Search

[Resumen] Introducción y objetivos. Los estudios económicos pueden ayudar a tomar decisiones en el tratamiento de la enfermedad multivaso en el infarto. Se planteó realizar una evaluación económica del ensayo clínico CROSS-AMI (Complete Revascularization or Stress Echocardiography in Patients With Multivessel Disease and ST-Segment Elevation Acute Myocardial Infarction). Métodos. Se realizó un análisis de comparación de costes económicos de las estrategias (revascularización angiográfica completa [RCom] y revascularización selectiva guiada por isquemia en ecocardiograma de estrés [RSel]) comparadas en el ensayo clínico CROSS-AMI (N = 306), derivados de la hospitalización inicial y del primer año de seguimiento, según las tarifas oficiales vigentes en nuestro sistema de salud. Resultados. El coste de la hospitalización inicial resultó superior en el grupo de RCom que en la rama de RSel (19.657,9 ± 6.236,8 frente a 14.038,7 ± 4.958,5 euros; p < 0,001). No hubo diferencias entre ambos grupos en el coste del primer año de seguimiento (RCom, 2.423,5 ± 4.568,0 euros; Rsel, 2.653,9 ± 5.709,1 euros; p = 0,697). El coste total fue 22.081,3 ± 7.505,6 euros en la rama de RCom y 16.692,6 ± 7.669,9 euros en la rama de RSel (p < 0,001). Conclusiones. En el ensayo clínico CROSS-AMI, el sobrecoste inicial de la RCom frente a la RSel no se vio compensado por un ahorro significativo en el seguimiento. La RSel parece ser una estrategia más eficiente que la RCom para los pacientes con síndrome coronario agudo con elevación del segmento ST y enfermedad multivaso tratados mediante angioplastia emergente. [Abstract] Introduction and objectives. Economic studies may help decision making in the management of multivessel disease in the setting of myocardial infarction. We sought to perform an economic evaluation of CROSS-AMI (Complete Revascularization or Stress Echocardiography in Patients With Multivessel Disease and ST-Segment Elevation Acute Myocardial Infarction) randomized clinical trial. Methods. We performed a cost minimization analysis for the strategies (complete angiographic revascularization [ComR] and selective stress echocardiography–guided revascularization [SelR]) compared in the CROSS-AMI clinical trial (N = 306), attributable the initial hospitalization and readmissions during the first year of follow-up, using current rates for health services provided by our health system. Results. The index hospitalization costs were higher in the ComR group than in SelR arm (19 657.9 ± 6236.8 € vs 14 038.7 ± 4958.5 €; P < .001). There were no differences in the costs of the first year of follow-up rehospitalizations between both groups for (ComR 2423.5 ± 4568.0 vs SelR 2653.9 ± 5709.1; P = .697). Total cost was 22 081.3 ± 7505.6 for the ComR arm and 16 692.6 ± 7669.9 for the SelR group (P < .001). Conclusions. In the CROSS-AMI trial, the initial extra economic costs of the ComR versus SelR were not offset by significant savings during follow-up. SelR seems to be more efficient than ComR in patients with ST-segment elevation acute coronary syndrome and multivessel disease treated by emergent angioplasty.

La serie de Cahiers de investigación artística, creada en el IMPAR, Universidad de Aveiro/INET-md, se debe a la responsabilidad y a la necesidad de ofrecer - a nuestros estudiantes en primer lugar, pero también a la comunidad académica en general - una orientación coherente para ayudar a la concepción, diseño y desarrollo de proyectos de investigación artística. El objetivo de esta serie de Cahiers es establecer un camino alternativo para la investigación artística. Firmemente basado en la articulación entre el conocimiento declarativo y el procedimental, el 1er Cahier dio los primeros pasos en este camino y constituye un intento de definir claramente cuándo la investigación es una investigación artística. El 2º Cahier se publicó en enero de 2019 para complementar los fundamentos epistemológicos propuestos en el 1er Cahier lanzando dos premisas cuya característica distintiva es dictar la inextricable complementariedad y complicidad entre la producción artística y su respectivo esclarecimiento. Resumiendo, se propuso que la aclaración se entendiera como una contribución escrita - posiblemente reforzada por otros medios - que tendría la doble función de mejorar nuestra experiencia estética y dilucidar sobre la consiguiente reconfiguración mitológica. La reconfiguración mitopoética sería el resultado de un proceso de reflexión que debería especificar la relevancia de la intervención artística - dentro de los campos sociales/artísticos en los que interviene - y se basaría en cuatro pasos: escepticismo, criticismo de las viejas construcciones mitopoéticas, decisiones éticas y, finalmente, sistematización. Se sugirió que se reconociera la clarificación como una contribución al conocimiento según su potencial para promover la comunicación empática. A partir de la articulación de los modos de conocimiento