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The Generation of ’27 changed radically precedent thinking and aesthetics. Although outstanding by poetic production, its influence and innovative character would involve the rest of arts. Heir to the 98’ painting, the landscaping topic reinvented adding new meanings associated to the folk, the spontaneous, primitivism and lyricism, denying any nationalistic or custom trace. The School of Vallecas embodied this transformation, defining a personal landscape model that would gather the creative movements at that time. The exploration of the Castilian desolated agrolands through a language closed to abstraction allowed the artistic definition of an essential, sentimental and subliminal nature. It would converge with surrealism, when trying to go beyond reality and connecting with more profound and oneiric emotions. The landscape reinvention that took place around the School would project its influence on the following decades, even after the Spanish Civil War, unlike the rest of Europe, where nature representations were definitively relegated. This article tries to enquire about the origins, incentives and significances of this new landscaping. La Generación del 27 cambió de manera radical el pensamiento y estética precedentes. Conocida por la producción poética, su influencia y carácter innovador involucrarían al resto de las artes. Heredera de la pintura del 98, la temática paisajística se reinventó con nuevos significados vinculados a lo popular y lo espontáneo, al primitivismo y a lo lírico, renegando de cualquier atisbo costumbrista y nacionalista. La Escuela de Vallecas personificó esa transformación con la definición de un modelo de paisaje propio, que actualizaba las tendencias creativas del momento. La exploración del desolado agro castellano con un lenguaje cercano a la abstracción sirvió para definir artísticamente una naturaleza esencialista, sentimental y subliminal. Confluiría con el surrealismo en su voluntad por trascender la realidad y conectar con emociones más profundas y oníricas. La reinvención del paisaje que tuvo lugar alrededor de la Escuela proyectaría su influencia en las décadas siguientes, incluso tras la Guerra Civil, en contraste con lo sucedido en el resto de Europa, donde su representación había quedado ya relegada. Este artículo busca indagar en los orígenes, motivaciones y transcendencia de ese nuevo paisajismo.

Abe Kōbō was one the most renowned writers of Japanese postwar literature and, like many of his contemporaries, was interested in avant-garde arts and communism. Abe used to frequent and also led groups of artists where they talked about avant-garde ideals and, as a member of the Communist Party, he organized cultural activities in working areas. It was also in those years when his career as a writer began after winning the prestigious Akutagawa prize. Metamorphosis was a recurring topic in his short stories of that time and that is the reason why he was called the Japanese Kafka, although he recognized different influences. In this article we analyze one of his metamorphosis short stories to think about the meaning of this topic, that we consider to be the synthesis of both avant-gardes, the artistic and the political, that Abe understood as a whole. Abe Kōbō fue uno de los escritores más destacados de la literatura japonesa de posguerra y al igual que muchos jóvenes de la época se interesó por las vanguardias artísticas y por el comunismo. Frecuentó y lideró grupos de artistas en los que se debatía sobre los ideales vanguardistas y, como miembro del Partido Comunista, organizó actividades culturales en zonas obreras. Estos años fueron también los de su lanzamiento como escritor, tras obtener el prestigioso Premio Akutagawa. Un tema recurrente en sus relatos de entonces era el de la metamorfosis y por ello fue apodado por muchos el Kafka japonés, si bien él reconocía otras influencias. En este artículo analizamos uno de estos relatos de metamorfosis para indagar en la significación de este motivo temático, que consideramos la síntesis de las dos vanguardias, la artística y la política, que Abe entendía como inseparables.

The article analyzes the interaction and transformation of gardens and landscapes with sixteen colossal statues by and such a sculptural group former by four others by Picasso, all made between 1958 and 1971 with de collaboration of Carl Nesjar and Lionel Presjer as sculptors by trade; and a posthumous one from the year 1991, raised by professors from the Scoler Foundation of Texas with inappropriate materials from Picasso and his collaborators. All these sculptures, whose heights range from a little over three to fifteen meters high, were made by magnifying original Picasso originals with exactitude, and are found throughout Europe and the United States. The synthesis language and the intentional placement were key to the redefinition of gardens and natural spaces, which they articulated with different purposes and significant achievements, both in private properties and in important historical gardens to whose cultural and social projection they contribute and in urban spaces that were revalued in that way. l artículo analiza la interactuación y la transformación de jardines y paisajes con dieciséis estatuas colosales y un grupo escultórico tal formado por otras cuatro de Picasso, todas realizadas entre 1958 y 1971 con la ayuda de Carl Nejar y Lionel Preiger en calidad de escultores de oficio; y una póstuma del año 1991, levantada por profesores de la Scoler Foundation de Texas con materiales impropios de Picasso y sus colaboradores. Todas esas esculturas, cuyas alturas oscilan entre algo de más de tres y quince metros de altura, fueron realizadas ampliando con exactitud originales de Picasso, y se encuentran repartidas por Europa y Estados Unidos. El lenguaje de síntesis y la colocación intencionada fueron claves para la redefinición de jardines y espacios naturales, que articularon con distintos propósitos y logros significativos, tanto en propiedades particulares como en importantes jardines históricos a cuya proyección cultural y social contribuyen y en espacios urbanos que fueron revalorizados de ese modo.

