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Traballo Fin de Grao en Historia da Arte. Curso 2021-2022 La correspondencia llegó a ser el soporte perfecto para algunos artistas de la segunda mitad del siglo pasado interesados en difundir las nuevas ideas experimentales y conceptuales. La decepción sobre el arte de masas, las élites artísticas y el mercado del arte, sumado a la creciente accesibilidad de las tecnologías como las fotocopiadoras y el boom de los medios de comunicación como herramientas culturales, llevaron a concebir y definir el mail art. A lo largo de este trabajo se revisarán los principales sucesos y artistas que fueron definiendo la red de arte correo y los proyectos que formaron parte de esta de manera internacional entre finales de la década de los cincuenta y principios de los ochenta, poniendo especial atención en los sesenta y setenta. El contenido se centrará en las propuestas tanto postales, como editoriales y las respectivas convocatorias que sirvieron para explorar la creación de una de las primeras redes artísticas a nivel global, la red eterna. Correspondence became the perfect support for some artists of the second half of the last century who were interested in spreading the new experimental and conceptual ideas. The disappointment with the art of masses, the artistic elites and the art market, combined with the growing accessibility of technologies such as fotocopying and the boom of media as cultural tools led to the conception and definition of mail art. Throughout this project the main events and artists who defined the network of mail art and the propositions that were part of this from the late 1950s to the early 1980s will be revised, with special attention to the 1960s and ‘70s. The content will focus on the postal and editorial propositions, as well as the respective events that allowed the creation of one of the first global artistic networks, the eternal network.

En una subasta de Sotheby´s del año 2018, una versión en óleo de la obra del artista callejero anónimo que firma con el nombre de Banksy se autotrituró parcialmente en el momento en el que era pujada al mejor postor. En el acto propiciado por Banksy a se ponían en juego asuntos teóricos de gran calado. Por un lado, el aprovechamiento del tópico teórico de la agencia material, en este caso, encarnada en un objeto artístico que “cobró vida” en el momento de la subasta; en segundo lugar, el acto en sí de la autodestrucción de la obra, que entronca, aunque particularizándolo, con los numerosos gestos iconoclastas que durante siglos han estado asociados con el contexto del arte; en tercer lugar, la importancia del fin perseguido por Banksy con esta acción, un fin no exento de aporías, contradicciones y fascinantes paradojas que terminan en la interesante reflexión en torno a la institucionalización y la comercialización de las obras de arte. Todos ellos entroncan con el espíritu con el que nació el arte conceptual. At a Sotheby’s auction in 2018, an oil version of street artist Banksy’s Girl with Balloon partially self-destructed as it was being auctioned off to the highest bidder. The event brought into play important theoretical issues. Firstly, the exploitation of the theoretical cliché of material agency, in this case, embodied in an art object that «came to life» at the moment of the auction; secondly, the act itself of the self-destruction of the work, which connected, albeit in a particularised way, with the many iconoclastic gestures that have been associated with the context of art for centuries; thirdly, the importance of the end pursued by Banksy, an end not exempt from aporias and fascinating paradoxes that ended in the interesting reflection on the institutionalisation and commercialisation of works of art. All of them are connected with the spirit in which conceptual art was born in the sixties.

Ilustraciones y fotografías a color Me muevo en un espacio enredado. Una maraña de historias, voces e hilos conectores que viven todos unidos. La verdadera vida es un gesto que une el backstage con el público. Es un espacio en el que cohabitan los procesos de los músicos, los técnicos de sala, roadies, sonidistas, visualistas, espectadores y los seres inexistentes que viven en las pantallas. Es un espacio que no se cansa de escribirse, de reescribirse y cuya autoría depende del que lo habita y lo visita. Aquí mi voz está hecha de muchas, tomando prestadas la música, imagen, y las presencias de todos los que aquí entren. El nombre es tomado del ensayo homónimo de Alain Badieou, en el que aconseja a los jóvenes a dejar atrás las ideas binarias y capitalistas de lo que debe ser alguien, o como actuar frente al mundo. Este gesto es una invitación abierta a ser participes de un mundo en el que la trasescena es la escena y el que hace es el mismo que mira. (Texto tomado de la fuente). Move in an entangled space. A tangle of stories, voices, and connecting threads that all live together. True life is a gesture that unites the backstage with the public. It is a space in which cohabits the processes of musicians, room technicians, roadies, sound engineers, visualists, spectators, and the non-existent beings that live on the screens. It is a space that never tires of writing itself, of rewriting itself, and whose authorship depends on the one who inhabits and visits it. Here my voice is made of many, borrowing the music, image, and presences of all those who enter here. The name is taken from the homonymous essay by Alain Badiou, in which he advises young people to leave behind binary and capitalist ideas of what someone should be, or how to act in front of the world. This gesture is an open invitation to be part of a world in which the stage is the scene and the one who does is the one who watches. Maestría Magíster Interdisciplinar en Teatro y Artes Vivas

[ES] Someones Life es una exploración y reflexión a través de diferentes proyectos que giran en torno a la información, en concreto aquella que puede generar una persona y a como el arte puede hacer las veces de archivo de la misma. Para la realización de esta exploración ha sido vital la investigación sobre conceptos como lo público y lo privado, la información y acumulación de esta, el Big Data, el archivo y el anarchivo. Esta investigación ha ayudado a mejorar el proceso de exploración, así como las obras a la vez que ha abierto un mundo de posibilidades. En cuanto a la práctica artística, esta exploración consta de tres proyectos: Capturas, Someones Life y Quarantine Memories que plantean una reflexión conceptual sobre como el mundo, y los individuos que lo habitamos no hacemos más que producir información de forma masiva continuamente. Para ejemplificar esto en los dos primeros proyectos, Capturas y Someones Life, se basan principalmente en la vida de una persona y los datos que esta genera, en este caso yo misma, pues es la información que más fácilmente se puede manejar. Por otra parte, en el último proyecto, Quarantine Memories, se trata de un proyecto colaborativo, donde se busca más bien crear un archivo común, una memoria sobre una situación histórica, y en este caso se sirve de las fotografías que distintas personas envían para mostrar como en una ¿misma situación¿ cada individuo la afronta de una manera, vive realidades distintas y por tanto crea información diferente de manera distinta., [EN] Someones Life is an exploration and reflection through different projects about the information, specifically the one that a person can generate and how art can act as a file for that information. Research on concepts such as the public and the private, information, accumulation of information, Big Data, archive and anarchive, has been vital for this exploration. This research has helped to improve the exploration process and the artistic production while opening up a world of possibilities. In what concerns the artistic practice, this exploration consists of three projects: Capturas, Someones Life and Quarantine Memories that pose a conceptual reflection on how the world, and the individuals who inhabit it do nothing more than produce information on a massive basis continuously. To exemplify this in the first two projects, Capturas and Someones Life, rely mainly on a person's life and the data that a person generates, in this case myself, because it is the information that can most easily handle. On the other hand, in the last project, Quarantine Memories, it is a collaborative project, where is seeked to create a common archive, a memory about a historical situation, and in this case the photographs that different people send are used to show how in a "same situation" each individual confronts it in a way, lives different realities and therefore creates different information differently.

[ES] Este Trabajo Final de Grado tiene como fundamento un proyecto de investigación de carácter teórico y práctico, que me va a permitir justificar la producción artística que he llevado a cabo en estos últimos meses. Tiene como punto de partida un intento de acercamiento a la pintura abstracta, siempre desde la óptica de la resignificación y la reinterpretación de la obra de arte. Se desarrolla desde el Arte Conceptual, tomando artistas pioneros en la reinterpretación a M. Duchamp y su ready-made de la Gioconda. El trabajo se va a enriquecer con el aprovechamiento de las posibilidades que ofrecen otros autores que profundizaron en el terreno. Desde estos autores y sus obras voy a hacer una interpretación personal del arte abstracto, tomando como referente una corriente artística dentro de este estilo. Todo ello me permite llegar a una obra personal, basada en el arte abstracto y, más concretamente, la resignificación del mismo., [EN] This Final Degree Project is based and supported by a research project of a theoretical and practical nature, that will allow me to justify the artistic production that I have carried out in recent months. Starting point of this Project is a practical approach to abstract painting, always from the point of viwe of resignification and reinterpretation of the original artwork. It is developed from Conceptual Art, naming pioneer artists in the reinterpretation as M. Duchamp and his ready-made of the Gioconda. Taking this initial starting point, the work will be enriched by taking advantage of the possibilities offered by other authors who delved into this field. From these authors and their works I am going to make a personal interpretation of abstract art, taking as a reference an artistic trend within this style. All this allows me to arrive at a personal work, based on abstract art and, more specifically, the resignification of it.

