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Nos últimos anos, o “arquivo”, tanto como conceito quanto como objeto, vem passando por uma transformação. A crescente disponibilidade de câmeras fotográficas e de vídeo, analógicas e digitais, levou a uma proliferação de documentos indexados fora dos arquivos oficiais e suscitou questões sobre o que constitui um “arquivo” e, consequentemente, sobre o que constituem “documentos de arquivo”. Ao mesmo tempo, cineastas estão se apropriando de imagens e sons de várias fontes, quebrando assim a distinção entre esses documentos e os “arquivísticos”. Isso exige uma reformulação da própria noção de documento de arquivo. Este artigo reformula a noção de documento de arquivo não como um objeto, mas enquanto uma experiência do espectador ou como uma relação entre o espectador e o texto. Defendo que certos documentos audiovisuais, ao serem apropriados por cineastas, produzem no espectador o que eu chamo de “efeito arquivo”, e essa experiência atribui aos documentos um tipo particular de autoridade “comprobatória”.

A fim de compreender como o posicionamento afetivo pode criar uma memória em torno das expectativas e impressões do público em contato com obras de arte de caráter híbrido, o foco deste artigo é tratar do processo constitutivo do relato sobre o comportamento do público visitante da exposição A arte eletrônica na época disruptiva. O texto visa questionar metodologicamente a delimitação de uma negação do espaço dos afetos para pesquisa sobre as disputas do lugar do espectador em modelos expositivos mais laboratoriais. Ao me propor a assumir uma posição mais experimental durante a observação participante na situação de visitação, investigo como me aproximar do campo de vivências do público ao interagir com a exposição de arte e tecnologia.

O objetivo deste trabalho é investigar a participação do espectador em programas televisivos, uma vez que diversas emissoras têm incentivado o público a intervir em processos e rotinas, geralmente por meio da criação de conteúdos. Com base no referencial teórico-metodológico da semiótica de linha francesa, vamos propor aqui um modelo capaz de explicar como tais estratégias se articulam dentro das atrações de TV. Embora esse esquema tenha nascido da análise de uma série de programas sobre futebol da televisão paga, acreditamos que os resultados podem ser ampliados para outras experiências de mídia nas quais se convida o consumidor a participar.

Este artigo busca repensar a interface entre a emancipação nas artes e na educação a partir da análise do conceito de espectador. Revisita a origem latina de spectator, mostrando as diferenças frente ao theorós grego. Promove, assim, uma espécie de genealogia do conceito na tentativa de repensar o estatuto de passividade frente ao agir e ao conhecer. Para isso, apoia–se na análise que Jacques Rancière faz em O espectador emancipado sobre os modelos de eficácia da arte, traçando paralelos entre aquilo que o filósofo define como mediações pedagógicas nas artes para pensar sua interface com o universo da educação, redefinindo, também, um certo lugar para a filosofia da educação. Tais razões ganham consistência no seio das partilhas do sensí­vel que delimitam uma certa relação de oposição entre o olhar e o conhecer, o olhar e o agir, partilhas que incidem também, por consequência, no modo de ser aluno. Pensar a emancipação em sintonia com o universo estético e, também, da filosofia polí­tica, no sentido de uma emancipação intelectual, permitem, assim, propor junto com Rancière um paralelismo entre o espectador emancipado e o aluno emancipado. Não mais nos termos de lugares de passividade e que, para tanto, necessitariam ser reformados. A reforma do teatro via espectador ou a reforma de escola via aluno são faces de um mesmo dispositivo de poder, de uma mesma partilha do sensí­vel. Repensar a interface entre a emancipação nos contextos das artes e da educação pode nos permitir um novo olhar sobre estas figuras, tradicionalmente encerradas em utopias polí­ticas que as viam apenas como dispositivos em potência, jamais em ato, ensejando uma nova forma de compreendermos o lugar da educação como questão filosófico–polí­tica e estética.