In a 1929 essay, Walter Benjamin postulated the need to end metaphor and comparison in order for the image to reach a revolutionary power, and pointed to surrealism as the movement that had been given that task. This invites us to think about the image problem in other avant-garde experiences, such as mid-century Argentine invention and surrealism. Both experiences were characterized by the rejection of the logic of metaphorical representation in art and literature; and although they differed in procedures, they agreed on the desire to achieve a total image, an image without gaps. Likewise, it is finally possible to account for a moment of suspension of the totality. The notion of “uncreated reality”, devised by Maurice Blanchot in an essay in the Buenos Aires poetry magazine, where he imagined a totality of the lack, is related to the reflections of the inventor poet Edgar Bayley about the common in art. In both cases, it is about alternative ways of living with the spectralities of art that the images of total aspiration sought to conjure up. Keywords: surrealism; inventionism; En un ensayo de 1929, Walter Benjamin postuló la necesidad de terminar con la metáfora y la comparación para que la imagen alcanzara una potencia revolucionaria, y señaló al surrealismo como el movimiento que se había dado esa tarea. Esto nos invita a pensar el problema de la imagen en otras experiencias de vanguardia, como el invencionismo y surrealismo argentino de mediados de siglo. Ambas experiencias se caracterizaron por el rechazo a las lógicas de representación metafórica en el arte y la literatura; y aunque diferían en los procedimientos, coincidieron en el deseo de alcanzar una imagen total, una imagen sin resquicios. Asimismo, es posible finalmente dar cuenta de un momento de suspensión de la totalidad. La noción de “realidad increada”, urdida por Maurice Blanchot en un ensayo de la revista poesía buenos aires, donde imaginaba una totalidad de la falta, entra en relación con las reflexiones del poeta invencionista Edgar Bayley acerca de lo común en el arte. Se trata, en ambos casos, de modos alternativos de convivir con las espectralidades del arte que las imágenes de aspiración total buscaban conjurar.

After Jorge Luis Borges’s death, what we could call his ‘invisible work’ eventually reappeared: three books of essays published in the 1920’s whose reedition he categorically banned during his life. Throughout these pages, we will delve into the cultural context of the essays and Borges’s reasons for writing them. In addition, we will examine the main topics and interests of the author in these volumes, since many of them are the germ of some fascinating issues of his future writings. Therefore, we will try to deal with Borges’s work in its continuity and to understand the possible reasons that led him to banish these texts until his deathding A la muerte de Jorge Luis Borges reapareció al fin la que podríamos llamar su “obra invisible”: tres libros de ensayos de los años 20 cuya reedición prohibió tajantemente en vida. A lo largo de estas páginas nos propondremos indagar en el contexto y los motivos que llevaron a la escritura de estos volúmenes, así como en los temas e intereses que en ellos se entretejen, los cuales serán la simiente de muchas de las cuestiones que fascinen al futuro Borges. De esta forma, buscaremos apreciar la obra borgiana en su continuidad y entender las posibles razones que provocaron el destierro de esos textos de la nómina canónica del argentino hasta su muerte.

This article considers the relationship between statements made by Martin Heidegger regarding Philosophy, history, past and tradition, and some analogous topics from the literary field propounded principally by the poet and critic, T. S. Eliot. We will focus on four themes: reinvention of the canon, methodological reconsideration of the past, attention to the form of presentation and questioning of one’s own discipline. Este artículo muestra la relación entre algunos planteamientos de Martin Heidegger a propósito de la filosofía, la historia, el pasado y la tradición y propuestas análogas en el campo literario, principalmente a cargo a cargo del poeta y crítico T. S Eliot. Nos centraremos fundamentalmente en cuatro aspectos: la reinvención del canon, la reconsideración metodológica del pasado, la atención a la forma de presentación y el cuestionamiento de la propia disciplina.

