Search

In Zeami’s treatises, there is no place for what the modern Japanese would call a character (人物 jinbutsu). Instead, Zeami describes human forms (人体 jintai) produced by the actor on stage. Their shapes (姿 sugata/shi) are associated with the metaphors of the flower (花 hana/ka) which represents the beauty of the role on the stage, and of the the seed (種 tane/shu) which refers to its potentiality. Paradoxically, this lively metaphor is based on the artificial performance of a masked actor compared to a puppet (操り ayatsuri). Instead of a transcendental subject, we have an artificial form that will take the freshness and beauty of life through the actor’s mastery., Les traités de Zeami sur le nō n’accordent aucune place à ce que le japonais moderne désignerait comme « personnage » (人物 jinbutsu). À la place de cette notion, nous trouvons des formes humaines en performance (人体 jintai). Ces formes (姿 sugata/shi) sont associées à la double métaphore de la fleur (花 hana/ka) qui en figure la beauté sur scène, et de la semence (種 tane/shu) qui désigne la performance dans sa potentialité. Paradoxalement, cette métaphore pleine de vie de la fleur repose pourtant sur le jeu artificiel d’un acteur masqué comparé à une marionnette (操り ayatsuri). En lieu et place d’un sujet transcendant, nous avons affaire à l’immanence d’une forme dénuée de réalisme, à laquelle le savoir-faire de l’acteur donne la fraîcheur et la beauté de la vie.

Bonaventure Des Périers, author of Les Nouvelles récréations et joyeux devis (1558), not only borrows several stories from Poggio’s Facetiæ, he also plays with a too merry (“trop gaillard”) decorum, whose rhetorical, ethical, and moral implications he examines and exploits. Indeed, while the influences of the Italian original emerge in the cheerfully provocative enthusiasm of Des Périers’s rhetorical and narrative material, where he plays on the limits of propriety and good taste, his tales nonetheless highlight the moral implications of decorum, with some characters providing a unique illustration of magnanimity. In addition, these tales reveal that decorum can be a medium for questioning literary genres. While taking from Poggio’s Facetiæ, Des Périers practices a forward writing or écriture du dépassement: he goes beyond the licentious and provocative amusements inherited from the Italian humanist, in order to lay claim to a style of writing and to wake up readers who are prisoners of their reading habits. Bonaventure Des Périers, conteur des Nouvelles récréations et joyeux devis (1558), emprunte non seulement plusieurs récits aux Confabulationes du Pogge, mais joue également d’un decorum « trop gaillard » dont il interroge et exploite les implications rhétoriques, morales et esthétiques. En effet, si l’influence du modèle italien sert la verve joyeusement provocatrice d’un matériau narratif et rhétorique jouant avec les limites de la bienséance et du bon goût, les nouvelles de Des Périers soulignent néanmoins les implications morales de la notion de decorum, certains personnages des récits offrant une représentation singulière de la magnanimité. Ces nouvelles révèlent également que le decorum peut devenir le support d’un questionnement générique. En reprenant les facéties du Pogge, le conteur pratique une écriture du dépassement : aller au-delà du divertissement licencieux ou provocateur hérité de l’humaniste florentin pour mieux revendiquer une dynamique d’écriture et réveiller des lecteurs prisonniers de leurs habitudes de lecture. Riassunto: Bonaventure Des Périers, il narratore di Nouvelles récréations et joyeux devis (1558), non solo riprende diverse storie dalle Confabulationes di Poggio Bracciolini, ma si diverte anche con un decoro «trop gaillard» di cui mette in discussione e sfrutta le implicazioni retoriche, morali ed estetiche. Infatti, anche se l’influenza del modello italiano è al servizio della verve gioiosamente provocatoria di un materiale narrativo e retorico che gioca con i limiti della correttezza e del buon gusto, i racconti di Des Périers sottolineano le implicazioni morali della nozione di decoro, con alcuni personaggi dei racconti che offrono una singolare rappresentazione della magnanimità. Questi racconti rivelano anche che il decoro può diventare il mezzo di un discorso sul genere narrativo. Riprendendo le facezie di Poggio Bracciolini, il narratore pratica una scrittura del superamento: andare oltre l’intrattenimento licenzioso o provocatorio ereditato dall’umanista fiorentino per meglio rivendicare una dinamica di scrittura e risvegliare lettori prigionieri dalle loro abitudini di lettura.