Daniela Serna (Medellín, 1991) conducts research and creates works of art on the transition between a literary verbal object and a visual artifact of a plastic and esthetic nature. Her work expands on the idea of formal literature, where the temporal and sensorial dimensions are in the reader’s imagination, to propose visual poems that encourage an experience of meaning that augments or blurs the limits of what is possible. This review deals with a set of works, the core topic of which enables multiple readings, which are carefully selected using a collection of ideological, political, and esthetic signs that the artist brings into her work and that allow us to question the relationship between the represented fictional world and the reader or observer’s representation., Daniela Serna (Medellín, 1991) investiga y crea sobre el tránsito que se produce entre el objeto verbal de origen literario y el artefacto visual de carácter plástico y estético. Su obra expande la idea de la literatura formal, donde las dimensiones temporales y sensoriales se experimentan en la imaginación del lector, para proponer poemas visuales en los cuales propicia una experiencia de sentido que amplifica o diluye los límites de lo posible. En esta reseña se abordan un conjunto de obras, cuyo eje central permite múltiples lecturas, tamizadas por una reserva de signos ideológicos, políticos y estéticos en los cuales la artista inscribe su obra, y que permiten interrogar la relación entre el mundo ficcional representado y la representación que el lector/espectador realiza.

[ES] Tomando como referentes a los arquitectos chilenos Smiljan Radic o Pezo Von Ellrichshausen, se desvelan reglas instrumentales, decisiones de diseño y argumentos proyectuales que permiten apuntalar un marco metodológico. Formas de trabajar que son extrapolables incluso a las del arte, y más en concreto a las reglas indicadas por Sol Lewitt en sus 35 frases sobre el arte conceptual. Metodologías que cuestionan e incluso desestabilizan el proceso de diseño haciendo visibles herramientas o decisiones tomadas que dotan de coherencia interna al acto de proyectar. Finalmente, entender el modo de trabajo de otros posibilita la construcción de una metodología propia y permite investigar las similitudes o diferencias con las que enfrentar el proyecto tanto en el modo de proceder de las oficinas analizadas como en el propio., [EN] Taking as references the Chilean architects Smiljan Radic or Pezo Von Ellrichshausen, instrumental rules, design decisions and project arguments that support a methodological framework are unveiled. Ways of working that can be extrapolated even to those of art, and more specifically to the rules indicated by Sol Lewitt in his 35 sentences about conceptual art. Methodologies that question and even destabilize the design process, becoming aware of which tools or decisions are taken, that provide internal consistency to the act of projecting. Finally, understanding the way of working from others allows the construction of a methodology of its own and allows to investigate the similarities or differences with which the Project can be faced, both in the way of proceeding of the analyzed offices as well as in their own.

RESUMEN : Pensar un maestro de lenguaje en diversos escenarios donde la formación de los sujetos también se da, nos invita a vincularnos a la Casa Museo Maestro Pedro Nel Gómez y desde allí indagar en las posibilidades pedagógicas que el arte nos ofrece; en este sentido, la construcción mitológica realizada por Pedro Nel, se presenta como un camino que aporta a la consolidación de una identidad nacional, pues estos relatos, a causa de la globalización y de los discursos hegemónicos impuestos por la sociedad, se van desdibujando. Una vez inscritas en el programa del museo Pedro Nel itinerante, surge el interés por aportar a este desde nuestro saber específico a través del diseño de una propuesta didáctica bajo la modalidad de taller, que vincule pinturas, cartas y escritos de y sobre el artista, de modo que se propicie un espacio significativo que genere una experiencia estética con su vasta obra, retomando a su vez las diferentes percepciones que se dan en el seno de las acciones y expresiones de una sociedad

[ES] La muestra "Antes de ayer", celebrada en el Ayuntamiento Viejo, en el caso antiguo de Bétera, gira en torno al concepto del recuerdo y la importancia de mirar hacia atrás en cuanto a los referentes para la creación. La exposición, que recoge a nueve investigadores del campo de las artes, es una propuesta de Martíllopis que nos invita a mirar, ver y percibir, y en la que se propone aunar el pasado -es decir el recuerdo- como recurso creativo, para convertirlo en estética de hoy. Con ello, se quiere reivindicar la preocupación social de las generaciones de hoy y las venideras, las que viven el presente. Es decir, sin darse cuenta, por el exceso del uso de las nuevas tecnologías que proporcionan una inmediatez del ahora, sus usuarios son incapaces de mirar hacia atrás, de mirar su pasado, de recuperar la memoria histórica y menos de estudiarla. No solo podemos vivir de lo actual, necesitamos del pasado para alimentarnos, nutrimos para actualizarlo., [EN] The exhibition "Antes de ayer", held in the Old Town Hall, in the old part of Bétera, revolves around the concept of memory and the importance of looking back in terms of references for creation. The exhibition, which brings together nine art researchers, is a proposal by Martíllopis that invites us to look, see and perceive, and propose to combine the past -that is, the memories- as a creative resource, to turn it into aesthetics today. With this, we want to vindicate the social concern of today's generations and those to come who live in the present. In other words, without realizing it, due to the excessive use of new technologies that provide the immediacy of now, its users cannot look back, look at their past, recover historical memory, and less study it. We can not live only from the current, and we need the past to feed us, we nurture it to update it.

Resumen Daniela Serna (Medellín, 1991) investiga y crea sobre el tránsito que se produce entre el objeto verbal de origen literario y el artefacto visual de carácter plástico y estético. Su obra expande la idea de la literatura formal, donde las dimensiones temporales y sensoriales se experimentan en la imaginación del lector, para proponer poemas visuales en los cuales propicia una experiencia de sentido que amplifica o diluye los límites de lo posible. En esta reseña se abordan un conjunto de obras, cuyo eje central permite múltiples lecturas, tamizadas por una reserva de signos ideológicos, políticos y estéticos en los cuales la artista inscribe su obra, y que permiten interrogar la relación entre el mundo ficcional representado y la representación que el lector/espectador realiza. Abstract Daniela Serna (Medellín, 1991) conducts research and creates works of art on the transition between a literary verbal object and a visual artifact of a plastic and esthetic nature. Her work expands on the idea of formal literature, where the temporal and sensorial dimensions are in the reader’s imagination, to propose visual poems that encourage an experience of meaning that augments or blurs the limits of what is possible. This review deals with a set of works, the core topic of which enables multiple readings, which are carefully selected using a collection of ideological, political, and esthetic signs that the artist brings into her work and that allow us to question the relationship between the represented fictional world and the reader or observer’s representation.

[ES] La obra de Alejandro Mañas presentada en la Galería Espai Nivi Collblanc es un arte conceptual que quiere desvelar todo aquello oculto e invisible del cosmos y que cotidianamente forma parte de nuestra vida. El arte en este sentido nos ayuda a concienciarnos de todo aquello de lo que hacemos partícipe. En su obra, el arte y la ciencia siempre van unidas de la mano. El artista al igual que un científico, a través de sus nuevas creaciones, está creando nuevos fenómenos, nuevos tipos de conocimiento. En ellos hace visible aquello no visible, nuestro interior y su conexión con el mundo. ¿Pero qué hay detrás? ¿El fin o el principio? Este capítulo del libro "Visiones y pensamientos en torno a una creación artística: materia negra y mística", nos ofrece los pensamientos que dan origen a la producción 2019-2020 de Alejandro Mañas, quien nos descubre de dónde surgen las ideas de un proceso creativo que termina convirtiéndose en estética. Así como sus referentes y atracción sobre el color negro., [EN] The work of Alejandro Mañas presented at the Espai Nivi Collblanc Gallery is a conceptual art that wants to reveal all that is hidden and invisible in the cosmos and that is part of our daily lives. Art in this sense helps us to become aware of everything that we participate in. In his work, art and science always go hand in hand. The artist like a scientist, through his new creations, is creating new phenomena, new types of knowledge. In them he makes visible what is not visible, our interior and its connection with the world. But what is behind? The end or the beginning? This chapter of the book "Visions and thoughts around an artistic creation: black and mystical matter", offers us the thoughts that give rise to the 2019-2020 production of Alejandro Mañas, who reveals to us where the ideas of a creative process which ends up becoming aesthetic come from. As well as the referents and the attraction the color black has on him.