The aim of this paper is to approaches to the Gonzalo Rodríguez Lafora´s Psychology of Art on his context, which it was focused to research the sources and the effects of the artistic “Ultramoderm” inspiration and creation. Thus we will see factors have a bearing on the human purity, subjectivity, introspection or relation to the circumstances. We also are going to analyze the possible influences about how G. R. Lafora came to create his theory, focused to his stay in Germany where he met some of the most important figures inside of the psychiatry such Hans Prinzhorn and Emil Kraepelin. This work was published on five essays throughout the 10s and 20s of the last century. El propósito de este artículo es extender unas aproximaciones al estudio de la psicología del arte de Gonzalo Rodríguez Lafora en su contexto, cuyo objeto se basó en descubrir las causas y los efectos de la inspiración y la creación artística “Ultramoderna”. Así, se observan aspectos en los que incide mucho la idea de la pureza en los seres humanos, la subjetividad, la introspección o la relación con el entorno. Se analizará, además, las influencias que pudieron embarcarle en este trabajo, centradas, principalmente, en su estancia en Alemania, donde conoció a algunos personajes como Hans Prinzhorn y Emil Kraepelin. Esta teoría dio como resultado cinco ensayos publicados a lo largo de los años 10´ y 20´ del siglo pasado.

This paper aims to analyze Ana Clavel and Mario Bellatin literature from an aesthetic approach. In these contemporary Mexican writers, visual procedures in the written text recover the value that avant-garde movements conferred to gaze. Their narrative technique can be closer in these two writers. El presente trabajo tiene como objetivo analizar la literatura de Ana Clavel y de Mario Bellatin desde un enfoque estético. En estos dos escritores mexicanos contemporáneos, el procedimiento visual que se desprende del texto escrito, recupera, a través de la escritura, el valor que las vanguardias conferían a la mirada. Una propuesta narrativa que nos permite estrechar afinidades entre el universo narratológico de estos dos escritores.

This text analyses the feminine representation, its image and attire in the cultural cycle from Romanticism to the interwar period, which was a key moment in the socio-cultural landscape of contemporary Catalonia. The article focuses on plastic art, making special emphasis on theatre and narrative literature and evolving hand in hand with the progress of women’s liberation. Literary commentaries focus on the works by Carles Soldevila and Maria Teresa Vernet as narrators, as well as Avel·lí Artís and Carme Montoriol. Análisis de la representación femenina, de su imagen e indumentaria en el ciclo cultural que avanza del Romanticismo al período de Entreguerras, clave en el espectro socio-cultural catalán contemporáneo. Se atiende a las artes plásticas y en particular a la literatura teatral y narrativa, en un proceso acorde con la progresiva liberación de la mujer. Comentario literario centrado en obras de Carles Soldevila y Maria Teresa Vernet como narradores, y de Avel·lí Artís y Carme Montoriol.

The period of modernism and the avant-garde in the Iberian region may be interpreted as a continuum, with no radical aesthetic divide, shaping a multiple and heterogeneous view of modernity in the peninsula, allowing to observe the contact elements among writers, literary movements, schools and trends, from a supranational perspective, as an active and dynamic polisystem where hegemonic and fringe (peripheral) literatures alternate. Es posible interpretar el tiempo del modernismo y la vanguardia en el espacio ibérico como un continuum, sin cortes estéticos radicales, que configura una visión múltiple y heterogénea de la modernidad peninsular, observando los puntos de contacto existentes entre escritores, movimientos, escuelas y tendencias desde una perspectiva supranacional, como un polisistema activo y dinámico en el que se alternan las literaturas hegemónicas y periféricas.