Este trabajo analiza el personaje de Ginés de Pasamonte como la naturalización cervantina de un personaje heredado, más que como una crítica o parodia de un personaje real o un género literario. En la construcción del personaje de Ginés, Cervantes emplea una visión escéptica, rasgo característico de su escritura, que no aspira tanto a oponerse a la picaresca, como a aprovechar su potencial para entretener al lector aplicando dos recursos cómicos, la paradoja y la ironía. This article analyses Ginés de Pasamonte as a character from the literary tradition that Cervantes naturalized to his fictional world, more than a parody or criticism on a real figure or a literary genre. In the craft of Ginés, Cervantes applied a skeptical perspective, a peculiar aspect of his writing, which is not necessarily against picaresque, but a literary device to entertain the reader through two comic concepts, the paradox and the irony. Cet article analyse le personnage de Ginés de Pasamonte comme la naturalisation cervantine d’un personnage hérité, plutôt que comme une critique ou une parodie d’un personnage réel ou d’un genre littéraire. Dans la construction du personnage de Ginés, Cervantès utilise une vision sceptique, trait caractéristique de son écriture, qui ne vise pas tant à s’opposer à la tradition picaresque qu’à profiter de son potentiel pour amuser le lecteur en appliquant deux ressources comiques, le paradoxe et l’ironie.

L’objectif de cet article est de mettre au jour la triple sérialité qui a contribué à la célébrité des albums de guerre de Bécassine et des Pieds Nickelés parus de 1913 à 1919, et d’abord publiés en planches de BD dans les hebdomadaires La Semaine de Suzette et L’Épatant. Cette étude souhaite montrer comment le contexte belliqueux et propagandiste a participé de la popularité des aventures de ces héros par l’effet de réel et la tension narrative, d’abord dans le strip d’une planche, puis entre les épisodes de magazines et enfin entre les albums. Il sera dès lors nécessaire de s’interroger sur la stratégie éditoriale pour la diffusion séquentielle des histoires. On notera enfin le rôle du cliffhanger dans le renforcement d’une littérarité récurrente et la construction de types littéraires et sociaux. This article explains the triple seriality which contributed to the fame of the war picturebooks of Bécassine and the Pieds Nickelés published from 1913 to 1919, and first published as comic strips in the weeklies La Semaine de Suzette and L’Épatant. This study aims to show how the belligerent and propagandist context contributed to the popularity of the adventures of these heroes through the effect of reality and the narrative tension, first in the strip of a board, then between magazine episodes and finally between picturebooks. It will then be necessary to consider the editorial strategy for the sequential distribution of stories. Finally, we note the role of the cliffhanger in the reinforcement of a recurring literariness and the construction of literary and social types.

Cette étude se propose d’expliquer comment et pourquoi Arrien condamne certaines attitudes transgressives d’Alexandre avant de les défendre dans le portrait final du conquérant. L’historien reprend d’abord une mécanique topique de la transgression, qui lie le franchissement d’une frontière, l’adoption des coutumes barbares et la perte de la mesure. Mais il désolidarise ensuite ces différentes transgressions, en rendant possible le retour à une conduite mesurée et en distinguant la transgression véritable de la transgression apparente. Il établit ainsi des infractions de natures variées et des transgressions de différentes formes. Cette analyse lui donne l’occasion de dépasser l’opposition traditionnelle entre transgression et ordre établi : les barrières naturelles peuvent alors être franchies pour préserver la justice et, paradoxalement, l’entorse ostentatoire aux coutumes grecques et l’orgueil apparent du souverain peuvent devenir des remèdes contre le désordre. This paper tends to explain how and why Arrian condemns some of Alexander’s transgressions before approving them in the final description of the conqueror. At first, the historian depicts a traditional concept of transgression, which links the crossing of geographical boundaries to the adoption of barbarian habits and hubris. But afterwards he highlights the differences between these transgressions by making it possible to get back into a reasonable behaviour and by differentiating true transgression from apparent transgression. Thus, he establishes different kinds of violations. This analysis enables him to overcome the traditional opposition between transgression and the established order: geographic barriers can finally be crossed in order to preserve justice, and paradoxically, the ostentatious violation of Greek habits and the apparent arrogance can help the ruler fight against disorder.