[ES] Comentario a las obras de los artistas participantes en la muestra "Antes de ayer", celebrada en el Ayuntamiento Viejo, en el caso antiguo de Bétera, exposición que gira en torno al concepto del recuerdo y la importancia de mirar hacia el pasado como referente para la creación. La exposición, que recoge a nueve investigadores del campo de las artes, es una propuesta que nos invita a mirar, ver y percibir, y en la que se propone recuperar el pasado -el recuerdo como recurso creativo-, para convertirlo en una estética de hoy. Con ello, se quiere reivindicar la preocupación social de las generaciones de hoy y las venideras, las que viven en el presente sin darse cuenta, por el excesivo uso de las nuevas tecnologías que proporcionan una inmediatez del ahora, que son incapaces de mirar hacia atrás, de mirar su pasado, de recuperar la memoria histórica y menos de estudiarla., [EN] This chapter includes a brief introduction to each of the works by the artists participating in the exhibition "Before yesterday", held at the Old Town Hall, in the old town of Bétera, an exhibition that revolves around the concept of memory and the importance of looking to the past as a reference for creation. The exhibition, which brings together nine researchers from the field of the arts, is a proposal that invites to look, see and perceive, and proposes to recover the past -the memories as a creative resource-, to turn them into an aesthetic of the present. The objective is to revindicate the social concern of current and future generations, those who live only in the present due to the excessive use of new technologies, so that they are not able to look back to recover their historical memory, much less study it.

[ES] 000 es un proyecto que reflexiona sobre el acto creativo inconsciente. El objetivo es el diseño de una propuesta artística a través de la revisión de las imágenes personales y su conceptualización en contextos interdisciplinares. De este proceso creativo se despeja una hibridación de ideas e interpretaciones acerca de la identidad artística, la experiencia como consumidor y productor de imágenes, la imagen-meme, así como la idolatría y la hipervisualidad en la era digital. El resultado es un imaginario particular que se inscribe en los límites del apropiacionismo y el arte conceptual. Una nueva producción artística que nace del medio digital para compartirse y consumirse en las redes sociales., [EN] 000 is a project that reflects on the unconscious creative act. The aim is the design of an artistic proposal through the revision of my own images and its conceptualisation on interdisciplinary contexts. From this creative process it could be cleared up a hybridisation of ideas and interpretations about the artistic identity, the experience as image consumer and producer, the image-meme, as well as the idolatry and the hypervisuality in the digital era. The result is a particular imagery that is within the limits of appropriationism and conceptual art. A new artistic production born from the digital medium to be shared and consumed in social networks.

[ES] Comentario a las obras de los artistas participantes en la muestra "Antes de ayer", celebrada en el Ayuntamiento Viejo, en el caso antiguo de Bétera, exposición que gira en torno al concepto del recuerdo y la importancia de mirar hacia el pasado como referente para la creación. La exposición, que recoge a nueve investigadores del campo de las artes, es una propuesta que nos invita a mirar, ver y percibir, y en la que se propone recuperar el pasado -el recuerdo como recurso creativo-, para convertirlo en una estética de hoy. Con ello, se quiere reivindicar la preocupación social de las generaciones de hoy y las venideras, las que viven en el presente sin darse cuenta, por el excesivo uso de las nuevas tecnologías que proporcionan una inmediatez del ahora, que son incapaces de mirar hacia atrás, de mirar su pasado, de recuperar la memoria histórica y menos de estudiarla. [EN] This chapter includes a brief introduction to each of the works by the artists participating in the exhibition "Before yesterday", held at the Old Town Hall, in the old town of Bétera, an exhibition that revolves around the concept of memory and the importance of looking to the past as a reference for creation. The exhibition, which brings together nine researchers from the field of the arts, is a proposal that invites to look, see and perceive, and proposes to recover the past -the memories as a creative resource-, to turn them into an aesthetic of the present. The objective is to revindicate the social concern of current and future generations, those who live only in the present due to the excessive use of new technologies, so that they are not able to look back to recover their historical memory, much less study it.

Este trabajo se propone indagar la relación entre la obra del filósofo Walter Benjamin y parte de la producción del artista conceptual Joseph Kosuth, partiendo de la hipótesis de que ambos representan un desplazamiento de sus disciplinas hacia un cruce de caminos entre el arte y la filosofía. En efecto, mientras en Benjamin la filosofía va más allá del concepto para alcanzar la imagen, en Kosuth el arte se apropia de las palabras y evita toda representación visual del mundo., This article aims to investigate the relationship between the work of the philosopher Walter Benjamin and part of the production of the conceptual artist Joseph Kosuth. It is argued that both represent a displacement of their disciplines towards a crossroads between art and philosophy. In fact, while in Benjamin´s works philosophy goes beyond concept to explore the image, in Kosuth art appropriates the words and avoids any visual representation of the world., Facultad de Humanidades y Ciencias de la Educación

[ES] El Trabajo de Fin de Grado `Ok Google, define arte¿ pretende investigar, a través de siete proyectos de diversas naturalezas formales, cómo afrontar la creación artística en la era digital donde Internet se posiciona como principal plataforma de divulgación artística. Ante la inminente desmaterialización de la obra en el contexto web, se propone trascender al plano intelectual mediante la conceptualización, favoreciendo la experimentación e hibridación de técnicas que construyan una obra multidisciplinar para una era multimedia. El trabajo participa del acto comunicativo en la red mediante redes sociales, adoptando sus estrategias comunicativas e investigando la actual socialización de las prácticas creativas introduciendo al espectador activamente en la obra como productor. La idea del proyecto, siempre en la balanza objetual-conceptual, se concibe como juego intuitivo en constante evolución, atento al entorno y realidad personal que permita una introspección artística para descubrir, mediante la creación, el significado del arte en mi vida: dónde empieza y acaba la delgada línea que separa vida y arte. Palabras clave: arte, Instagram, arte conceptual, espectador, digital, multidisciplinar, [EN] The final degree work 'Ok google, define art' aims to investigate, through seven projects of different formal natures, how to face the artistic creation in the digital era where Internet is the main platform for artistic dissemination. Facing the imminent dematerialization of the work in the web context, it is proposed to transcend to the intellectual plane with the conceptualization, that favors experimentation and a hybridization of techniques building a multidisciplinary work for a multimedia era. The work takes part in the communicative act of the web through social networks, adopting its communicative strategies and investigating the current socialization of creative practices, introducing the viewer actively into the work as a creator. The project, always in balance between object and concept, is conceived in turn as an intuitive game in constant evolution, sensitive to the environment and the personal reality, allowing an artistic introspection to discover, through creation, the meaning of art in my life: where the boundary between art and life relays. Key words: art, Instagram, conceptual art, spectator, digital, multidisciplinary

