Search

This article develops, identifies and presents two qualities to think about the objects used in creation processes in Performing Arts, in which we investigate body-object relations. We present the objects as docile or proposing and discuss their respective characteristics. Our methodology involved the selection and analysis of contemporary works in which we could examine principles relating to the physical characteristics of materials as well as the approaches adopted by the body in its relation to the object. This article is inspired by the Foucauldian notion of displacement applied to the consideration of other ways of thinking about the object beyond the so-called theater of objects or the understanding of the object as a scenic prop. In conclusion, we argue that recognizing these qualities of the object can contribute to expand the uses of the object in creation processes, including the production of specific objects for the Performing Arts. Cet article élabore, identifie et énonce deux qualités pour penser les objets utilisés dans les processus de création en arts scéniques dans lesquels les relations corps-objet sont étudiées. Les objets sont présentés comme dociles ou proposants et leurs caractéristiques respectives sont expliquées. La méthodologie a utilisé l’analyse et la sélection d’œuvres contemporaines dans lesquelles les principes relatifs aux caractéristiques physiques des matériaux ainsi que les approches effectuées par le corps lorsqu’il est mis en relation avec l’objet sont vérifiables. Ce texte s’inspire de la notion foucaldienne de déplacement au sens d’envisager d’autres manières de penser l’objet au-delà du théâtre dit d’objets ou de l’appréhension de l’objet comme accessoire scénique. Il est conclu que la reconnaissance des qualités mentionnées peut collaborer aux choix liés aux utilisations de l’objet dans les processus de création, y compris la production d’objets spécifiques pour les arts de la scène. O artigo elabora, identifica e enuncia duas qualidades para pensar os objetos utilizados em processos de criação em Artes Cênicas, nos quais se investigam relações corpo-objeto. Apresentam-se os objetos como dóceis ou propositores e explicitam-se suas respectivas características. A metodologia recorreu à análise e seleção de obras contemporâneas, nas quais são verificáveis princípios relativos às características físicas dos materiais, bem como as abordagens efetuadas pelo corpo quando colocado em relação com o objeto. Este texto inspira-se na noção foucaultiana de deslocamento no sentido de considerar outras formas de pensar o objeto para além do chamado teatro de objetos ou do entendimento do objeto como acessório cênico. Conclui-se que o reconhecimento das qualidades enunciadas pode colaborar nas escolhas relativas aos usos do objeto nos processos de criação, incluindo a produção de objetos específicos para as Artes Cênicas.

Transnationality and Modes of Production in Theatre Studies - This paper presents an argument in favor of a transnational approach which also examines modes of production within theatre studies in Brazil. Drawing on discussions that took place in July, 2018, at the Philanthropy, Development and the Arts international conference in Munich, we point to new possibilities that may enrich various fields of theatre research. In several cases discussed at the conference and summarized in this article, seemingly local issues and practices revealed their recurrence in other parts of the world (Brazil included), thus demonstrating their interconnection within transnational networks and circuits. In conclusion, it is suggested that the study of theatre from the perspective of transnationality and modes of production may also constitute an action in defense of research, and of the cultural milieu itself, particularly in countries that are living through reactionary periods, as is the case for Brazil today. RÉSUMÉ Transnationalité et Modes de Production dans les Études Théâtrales - Cet article examine l’importance d’une vision qui est transnationale et englobe en même temps les modes de production du théâtre dans les études théâtrales au Brésil. Basé sur un compte rendu des discussions qui ont eu lieu en juillet 2018 lors de la conférence internationale Philanthropy, Development and the Arts à Munich, l’article présente de nouvelles possibilités pour les différents domaines de la recherche théâtrale. Dans plusieurs exemples discutés lors de la conférence et résumés dans cet article, les problèmes et pratiques qui semblaient locaux se sont présentés comme récurrents dans plusieurs pays, parmi lesquels le Brésil, démontrant leur connexion avec les réseaux et les flux transnationaux. Enfin, il est suggéré que l’étude du théâtre sous l’angle de la transnationalité et des modes de production peut constituer une action de défense de la recherche et du milieu culturel, en particulier dans des pays en proie à des processus réactionnaires comme le Brésil. RESUMO Este artigo investiga a importância de um olhar que seja transnacional e ao mesmo tempo inclua os modos de produção nos estudos teatrais no Brasil. A partir do relato das discussões que ocorreram em julho de 2018 na conferência internacional Philanthropy, Development and the Arts, em Munique, o artigo levanta novas possibilidades para os diversos campos da pesquisa teatral. Em vários exemplos apresentados na conferência e sintetizados no presente artigo, questões e práticas que pareciam locais se mostraram como recorrentes em distintos países, inclusive no Brasil, evidenciando sua conexão com redes e fluxos transnacionais. Por fim, é sugerido que o estudo do teatro pela perspectiva da transnacionalidade e dos modos de produção pode constituir uma ação de defesa à pesquisa e ao meio cultural, principalmente em países que passam por processos reacionários como o Brasil.