La présente étude se propose d’interroger la notion d’exemplarité dans les Novelas amorosas y ejemplares de María de Zayas (1637), dont le titre peut être lu comme une amplification non dénuée d’opportunisme de la fameuse œuvre cervantine. L’article, en refusant de se limiter au seul examen des dénouements des «maravillas» de l’autrice madrilène, tente de montrer la cohérence de la construction des personnages et, dans certaines nouvelles, la patiente édification d’un sens exemplaire où s’exprime une perspective féminine qui revendique une égalité de facultés et de capacités entre femmes et hommes. This study sets out to interrogate the notion of exemplarity in María de Zayas’s Novelas amorosas y ejemplares (1637), whose title can be read as an opportunistic extension of Cervantes’s famous work. Far from limiting itself to the study of the outcomes of the «maravillas» of the author, the article attempts to show the coherence of the construction of the characters and, in some novels, the patient construction of an exemplary sense in which a feminine perspective is expressed that claims an equality of potencies and capacities between Women and Men. El presente estudio se propone interrogar la noción de ejemplaridad en las Novelas amorosas y ejemplares de María de Zayas (1637), cuyo título se puede leer como una ampliación oportunista de la famosa obra cervantina. Lejos de ceñirse al estudio de los desenlaces de las «maravillas» de la autora madrileña, el artículo procura mostrar la coherencia de la construcción de los personajes y, en algunas novelas, la paciente edificación de un sentido ejemplar en el que se expresa una perspectiva femenina que reivindica una igualdad de potencias y capacidades entre mujeres y hombres.

Y-a-t-il une spécificité à jouer un personnage de fantôme shakespearien plutôt qu’un personnage de chair et d’os ? À travers une création scénique de la scène 5 de l'Acte I de Hamlet avec trois actrices, nous commençons par creuser cette question en rendant visibles les processus de création et de représentation de l’acteur-spectre et de son fils et en observant comment se construit et évolue l’imaginaire scénique des actrices à partir et en regard des multiples strates de l'écriture shakespearienne. En partant de cette pratique actorale, nous cherchons à décrire comment le matériau que propose Shakespeare à son interprète sédimente en lui et comment s’incarne dans l’acteur une figure désincarnée. Cela nous mènera à une réflexion plus large sur la dimension spectrale de la notion de personnage dramatique qui s’apparente plus à un fantôme qu’à l’être humain avec lequel nous avons coutume de le confondre. Are there specific conditions to consider when playing a Shakespearean ghost character rather than a character of flesh and bone? Through a scenic creation of Act I, scene 5 of Hamlet with three actresses, this discussion probes this very question by making visible the processes of creation and representation of the actor-ghost and his son and by observing how the scenic imagination of the actresses is built and evolves from and in relation to the multiple layers of Shakespearean writing. Starting from actoral practice, this discussion explores how the material that Shakespeare offers his interpreter sediments in him and how a disembodied figure is embodied in the actor. This will lead us to a broader reflection on the spectral dimension of the notion of the dramatic character who is more like a ghost than the human being whom we usually mistake him for.

Este artigo pretende desdobrar a dimensão meta-literária da obra de Roberto Bolaño (1953-2003) em dois percursos paralelos trilhados nos seus múltiplos livros e que se encontram na personagem singular de Benno von Archimboldi, escritor consagrado de identidade desconhecida que une as diferentes partes de 2666. Neste sentido, procura-se numa primeira parte elencar e problematizar alguns dos tópicos tematizados por Bolaño dentro do campo literário e que serão capitais para a estrutura narrativa da sua obra magna. Num segundo momento, acompanha-se o percurso de Arturo Belano, alter-ego do autor e personagem fundamental para a compreensão da sua obra. Por último, analisa-se como estes dois percursos se confrontam e se consolidam na figura de Archimboldi, não só a nível temático mas igualmente ao nível do dispositivo narrativo. Cet article entend déveloper la dimension méta-littéraire de l’oeuvre de Roberto Bolaño (1953-2003) dans deux voies parallèles tracées dans ses multiples livres qui se retrouvent dans le personnage singulier de Benno von Archimboldi, un écrivain consacré à l’identité inconnue qui unit les différentes parties de 2666. Pour cela, la première partie cherche à énumérer et à problématiser certains des sujets abordés par Bolaño dans le champ littéraire et qui sera capital pour la structure narrative de son grand travail. Dans un second temps, nous suivons le chemin d’Arturo Belano, l’alter ego de l’auteur et personnage fondamental pour la compréhension de son oeuvre. Enfin, nous analysons comment ces deux voies se confrontent et se consolident dans la figure d'Archimboldi, non seulement au niveau thématique mais aussi au niveu du dispositif narratif. This article intends to unfold the meta-literary dimension of the work of Roberto Bolaño (1953-2003) in two parallel paths traced in his multiple books and which converge in the singular character of Benno von Archimboldi, a consecrated writer of unknown identity that unites the different parts of 2666. In this sense, the first part seeks to list and problematize some of the topics addressed by Bolaño within the literary field and which will be capital for the narrative structure of his opus magnum. In a second moment, we follow the path of Arturo Belano, the author's alter ego and a fundamental character for the understanding of Bolaños work. Finally, we analyze how these two paths confront and consolidate themselves in the figure of Archimboldi, not only at the thematic level but also at the level of the narrative device.