El artículo propone reconsiderar las estrategias artísticas y conceptuales del CAYC -Centro de Arte y Comunicación de Buenos Aires-, una institución que apoyó la difusión del arte conceptual en Argentina en los años setenta y se comprometió a promocionar internacionalmente a numerosos artistas latinoamericanos de la época. Si el Instituto Di Tella de Buenos Aires fue, según Andrea Giunta, la institución clave que ha establecido el marco para la popularización internacional del arte argentino -proceso que comenzó a mediados de los años sesenta-, el CAYC, activo en la década siguiente, es considerado un sucesor de sus “estrategias de internacionalización”. Las tácticas de Jorge Glusberg, curador y director del CAYC, de situar este centro en la escena internacional y su modo de vinculación con los actores, instituciones y el mercado de arte occidental recibieron muchas críticas de parte de historiadores y teóricos de arte latinoamericano, tales como Luis Camnitzer y Néstor García Canclini. No obstante, Glusberg tenía la ambición no solo de defender el centro a nivel internacional, sino también de presentar su propia respuesta al arte occidental. El análisis de las estrategias de internacionalización del CAYC y del intento de Glusberg de redefinir las matrices culturales latinoamericanas y su modo de establecer lazos con los ámbitos del arte de Europa occidental y de Estados Unidos, pero también de regiones consideradas marginales desde la perspectiva occidental, como Europa del Este, permitirá reconsiderar el rol del centro durante la década de los setenta. El objetivo de este artículo es arrojar una nueva mirada sobre la actividad del CAYC a través del análisis de las relaciones de Glusberg con artistas de Europa del Este al adoptar el enfoque transregional. Este modo de acercamiento fue defendido por historiadores y teóricos como Piotr Piotrowski, que proponían una nueva lectura de los estudios globales del arte con el objetivo de descentralizar el modernismo occidental. Refiriéndose al concepto de transmodernidad formulado por el filósofo argentino Enrique Dussel, este artículo propone construir una visión más compleja, ambigua e incluso contradictoria del fenómeno del CAYC –no solo desde el punto de vista de su rol en los procesos de la globalización y mercantilización del arte, sino también en tanto institución “periférica” que buscaba desmarcarse de las instituciones artísticas occidentales., This article proposes to reconsider artistic and conceptual strategies of the CAYC (Centro de Arte y Comunicación-Centre for Art and Communication) in Buenos Aires, an institution that supported the spread of conceptual art in Argentina in the 1970s, and was engaged in the international promotion of several Latin American artists of that time.While Andrea Giunta, among others, considers the Instituto Di Tella in Buenos Aires to be a key institution that set a framework for the international popularization of Argentinian art—a process that began in the mid-1960s—the CAYC, active in the subsequent decade, is commonly considered the follower of its “strategies of internationalization.”Jorge Glusberg, a curator and the director of the CAYC, employed these tactics in order to bring the Centre onto the international stage. His way of connecting with actors, institutions, and the Western art market raised significant criticism from Latin American art historians and theorists, such as Luis Camnitzer and Néstor García Canclini. However, Glusberg had an ambition not only to defend the Centre internationally, but also to present his own response to Western art. The analysis of the CAYC’s strategies of internationalization and Glusberg’s attempt to redefine Latin American cultural matrices, and his methods of establishing links with the art milieus of not only Western Europe and the United States, but also with the regions considered as marginal from the Western perspective, such as East Europe, allows us to reconsider the role of the Centre during the 1970s.The goal of this article is to throw fresh light onto the CAYC’s activities through the analysis of Glusberg’s relations with East European artists by adopting the transregional approach. The latter was defended by art historians and theoreticians, such as Piotr Piotrowski, who proposed a new reading of global art studies aimed at decentralizing Occidental Modernism. By referring to the concept of transmodernity coined by the Argentine philosopher Enrique Dussel, the article proposes to construct a more complex, ambiguous, and even contradictory vision of the CAYC’s phenomenon, not only from the point of view of its role in the processes of globalization and commodification of art, but also as a “peripheral” institution seeking to detach itself from Western art institutions.

[ES] El reto primario que pretende abordar esta investigación es explorar el aprendizaje de lengua de signos generado por principios de diseño hacia el usuario e identificación de perfiles a partir de la necesidad de comunicación de los oyentes vinculados a la comunidad sorda. De igual modo, busca examinar la posibilidad de aprovechar recursos tecnológicos de realidad virtual en desarrollo para la generación de contenidos que arrojen pistas de consumo y desarrollo en el aprendizaje de nuevas habilidades de comunicación, en este caso, de aprendizaje visual para lengua de señas dominicana. Finalmente se presentan estrategias de diseño enfocadas en técnicas de presentación de arte conceptual y desarrollo de contenido inmersivo con lengua de señas desde herramientas de modelado, rigging y animación, totalmente manejados en realidad virtual., [EN] The primary challenge that this research intends to address is to explore the learning of sign language by principles of design towards the user and identification of profiles based on the need for communication of hearing people linked to the Deaf community. Likewise, it seeks to examine the possibility of using technological resources of virtual reality in development for create content that throw clues of consumption and development in the learning of new communication skills, in this case, of visual learning for dominican sign language. Finally, we present design strategies focused on techniques of presentation of concept art and development of immersive content with sign language from modeling, rigging and animation tools, totally managed in virtual reality.

Resumen: El artículo aborda la reescritura como un recurso de apropiación/intervención en Donde comienza el aire, de Soledad Fariña, poemario en el que la poeta chilena reescribe, de forma deliberada y autoconsciente, un conjunto amplio y variado de producciones artísticas y literarias del siglo XX, mediante diversas formas de apropiación: desde la descomposición y recomposición textual de sus fuentes hasta la transformación sintáctica y simbólica de estas, por medio de la confección de poemas que reflexionan autónoma y metapoéticamente sobre su condición misma de reescritura. Fariña se apropia e interviene sobre sus materiales de producción para dialogar con la tradición de la literatura occidental, polemizando con sus categorías modernas de creación, originalidad y autoría. Abstract: The present article analyses the procedure of rewriting as an appropiation/ intervention resource in Donde comienza el aire by Soledad Fariña. In this book, the poet self-consciously rewrites a diverse selection of 20th century literary and artistic production following different appropriation schemes. From the textual decomposition and recomposition of the originals, to their syntactic and symbolic transformation, the poems offer a metapoetic reflection about their very condition of rewritten texts. Fariña intervenes the original sources in order to establish a dialogue with the tradition of Western literature, questioning its modern categories of creation, originality and authorship.

Resumen La posibilidad de dar cuenta de la nada mediante el lenguaje ha sido una preocupación de innumerables místicos, filósofos, escritores y artistas a lo largo de la historia. En el marco de los estudios sobre mística, en particular, se ha conceptualizado un discurso negativo o apofático, que se caracteriza por el uso intensivo de negaciones, contradicciones y tautologías. A nuestro parecer, a partir de allí es posible distinguir una poética que se actualiza en la producción contemporánea a través de tres modalidades: la nada como tema, la nada como materialidad y la nada como efecto. Abstract Te possibility of referring nothingness through language has been a concern of many mystics, philosophers, writers and artists throughout history. In the particular field of mysticism studies, it has been conceptualized a negative or apophatic discourse, characterized by intensive use of denials, contradictions and tautologies. From our point of view, it is possible to distinguish there a poetics that is actualized in contemporary production through three modes: nothingness as subject, nothingness as materiality and nothingness as effect.

RESUMEN: Una obra de Pablo Katchadjian, El Aleph engordado, ha dado ocasión a una demanda judicial y a un debate sobre la naturaleza de la autoría, sobre el plagio, sobre la creación literaria y sobre las representaciones del arte conceptual en el dominio de la literatura. Desafortunadamente, la polémica del presunto plagio ha ocultado el debate que debería haber propiciado el experimento de Pablo Katchadjian. La obra del escritor argentino plantea problemas de gran interés en dos áreas contiguas: 1) la forma en la que la inspiración literaria se sirve de la tradición literaria, 2) la forma en la que los autores se relacionan con sus precursores. En ambos casos, Pablo Katchadjian ofrece interesantes perspectivas para analizar su aportación como lectura crítica del pasado reciente y como forma de pensar de nuevo la creación de la obra de arte conceptual literaria. ABSTRACT: A work by Pablo Katchadjian, El Aleph engordado, has given rise to a lawsuit and a debate about the nature of authorship, plagiarism, literary creation and the representations of conceptual art in the domain of literature. Unfortunately, the controversy over alleged plagiarism has obscured the debate that should have fueled Pablo Katchadjian’s experiment. The work of the Argentine writer raises problems of great interest in two contiguous areas: (1) the way in which literary inspiration uses the literary tradition; (2) the way in which authors relate to their precursors. In both cases, Pablo Katchadjian offers interesting perspectives to analyze his contribution as a critical reading of the recent past and as a way of thinking again the creation of the work of literary conceptual art.