RESUMO Dança e racismo: apontamentos críticos sobre o ensino de história da dança1 - Este artigo elabora algumas breves considerações sobre o ensino de história da dança nas universidades. O objetivo é discutir o racismo institucionalizado nos ambientes de ensino superior em dança por meio de apontamentos críticos sobre os conteúdos, de natureza hegemônica e colonial, aplicados aos processos de ensino-aprendizagem da história da dança. Além disso, pretende-se chamar a atenção para a urgência da constituição de uma outra dimensão de produção de conhecimento, desejando garantir ampla visibilidade para histórias marginais e periféricas no contexto da educação em dança. RÉSUMÉ Cet article élabore quelques brèves considérations sur l'enseignement de l'histoire de la danse dans les universités. L’objectif est de discuter le racisme institutionnalisé dans les milieux de l'enseignement supérieur en danse en formulant des remarques critiques au sujet des processus d'enseignement-apprentissage de l'histoire de la danse, qui font apparaître l’origine hégémonique et coloniale des contenus enseignés. Il s’agit en outre d’attirer l'attention sur l'urgence de créer une autre dimension de production de connaissances dans le but d’assurer une large visibilité aux histoires marginales et périphériques dans le cadre de l'enseignement de la danse. ABSTRACT This article elaborates some brief considerations on the teachings of dance history in universities. The goal is to discuss institutionalized racism in higher education dance environments through critical notes on the contents of a hegemonic and colonial nature applied to the teaching-learning of dance history. In addition, it aims to draw attention to the urgency of creating another dimension of knowledge production, in order to ensure that broad visibility is given to marginal and peripheral histories in the context of dance education.

Este artigo investiga a importância de um olhar que seja transnacional e ao mesmo tempo inclua os modos de produção nos estudos teatrais no Brasil. A partir do relato das discussões que ocorreram em julho de 2018 na conferência internacional Philanthropy, Development and the Arts, em Munique, o artigo levanta novas possibilidades para os diversos campos da pesquisa teatral. Em vários exemplos apresentados na conferência e sintetizados no presente artigo, questões e práticas que pareciam locais se mostraram como recorrentes em distintos países, inclusive no Brasil, evidenciando sua conexão com redes e fluxos transnacionais. Por fim, é sugerido que o estudo do teatro pela perspectiva da transnacionalidade e dos modos de produção pode constituir uma ação de defesa à pesquisa e ao meio cultural, principalmente em países que passam por processos reacionários como o Brasil. This paper presents an argument in favor of a transnational approach which also examines modes of production within theatre studies in Brazil. Drawing on discussions that took place in July, 2018, at the Philanthropy, Development and the Arts international conference in Munich, we point to new possibilities that may enrich various fields of theatre research. In several cases discussed at the conference and summarized in this article, seemingly local issues and practices revealed their recurrence in other parts of the world (Brazil included), thus demonstrating their interconnection within transnational networks and circuits. In conclusion, it is suggested that the study of theatre from the perspective of transnationality and modes of production may also constitute an action in defense of research, and of the cultural milieu itself, particularly in countries that are living through reactionary periods, as is the case for Brazil today. Cet article examine l’importance d’une vision qui est transnationale et englobe en même temps les modes de production du théâtre dans les études théâtrales au Brésil. Basé sur un compte rendu des discussions qui ont eu lieu en juillet 2018 lors de la conférence internationale Philanthropy, Development and the Arts à Munich, l’article présente de nouvelles possibilités pour les différents domaines de la recherche théâtrale. Dans plusieurs exemples discutés lors de la conférence et résumés dans cet article, les problèmes et pratiques qui semblaient locaux se sont présentés comme récurrents dans plusieurs pays, parmi lesquels le Brésil, démontrant leur connexion avec les réseaux et les flux transnationaux. Enfin, il est suggéré que l’étude du théâtre sous l’angle de la transnationalité et des modes de production peut constituer une action de défense de la recherche et du milieu culturel, en particulier dans des pays en proie à des processus réactionnaires comme le Brésil.