This text is aimed to rethink the possibilities of contemporary political art. Consequently, we will use the dilemmatic aspects proposed by Jacques Rancière in his book The Emancipated Spectator, that is, the outdated frameworks developed by political art. Nevertheless, we will also take distance from Ranciere’s genealogical work through which he assumes that the persistence of a certain theological conception of time −one that can be observed both in modernity and avant-garde− is a symptomatic aspect that contemporary art would later repeat. Our strategy consists of pointing out that is possible to create a narrative of avant-garde that assumes a different conception of temporality. If so, the concept of avant-garde would come closer to the notion of aesthetic regime proposed by Rancière, and it could also be still relevant to conceive the dilemmas of contemporary political art. El presente escrito tiene por finalidad repensar las posibilidades del arte político contemporáneo. Para ello tomamos como punto de partida los aspectos dilemáticos explicitados por Jaques Rancière en su libro El espectador emancipado. Esto es, la caducidad de los esquemas de acción propuestos por el arte político. Sin embargo, tomamos distancia del trabajo genealógico por el cual asume que es la persistencia de determinada concepción teológica del tiempo, presente tanto en la modernidad como en la vanguardia, aquel aspecto sintomático que repite el arte contemporáneo. Nuestra estrategia consistirá en señalar que es posible elaborar un relato sobre las vanguardias que asuma otra concepción de la temporalidad. Si esto es así, el concepto de vanguardia se acercaría a la idea de régimen estético propuesto por Ranciére y tendría total vigencia para pensar los dilemas del arte político contemporáneo.

During the initial decades of the 20th century in Chile, the national question plays an important role in the ‒realist‒ writing of the period. Juan Emar, an opponent of those practices and an advocate of the Avant-garde, deals with the national question in fragments of Miltín 1934 such as the one concerned with the battle between Spaniards and Araucanians. Taking this fragment as the object of study, the aim of this paper is to show, by means of linguistic and semantic analyses, how Emar, by using his literary technique, questions the official discourse and supports the synchronic value of the artistic work, freedom of thought and the supremacy of the imagination. En las primeras décadas del siglo XX chileno, la cuestión nacional ocupaba un papel destacado dentro de las prácticas escriturales del momento vinculadas al realismo. Juan Emar, antítesis de dichas prácticas y abogador por la vanguardia, trata también dicha cuestión en fragmentos como el de la batalla entre españoles y araucanos, dentro de la obra Miltín 1934. Tomando este fragmento como objeto de estudio, y a través de su análisis lingüístico y semántico, demostraremos que Emar, mediante la técnica literaria, cuestiona el discurso oficial y propugna el valor sincrónico de la obra artística y, en última instancia, la libertad del pensamiento y la supremacía de la imaginación.

La presencia del modernismo y de la literatura de Darío era notoria en la cultura popular urbana argentina de la década del 1920. Este trabajo estudia los diálogos que establece en ese período la literatura de Nicolás Olivari (1900-1966), un poeta de la primera vanguardia histórica, con dicha estética. Detenerse en estas apropiaciones, especialmente las efectuadas en sus primeros textos, permite revisar su poética y explicar uno de los modos en que se produjo una manifestación vanguardista., The presence of modernism and literature of Dario was notorious in the Argentine urban popular culture of the 1920s. This paper studies the dialogues that the literature of Nicolás Olivari (1900-1966), one of the poets of the first historical avant-garde, sets in its context of production. Pay attention to its appropriation, especially in his early writings, can review his poetry and explain one of the modes in which occurs a vanguard manifestation., Facultad de Humanidades y Ciencias de la Educación

The main object of this article is making an approach to cinematography movements of last years, particularly to the question posed in Galiza around the “Novo Cinema Galego” concept –name of a wave with difficult delimitation, as we will see–, and make it in an explanatory way, establishing its causes, its origin and its evolution. El objetivo de este artículo es ofrecer una aproximación a los movimientos cinematográficos de los últimos años, en particular a la cuestión planteada en Galiza en torno al concepto de “Novo Cinema Galego” –nombre de una corriente de difícil acotamiento, como veremos–, y hacerlo de un modo explicativo, estableciendo sus causas, su origen y su evolución. O obxectivo deste artigo é ofrecermos unha aproximación aos movementos cinematográficos dos últimos anos, nomeadamente á cuestión formulada en Galiza en torno ao concepto de “Novo Cinema Galego” –nome dunha corrente de difícil acoutamento, como veremos–, e facelo dun modo explicativo, estabelecendo as súas causas, a súa orixe e a súa evolución.

The presence of modernism and literature of Dario was notorious in the Argentine urban popular culture of the 1920s. This paper studies the dialogues that the literature of Nicolás Olivari (1900-1966), one of the poets of the first historical avant-garde, sets in its context of production. Pay attention to its appropriation, especially in his early writings, can review his poetry and explain one of the modes in which occurs a vanguard manifestation. La presencia del modernismo y de la literatura de Darío era notoria en la cultura popular urbana argentina de la década del 1920. Este trabajo estudia los diálogos que establece en ese período la literatura de Nicolás Olivari (1900-1966), un poeta de la primera vanguardia histórica, con dicha estética. Detenerse en estas apropiaciones, especialmente las efectuadas en sus primeros textos, permite revisar su poética y explicar uno de los modos en que se produjo una manifestación vanguardista.