La reflexió sobre la memòria és un tema que ocupa un lloc preponderant en l’art contemporani. Aquest fet està d’acord amb la necessitat humana de preservar la història en tota la seva extensió, des de la recuperació de la memòria històrica, potenciada per les lleis memorials com a forma de justícia amb els vençuts en els grans conflictes bèl·lics, fins al rescat dels records personals i individuals que configuren la memòria col·lectiva dels diferents grups identitaris. L’artista assumeix el paper d’historiador i investiga les diferents fonts orals i escrites. Algunes vegades, com en el cas que ens ocupa, genera arxius en què identifica la censura a la qual està sotmesa la historiografia i analitza la ruïna i la petjada com a document viu, reflex dels successos ocorreguts en llocs concrets.En aquest article duem a terme una anàlisi del cas d’estudi del projecte Des/Aparicions, dut a terme per Antoni Muntadas el 1996 a l’Arts Santa Mònica, amb l’ajuda de les afirmacions i les consideracions extretes d’una conversa que vam mantenir amb l’artista i que reproduïm en aquest text. La utilització dels mitjans digitals i internet aprofitant el context històric de l’edifici es deriven en un contramonument específic del lloc (site-specific) híbrid i simbiòtic en el qual els murs es converteixen en suport de memòries desaparegudes, les quals es presenten de manera fragmentària i volàtil en un espai de reflexió situat a mig camí entre la metàfora i la literalitat., Reflecting on memory is a topic that occupies a pivotal place in contemporary art. In itself, this reflects the human need to preserve the history in its entirety, from retrieving Historical Memory with the aid of memory laws as a form of justice for the victims of wars and conflicts, right through to rescuing personal and individual recollections that combine to form the collective memory of different identity groups. The artist takes on the role of historian and examines a range of verbal and written sources. On occasions, such as in the case we are focusing on here, he creates archives in which the censorship to which historiography is subject becomes apparent. He also analysis ruins and traces as a living document, a reflection of the events that have occurred in particular places.This article analyses the case study of the project Des/Aparicions (Dis/Appearances), created by Antoni Muntadas in 1996 in the Arts Santa Mònica cultural centre, based on the statements and reflections taken from a conversation we held with the artist, which is reproduced in this text. The use digital media and the Internet, taking advantage of the historical context of the building, leads to a hybrid and symbiotic site-specific counter-monument in which the walls become the medium for disappeared memories that are presented in a fragmentary and volatile way in a space for reflection located halfway between metaphor and literality., La reflexión sobre la memoria es un tema que ocupa un lugar preponderante en el arte contemporáneo. Este hecho está en consonancia con la necesidad humana de preservar la historia en toda su extensión, desde la recuperación de la memoria histórica, potenciada por las leyes memoriales como forma de justicia con los vencidos en los grandes conflictos bélicos, hasta el rescate de los recuerdos personales e individuales que configuran la memoria colectiva de los diferentes grupos identitarios. El artista asume el rol de historiador e investiga en las distintas fuentes orales y escritas. En ocasiones, como es el caso que nos ocupa, genera archivos en los que identifica la censura a la que está sometida la historiografía, y analiza la ruina y la huella como documento vivo, reflejo de los sucesos ocurridos en lugares concretos. En el presente artículo llevamos a cabo un análisis del caso de estudio del proyecto Des/Aparicions, llevado a cabo por Antoni Muntadas en 1996 en el Arts Santa Mònica, apoyándonos en las afirmaciones y consideraciones extraídas de una conversación que mantuvimos con el artista, y que reproducimos en este texto. La utilización de los medios digitales e internet, aprovechando el contexto histórico del edificio, derivan en un contra-monumento site-specific híbrido y simbiótico en el que los muros se convierten en soporte de memorias desaparecidas que son presentadas de manera fragmentaria y volátil en un espacio de reflexión situado a medio camino entre la metáfora y la literalidad.

En un juego de contrapesos simbólicos, la muerte y el alimento se conjugan en el ritual de Día de Muertos y en cinco obras de artistas contemporáneos. Explorar este intersticio es el objetivo que nos hemos propuesto en esta investigación. En el ritual, indagamos sobre dos prácticas diferenciadas, la ofrenda en el altar para consumo de los muertos y el intercambio de cráneos de azúcar. En el arte contemporáneo, Joseph Beuys y Marina Abramović emplean el alimento y la materia orgánica como factores expresivos en unas obras que aspiran a vincular el ritual al arte. Además, Félix González-Torres y Jana Sterbak hacen uso de alimentos en sus trabajos, de manera que estos transfieren sus propiedades simbólicas a las obras. Todas las producciones artísticas y manifestaciones estéticas estudiadas dan una visión diferente de la muerte., In a game of history counter opposition, death and food come together in the Día de Muertos [Day of the Dead] ritual and in five works of contemporary artists. The goal set for this research is to explore this intrinsic relationship. In the ritualistic portion of this research, we explore two separate practices: the offerings on the altar for the dead’s consumption and the exchange of sugar skulls. In contemporary art, Joseph Beuys and Marina Abramović use food and organic matter as expressive factors in works aspiring to tie the ritual to art itself. Furthermore, both Félix González-Torres and Jana Sterbak have used food in their works, thus transferring their symbolic properties to the works. Every work and aesthetic manifestations studied provides a different vision of death.

[EN] Through the study of performativity, an approach is introduced that starts from a series of desviations from the strategies of the social movements of occupation for the transformation of the codes of language into a transfeminist relation. From a post]critical view of the production of political subjectivities and its constitution in subject, language is proposed as a technology of gender identities in relation to the hegemonic social order. Towards a poststructuralist reading and establishing allegories on the strategy of chess in linguistics ]from the filmic and literary metaphors], the chessboard is considered a space whose property is in the paternal figure and in which governs a tanatopolitical regime, abandoned by daily struggles. This article presents reflections putting the chessboard as a space between the inhabited and the uninhabited, between the presence and absence, between the deserted and the rules. Understanding it as a binary system by its own representation based on the organization of two antagonistic tonalities and on a presentation of the subjects of the game in opposition that can be seen as a result of reflection. Through the analysis of the game, whose presence of women as historical subjects has been annulled, presents the dichotomy of postmodernist thinking and the structures that support it. With the object and the subject placed in the study analysis, it mades a view that constitutes a drift of the social movements of occupation in terms of the dominant thinking model, putting in the check the notions of Saussure's sign interpellated and unbalanced by the theory of feminist discourse. Also, establishing in language some places of political resistance., [ES] A través del estudio de la perfomatividad, se introduce un planteamiento que parte de una serie desvíos de las estrategias de los movimientos sociales de ocupación para la transformación de los códigos del lenguaje en una relación transfeminista. Desde una mirada pos]crítica de la producción de subjetividades políticas y su constitución en los sujetos, se plantea el lenguaje como una tecnología de identidades de género y en su relación con el orden social hegemónico. Hacia una lectura posestructuralista, estableciendo alegorías sobre la estrategia del ajedrez en la lingüística (desde las metáforas fílmicas y literarias), se plantea el tablero de ajedrez como espacio cuya propiedad se encuentra en la figura paterna y en la que gobierna un régimen tanatopolítico, abandonado por las luchas cotidianas. Presenta reflexiones poniendo el tablero de ajedrez como espacio entre lo habitado y lo deshabitado, entre la presencia y la ausencia, entre lo abandonado y las reglas. Entendido como sistema binario por su representación, basada en la organización de dos tonalidades antagónicas y presentado los sujetos del juego en oposición que se puede ver como resultado de espejo. A través del análisis del juego, cuya presencia de las mujeres como sujetos históricos, además, ha estado anulada, presenta la dicotomía del pensamiento posmodernista y las estructuras que lo sustentan. Con el objeto y el sujeto puesto en el análisis de estudio, se realiza una mirada que constituye un recorrido por los movimientos sociales de ocupación en cuanto al modelo de pensamiento dominante, poniendo en jaque las nociones de signo de Saussure interpeladas y desequilibradas por la teoría del discurso feminista. Estableciendo en el lenguaje, a su vez, lugares de resistencia política.

Resumen: La utilización explícita de referencias en la obra de Steven Holl permite revisar su proceso de proyecto, intereses e influencias. Al conectarlas con la imaginería propia de la disciplina, este texto explora esas referencias internas y externas a la arquitectura para explicar cómo ellas definen, en el trabajo de Holl, la concepción de la forma y del programa como un cuerpo más complejo que los requerimientos específicos del uso o la función. Abstract: The explicit use of references in Steven Holl's oeuvre allows for the review of his design process, interests and influences. By connecting these to disciplinary imagery, the text dives in those references - both internal and external to architecture - to explain how they define, in Holl's work, a notion of form and program that is something much more complex than just fulfilling specific requirements of use or function.