The article proposes the existence of an actorial network that created a character-type of the male homosexual, which could be called the bicha louca (crazy fag). Actors such as Nestor Montemar, Raul Cortez, Ítalo Rossi and Emiliano Queiroz participated in this network, contributing to the theatre being a space of visibility for the LGBT population and of resistance to the moral and political repression in the period of the Brazilian civil-military dictatorship (1964-1985). RÉSUMÉ L’article propose l’existence d’un réseau actorial qui crée un caractère type de l’homosexuel masculin, que l’on pourrait qualifier de pédé fou. Des acteurs tels que Nestor Montemar, Raul Cortez, Ítalo Rossi et Emiliano Queiroz ont participé à ce réseau, contribuant à faire du théâtre un espace de visibilité pour la population LGBT et de résistance à la répression morale et politique pendant la période de la dictature civilo-militaire brésilienne (1964-1985). RESUMO O artigo propõe a existência de uma rede atorial criadora de uma personagem-tipo do homossexual masculino, que poderia ser chamada de bicha louca. Participaram dessa rede atores como Nestor Montemar, Raul Cortez, Ítalo Rossi e Emiliano Queiroz, contribuindo para que o teatro fosse um espaço de visibilidade para a população LGBT e de resistência à repressão moral e política durante o período da ditadura civil-militar brasileira (1964-1985).

RESUMO O presente artigo busca compreender as formulações teóricas que ao longo do século XVII sistematizaram o balé de corte como arte, termo entendido à época como um conjunto de preceitos e regras. Após um breve arrazoado sobre os primeiros manuais de dança produzidos na Europa moderna, analisamos os tratados, discursos e libretos que versavam sobre a composição de balés. A partir das obras de Beaujoyeulx, Saint-Hubert, Marolles, De Pure e Ménestrier, entre outros, seria possível compreender os princípios eruditos e os preceitos orientadores da prática de composição desse espetáculo dançado na França do Antigo Regime, bem como a inserção da dança e do balé no domínio da produção escrita e da cultura letrada. RÉSUMÉ Cet article cherche à comprendre les formulations théoriques qui, tout au long du XVIIe siècle, ont systématisé le ballet de cour comme un art, terme compris à l'époque comme un ensemble de préceptes et de règles. Pour cela, nous avons récupéré les premiers manuels de danse écrits en Europe moderne pour ensuite analyser les traités, discours et livrets qui portaient sur la composition des ballets. A partir des œuvres de Beaujoyeulx, Saint-Hubert, Marolles, De Pure et Ménestrier, entre autres, il serait possible de comprendre les principes et préceptes qui ont guidé la pratique de composition du ballet en France sous l'Ancien Régime, ainsi que l'insertion de la danse et du ballet dans le domaine de la culture savante. ABSTRACT This article seeks to understand the theoretical formulations that throughout the 17th century systematized court ballet as an art, a term defined at the time as a set of precepts and rules. After a brief discussion about the first dance manuals produced in modern Europe, we analyze the treatises, discourses and librettos that addressed ballet composition. From the works of Beaujoyeulx, Saint-Hubert, Marolles, De Pure and Ménestrier, among others, it is possible to appreciate the erudite principles and precepts that guided the practice of ballet composition in France under the Ancien Régime, as well as the inclusion of dance and ballet in the domain of written production and literate culture.