Este artículo presenta el estudio de las características enunciativas que los medios de comunicación emplean al incorporar la visualización de datos como un mecanismo para el contacto con la audiencia y el provecho de las redes digitales, los servicios de datos y las nuevas técnicas interactivas de presentación de información. El trabajo aborda el reconocimiento de este uso en el marco de eventos deportivos de gran escala, tomando en cuenta los conceptos de deporte, espectáculo, espectador y fanático. En este contexto se recurre a consideraciones culturales acerca de las relaciones establecidas entre los agentes de la comunicación y la apropiación social del deporte. Para esto se analizaron cinco casos de visualización de datos preparados para la Copa Mundo FIFA 2018 a partir de la dimensión enunciativa, que permiten descubrir las relaciones comunicativas establecidas al interior del texto (la interfaz de los dispositivos de visualización de datos) entre el productor, el usuario y los datos deportivos. Con esta aproximación se comprende el manejo de relatos de victoria inscritos en los dispositivos tecnológicos que facilitan tanto la anticipación del evento, como el empoderamiento del usuario, en un marco de flexibilidad temporal y complementariedad informativa que apelan directamente al espectador deportivo en la figura de fanático.

Neste ensaio nos propomos a uma análise do filme Viajo porque preciso, volto porque te amo (Marcelo Gomes e Karim Aïnouz, 2009) através de uma abordagem que leve em conta a dimensão do corpo em suas potências afetivas, tanto na maneira como essas se dão no filme quanto no modo como solicitam e promovem o engajamento do espectador.

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This study analyses the perceptions of n. = 4,273 high school students in the Spanish region of Aragón about relational bullying and cyberbullying from different perspectives, those of victims, aggressors and bystanders, to explore the possible concurrence between both types of bullying. A structural model of the concurrence between both types of violence was analysed, obtaining an optimal fit. This model of both relational bullying and cyberbullying represents a significant advance by including perspectives not only of aggressors and victims, but also those of bystanders. Results indicate that traditional bullying extends to cyberbullying among those involved: Both aggressors and victims of relational bullying are often bystanders of cyberbullying. Regarding the latter, the bystander in this type of violence may tend to be a victim or an aggressor in relational bullying who replicates behaviour he or she has seen before. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

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A partir de una reflexión en torno a conceptos como performatividad (Erika Fischer-Lichte, 2008) posdramático (Hans-Thies Lehmann, 1999) o giro social (Claire Bishop, 2012) esta introducción pretende dar cuenta, desde distintas perspectivas, de los nuevos procesos teatrales en el contexto español, alejados de los espacios convencionales y que toman como punto de partida el nuevo paradigma del espectador. La nueva espectacularidad del teatro español se ha concretado en la expansión de formas intervencionistas, colaborativas, dialógicas o participativas, que conciben el papel del espectador como un agente activo de transformación individual, pero también social y ciudadana. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

Desde los años noventa, coincidiendo con lo que Claire Bishop ha venido a denominar como giro social, asistimos a la proliferación de una serie de prácticas artísticas centradas en el desarrollo de un lenguaje que se sitúa en ese lugar de intersección entre el arte y la pedagogía. Es un cambio en las formas de concebir la creación artística donde el (des)encuentro e intercambio entre aquellos que participan se convierten en el motor de un tipo de estética que conocemos de diferentes maneras: arte relacional, arte en contexto, arte participativo, colaborativo etc. Este artículo pretende realizar un recorrido del trabajo de diferentes artistas-pedagogos, problematizando en todo momento la figura del espectador a través de un análisis crítico-teórico de una práctica artística aún invisibilizada dentro de los estudios teatrales. El marco teórico de autores como Nicholas Bourriaud, Claire Bishop, Jacques Rancière, Paolo Freire, Erika Fischer-Lichte o Félix Guattari me proporcionará las herramientas adecuadas para dotar de entidad propia a un tipo de manifestación artística que concibe de modo distinto no solo la noción de escuela, sino también de escena. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

