Les bibliothèques publiques dépositaires de collections patrimoniales sont aujourd’hui incitées à inscrire leurs actions en faveur de ces collections dans le cadre général de politiques définies par l’État. En même temps, elles doivent répondre de leur utilité auprès des collectivités qui les financent. L’étude conjointe des politiques incitatives de l’État depuis douze ans, et des textes programmatiques qui fixent l’engagement des bibliothèques dans le cadre plus large d’une politique municipale ou intercommunale, montre que les bibliothèques utilisent les collections pour obtenir une reconnaissance d’une légitimité culturelle et scientifique qui leur fait encore défaut. Ce faisant, elles apprennent à se penser comme des objets politiques.

Qu'il collecte les matériaux de son futur ouvrage ou propose un atelier d'écriture dans le cadre d'une résidence, qu'il hérite des savoir-faire de son second métier de journalisme ou qu'il s'essaie à de nouvelles formes littéraires entre enquête et document, l'écrivain contemporain se présente fréquemment comme un écrivain de terrain. Cet article a pour objectif de fonder un état des lieux affiné du terrain des écrivains contemporains à partir de l’analyse précise de trois objets en apparence évidents, qui sont autant de symptômes des grandes évolutions qu’a connues le terrain conçu comme activité littéraire contemporaine. Une enquête sur l’usage du mot « terrain » dans le discours des écrivains contemporains, l’attribution du prix Nobel à l’écrivaine Svetlana Alexievitch en 2015 et la sortie du film L’Atelier de Laurent Cantet en 2017 constituent les trois objets à l’épreuve desquels il s’agira d’examiner les représentations, la consécration et l’institutionnalisation du terrain des écrivains contemporains. Collecting materials for a future book, proposing a writing workshop during a residence, using journalistic skills learned in a second job, or experimenting new literary forms between investigation and document… the contemporary writers frequently appear as filedwork writers. This paper aim to found an inventory of the writers’ fieldwork on the analysis of three objects, self-evidents to all appearances. They reveal the principal evolutions that fieldork, conceived as a contemporary literary activity, has undergone. First an investigation about the « fieldwork » word uses in contemporary writers’ speeches, then, the Nobel prize attribution to Svetlana Alexievitch in 2005 and finally the release of Laurent Cantet’s movie The Workshop in 2017 are those three objects. They permits to examinate the representations, the consecrations and the institutionalizations of contemporary writers’ fieldwork.

Le rôle des politiques publiques dans la fabrique de l’art urbainQuels regards portent les pouvoirs publics sur le graffiti? Comment se sont construits les dispositifs de régulation de cette pratique, entre répression et promotion ? Les actions municipales de soutien à l’art urbain sont-elles des politiques culturelles, touristiques ou juste un supplément d’âme à des opérations d’urbanisme ? En s’appuyant sur des exemples et des entretiens menés à Paris et Berlin, villes centrales du développement du graffiti européen, l’auteure propose une analyse des politiques du graffiti à la croisée de la sociologie politique, de la sociologie urbaine et de la sociologie de l’art.Traitant à la fois de répression et de promotion des graffitis, cette approche permet de dénouer les paradoxes des politiques publiques qui tentent de les encadrer.

The artist residency system requires the presence of several actors. Artists use this framework of research and work to develop their creations. They also set up moments of meetings with the public. These mediations are manifold. For those in charge of cultural venues, these residencies are also means of developing their artistic projects. In what and how can the artist, in his place and his role in residence, become a real lever in mediation with audiences?; Le dispositif de résidence d'artistes nécessite la présence de plusieurs acteurs. Les artistes utilisent ce cadre de recherche et de travail pour développer leurs créations. Ils mettent en place également des moments de rencontres avec le public. Ces médiations sont multiples. Pour les responsable de lieux culturels, ces résidences sont également des moyens de développer leurs projets artistiques. En quoi et comment l'artiste, dans sa place et son rôle en résidence, peut-il devenir un véritable levier dans la médiation auprès des publics ?

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ATAC informations permet d’interroger les conceptions de l’action culturelle proposées par les membres de l’association ATAC entre 1964 et 1981. L’opposition progressive de l’animation et de la création est à l’origine de la dissolution de l’ATAC et de l’appauvrissement de la réflexion sur l’action culturelle. Toutefois, cette opposition est moins monolithique qu’il ne parait. ATAC informations rend compte des chemins détournés de l’action culturelle où création et animation peuvent s’harmoniser., ATAC informations makes it possible to question the different conceptions of cultural action proposed by the members of the association ATAC between 1964 and 1981. The progressive opposition of animation and creation is at the origin of the dissolution of ATAC and the impoverishment of the reflection on cultural action. However, this opposition is less monolithic than it seems. ATAC Information reports on the diverted paths of cultural action where creation and animation can be harmonized.