This paper deals with the notions of “cinépoème” and “cinéroman” in French Modern Literature and the influence of cinema in the evolution of literary forms of the twentieth century. Este trabajo estudia los conceptos de cinepoema y cinenovela en la literatura francesa de vanguardia, así como la influencia que consecuentemente el cine ha tenido en la evolución de las formas literarias del siglo veinte. Ce travail aborde les notions de cinépoème et cinéroman dans la littérature française d’avant-garde, ainsi que l’influence du cinéma dans l’évolution des formes littéraires du vingtième siècle.

César Fernández Moreno undertakes a new definition of the genre from its inside, that is, trough the constant rewriting of classical and popular metres submitted to stylization and parody as well as to improper mixes combining elements of high and popular culture. Therefore, the estetics programme of this “collage” is not conveyed in the process of imagery construction –such as it is in those that were produced by different avant-guard movements –but it is expressed in a less direct way; and that is through the compositive dynamics of the poem as it is perceived, particularly in “short poems”. Poetic boundaries widen since any subject seems to be addressed and any tone or voice can be introduced by using diverse registres that work both in contrast and juxtaposition. César Fernández Moreno emprende una redefinición del género desde su interior, es decir, a través de la constante reescritura de metros clásicos y populares, a los que somete a estilización y parodia, así como a mezclas improcedentes entre materiales de la alta cultura y de la cultura popular. Por eso sostenemos que el collage, en su programa estético, no se manifiesta en el proceso de construcción de la imagen, como en el de las estéticas herederas de las vanguardias, sino que se concreta de un modo más indirecto, en la dinámica compositiva del poema, tal como se percibe, sobre todo, en los poemas “cortos”. A partir de los juegos subversivos, se hace patente uno de los bastiones de su proyecto: la ampliación de los límites de lo poético en cuanto cualquier tema parece poder ser abordado desde cualquier tono o con el uso de diversos registros yuxtapuestos en algunos casos, contrapuestos en otros.

The Oulipo establishes a new relationship with Antiquity, one which submits to a reevaluation and not to a process of destruction: by means of an analytic tendency, the Oulipo relives forgotten works or rereads the literature so dear to Classical tradition. With regards to its relationship with contemporary avant-garde, the Oulipo, which upholds the idea of a voluntary literature, opposes Surrealism, but shares with Tel Quel the playful notion of literature and the intent of reevaluating text as a practice founded on an handcrafted perception of a writer’s creation. The Oulipo’s answer to Nineteenthcentury Realism’s desire to break from narrative conventions animating Tel Quel and the Nouveau Roman is replaced by a new approach of perceived reality in its numerous and continuous transformations. El Oulipo establece una nueva relación con los Antiguos, que no somete a un método destructivo sino a una revalorización: por medio de la tendencia analítica, el Oulipo vuelve a proponer las obras olvidadas o a releer las obras ya consagradas por la tradición. Con respecto a las vanguardias contemporáneas, el Oulipo, que sostiene la noción de literatura voluntaria, se opone al Surrealismo. Sin embargo, comparte con Tel Quel el concepto de literatura lúdica y también el mismo propósito de una revalorización de la escritura como práctica que se basa en el carácter artesanal del trabajo del escritor. Al deseo de ruptura de las convenciones narrativas del realismo del siglo XIX, que anima Tel Quel y el Nouveau Roman, y que propone sólo una reforma de los mecanismos narrativos, el Oulipo opone una nueva aproximación a la realidad, percibida como continua transformación. L’Oulipo établit un rapport nouveau avec les Anciens qu’il ne soumet pas à une dynamique destructive mais à une réévaluation : par son orientation analytique l’Oulipo repropose les oeuvres oubliées et relit les oeuvres déjà consacrées par la tradition. En ce qui concerne son rapport aux avant-gardes contemporaines, l’Oulipo, qui soutient l’idée d’une littérature volontaire, s’oppose au Surréalisme mais partage avec Tel Quel la conception ludique de la littérature et le propos d’une même réévaluation de l’écriture en tant que pratique fondée sur une conception artisanale du travail de l’écrivain. Au désir de rupture des conventions narratives du réalisme du XIXe siècle qui anime Tel Quel et le Nouveau Roman et qui ne propose qu’une innovation des procédés narratifs, l’Oulipo substitue une nouvelle approche du réel perçu dans ses transformations nombreuses et continues.