Este artigo tece reflexões sobre algumas orientações de políticas públicas de educação, direcionadas para o mercado de trabalho e exemplificadas por recomendações da Organização para a Cooperação e Desenvolvimento Econômico (OCDE), em sua influência sobre a educação artística e, mais precisamente, teatral. Aborda problemas existentes nesse campo de atividade no Brasil e na França, com destaque para causas conceituais. Em uma possível contribuição para os debates sobre o utilitarismo na educação teatral, vale-se do conceito de resistência, presente nas obras de Michel Foucault, como mediador na utilização de estudos da cognição na análise do planejamento, condução e avaliação de aulas de teatro em escolas do ensino básico. This article presents reflections on certain public education policy guidelines, oriented to the labor market and exemplified by Organisation for Economic Co-operation and Development (OECD) recommendations, concerning their influence on artistic education and, more precisely, theater education. It addresses existing problems in the field of education in Brazil and France, with emphasis on conceptual causes. In a possible contribution to debates on utilitarianism in theater education, the concept of resistance, present in Michel Foucault’s works, is used as mediator in the utilization of cognition studies to analyze the planning, practice and evaluation of theater classes in primary schools. Cet article construit des réflexions sur certaines lignes directrices des politiques publiques d’éducation, orientées vers le marché du travail et illustrées par des recommandations de l’OCDE, dans ce qui concerne son influence sur l’éducation artistique et, plus précisément, théâtrale. Il approche des problèmes dans ce domaine d’activité au Brésil et en France, en mettant l’accent sur ses causes conceptuelles. Dans une éventuelle contribution aux débats sur l’utilitarisme dans l’éducation théâtrale, le concept de résistance, présent dans des œuvres de Michel Foucault, est utilisé comme médiateur dans l’utilisation des études de cognition dans l’analyse de la planification, la conduite et l’évaluation des classes de théâtre dans les écoles du système éducatif.

El presente artículo trata sobre la mímesis corpórea, técnica creada y desarrollada por LUME Teatro. El objetivo es explicar cómo por medio de esa técnica el actuante encarna poéticamente diferentes estímulos que se encuentran en la vida cotidiana, sean estas personas, imágenes, voces, sonidos, animales o, inclusive, textos o monumentos. Se discuten los conceptos de mímesis, observación y afectación, los cuales se constituyen en la base de esta práctica. A continuación, se describen diferentes experiencias de mímesis corpórea. Finalmente, se llega a la conclusión de que esta técnica es un campo abierto para la exploración actoral que se encuentra en un lugar intermedio entre la creación y el entrenamiento a partir del universo sensible de los artistas que la desarrollan. This article examines corporal mimesis, a technique created and developed by LUME Teatro. The objective is to explain how, with this technique, the performer poetically embodies different stimuli that are found in everyday life, be they people, images, voices, sounds, animals, or even texts or monuments. The concepts of mimesis, observation, and affectation, which form the basis of this practice, are discussed. Then, different experiences with corporal mimesis are described. Finally, it is concluded that this technique is an open field for exploring acting, which is found in an intermediate place between creation and training based on the sensorial universe of the artists who develop it. Cet article traite de la mimésis corporelle, une technique créée et développée par LUME Teatro. L’objectif est d’expliquer comment, à travers cette technique, l’interprète incarne poétiquement différents stimuli que l’on retrouve dans la vie de tous les jours, qu’il s’agisse de personnes, d’images, de voix, de sons, d’animaux et même de textes ou de monuments. Les concepts de mimesis, d’observation et d’affectation, qui forment la base de cette pratique, sont discutés. Ensuite, différentes expériences de mimétisme corporel sont décrites. Enfin, on en conclut que cette technique est un champ ouvert à l’exploration du jeu d’acteur, qui se situe à une place intermédiaire entre la création et la formation à partir de l’univers sensible des artistes qui la développent.