Les organisations de la poésie en Europe ont pris appui sur trois modèles distincts dans les dernières décennies : 1. La reproduction des « nations littéraires » dans les régions 2. Le passage de la « démocratisation culturelle » à la représentation de la « diversité » 3. La densification des échanges entre des territoires « créatifs ». À partir d’une sociologie des réseaux, nous pouvons voir comment ces modes et les motivations des acteurs concrétisent une approche continentale de la poésie., Poetry organization modes in Europe have relied on three distinct models in recent decades: 1. The reproduction of "literary nations" in regions 2. The shift from "cultural democratisation" to the representation of "diversity" 3. The densification of exchanges between "creative" territories. Based on a sociology of networks, we can observe how these modes and the actors’ motivations realise a continental approach of poetry.

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Apparu au moment de l’émergence de la mise en scène à la fin du xixe siècle, le groupe des metteurs en scène ne se constitue véritablement en tant que tel qu’à partir des années 1950 sous l’effet de deux transformations concomitantes : rupture avec la primauté de la littérature et affirmation de l’autonomie des principes esthétiques liés à la scène ; intervention publique qui, progressivement, tend à favoriser les metteurs en scène les plus engagés dans une logique d’innovation artistique. L’auteur analyse ensuite la double posture du metteur en scène du théâtre public : celle de l’artiste manifestant sa distance croissante à l’égard des attentes du public ; celle de l’intellectuel intervenant dans l’espace politique et confronté, dans le même temps, au jugement de ses pairs. Theatre directors emerged as a group as more emphasis was laid on staged productions in the late 19th century; but they did not form a real group till the 1950s owing to two concomitant changes. For one thing, there was a break with the primacy of literature, as a claim was made for the autonomy of the aesthetic principles governing stage productions. For another, public policy tended to gradually favour those directors who were most committed to artistic innovation. The “double posture” of the directors of publicly subsidized theatres is analysed, a posture combining two main sources of authority: that of the artist who increasingly distances himself from the expectations of the public, and that of the intellectual who intervenes in politics and must cope with the judgment of his congeners. This analysis sheds light on the contemporary conditions for forming an artistic group. Artists do not just produce new aesthetic forms; they can only exist at the crossroads between the artistic, political and intellectual spheres.

En exposant ainsi la genèse de son enquête littéraire Mémoires de l’Enclave, l’écrivain Jean-Paul Goux ramasse dans une formule les principaux enjeux de ce qui définit la résidence d’écrivain contemporaine. Cette dernière se présente certes pour l’écrivain comme une invitation à vivre, à venir vivre en un lieu, à l’image des séjours en résidence historiques, tels ceux de la Villa Médicis. Mais il s’agit moins d’un vivre hors de toute contrainte matérielle, afin de mener à bien une recherche p...

When browsing through an exhibition of contemporary art, it is common to see a large number of documents. Benichou notes: "the ephemeral nature of many artistic practices, the questioning of the work of art as a material object, and the use of technologies that quickly become obsolete lead artists and institutions to document works "1. The reading of these documents has proved to be an essential step in the relationship between the viewer and the work. The works themselves have increasingly taken the form of a document. In order to understand the extent to which the text has taken on an important role in our 'spectatorial' relationships, it is necessary to study two movements that tend to intertwine: on the one hand, the means of information and communication used for exhibitions and, on the other, the various forms of textual use practised by the artists themselves. French cultural policy has favoured a significant production of texts to explain contemporary art. At the same time, French artists are increasingly using the textual object for its plastic qualities but also because it allows them to make claims or to constitute their own mediation. France in the first decade of the 21st century appears to be a privileged field for my research. I will therefore focus on the place of text in contemporary art exhibitions in France and its impact on the creative process during the last decade.; Lorsque l'on parcourt une exposition d'art contemporain, il est fréquent de prendre connaissance d'un grand nombre de documents. Les raisons de cette utilisation sont variées, comme le note A. Benichou : « la nature éphémère de nombreuses pratiques artistiques, la remise en question de l'œuvre d'art comme objet matériel, l'usage de technologies qui deviennent rapidement obsolètes amènent les artistes et les institutions à documenter les œuvres » . La lecture de ces documents s'est révélée comme une étape incontournable dans la relation entre le spectateur et l'œuvre. Les œuvres elles-mêmes ont de plus en plus pris la forme d'un document. Pour comprendre à quel point le texte a pris une place importante dans nos relations «spectatorielles», il convient d'étudier simultanément deux mouvements qui tendent à s'entremêler : d'une part les moyens d’information et de communication utilisés pour les expositions et d'autre part les différentes formes d'utilisations textuelles pratiquées par les artistes eux-mêmes. La politique culturelle française a favorisé une importante production de textes pour expliciter l'art contemporain. Parallèlement, les artistes français utilisent de plus en plus l'objet textuel pour ses qualités plastiques mais également parce qu'il leur permet d'être revendicatifs ou de constituer leur propre médiation. La France de la première décennie du XXI° siècle apparaît comme un terrain privilégié pour ma recherche. Je m'attacherai donc à observer La place du texte dans les expositions d'art contemporain en France et son impact sur le processus créatif et cela durant la dernière décennie.