At the beginning of the 20th century, the presence of intellectual movements in cinematography was due to the desire of showing a new reality in evolution. That initiative resulted in interesting proposals, brave attempts and multiple renounces, ambitious programmes and practical failures, some excellent results and a great majority of frustrated trials. In that period, we found many of the key factors to understand the subsequent evolution of cinema as synthesis of the previous disciplines and expression of a new sensitivity. La incursión de los movimientos intelectuales de principios de siglo en el ámbito cinematográfico, estuvo marcada por el deseo de plasmar una nueva realidad en continua evolución. Como resultado se obtuvieron interesantes propuestas, intentos arriesgados y multitud de renuncias, programas ambiciosos y fracasos prácticos, algunos resultados excelentes y una amplia mayoría de ensayos frustrados. En este período se hallan buena parte de las claves que permiten leer la evolución posterior del cine como síntesis de las disciplinas anteriores y vehículo de expresión de una nueva sensibilidad.

Gerardo Diego’s poetics, which moves between avant-garde and tradition, adopts an unexpected approach to the classical mythology by inverting the gender of well-known mithological creatures and characters from Greece and Rome. Such a particular view of this member of Grupo del 27 on certain stories of the Ancient World is not an isolated case but a recurrent treatment which affects poems written over a period of forty years. Rather than pretending to degrade the myths, Diego searchs another mode of introducing classical creatures, such as sirens or centaurs or mythological characters, like Narcissus, Icarus and Tantalus, who are already very common in his poetry. La poética de Gerardo Diego, oscilante entre vanguardia y tradición, adopta un inesperado acercamiento a la mitología clásica mediante la inversión del sexo de conocidas criaturas y personajes mitológicos de Grecia y Roma. Esta particular visión de ciertas historias del Mundo Antiguo no supone un caso esporádico en este miembro del Grupo del 27, sino un tratamiento reiterado que afecta a poemas escritos en un periodo de cuarenta años. Más que la degradación de los mitos, Diego busca otro modo de introducir seres clásicos, como sirenas o centauros o personajes mitológicos, como Narciso, Ícaro y Tántalo, muy comunes en su poesía.

This article explores the avant-garde background to postmodern radicalism, and it thereby offers a genealogical critique of themes in this strand of postmodern ethics. To begin, the collapse of structuralism led poststructuralists/postmodernists such as roland Barthes and Michel Foucault to appeal to sites such as the body and strategies such as transgression. They derived these sites and strategies from the avant-garde: we might trace their history through Dada, surrealism, and situationism. Moreover, these avant-garde movements inspired the appeals to similar sites and strategies by postmodernists such as Jean Baudrillard and Jean-François Lyotard. But, while several postmodernists remained wedded to avant-garde sites and strategies, they rejected the concept of the “real” by which the avant-garde had legitimated their ethics. The article concludes by exploring the way this legacy posed difficulties for postmodernism, and how these difficulties might be resolved. Este artículo explora los antecedentes vanguardistas del radicalismo postmoderno, y para ello ofrece una crítica genealógica de este hilo temático en la ética postmoderna. Para empezar, el colapso del estructuralismo llevó a autores postestructuralistas/ postmodernos, como roland Barthes y Michel Foucault, a apelar a ámbitos como el cuerpo y a estrategias como la transgresión. estos autores tomaron esos ámbitos y estrategias de las vanguardias, cuya historia trazaremos a través del dadaísmo, el surrealismo y el situacionismo. estos movimientos de vanguardia, además, inspiraron las apelaciones a ámbitos y estrategias similares de otros postmodernos, como Jean Baudrillard y Jean-François Lyotard. Pero, aunque hubo quienes permanecieron fieles a estos ámbitos y estrategias vanguardistas, rechazaron sin embargo el concepto de lo real con el que las vanguardias habían legitimado su ética. el artículo concluye explorando los problemas que este legado plantea a la postmodernidad, y cómo podrían resolverse.