narrativo y paradigmático, se sugirió que el pensamiento material fuera el modo de conocimiento de la clarificación. El pensamiento material se basa en el significado corporeizado, se comunica sólo en co-presencia, y por lo tanto apela a la empatía. De ello se desprende que la investigación artística no depende necesariamente de los métodos tradicionales de observación y análisis de la investigación académica, que pertenecen al modo paradigmático del conocimiento. Estructura de este volumen Construido en un texto bidimensional que yuxtapone modos narrativos y paradigmáticos de discurso1, este 3er Cahier propone la investigación artística como un campo transdisciplinario dedicado a los artistas interesados en triangular diferentes modos de conocimiento para realizar todo el potencial de sus prácticas artísticas. Este volumen está estructurado en cuatro partes. En primer lugar, presentamos una breve reseña de los principales puntos tratados en el 2º Cahier, añadiendo algunas aportaciones nuevas relativas a los procesos de producción y comunicación del conocimiento. En segundo lugar, examinamos más de cerca la noción de configuraciones mitopoéticas: el papel que desempeñan dentro de la humanidad y su relación con la investigación artística. En tercer lugar, discutimos el papel de los gestos en el proceso de reconfiguración de nuevas narrativas mitopoéticas, elaborando la noción de Ejemplarización propuesta por Lehrer (2012). Finalmente, en la cuarta parte, presentamos un modelo explicativo para la investigación artística basado en la intersección de tres esferas fundamentales: Ética, Cultura del Remix y Apreciación Estética. published

Enrique Granados, en su faceta como transcriptor, publicó 24 transcripciones de sonatas de Domenico Scarlatti en 1905. Pero Granados no fue el único: desde 1785 y hasta 1942, al menos cuarenta y dos pianistas publicaron sus propias ediciones y transcripciones. Su estudio comparativo pone de relieve la diversidad del grado de intervención en estas publicaciones, en ocasiones bajo una misma denominación, como en el caso de Granados. Por otra parte, la diversidad de esta publicación en concreto representa una oportunidad para que el intérprete actual construya su propia interpretación a partir de una reconfiguración del formato de recital y del concepto de ciclo. Esto es lo que planteo en esta investigación, que incluye una propuesta concertística donde mi interpretación al piano de estas transcripciones de Granados interactúa con los primeros compases de las correspondientes sonatas de Scarlatti grabados en diversos instrumentos de teclado históricos por otros intérpretes. La aplicación de la tecnología y la colaboración con otros instrumentistas permite que mi interpretación esté influida por prácticas procedentes de diversas tradiciones, por el timbre de teclados de distintas épocas y por la interacción con las grabaciones. En ella, las características de la reproducción digital de la música se vuelven un puente entre los procesos experimentales de creación y los nuevos paradigmas de la llamada escucha digital, que de este modo irrumpen en escena. Enrique Granados, no seu perfil de transcritor, publicou 24 transcrições de sonatas de Domenico Scarlatti em 1905. Contudo, Granados não foi o único: desde 1785 e até 1942, pelo menos quarenta e dois pianistas publicaram as suas próprias edições e transcrições. O estudo comparativo destas evidencia a diversidade do grau de intervenção nestas publicações, em certos casos sob uma mesma denominação, como no caso de Granados. Por outro lado, a diversidade desta publicação em concreto representa uma oportunidade para que o intérprete atual construa a sua própria interpretação a partir de uma reconfiguração do formato de recital e do conceito de ciclo. Isto é o que abordo nesta investigação, que inclui uma proposta concertística na qual a minha interpretação ao piano destas transcrições de Granados interage com os primeiros compassos das correspondentes sonatas de Scarlatti gravadas em diversos instrumentos de teclado históricos por outros intérpretes. A aplicação da tecnologia e a colaboração com outros instrumentistas permite que a minha interpretação esteja influenciada pelas práticas procedentes de diversas tradições, pelo timbre de teclados de diferentes épocas e pela interação com as gravações. Por outro lado, as características da reprodução digital da música convertem-se numa ponte entre os processos experimentais da criação e os novos paradigmas da chamada escuta digital, que deste modo irrompem em cena. Enrique Granados, in his role as a transcriber, published 24 transcriptions of Domenico Scarlatti’s sonatas in 1905. However, Granados wasn’t the only one to do this. From 1785 to 1942, at least 42 pianists published their own editions and transcriptions. Its comparative study highlights the various degrees of intervention in these publications, on occasion under the same name, as in the case of Granados. On