L’enjeu de l’accessibilité résonne aujourd’hui dans les discours politiques et institutionnels comme la nécessité d’ouvrir davantage les lieux culturels au plus grand nombre. Revisitant leur programmation, leurs outils de médiation et l’organisation de leur lieu, les Centres Dramatiques Nationaux, établissements emblématiques de la décentralisation culturelle, se réinventent depuis leur création pour respecter leur cahier des charges, leur mission de service public et leur vœu d’accessibilité.Subventionnés en grande partie par l’État et les collectivités, ces établissements publics, qui traversent depuis les années 50 de nombreuses crises économiques et identitaires, tentent ainsi de développer en permanence leur offre culturelle. Dans ce contexte, la gratuité pour les publics semble paradoxale, pourtant elle peut se révéler être un outil cohérent avec les projets de ces lieux dirigés par des artistes.Ce mémoire retraverse l’histoire de la démocratisation culturelle en France, évoquant ses racines dans les utopies du théâtre populaire et le lien fort que ces politiques ont avec les notions de publics et de non-publics, pour montrer la place de la gratuité dans ce contexte. Montrant les possibilités des usages de la gratuité et les limites de ces derniers, il s’agit ici de comprendre comment la gratuité peut-être un levier d’ouverture pour ces établissements.En conclusion de plusieurs années d’études en communication et de réflexions que j’ai pu avoir au cours de diverses expériences professionnelles dans le milieu culturel, ce mémoire et le livret qui l’accompagne se veulent être la source de nouveaux questionnements pour l’intégration de la gratuité comme outil de médiation dans les théâtres.

Les récentes réformes territoriales (Maptam et NOTRe) et celle initiée par la loi sur la liberté de la création, de l’architecture et du patrimoine (LCAP) constituent à la fois des instruments législatifs, des opportunités politiques et des prétextes utilisés par les acteurs pour modifier le système institutionnel des politiques culturelles et particulièrement celui de l’opéra. La contribution, fondée sur une enquête dans deux nouvelles grandes régions, Nouvelle-Aquitaine et Grand-Est, montre des attentes contradictoires, une dialectique métropolisation/régionalisation embryonnaire et un fonctionnement improbable des instances de régulation. Malgré ces incertitudes, le monde de l’opéra entame sa mue en épousant, avec des bonheurs divers, le répertoire le plus actuel des politiques culturelles. The recent laws of territorial reform in France (Maptam and NOTRe) and the law on the Freedom of Creation, Architecture and Heritage (LCAP) constitute legislative instruments, political opportunities and pretexts used by actors to modify the institutional system of cultural policies and particularly in the opera sector. The contribution, based on a survey in two new major regions, Nouvelle-Aquitaine and Grand-Est, shows contradictory expectations, an embryonic metropolisation/regionalisation dialectic and an improbable functioning of regulatory authorities. Despite these uncertainties, the opera world is beginning to change by embracing, with varying degrees of happiness, the most up-to-date repertoire of cultural policies. Las recientes leyes de reforma territorial en Francia (Maptam y NOTRe) y la ley de Libertad de Creación, Arquitectura y Patrimonio (LCAP) constituyen instrumentos legislativos, oportunidades políticas y pretextos utilizados por los actores para modificar el sistema institucional de las políticas culturales y en particular el de la ópera. La contribución, basada en una encuesta realizada en dos nuevas grandes regiones, Nueva Aquitania y Gran Este, muestra expectativas contradictorias, una dialéctica embrionaria entre metropolización y regionalización y un funcionamiento improbable de las autoridades reguladoras. A pesar de estas incertidumbres, el mundo de la ópera está empezando a cambiar al adoptar, con diferentes grados de felicidad, el repertorio más actualizado de políticas culturales.

Comment décider démocratiquement de la culture publique ?Décider les politiques culturelles ne relève pas de l’évidence. Si les régimes autoritaires imposent leur pouvoir de décision, les pays démocratiques, par le biais de l’État, doivent sans cesse légitimer leur action culturelle. Mais alors comment décider démocratiquement de la culture publique ?L’État doit répondre à l’impératif démocratique idéal d’une culture de tous, par tous et pour tous. Définir les finalités répondant à un intérêt général, mettre en œuvre des procédures impartiales et faire participer la population souveraine. Dans cet ouvrage très documenté sur le plan international, l’auteur met en lumière les fondements théoriques de l’institutionnalisation de l’action culturelle, et offre des pistes pour que l’État garde sa légitimité en la matière., info:eu-repo/semantics/inPress