En este artículo se analiza cómo nuestra conciencia tecnológica ha transformado el concepto tradicional del espectador en el ámbito teatral contemporáneo. La amplia fenomenología del teatro tecnológico o de imágenes muestra cómo a la lógica inicial de confrontación con los procedimientos mediáticos se le ha opuesto la contraria de la imitación y la contaminación. La permeabilidad de dichas técnicas sirve de fundamento para la reformulación de lo teatral a partir de lo performativo y lo posdramático. Desde las propuestas intermediales a las transmediales, se da lugar a una amplia tipología—observador activo, participante, cocreador, jugador, usuario o incluso phoneur—en la diversidad de manifestaciones de recepción de las nuevas teatralidades. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

Georges Didi-Huberman en Supervivencia de las luciérnagas a 'decir sí en la noche surcada de fulgores y no contentarse con describir el no de la luz que nos ciega' podría constituir el referente de los últimos trabajos de la compañía Matarile, singularmente Teatro invisible y Antes de la metralla. La compañía regresó a los escenarios tras un periodo de inactividad, que adquirió expresión pública en su trabajo Cerrado por aburrimiento. Su retorno respondía a una voluntad de resistencia que implica tanto a la propia compañía en su relación con el medio teatral como al público al que convoca. Las propuestas últimas se han caracterizado por una acentuación de lo precario, lo informal, lo fragmentario e incluso de lo indolente, por una búsqueda de la proximidad física o incluso del contacto con el público y por la integración de actuantes no profesionales en unos procesos abiertos, susceptibles de cambios. En estos trabajos se pretende dar la réplica a los paradigmas en los que la participación del público encubre criterios autoritarios, en cuanto que responde a instrucciones estrictas o a preguntas que llevan ya la respuesta implícita. Los trabajos de Matarile procuran al espectador el espacio para la discrepancia y la crítica, lo que no impide la invitación final a una celebración conjunta que supone tanto una neutralización de la distancia entre emisores y receptores del discurso escénico, como un reconocimiento del sustrato común que reúne a todos: la alegría de estar vivos. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

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The present paper discuss the artwork Inserções em Circuitos Ideológicos, by Cildo Meireles, from the point of view of the creative act, with emphasis in the importance of the spectator; and language, focusing the theory of myth, by Roland Barthes. By utilizing this framework, a detailed analysis of the work is made, discussing the differences between Projeto Coca-Cola and Projeto Cédula regarding the role of spectator; the notion of ‘circuit’; and ways of overcoming ideological alienation.

Los medios de comunicación han cobrado gran importancia como agente socializador, forjando y transmitiendo identidades a través de imágenes y discursos, de tal modo que influyen, de manera inmediata y cotidiana, en las conductas y actitudes de los espectadores. Y uno de esos medios, tan profundamente arraigado en nuestras costumbres cotidianas que difícilmente podemos desprendernos de su consumo y del poder que ejerce sobre nosotros, es la televisión (convencional o visionada a través de internet). La competencia de las cadenas televisivas y la feroz lucha por la audiencia han llevado a un cambio en la programación, de tal manera que, en la actualidad, un porcentaje importante de la parrilla lo constituyen los denominados programas basura, entre los que no son ajenos aquéllos que exhiben prejuicios y estereotipos de género. Este trabajo pretende examinar los productos televisivos consumidos por los adolescentes y el impacto e influencia que tienen en ellos los denominados “reality shows”. Para ello se utilizó un cuestionario de elaboración propia de 36 ítems (con preguntas abiertas, cerradas y tipo Likert), que fue aplicado a una muestra de 237 sujetos de entre 14 y 23 años. Tras analizar, agrupar, contrastar e interpretar los datos, constatamos que el consumo de televisión entre los sujetos de la muestra es masivo y cotidiano (99,4%), así como los comentarios al respecto en las redes sociales. De igual manera, un 73% de los sujetos manifiesta ser seguidor de, al menos, un reality show, una mayoría (87,3%) encuentra importantes ventajas al hecho de salir en televisión, a un 35% les gustaría ser personas relacionadas con la fama y a un sorprendente 27% les gustaría participar en un reality show. Los resultados muestran la necesidad de una educación para el consumo de los productos televisivos que ponga el énfasis en el papel reflexivo y crítico del espectador.