[EN] This statement is trying to think about the paradigm of a new neomateriality determined by the postinternet practices and the post-digital scene. By that way, this neomateriality is questioning the parametres that mark its own definition. At the conceptual artistic practices of the 60’s, considered the beggining of the digital art lineage, the immateriality was acceptated as a study object towed to the interaction and to the conceptual process. Owing to that alliance, the inmaterial was treated as a infiniteness reflect, as a warning of the self-finitness. At the post-digital context, it derives to a continuous mirrored relation with yourself enrrolled in its own way, in an anachrinistic continuity, where the rift with the infiniteness perception that people had while the humanistic world collapse happens. This estrangement is defined by the formalist pluralist processes in which the neoconceptual practices of the 80’s were wrapped while they pretending to flee of the hybird and eclectic trend of 70’s conceptual art., [ES] El presente comunicado pretende reflexionar sobre el paradigma de una nueva neomaterialidad, condicionada por las prácticas postinternet y el escenario post-digital, y que cuestiona, de ese modo, los parámetros que marcan su propia definición. En las prácticas conceptualistas de los sesenta, consideradas el origen del linaje del arte digital, se produjo la aceptación de lo inmaterial como un objeto de estudio atado a la interacción y al proceso conceptual. Con esta alianza, lo inmaterial era tratado como un reflejo de la infinitud, como advertencia de la finitud del yo. En el contexto post-digital se deriva hacia una continua auto-relación especular inscrita en el propio medio, en una continuidad anacrónica, donde se produce un distanciamiento de la percepción de la finitud que se tenía durante el colapso del mundo humanista. Este distanciamiento está determinado por los procesos de pluralismo formalista en los que se vieron envueltas las prácticas neoconceptualistas de los años ochenta mientras pretendían huir de la tendencia híbrida y ecléctica del arte conceptual de los años setenta.

This dissertation analyses Louis Kahn’s independent work until 1957 period in which he designed the Richards Medical Research Laboratories at the University of Pennsylvania. The Richards Medical Research Laboratories marks the creator’s moment par excellence where he discovers the fundamentals that will become trademark of his work and influence as well the architecture of his time. In order to understand the genesis of the Richards Medical Research Laboratories and find the underlying substrates that originate the project I have traced an imaginary section-cut to the timeline until 1957. The present thesis approach comes from two moments: the immeasurable and measurable, that is, from the world of ideas to the world of tangible objects. And from these two moments this thesis tries to open another space for the unsayable to appear in order to comprehend the significance of the Richards Medical Research laboratories in Kahn's work and in his time. Kahn’s creative process follows a path going from the incommensurable (the idea), to the measurable (the building), and goes back to the incommensurable (transcendence departing from the building). Accordingly this thesis is divided in two fundamental parts the first one titled “From the Incommensurable to the Measurable” and a second part titled “From the Measurable to the Incommensurable”. In the first part “From the Incommensurable to the Measurable” the thesis presents the relationships that builds Khan’s “imaginario” establishing connections between his ideas through Kahn’s own writings, professional relationships, trips, and the city and then relating these elements with the same period’s own and referential projects. In this first part of the thesis ideas are the real protagonists therefore texts takes over images. In the second part of the thesis “From the Measurable to the Incommensurable” the main topic centers on the Richard’s Laboratories and the Biology Laboratories. The focus of the second part will be Kahn’s Richard’s laboratories and earlier projects therefore the materiality of the architectural project becomes protagonist. In the Laboratories Kahn identifies, names, and makes clear the empty space as the organizer of architecture, structure, and installations. Through this empty space as organizer it is possible to individualize the service space with the same bluntness as the architectonic spaces through the use of monumental scale and showing how it works as if it were enormous industrial machinery. Departing from the Richards Medical Research Laboratories building Kahn discovered the fundamentals of his own work because through this building he could synthetize in a project the search of years of work and at the same time the architecture could sediment the legacy of history through his travels, relationship with his own time, and his own experience with the city. On the other hand the building works as a manifesto of Kahn’s architecture because with the Laboratories the architect sets the foundations of his work obliterating the legacy of modern architecture. Kahn will work on a solid architecture instead of a fine and diaphanous architecture offering a juxtaposition of walls and then carving them very carefully. Through this organization Kahn operates a series of almost sculptured wall opening in order to create light effect a light that will be sifted and filtered to convert it into a surreal light. The intention of this thesis is to analyze the different levels of the incommensurable and the measurable in its different approximations of the psyche to the matter and vice-versa in order to make them resonate in the incommensurable level which is the one of transcendence; a transcendence achieved through a building and its impact through time making the building itself the embodiment of Louis Kahn legacy to his time and the history of architecture., El presente trabajo se desarrolla en el periodo inicial de la obra independiente de Louis Kahn hasta el año 1957, cuando realizó el edificio Richards Medical Research Laboratories en la Universidad de Pensilvania. Este edificio marca el momento creador por excelencia, donde descubre ciertos fundamentos que se repetirán luego en su obra posterior y en otros proyectos de su tiempo. Por este motivo se establece un corte en la línea del tiempo hasta el 1957, para entender cómo se gesta la obra y encontrar los substratos subyacentes que conforman el proyecto. La aproximación viene desde dos momentos, que son lo inconmensurable y lo mensurable, es decir desde el mundo de las ideas hasta lo tangible, intentando abrir otro espacio para que lo indecible aparezca y podamos comprender la trascendencia del este edificio en la obra de Kahn y en su tiempo. De esta forma, el trabajo se divide en dos momentos importantes, que se instauran a partir de las palabras de Kahn al referirse al proceso creativo en su trabajo. Este proceso es el paso de lo inconmensurable (la idea), a lo mensurable (el edificio), para volver a ser inconmensurable (trascendencia a partir del edificio). De esta forma abordamos el trabajo en dos partes fundamentales, una denominada de lo ‘inconmensurable a lo mensurable’, y la otra de lo ‘mensurable a lo inconmensurable’. En el primer caso, de lo inconmensurable a lo mensurable, aparecen relaciones que construyen el imaginario de Kahn desarrollando puentes entre sus ideas a través de sus escritos, relaciones profesionales, viajes, la ciudad, relacionándolos con sus proyectos que trabaja en este tiempo y los proyectos que cita como referentes de su obra. En este momento los textos poseen mayor extensión que las imágenes, siendo el ámbito de las ideas las que tendrán protagonismo. Ya en la parte de lo mensurable a lo inconmensurable, tratara principalmente del proyecto de los laboratorios Richards y el laboratorio de Biología que aparecen como extensión del primero. En esta etapa el análisis de los proyectos anteriores, y fundamentalmente del los laboratorios será lo primordial, por este motivo, el proyecto ahora tendrá mayor preeminencia que el texto. En este edificio identifica, nombra y hace explícito el espacio vacío como articulador de la arquitectura, la estructura y las instalaciones. De esta forma, fue posible la individualización de los espacios de servicio con la misma contundencia que aparecen los espacios arquitectónicos, a una escala monumental y mostrando su funcionamiento, como si se tratara de una enorme máquina industrial. Creemos que a partir del edificio Richards, Kahn descubrió el fundamento de su obra, ya que pudo sintetizar en el proyecto, toda la búsqueda de años de trabajo, así como, al mismo tiempo, pudo sedimentar el legado de la historia por medio de sus viajes, las relaciones con su tiempo, y su experiencia con la ciudad. Por otro lado este edificio funciono como un manifiesto de su propia arquitectura, ya que funda las bases de su trabajo, obliterando el aporte de la arquitectura moderna. Kahn va a trabajar una arquitectura solida en vez de una arquitectura diáfana y fina, proponiendo una yuxtaposición de camadas de muros sucesivos, trabajando cuidadosamente la horadación de los mismos. Por medio de esta disposición, opera una serie de procedimientos de apertura del muro de forma casi escultórica, para conseguir efectos de luz, la cual al ser tamizada y filtrada, se convierte en una luz irreal. Lo que se pretende es que del análisis de las esferas de lo inconmensurable y de lo mensurable, en sus diversas aproximaciones de la psique a la materia o vice versa, es que logren resonar la ultima esfera inconmensurable, que es la trascendencia a partir del edificio y sus impactos en su tiempo, siendo este el gran legado de Louis Kahn a su tiempo y a la historia de la arquitectura

Màster Oficial en Estudis Avançats en Història de l'Art. Facultat de Geografia i Història de la UB. Curs: 2014-2015, Tutor: Anna Maria Guasch, La hipótesis de partida de este trabajo es que sobre el conceptualismo pesan entendidos teóricos que lo limitan a una interpretación tradicional occidentalista del fenómeno, basada en supuestos de la modernidad tanto artística como historiográfica. Las prácticas artísticas actuales tienen mucho de conceptuales, por lo cual las transformaciones llevadas a cabo por el arte conceptual y sus diferentes derivas son de suma importancia para comprender el tránsito entre la modernidad y la posmodernidad, e incluso más allá. Aunque el entendimiento sobre lo sucedido durante los años sesenta y setenta del siglo XX está siendo revisado, todavía estos movimientos del campo son analizados mediante estrategias que no tienen en cuenta su complejidad. Por su difícil encaje en metodologías y procesos explicativos que se basan en un arte estético y desinteresado, muchos de los aspectos destacables del arte conceptual quedan fuera de la idea más generalizada que se tiene del mismo.