the other hand, the diversity of this publication in particular represents an opportunity for the actual performer to construct their own performance based on a reconfiguration of the recital format and the concept of the cycle. This is what I consider in this research, which includes a concert proposal where my performance of these Granados transcriptions on the piano interact with the first bars of the corresponding Scarlatti sonatas recorded on diverse historical keyboard instruments by other performers. The use of technology and the collaboration with other instrumentalists allows my performance to be influenced by practices from various traditions, by the timbre of the keyboards of different eras and by the interaction with the recordings. On the other hand, the characteristics of the digital reproduction of the music acts as a bridge between the experimental processes of creation and the new paradigms of the so-called digital listening, that thus burst onto the scene. Programa Doutoral em Música

En este trabajo se muestra el recorrido de la autora para recrear una propuesta de concierto, teniendo en cuenta, que la labor del performer se ha dictaminado sacramentalmente en obediencia de la partitura y a la conservación de la obra musical a lo largo de la historia de la música erudita de tradición europea. La carga exacerbada de significados y la veneración del sentido musical durante los siglos XVIII y XIX en Europa, se estableció el modo de reproducción para la conservación de la música académica hasta la actualidad. Y aunque dicha tradición también tiene una cultura étnica específica de la sociedad europea, se instaló en el modelo de Conservatorio para establecer la formación de músicos con grandes capacidades técnicas, induciendo a los performers a la abstracción en la cual han caído las artes performativas. Esta disertación es un proyecto de Investigación Artística compuesto por el presente documento en apoyo a la intervención artística, el cual pretende una fundamentación contextualizada de los elementos que ayudaron a la creación de la performance. Se hace énfasis en el cuerpo como matriz simbólica buscando entrelazar al abordaje de algunas de las obras académicas escritas para flauta a solo de compositores colombianos de los siglos XX y XXI, el movimiento del cuerpo en palco por medio de una proyección audiovisual en la cual, se propone una reconfiguración y descolonización simbólica de la performance. La presente disertación tiene como reto emancipar a la performer para resignificar el sentido musical desde que inicia el proceso de creación hasta ser materializado en la intervención artística. En la cual, muestra la analogía del estado emocional de la creadora para hacer de la propuesta de palco una experiencia artística más corporeizada y con elementos que pretenden ser más clarificadores a la audiencia. Este trabalho mostra o caminho da performer para recriar uma proposta de concerto, tendo em conta que o trabalho da performer foi sacramentalmente ditado em obediência à partitura e à conservação da obra musical ao longo da história da música erudita de origem europeia. Com a exacerbada carga de significado e a veneração do significado musical durante os séculos XVIII e XIX na Europa, o modo de reprodução para a preservação da música foi estabelecido até aos dias de hoje. E embora esta tradição também tenha uma conotação étnica da sociedade europeia, foi instalada no modelo Conservatório para estabelecer a formação de músicos com grandes capacidades técnicas, induzindo os artistas à abstracção em que as artes performativas ritualizadas caíram no seu contexto sócio-emocional e sócio-cultural natural. Esta dissertação é um projecto de Investigação Artística no âmbito do Mestrado em Música - Ramo de Performance. Sendo este o documento de apoio da intervenção artística que pretende uma base contextualizada do corpo como uma matriz simbólica. Contido na investigação da memória sócio-emocional do intérprete na cultura Colombiana das Caraíbas e tentar a reconfiguração da abordagem performativa com obras académicas para flauta solo de compositores colombianos dos séculos XX e XXI, enfatizando o movimento do corpo com o apoio de uma projecção audiovisual e a reconfiguração da experiência da caixa. O desafio desta dissertação é, antes de mais, emancipar o intérprete para re-significar a música a fim de desmarcar a forma convencional do ritual da caixa e a abordagem às obras musicais. Pretende-se uma transfiguração audiovisual descolonizante da performance que mostra uma analogia do meu estado emocional para abordar de perspectivas multidisciplinares a intervenção artística que pretende ser mais encarnada e esclarecida ao público. Mestrado em Música