Thierry Groensteen’s concept of iconic solidarity (IS) is one of the most familiar terms in all of comics scholarship. This paper introduces a new theoretical term and concept, figural solidarity (FS), as a critical adaptation of Groensteen’s notion (1999; 2011); FS provides additional explanatory power in the central cases of narrative comics. FS is founded on the coreferentiality of sequential figures, which provides both cohesiveness and driving force for visual narratives. The introductory section compares empirical eye-tracking data with the hypothesized top-down strategies of readers influenced by FS, as they concentrate on recurring characters to understand narratives. Subsequent sections retrace FS’s theoretical roots in Groensteen, Mikkonen and other scholars. The concept of figure in the FS context is defined and intuitive motivation for it provided. We then address, without fully resolving, the question of whether and how linguistic theories of meaning can be applied to comics (with particular reference to Cohn’s Visual Language Theory). We hope that the concept of FS may promote a broader research program into how comics images create meaning. Le concept de solidarité iconique (IS) de Thierry Groensteen est l’un des termes les plus familiers dans les études sur la bande dessinée. Cet article introduit un nouveau terme et nouveau concept théorique, la solidarité figurale (FS), comme une adaptation critique de la notion de Groensteen (1999 ; 2011) ; FS fournit un pouvoir explicatif supplémentaire surtout dans les cas centraux des bandes dessinées narratives. FS est fondé sur la coréférentialité des figures séquentielles, qui assure la cohésion du récit visuel et fournit sa force motrice. La section d’introduction compare les données empiriques oculométriques avec les stratégies descendantes hypothétiques des lecteurs influencés par FS, alors qu’ils se concentrent sur les personnages récurrents pour comprendre le récit. Les sections suivantes retracent les racines théoriques de FS chez Groensteen, Mikkonen et d’autres chercheurs, définissent le concept de figure dans le contexte FS est fournissent une motivation intuitive pour son usage. Nous abordons ensuite, sans la résoudre entièrement, la question de savoir si et comment les théories linguistiques du sens peuvent être appliquées à la bande dessinée (avec une référence particulière à la théorie du langage visuel de Cohn). Nous espérons ainsi de promouvoir un programme de recherche plus large sur la façon dont les images dans les BD, au niveau de leur contenu visuel récurrent, créent du sens et permettent au lecteur de suivre et de comprendre le récit.

L’article interroge les liens entre la fictionnalité et la textualité qui sont appréhendées comme deux régimes distincts dont les rapports au texte divergent, afin de mieux examiner les exigences que font peser sur les modes d’analyse littéraire traditionnels, le terme de « transfictionnalité ». Il s’agit aussi d’interroger le statut du personnage et les modalités de ses migrations, selon le degré de fictionnalité du texte. En ce sens, il est question de manifester pourquoi le genre de la science-fiction entretient une connivence singulière avec la notion de « transfictionnalité » alors que cette notion est plus difficilement application aux textes médiévaux. Les limites de cette notion pour l’analyse de textes historiquement et/ou culturellement distants sont alors envisagées. The article examines the links between fictionality and textuality, which are understood as two distinct regimes whose relationships to the text diverge, in order to better examine the demands that the term "transfictionality" places on traditional modes of literary analysis. It is also a question of questioning the status of the character and the modalities of its migrations, according to the degree of fictionality of the text. In this sense, it is also a question of showing why the genre of science fiction maintains a singular connivance with the notion of "transfictionality" whereas this notion is more difficult to apply to medieval texts. The limits of this notion for the analysis of historically and/or culturally distant texts are then considered.

Les personnages de Lorca ont fait l'objet d’études de grande qualité qui portent toutes sur son théâtre et laissent de côté sa poésie. Le présent article aborde le régime lyrique des personnages lorquiens comme une forme de récitatif, et prend l’exemple d’Amargo, figure transgénérique, au croisement de l’élégiaque et du tragique, pour examiner ses incarnations dans Poema del cante jondo, Bodas de sangre et Romancero gitano. Lorca’s characters have been the subject of high-quality studies. All of them focus on his theater and leave aside his poetry. This article approaches the lyric regime of the Lorquian characters as a form of recitative, and takes the example of Amargo, a transgeneric figure, at the crossroads of the elegiac and the tragic, to examine his incarnations in Poema del cante jondo, Bodas de sangre and Romancero gitano.