The twentieth century has imposed a series of concepts such as violence, coercion or injustice that have not been mitigated and that make us not illusions with politics. Judith Shklar's solution, like that of Aurelio Arteta, is a rule of law and an active and combative attitude towards injustice. Knowing injustice can reduce it by influencing governments. Arteta, in similarity with this thought, considers other possibilities besides executioner and victim, since the public evils require of many that they consent by their abstention, like spectators, an opinion in line with the thought of H. Arendt. Our conformism and indifference make us complicit.

To look, to see, to interpret and to value are common operations that give diverse results depending on the subject and of the historical period. Goethe said that every attentive look addressed the world contains a reasoning on it. The present article, intends to compare this reasoning in four different drawings, of similar composition.

Los espectadores crean vínculos con las series audiovisuales, por ello marcas y empresas se interesan en ellas como posibles soportes publicitarios, por la empatía que generan y el coste bajo en relación con otros medios e impacto más elevado (se evita el cambio de canal durante la publicidad). La presente investigación mide el grado de lealtad e interés hacia las series audiovisuales, analizando la existencia de diferencias significativas en función de variables sociodemográficas como la edad, el sexo o la ocupación. Para ello se ha llevado a cabo una investigación cuantitativa utilizando como instrumento de recolección de información el cuestionario. Se han seleccionado a través de muestreo aleatorio sistemático a un total de 484 individuos del territorio español. Los resultados muestran que al 37,5 % de los encuestados les interesan las series audiovisuales, que además tienden a aficionarse, es decir, siguen varios capítulos y que a su vez éstos hacen recomendaciones de las mismas, llegando así a mayor número de personas. Además, en general, las variables sociodemográficas no influyen ni en la identificación ni en el interés por las mismas a excepción de dos casos concretos, por lo que en conclusión las campañas a través de este medio pueden ser generalistas.

Este artigo propõe analisar conceitos que envolvem a problemática da visibilidade e de identificação em duas séries fotográficas produzidas pela Artista Fabiane Machado, assim como a relação que as obras estabelecem com o espectador. As fotografias foram realizadas a partir de técnicas experimentais de distorção da imagem e seu desenvolvimento desencadeou questionamentos estéticos e teóricos que conduzem a sua produção poética. São traçados paralelos dentro da proximidade estética com os autorretratos de Francis Bacon, assim como apoio teórico em pensadores como Didi G. Huberman, André Rouillé e Roland Barthes. Os referenciais apresentados se fazem necessários para melhor compreender as relações entre imagem e visibilidade.

Este artigo analisa a importância do espectador não especializado para a sustentabilidade do teatro – notadamente o teatro de grupo paulistano, em âmbitos artísticos e econômicos. O artigo é originado da pesquisa “Respeitável público: uma reflexão sobre a relação entre o teatro de grupo paulistano e o público não especializado”, desenvolvida durante o Mestrado em Estudos Culturais na EACH/USP e exposta no IV Simpósio Internacional de Cultura e Comunicação na América Latina do CELACC/USP. O autor propõe que o contato com o público deve se tornar preocupação e responsabilidade prioritárias entre aqueles que oferecem atividades ou bens culturais – produtores, artistas, difusores e pesquisadores, para que a ação cultural tenha reais condições de, ao mesmo tempo, promover o sustento digno de seus profissionais e conquistar relevância e sentido social.