Submitted by Manuel Jesus (albertojesus@ua.pt) on 2021-02-01T11:31:15Z No. of bitstreams: 1 Documento_Alfon_Aguirre_Dergal.pdf: 3676427 bytes, checksum: ebbf49cd35797c0e723321f4f4eaecf2 (MD5) Approved for entry into archive by Cristina Santos (cmaria@ua.pt) on 2021-02-01T14:31:39Z (GMT) No. of bitstreams: 1 Documento_Alfon_Aguirre_Dergal.pdf: 3676427 bytes, checksum: ebbf49cd35797c0e723321f4f4eaecf2 (MD5) Made available in DSpace on 2021-02-01T14:31:39Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Documento_Alfon_Aguirre_Dergal.pdf: 3676427 bytes, checksum: ebbf49cd35797c0e723321f4f4eaecf2 (MD5) Previous issue date: 2020 Programa Doutoral em Música

En esta tesis se argumenta que la pedagogía y práctica tradicional de la guitarra clásica ha seguido un enfoque prescriptivo-mecanicista: prescriptivo puesto que los conceptos teóricos y las instrucciones procedimentales tienden a tratarse como normas universales; y mecanicista, en el sentido en que la coordinación motriz asociada con la práctica instrumental es frecuentemente comprendida y expresada en términos de la metáfora conceptual “humanomáquina”. Tras explorar implicaciones e inconvenientes de dicho enfoque, se propone considerar un modelo basado en el gesto como fenómeno holístico, con componentes perceptivos, afectivos, cognitivos y cinéticos que interactúan entre sí y que no existen por separado. Para ello se exploran y discuten dominios transdisciplinares del conocimiento como ciencias cognitivas, teorías sistémicas, teorías del aprendizaje y control motor, filosofía, ciencias del deporte y el Método Feldenkrais. Posteriormente se elabora un análisis crítico de los métodos y tratados canónicos de la guitarra clásica publicados durante el siglo XX, en los que se refleja un enfoque prescriptivo-mecanicista, contrastando ejemplos específicos de la literatura del instrumento con evidencia teórica y empírica abordada a lo largo de la tesis. Finalmente, se presenta un complemento fenomenológico y heurístico, acompañado de material audiovisual, donde el autor describe un proceso personal de transformación psicofísica en el que transitó de un paradigma mecanicista a un paradigma de orientación holística. Nesta tese argumenta-se que a pedagogia e prática tradicional da guitarra clássica tem seguido uma abordagem prescritivo-mecanicista: prescritiva, uma vez que conceitos teóricos e instruções procedimentais tendem a ser tratados como normas universais; e mecanicista, no sentido em que a coordenação motora associada à prática instrumental é freqüentemente entendida e expressa em termos da metáfora conceptual "homem-máquina". Após explorar as implicações e desvantagens dessa abordagem, propõe-se considerar um modelo baseado no gesto como um fenômeno holístico, com componentes perceptivos, afetivos, cognitivos e cinéticos que interagem entre si e não existem separadamente. Para isso, domínios transdisciplinares do conhecimento, como ciências cognitivas, teorias sistémicas, teorias de aprendizagem e controlo motor, filosofia, ciências do desporto e o Método Feldenkrais, são explorados e discutidos. Posteriormente, é elaborada uma análise crítica dos métodos e tratados canónicos da guitarra clássica publicados durante o século XX, nos quais se reflete uma abordagem prescritivo-mecanicista, contrastando exemplos específicos da literatura do instrumento com evidências teóricas e empíricas da tese. Finalmente, é apresentado um complemento fenomenológico e heurístico, acompanhado de material audiovisual, onde o autor descreve um processo pessoal de transformação psicofísica, transitando de um paradigma mecanicista para um paradigma de orientação holística. In this thesis it is argued that the traditional pedagogy and practice of the classical guitar has followed an approach that is prescriptive-mechanistic: prescriptive since theoretical concepts and procedural instructions tend to be treated as universal norms; and mechanistic, in the sense that the motor coordination associated with instrumental practice is frequently understood and expressed in terms of the "human-machine" conceptual metaphor. After exploring the implications and disadvantages of this approach, it is proposed to consider a model based on the gesture as a holistic phenomenon, with perceptive, affective, cognitive and kinetic components that interact with each other and do not exist separately. For that purpose, transdisciplinary domains such as cognitive sciences, systemic theories, motor control and learning theories, philosophy, sports sciences and the Feldenkrais Method are explored and discussed. Subsequently, a critical analysis of the canonical methods and treatises of the classical guitar published during the 20th century, which reflect a prescriptive-mechanistic approach, is elaborated, contrasting specific examples of the instrument’s literature with theoretical and empirical evidence addressed throughout the thesis. Finally, a phenomenological and heuristic complement –coupled with audiovisual material- is presented, in which the author describes a personal process of psycho-physical transformation from a mechanistic paradigm to one with a holistic approach. Programa Doutoral em Música