This article analyzes the importance that the Performing Arts can provide for children and adolescents in the post-pandemic. Using two experiences of the author as reference of analysis, it captures from these events argumentative material for the defense of the importance of Public Policies with the Performing Arts in educational spaces to minimize the effects of social isolation in the bodies of children and adolescents. It demonstrates how the Performing Arts can minimize the fear of human contact after a reality of isolation by creating an environment with creative dialogues, artistic and entertaining games. This is qualitative research with the use of the case study method. It concludes that the Scenic Arts when implemented as Public Policies in educational environments can become a powerful tool for overcoming the negative effects that social isolation, imposed by the Covid-19 pandemic, has caused in children and adolescents., Este artículo analiza la importancia que las Artes Escénicas pueden proporcionar a niños y adolescentes en el período post-pandémico. Utilizando dos experiencias de la autora como referencia de análisis, capta de estos eventos material argumentativo para la defensa de la importancia de Políticas Públicas con las Artes Escénicas en espacios educativos para minimizar los efectos del aislamiento social en el cuerpo de niños y adolescentes. Demuestra cómo las Artes Escénicas pueden minimizar el miedo al contacto humano después de una realidad de aislamiento, creando un ambiente con diálogos creativos, juegos artísticos y lúdicos. Se trata de una investigación cualitativa con el uso del método de estudio de casos. Concluye que las Artes Escénicas cuando implementadas como Políticas Públicas en ambientes educativos pueden configurarse en una poderosa herramienta para superar los efectos negativos que el aislamiento social, impuesto por la pandemia del Covid-19, provocó en niños y adolescentes., Este artigo analisa a importância que as Artes Cênicas podem proporcionar para crianças e adolescentes na pós-pandemia. Utilizando como referência de análise duas experiências da autora, capta desses eventos material argumentativo para a defesa da importância das Políticas Públicas com as Artes Cênicas em espaços educacionais para minimizar os efeitos do isolamento social nos corpos de crianças e adolescentes. Demonstra como as Artes Cênicas podem minimizar o medo do contato humano após uma realidade de isolamento criando um ambiente com diálogos criativos, jogos artísticos e divertidos. Trata-se de pesquisa qualitativa com o uso do método de estudo de caso. Conclui que as Artes Cênicas quando implementadas como Políticas Públicas nos ambientes educacionais podem se configurar em uma poderosa ferramenta para a superação dos efeitos negativos que o isolamento social, imposto pela pandemia da Covid-19, provocou em crianças e adolescentes.

O presente trabalho reflete sobre questões, inquietações e estratégias de ensino reveladas durante a experiência do ensino emergencial remoto, provocada pela pandemia mundial da COVID-19, no contexto da disciplina Ateliê de Cenografia II, do Departamento de Cenografia da Escola de Teatro da Universidade Federal do Estado do Rio de Janeiro. Em tempos tão desafiadores, a arte, com toda sua potência, possibilitou um movimento dialógico e de construção coletiva fortalecendo vínculos, escuta, criação e invenção. Afinal, o que podem gestos, muitas vezes mínimos, de atenção às singularidades e diferenças? O que pode uma relação de aprendizagem aberta aos encontros? O que podem os encontros?

The article addresses relationships between scenic and social space through the reflection on two artistic experiences, in dialogue with concepts from different authors and fields of knowledge. The focused experiences include the staging of Cidade Proibida, by Cia Rústica from Porto Alegre, and a more diffuse field of experiences and practices that we identify as " cabarets of South world ". The intention is to recognize and highlight knowledge and practices of small productions in the context of scenic arts from the South of the world, which are often structured in shared constructions that subvert the imposed precariousness and invent other spaces-time in the gaps of the prevailing neoliberalism. Collective, corporeal and festive performances that collapse binarism’s and can inspire imaginaries and narratives that announce renewed futures. El artículo aborda las relaciones entre el espacio escénico y el espacio social a través de la reflexión sobre dos experiencias artísticas, en diálogo con conceptos de diferentes autores y campos del conocimiento. Las experiencias enfocadas incluyen la puesta em escena de Ciudad Prohibida, de la Cía. Rústica de Porto Alegre, y un campo más difuso de experiencias y haceres que identificamos como "cabarets del sur del mundo". La intención es reconocer y resaltar conocimientos y prácticas de pequeñas producciones en el contexto de las artes escénicas del sur del mundo, que a menudo se estructuran en construcciones compartidas que subvierten la precariedad impuesta e inventan otros espacios-tiempo en las brechas del neoliberalismo vigente. Acciones colectivas, corporales y festivas que colapsan binarismos y pueden inspirar imaginarios y narrativas que anuncian futuros renovados. de acordo com as diretrizes: Osarquivosdevem estar formatos emou Docx, da seguinte forma: 1.Título, resumo e palavras-chave em português, inglês e espanhol. Título em caixa-baixa, máximo de100 caracteres com espaço. Resumo com o máximo de1000 caracteres com espaço. Usar de três a cinco palavras-chave. de acordo com as diretrizes: Osarquivosdevem estar formatos emou Docx, da seguinte forma: 1.Título, resumo e palavras-chave em português, inglês e espanhol. Título em caixa-baixa, máximo de100 caracteres com espaço. Resumo com o máximo de1000 caracteres com espaço. Usar de três a cinco palavras-chave. O artigo aborda relações entre espaço cênico e espaço social através da reflexão sobre duas experiências artísticas, em diálogo com conceitos de diferentes autores(as), de diferentes áreas do conhecimento. As experiências aqui enfocadas compreendem, além da montagem de Cidade Proibida, da Cia Rústica de Porto Alegre, um campo mais difuso de experiências e fazeres, que identificamos como “cabarés do sul mundo”. A intenção deste trabalho é reconhecer e destacar saberes e práticas de pequenas produções no contexto das Artes Cênicas do sul do mundo, que com frequência se estruturam em construções compartilhadas, as quais subvertem a precariedade imposta pelo neoliberalismo vigente e inventam outros espaços-tempos em suas frestas. São os fazeres coletivos, corpóreos e festivos, que colapsam binarismos e podem inspirar imaginários e narrativas que anunciem futuros renovados.