RESUMEN: El trabajo de investigación que a continuación se presenta, se centra en analizar cómo la obra del artista antioqueño Adolfo Bernal se sirve de la transdisciplinariedad como estrategia de producción artística. Esto se logra a través de la lectura descriptiva e interpretativa de tres aspectos considerados aquí pilares de su trabajo en el campo del arte. El primero de ellos indaga sobre la influencia de su formación interdisciplinar en su particular forma de asumir la práctica artística; una que no se limitaba a los medios específicos del arte, sino que, por el contrario, buscó cómo enriquecerse de otras disciplinas, de recursos extra-artísticos y, lo más importante, de las experiencias vitales. El segundo aspecto analiza las estrechas relaciones del artista con las prácticas artísticas de la tierra (Land Art o arte medioambiental) y con los medios mínimos. El tercero examina la influencia de la poesía, específicamente del Haikú japonés, en la propuesta artística de Bernal. Por otro lado, el primer capítulo se concentrar en hacer una revisión del Estado del Arte frente a los diversos discursos sobre el surgimiento y consolidación del arte conceptual y las prácticas experimentales en Colombia y América Latina. Allí se revisan los postulados de un conjunto de autores que, si bien no pueden asumirse como los únicos, sí ofrecen un interesante panorama de múltiples perspectivas sobre los matices y puntos cruciales para comprender la heterogeneidad asociada a la producción artística de cada país y a las particularidades en los procesos de institucionalización del arte conceptual. La tercera parte del trabajo, reúne una serie de datos cronológicos de la actividad artística de Adolfo Bernal, los cuales sirven también como base para desarrollar el anexo final de la relación de obras. TESIS CON DISTINCIÓN: Cum Laude (Meritoria)

[EN] The article analyzes the drawings of several renowned Swiss architects (Herzog & de Meuron, Peter Zumthor, Peter Märkli, Marianne Burkhalter and Christian Kerez) and defends the existence of several common features, denoting a method of eminently conceptual work. These are: the free choice of media and materials, lack of graphic academicism, non-pictorial use of the canvas, expression of the drawing process, the inclusion of texts and annotations, the use of sets and repetitions, the dominance of two-dimensionality and diagrammatic reduction. These features are compared, in some cases, with the work of conceptual artists or close to conceptual art, justifying the thesis defended, [ES] El artículo analiza los dibujos de varios arquitectos suizos de reconocido prestigio (Herzog & de Meuron, Peter Zumthor, Peter Märkli, Marianne Burkhalter y Christian Kerez) y defiende la existencia de varios rasgos comunes, que denotan un método de trabajo eminentemente conceptual. Estos son: la elección libre de soportes y materiales, la falta de academicismo gráfico, el uso no pictórico del lienzo, la expresión del proceso de dibujo, la inclusión de textos y anotaciones, el uso de series y repeticiones, el predominio de la bidimensionalidad, y la reducción diagramática. Estos rasgos son comparados, en algunos casos, con el trabajo de artistas conceptuales o próximos al arte conceptual, justificando la tesis defendida

[EN] The text analyzes the semiotic focus of the avant-garde practices in Argentina during the sixties. These practices, inspired on the studies of authors such as Roland Barthes, were articulated around concepts like “discontinuity” and “de-habituation” to give rise to a series of highly innovative approaches in the context of international emergence of conceptual art. Proposals from artists and intellectuals such as Ricardo Carreira, Roberto Plate or Oscar Masotta allowed to address the relationships between art and language from a new perspective, which shows connection points, but also deep differences, with the works of conceptual artists in United States and Britain, usually associated with the tautological canon of dematerialized practices. That linguistic analysis was accompanied, in the case of Argentina, with a critique of the media. This is one of the most unique features of the vanguard of the moment and led to collective experimentation between art and communication as the group “Art of the media “, composed Massota own , artists Roberto Jacoby and Eduardo Costa and journalist Juan Risuleo.Key., [ES] El texto analiza el énfasis semiótico de un sector de las prácticas de la vanguardia argentina de los años sesenta. Esas prácticas, inspiradas en la lectura de los estudios de autores como Charles S. Peirce, Ferdinand de Saussure o Roland Barthes, se articularon en torno a conceptos como “discontinuidad” y “deshabituciación” para dar lugar a una serie de planteamientos sumamente novedosos en el contexto de la emergencia internacional del arte conceptual. Las propuestas de artistas e intelectuales como Ricardo Carreira, Roberto Plate u Óscar Masotta permitieron abordar las relaciones entre arte y lenguaje desde una perspectiva novedosa, que manifiesta puntos de conexión, pero también profundas diferencias, con las obras de los artistas conceptuales anglosajones, habitualmente asociados al canon tautológico de las prácticas desmaterializadas. Ese análisis lingüístico fue acompañado, en el caso argentino, de una crítica de los medios que, sin duda, constituye una de las características más originales de la vanguardia del momento y que dio lugar a colectivos de experimentación de los cruces entre el arte y la comunicación como el grupo “Arte de los medios de comunicación”, integrado por el propio Masotta, los artistas Roberto Jacoby y Eduardo Costa y el periodista Juan Risuleo.

[EN] Tucumán Arde is definitely the best well-known artistic-political experience of the Argentinian avant-garde of the sixties. This experience has gained greater presence in the international contemporary art system during the last decade and a half. The historical eruption of the experience was dramatically marked by the cancellation of the continuation of the experience due to the transition to political activism of some members of Tucumán Arde and the subsequent implementation of the dictatorship. This article attempts to reconstruct the map of some of the first impacts that the experience had in various contexts located beyond the borders of Argentina, pointing out the critical dimension of the different readings., [ES] Tucumán Arde es sin duda la experiencia artístico-política de la vanguardia argentina de los años sesenta que ha adquirido un mayor renombre en la escena internacional del arte contemporáneo durante la última década y media. Su irrupción histórica se topó con la cancelación de las expectativas de dar continuidad a la experiencia, debida al paso a la militancia política de parte de los integrantes de Tucumán Arde y a la posterior implantación del Proceso de Reorganización Nacional. Este artículo trata de recomponer el mapa de algunas de las primeras repercusiones que la experiencia tuvo en diversos contextos situados más allá de las fronteras de Argentina, indagando en la radicación crítica de las diferentes lecturas en cada uno de ellos.

El presente trabajo de grado tiene como objetivo establecer cuáles son los determinantes teóricos y prácticos del diseño conceptual para elaborar un catálogo de imágenes para el juego de rol “Leyendas de Arcadia: el libro de los héroes” que toma como género la fantasía épica. Como primer paso se busca establecer cuáles son los elementos que se deben ilustrar del manual leyendas de “Arcadia: el Libro de los Héroes” así como determinar cuáles son las bases o contrapartes históricas que pueden servir como referentes artísticos y culturales de los elementos a ilustrar. Con lo anterior se busca sintetizar nuevas formas gráficas, usando los referentes que plantea el libro “Leyendas de Arcadia: el libro de los héroes”, de tal manera, que puedan usarse en proyectos similares que contribuyan al desarrollo de los juegos de rol en nuestro país Proyecto de grado (Diseñador de la Comunicación Gráfica)-- Universidad Autónoma de Occidente, 2011 Pregrado Diseñador(a) de la Comunicación Gráfica

A fines de los años sesentas y principios de los setentas se producen transformaciones en el arte latinoamericano estrechamente relacionadas con la situación política y social en nuestros países. El presente artículo se enfoca en dos casos argentinos a través de los cuales se profundiza en el valor que tiene la ciudad, y de allí, la calle como escenario para la realización de intervenciones artísticas altamente comprometidas con el contexto socio-político en que se desarrollan. At the end of the sixties and beginning of the seventies, transformations in the Latin American art occurred, narrowly related with the political and social situation in our countries. The present article focuses in two Argentinean cases through which the city value appears deeply recognized, and from there, the street as scenery for the performance of artistic interventions highly compromised with the social-political context in where they took place.