The company-town is a sociological concept that explain the deep relationship between the city and his industrial development. Nanni Balestrini, an italian avant-guardist writer, in his novel Vogliamo tutto talk about the life of a generic factory worker in the city of Turin, where everything is work and industrializacion. Due to the style and his features the novel take a distance from the genre burgeoise to become an epic novel of the working class. La ciudad-fabrica es un concepto de la sociologia que describe la estrecha relacion entre la ciudad y su desarrollo industrial. Nanni Balestrini, escritor vanguardista italiano, en su novela Vogliamo tutto (Lo queremos todo) relata la vida de un generico obrero-masa en un Turin donde todo es trabajo e industria. Por estilo y caracteristicas la novela se aparta del genero burgues convirtiendose en una novela epica de la lucha obrera.

After many years exiled in Mexico, Luis Buñuel went back to Spain for the filming of "Viridiana" (1961). This flash with past revived their cultural origins and his more trangressor spirit, recalling the surrealism artist of "Un perro andaluz" and "La edad de oro". This period also defined his style as a classic artist engaged with avant-garde movement. El regreso a España para el rodaje de "Viridiana" (1961), después de muchos años de vivir exiliado en México, significó para Luis Buñuel el reencuentro con sus raíces culturales y su espíritu más transgresor, el del surrealista que fue en "Un perro andaluz" y "La edad de oro". Determinó también la consolidación de un estilo que le ha identificado como un clásico dentro de la vanguardia.

The writer Vicente Huidobro has often been associated with the cubist movement. In general, however, this association has more commonly been justified through the author’s biography and historical context than through his own written work. This paper follows the line of analysis focusing on the author’s own work through an incisive study of the morphology of Huidobro’s poem Altazor. This essay intends to show how there exists in Altazor a detailed re-imagining of some of the techniques employed by cubist artists. El escritor Vicente Huidobro ha sido asociado al movimiento cubista en muchas ocasiones. Por lo general, dicha asociación se ha justificado más desde la biografía y el entorno del escritor que desde su propia obra. Este trabajo ahonda en esa línea de investigación, su obra, y profundiza en el estudio de la morfología del poema Altazor. Este escrito pretende mostrar cómo en Altazor existe una reelaboración pormenorizada de algunas de las técnicas que emplearon los pintores cubistas.

This article deals with the different stages and key concepts in the works of Carl Einstein, cubist theoretician, ethnologist and early-expressionist prose writer. His complete works are examined along four decades, from the experimentalist stage of the avant-garde to his turn to cultural criticism, positions related to critical theory and committed literature. This paper is focussed on central texts for the different stages, which are also representative with regard to the complete works. The analysis of Einstein's literary works, as well as the exploration of his criticism on the written medium, are a significant part of the article, supported by his researches about cubism and African art, and by his aesthetic theory.

Darío is the key poet of the changing of the centuries, but he is above all the poet of the twentieth century who opens the gates of tradition so as to renew it and in books such as El canto errante paves the way to be followed by poets between the wars. The Nicaraguan is also the most widely published poet of the twentieth century. The commercial interest in his literature arose after his death, as can be seen by the different attempts to publish his «complete works» after 1917. The twenty-first century must be that of Darío as a writer of prose. Es Darío el poeta bisagra de la poesía de entresiglos, pero es sobre todo el poeta del siglo XX, el que abre las puertas de la tradición para renovarla y ofrece los nuevos caminos a seguir por los vates de entreguerras con poemarios como El canto errante. Es también el nicaragüense el poeta más editado del mismo siglo, interés comercial que surgió tras su muerte, como demuestran todos los intentos de publicaciones de «obras completas» a partir de 1917. Ahora debe ser el siglo XXI el del Darío prosista.

Es Darío el poeta bisagra de la poesía de entresiglos, pero es sobre todo el poeta del siglo XX, el que abre las puertas de la tradición para renovarla y ofrece los nuevos caminos a seguir por los vates de entreguerras con poemarios como El canto errante. Es también el nicaragüense el poeta más editado del mismo siglo, interés comercial que surgió tras su muerte, como demuestran todos los intentos de publicaciones de «obras completas» a partir de 1917. Ahora debe ser el siglo XXI el del Darío prosista. Darío is the key poet of the changing of the centuries, but he is above all the poet of the twentieth century who opens the gates of tradition so as to renew it and in books such as El canto errante paves the way to be followed by poets between the wars. The Nicaraguan is also the most widely published poet of the twentieth century. The commercial interest in his literature arose after his death, as can be seen by the different attempts to publish his «complete works» after 1917. The twenty-first century must be that of Darío as a writer of prose.