This paper presents Get[IN]Gravity, a digital media-art project implemented as an interactive video installation and, evolving from the analysis of this work, it intends to discuss the notion of Poetics of Instability, a concept under development that deals with the potentials of body instability in digital dance. The video materials were captured using the purposefully constructed 4GetGravity equipment. This solid metal structure allows the participant to move inside an open rectangular box supported by two parallel metal circles that allow it to rotate. The structure also has a special mount for a smartphone so that the rectangular box occupies the whole screen when recording video. As the structure is physically rotated, the gravity center changes, but the captured images keep the box as their only reference, challenging viewers' perception. The interactive installation invites the audience to decide on the character's displacement inside that, apparently stable, rectangular box, moving inside the five walls, apparently free(d) from the unidirectional expectation of gravity. info:eu-repo/semantics/publishedVersion

This research project in performing arts has as main objectives to build a creative process on the piece s A Midsummer Night Dream by Wiliam Shalespeare, and analysis of records and documentation to theories and concepts that lie in this Theatre contemporaneity. It stimulates the creation of experimentation scenic body of the characters and conflicts, with different methodologies and theatrical languages, which werw organized as a scenic choreography, realistic scenes, commedia dell arte, Butoh and performance-art. Concepts such as movement, action, narrative, physical condition, fiction and reality are addressed in practice and as a sign of experiments scene. The method od analysis is guided in account of the experiences, supported by theories of languages mentioned above, records created by actors anda scenic exercise recording on DVD. The completion of work fits in matters academic training for actor, such as stage presence, and vocal and body instrumentaliztation, subjectivity and interpretation, and still urgent need for ongoing dialogue between personal expression and collective communication. The process converged apparently opposing methodologies and languages, order a polyphony of routes and directions. Trying to approach multifaceted language of dreams, full of symbolism and implicit ways os meaning and content. O presente projeto de pesquisa em artes cênicas tem como objetivos principais a construção de um processo criativo sobre a peça Sonho de uma noite de verão, de William Shakespeare, e a análise dos registros e documentações à luz das teorias e conceitos que situam o Teatro em sua contemporaneidade. Estimula a criação cênica partindo da experimentação corporal dos personagens e conflitos, apresentando diferentes metodologias e linguagens teatrais, que se organizaram como coreografia cênica, cenas realistas, a commedia dell arte, o butô e a performance-art. Conceitos como movimento, ação, narrativa, estado físico, ficção e realidade são abordados de forma prática e experimetados enquanto signo de cena. O método de análise se pauta no relato das experiências, suportado pelas teorias das linguagens acima citadas, nos registros criados pelos atores e na gravação do exercício cênico em DVD. A conclusão do trabalho se insere em questões de formação acadêmica para o ator, tais como presença cênica, instrumentalização corporal e vocal, subjetividade e interpretação, bem como a necessidade ainda premente do diálogo contínuo entre expressão pessoal e comunicação coletiva. O processo convergiu metodologias e linguagens aparentemente opostas, visando uma polifonia de percursos e sentidos. Tentando aproximar-se da linguagem multifacetada do sonho, repleta de simbolismos e caminhos implícitos de significação e conteúdo. Mestre em Artes