La problemática que me propongo exponer en este trabajo es la del concepto arte no objetual moderno. Y para la delimitación o definición de este concepto parto, de varios textos, de Hans-Georg Gadamer quien lo utiliza para referirse al arte que empieza a surgir, junto al llamado arte abstracto, en la primera mitad del siglo XX. Un arte moderno que ha planteado una difícil relación con el espectador. Un arte de difícil comprensión, que a su vez ha aportado a la discusión y al cuestionamiento sobre las transformaciones en la concepción de arte: “¿Qué significa el arte no objetual moderno? ¿Siguen teniendo alguna validez los antiguos conceptos estéticos, con los que estábamos acostumbrados a comprender la esencia del arte? En muchos de sus representantes más destacados, el arte moderno rechaza terminantemente las expectativas con que nos acercamos a sus cuadros. El efecto que suele producir ese arte es un shock enorme. ¿Qué ha ocurrido? ¿Cuál es la nueva postura que toma el pintor, rompiendo con todas las expectativas y tradiciones precedentes? ¿Qué es lo que se pretende de nosotros?” Con estas preguntas Gadamer suscita la expectativa de ¿qué es lo que caracteriza al arte no objetual, qué es lo que lleva al autor a aplicar este nombre y a cuáles obras se refiere? En La actualidad de lo bello2, el autor dice que este arte se vive como, o se caracteriza por un shock “enorme” porque nos mueve a la caída en el extrañamiento y la provocación. Y que este extrañamiento se debe, parte, a que desde 1910 con la ruptura cubista se elimina toda referencia a un objeto para formar una figura. “Queda todavía abierta la cuestión de si esa supresión de nuestras expectativas objetuales ha sido total. Pero una cosa es segura: la ingenua obviedad de que un cuadro es una visión de algo -como en el caso de la visión de la naturaleza o de la naturaleza configurada por el hombre, que la experiencia cotidiana nos proporciona- ha quedado clara y radicalmente destruida. Ya no se puede ver uno intuitu un cuadro cubista o una pintura no objetual, como una mirada que se limite a recibir pasivamente. Para ver, hay que llevar a cabo una actividad muy especial: hay que sintetizar personalmente las diversas facetas cuyos trazos aparecen en el lienzo; y luego, tal vez sea uno arrebatado y elevado por la profunda armonía y corrección de la obra, igual que ocurría antiguamente, sin problema alguno, sobre la base de comunidad de contenido del cuadro”3. Ya no podemos esperar del arte moderno una visión de un objeto que habitualmente reconocemos, una imitación de algo que la experiencia cotidiana nos proporciona. En oposición a esto se puede decir que ahora el arte nos muestra no-objetos: por no reconocibles, por no habituales ni cotidianos. Sin embargo, Gadamer deja abierta la expectativa de si esta supresión objetual ha sido total en la actual “comprensión” del arte. Y, aun cuando declara radicalmente destruida la posibilidad del reconocimiento de “cosas imitadas” en una pintura abstracta, no deja de señalar la posibilidad de que quizá, de algún modo, en este arte pueda reconocerse algo en lo representado. Pues el hecho mismo de la emergencia de este arte en la actualidad puede ser tomado como un atisbo de que hay algo que entender en esta nueva manifestación artística, que algo ha de significar para nosotros, porque estas imágenes como quehacer antropológico4 han de permitir también un reconocimiento antropológico, alguna comunidad de sentido o alguna comunidad de contenido. Tal como ocurría antiguamente, cuando la “comunidad de contenido” se declaraba y se hacía patente a la colectividad mediante un cuadro o una imagen representativa. Comunidad de contenido que en gran medida determinaba los “objetos” en una imagen, “objetos” que a su vez representaban la comprensión de una realidad colectiva. (Texto tomado de la fuente) The problematic that I propose to present in this work is that of the concept of modern non-object art. And for the delimitation or definition of this concept I start, from various texts, from Hans-Georg Gadamer, who uses it to refer to the art that began to emerge, together with the so-called abstract art, in the first half of the 20th century. A modern art that has posed a difficult relationship with the spectator. An art that is difficult to understand, which in turn has contributed to the discussion and questioning of the transformations in the conception of art: "What does modern non-object art mean? Do the old aesthetic concepts, with which we were accustomed to understanding the essence of art, still have any validity? In many of its most prominent representatives, modern art categorically rejects the expectations with which we approach its pictures. What has happened? What is the new stance that the painter takes, breaking with all preceding expectations and traditions? What is intended of us?" With these questions Gadamer raises the expectation of what characterises non-object art, what leads the author to apply this name and to which works does he refer? In The actuality of the beautiful2, the author says that this art is experienced as, or characterised by, an "enormous" shock because it moves us to fall into estrangement and provocation. And that this estrangement is due, in part, to the fact that since 1910, with the cubist rupture, all reference to an object has been eliminated in order to form a figure. "The question remains open as to whether this suppression of our objectual expectations has been total. But one thing is certain: the naïve truism that a painting is a vision of something - as in the case of the vision of nature or of nature shaped by man, which everyday experience provides us with - has been clearly and radically destroyed. One can no longer see intuitu a cubist painting or a non-objectual painting, as a gaze that is limited to passively receiving. In order to see, one has to carry out a very special activity: one has to personally synthesise the various facets whose traces appear on the canvas; and then, perhaps, one is raptured and uplifted by the profound harmony and correctness of the work, just as in the old days, without any problem, on the basis of the painting's community of content. "3 We can no longer expect from modern art a vision of an object we usually recognise, an imitation of something that everyday experience provides us with. In opposition to this, it can be said that art now shows us non-objects: because they are not recognisable, not habitual or everyday. However, Gadamer leaves open the expectation of whether this objectual suppression has been total in the current "understanding" of art. And, even if he declares the possibility of the recognition of "imitated things" in abstract painting to be radically destroyed, he does not fail to point out the possibility that perhaps, in some way, in this art something can be recognised in what is represented. For the very fact of the emergence of this art today can be taken as a glimpse that there is something to be understood in this new artistic manifestation, that something must mean something to us, because these images as an anthropological endeavour4 must also allow an anthropological recognition, some community of meaning or some community of content. As was the case in the past, when the "community of content" was declared and made clear to the community by means of a painting or a representative image. A community of content that largely determined the "objects" in an image, "objects" that in turn represented the understanding of a collective reality. Maestría Magíster en Historia y Teoría del Arte, la Arquitectura y la Ciudad

En noviembre de 1975 muere el dictador Francisco Franco en la cama de un hospital. Desde finales de la década de los 60 y hasta 1978 en que se aprueba la nueva constitución democrática se debate intensamente el sentido de la práctica artística dentro del marco de una sociedad sometida durante décadas a un sistema totalitario, pero animada por impulsos de transformación que desbordaban la estricta crítica al régimen. Finalmente, ese debate queda silenciado y suspendido al imponerse una noción de arte en clave de fetiche de consumo que se ofrecía como tótem de la nueva España democrática supuestamente normalizada respecto a los estándares internacionales. ABSTRACT: In November of 1975 dictator Francisco Franco dies on a hospital bed. Between the late 1960s and 1978, when a new, democratic, constitution is approved, Spain was alive with transformative impulses that surpassed the mere criticism of the dictatorship. The art world was astir with intense debates about the sense of artistic practice in a society subjugated for several decades by a totalitarian regime. In the end, this debate was silenced and left unresolved as a new notion of art became dominant: art as a consumer fetish, token of a new, democratic Spain that had allegedly become normalized in relation to international standards.

[ES] Este artículo analiza la progresiva desactivación política que afectaría a un conjunto significativo de prácticas artísticas en el contexto de la transición a la democracia en España. A principios de los setenta, emergen una serie de discursos artísticos muy críticos con respecto a la situación política del país que evolucionarán hacia posturas mucho menos comprometidas, descargadas de contenidos políticos, a medida que se van cumpliendo etapas en el complejo proceso transicional. Realizaremos un breve recorrido por las distintas propuestas artísticas, casi siempre próximas a los nuevos comportamientos (arte conceptual, performance, poesía experimental), poniendo de manifiesto las contradicciones inherentes a algunas de ellas y tratando de explicar bajo qué condicionantes políticos y culturales se produce esa vuelta al orden a finales de los setenta y principios de los ochenta., [EN] This paper analyzes the progressive political deactivation that affected a significant group of art practices during the Spanish transition to democracy. In the early seventies, some artistic discourses arose that were very critic with the current political situation. These experiences evolved to less compromised positions, devoid of their political content, as the transition process developed. We do a brief survey of artistic works, very close to conceptual art, performance art and experimental poetry, where we will point out their inherent contradictions and try to explain which political and cultural factors conditioned a return to order in the late seventies and early eighties.