Cet article interroge le statut du personnage de série télévisée de science-fiction lorsqu’il est confronté à son double issu d’un monde parallèle. Le personnage est analysé en lien avec les structures narratives, le monde fictionnel, les formes esthétiques, ainsi que les stratégies actorales employées par les acteurs. Les analyses figuratives déployées dans cet article entendent rendre compte des diverses esthétiques entourant le rapport à l’altérité qu’expérimentent les personnages sériels dédoublés. L’analyse débute avec des doubles clairement identifiables (par la caricature, l’aliénation corporelle, et l’« encadrement » de l’altérité) et se poursuit avec des substitutions de plus en plus imperceptibles (par l’intrication, l’indétermination, et l’image « biface »). This article questions the status of the sci-fi television series character when confronted with his double from a parallel world. The character is analyzed as dependent on narrative structures, the fictional world, aesthetic forms, as well as the practices of the actors. The figurative analyzes deployed in this article seek to account for the various aesthetics surrounding the relations to otherness experienced by split serial characters. The analysis start with doubles easily recognizables (by caricature, bodily alienation, and the “framing” of the alterity) and continue with overhauls increasingly imperceptibles (by intrication, entanglement, and “double-sided” image).

International audience; This article considers the question of the narrative of innovations through the characters involved and their actions in the innovation process. This entry through the characters allows us to understand the said process through the analysis of the several hardships. It is through the history of the TEL, a Saint-Gobain process that revolutionized insulation in the 1950s, that the authors choose to highlight the centrality of the characters. By relying on the discourses produced by the company, this contribution leads to emancipation from the myth of the solitary innovator and allows us to see that the design process was not a long, quiet river but was, on the contrary, full of pitfalls that the actors were able to overcome with panache.; Cet article propose d’analyser les récits d’une innovation à travers le prisme de deux des piliers de l’analyse narrative que sont les personnages et les actions qui les engagent dans le processus d’innovation. Plus précisément il s’agit de décrypter un ensemble de récits élaborés a posteriori pour identifier les personnages, comment ils se distinguent les uns des autres, leur rôle, leurs caractéristiques et les épreuves qu’ils rencontrent et surpassent. Nous retracerons ainsi l’aventure du TEL, procédé de fibrage de la laine de verre conçu par Isover, filiale de Saint-Gobain, qui a révolutionné l’isolation dans les années 1950. Nous montrerons comment cette démarche permet notamment de déconstruire deux des mythes accolés au processus d’innovation

L’Aîné des Orphelins a connu une réception critique ambivalente, à l’image du roman lui-même et de son narrateur. La pluralité des interprétations, quelquefois contradictoires, permises par le roman, révèle une poétique de la « distraction », au sens étymologique de « tirer en sens divers », « détourner ». En effet, par ces procédés de retardement et ces digressions, par la richesse symbolique – parfois paradoxale – des interprétations qu’il déploie, le roman et son personnage principal permettent de mettre au jour, au-delà de l’histoire même du génocide des Tutsis au Rwanda, la profonde complexité d’un phénomène comme celui du génocide, dont une partie de la réalité échappe toujours à la pleine et consciente compréhension., L’Aîné des orphelins received mixed critical reviews, fueled by the ambivalence of the novel itself and of its narrator. The plurality of interpretations, sometimes contradictory, allowed by the novel reveals a poetics of « distraction », in the etymological sense of « pulling in various directions ». Indeed, with its effects of delay and digressions and the wealth of symbolic – sometimes paradoxical – interpretations which it makes possible, the novel and its main character afford to light, beyond the very history of the genocide of Tutsi in Rwanda, the deep complexity of a phenomenon like genocide which still resists full and conscious understanding.

Au milieu du xxe siècle, Thérèse Le Prat photographie en France de nombreux acteurs de théâtre. Ses clichés ne visent pas à valoriser des célébrités, mais sont en quête des expressions des visages au cours de leur traversée d’un rôle, particulièrement en ce que ce dernier révèle une incarnation en prise sur son inéluctable disparition. Le théâtre photographique auquel se livre l’artiste, par une pratique singulière, touche ainsi au drame de l’existence humaine et en accueille la gravité. In the middle of the 20th century, Thérèse Le Prat photographs in France many actors of theater. Nevertheless her shots are not made to valorize celebrities, because she looks for expressions of faces during their passage through a role when is revealled an incarnation and an inevitable disappearance. Through a singular practice that we can call a photographic theater, this artist touches on the drama of human existence and its gravity.