Thoughts on narrative theater, with texts based on literary fiction. This text brings into focus aspects such as the creation of scenes based on books, the use of objects, spatiality, the relationship with the audience, the composition of gestures and acting. The author’s stage experiences are the main reference for this paper. The keeps a dialogue format, according to its source: an interview which was part of the Master’s degree research conducted by Ligia Borges Matias, the co-author of this article., Il s’agit d’une réflexion sur le théâtre narratif qui trouve dans la fiction littéraire son fondement textuel. Il traite des aspects tels que le passage du livre à la scène, l’utilisation d’objets, la spatialité, la relation avec le spectateur, la composition et le travail gestuel de l’acteur, ayant comme principale référence les expériences de mise en scène réalisées par l’auteure du présent article. Celui-ci conserve la forme dialogique présente à la source: l’interview réalisée par Ligia Borges Matias dans le cadre de sa recherche de Master en 2010. Cette dernière joue ainsi le rôle de co-auteure de l’article., Reflexões sobre o teatro narrativo que tem na literatura de ficção sua base textual. Abordam-se aspectos como a passagem do livro para a cena, o uso de objetos, a espacialidade, a relação com o espectador, a composição gestual e o trabalho do ator, tendo como referência principal as experiências de encenação realizadas pela autora. O artigo mantém o formato dialógico, de acordo com sua matriz: entrevista realizada por Lígia Borges Matias como parte de sua pesquisa de Mestrado, em 2010, e que ocupa, assim, o papel de coautora do artigo.

This text takes stock of the twelve years of emergence of the practice and term Postdramatic and some of its developments and issues in the performing arts. It discusses the changes through which the contemporary scene has gone since 1999 and consequently the changes we should consider when reading and analysing the concept of postdramatic; among them, the focus on collaborative work; new relations between theatre and society; the focus on dance; and the return of words. Finally, the text raises the question of whether or not the term postdramatic should be reconsidered., Ce texte dresse un bilan de la pratique et du terme postdramatique, depuis son émergence il y a douze ans, et de certains de ses développements appliqués aux arts du spectacle. Il propose une réflexion sur les bouleversements qu’a connu la scène contemporaine depuis 1999 et sur l’évolution du mode de lecture et d’analyse du postdramatique qui en découle. L’accent est mis sur le travail collectif; les nouvelles relations entre le théâtre et la société; les usages du coeur; l’attention portée à la danse; le retour du mot. Pour finir, le texte s’interroge sur éventuelle remise en question du terme postdramatique., Este texto faz um balanço dos doze anos de emergência da prática e do termo Pós-dramático e alguns de seus desdobramentos e questões para as artes cênicas. Discutem-se as mudanças pelas quais a cena contemporânea foi protagonista desde 1999 e, em consequência, as mudanças que devemos considerar ao ler e analisar o pós-dramático; entre elas, a ênfase no trabalho colaborativo; as novas relações entre teatro e sociedade; os usos do coro; a atenção à dança; o retorno da palavra. Por fim, o texto coloca a questão de saber se o termo pós-dramático precisaria ou não ser revisto.

Bringing together theatre and sport may seem paradoxical in Europe, but not in China where there seems to be noboundary between the two. There have also been cross-links between theatre and sport in history. However, scientific categorisation has neglected the products of this cross-fertilization and with it entire social, economic, ideological and cultural realities as well as the interest areas of populations and related industries. We propose four themes to address this issue: cross-links between the language of sport and theatre; theatre as ornament of sport; sport to prepare for theatre professions; synergies between the nature of sport and theatre., Rapprocher théâtre et sports paraît paradoxalen Europe, mais pas dans le monde chinois où aucune frontière ne semble exister entre eux. L’histoire révèle l’interpénétration du théâtre et des sports. Or, la catégorisation des sciences fait que des objets résultants de leur fertilisation croisée sont négligés, mais aussi des pans de réalités sociales, économiques et idéologiques, de la vie culturelle, du goût des populations et de leurs industries. Quatre thèmes sont avancés pour aborder cette problématique: l’interpénétration des langues du sport et du théâtre; le théâtre comme ornementation du sport; le sport comme préparation aux métiers du théâtre; la natureentre sports et théâtre., Aproximar teatro e esportes parece ser paradoxal na Europa, mas não no mundo chinês, onde nenhuma fronteira parece existir entre ambos. A história revela a interpenetração do teatro e dos esportes. Ora, a categorização das ciências faz com que objetos resultantes de sua fertilização cruzada sejam negligenciados, mas também partes de realidades sociais, econômicas e ideológicas, da vida cultural, do gosto das populações e de suas indústrias. Quatro temas são vislumbrados para abordar essa problemática: a interpretação das línguas do esporte e do teatro; o teatro como ornamentação do esporte; o esporte como preparação para as atividades teatrais; a natureza entre esportes e teatro.