La etiqueta de “adaptación” cinematográfica, que ha sido utilizada históricamente con un sentido peyorativo y corruptor respecto al discurso textual de partida, resulta insuficiente para dar cuenta de los efectos estéticos, técnicos y pragmáticos que se producen cuando la literatura es llevada a la pantalla. Particularmente, la película Tormento (1974) de Pedro Olea, basada en la novela homónima galdosiana de 1884, nos ofrece un campo amplio para indagar cómo el director vasco realiza una valiosa reescritura fílmica a través del uso premeditado de la imagen y la palabra. En el cine de Olea, la palabra ofrece estructura y anclaje al significado de la imagen, lo que permite establecer nuevas narraciones posibles sobre la novela galdosiana y, también, analizar cómo se producen, gracias a sus prácticas cinematográficas, ciertos efectos estéticos que el espectador ha de saber interpretar. Estamos, pues, en la línea de una teoría de la recepción cinematográfica donde el espectador tiene mucho más que decir en la dotación del sentido de la obra artística.

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The present work is presented as an approach between the notion of the imaginary with the theory of the film viewer, formulated in 1956 by Edgar Morin, in his classic text The cinema or the imaginary man and enlarged by Francesco Casetti with the thesis of the enunciation in the cinema. In this way, the main objective of this article is to capture theoretical bases from the reflection of both conceptualizations. Thus, this initiatory work aims to be an epistemological contribution to future research projects. For this, at the methodological level, an initial theoretical path is developed that has its anchor -and its respective critical reading- in the contributions of Gilbert Durand and Cornelius Castoriadis, in the permanent concern of both for "drawing" those elements inherent in anthropos that allow the construction of their historicalsocial environment from subjectivity. The latter conceived as intrinsic peculiarity to the human being. It is concluded that through an artificialimaginary state the viewer feels close and is able to recognize the reality of the images that the big screen offers him, coming into direct contact with his fantasies, fears and dreams. In other words, here the double dimension of the film is observed as an artifact and as a subjective experience. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

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Critical review of the book "O Espectador (In) Visível – Reflexividade da óptica do espectador em INLAND EMPIRE de David Lynch" by Fátima Chinita

No es desconocida la experiencia que con el cine, en el cine o en casa frente al televisor, puede tenerse. Se trata, como se sabe, de una experiencia en sentido amplio, pues confluyen elementos vitales de todo tipo, desde los morales hasta los artísticos. Es, pues, una experiencia vital, de vida, en la que se muestra cómo la imaginación, lo imaginario, lo real y la realidad se relacionan en la vida entera del ser humano. En esta contribución se propone mostrar que la reflexión y las ideas de Julián Marías sobre la sensibilidad y la imaginación del espectador de cine es una Estética en el primer sentido que se le puede adjudicar a la más reciente de las disciplinas filosóficas, a saber, como saber de la propia sensibilidad. En este caso se trata de una que se acerca o vive la experiencia cinematográfica. Julián Marías para explicarse desarrolla los conceptos de imaginación, realidad e historia. A partir de ellos puede dar cuenta de la sensibilidad del espectador de cine.

Con una frecuencia superior a la que cabría esperar, los grandes perpetradores de crímenes resultan, si no exonerados de la responsabilidad que les compete asumir por sus actos delictivos, al menos, sí, tratados con una excesiva indulgencia —cuando no es que son exaltados al nivel de cuasi-héroes— por parte de la sociedad que los padeció. Curiosamente, la responsabilidad de la que se exonera al criminal se suele endilgar a los espectadores, a cuya indiferencia se atribuye el haber hecho posibles los males causados. Entre tanto, las víctimas son relegadas a un segundo plano, como si no contasen para nada. En este trabajo se realiza una indagación acerca de las condiciones que subyacen a esta situación, concluyendo que la razón principal radica en la presión ejercida por el fatum del superviviente.

O artigo dispõe-se a refletir sobre a relação do espectador junto às obras que utilizam a imagem em movimento no espaço do museu e como tal relação gera novos modos de fruição, ressaltando a disponibilidade de tempo dedicado à apreciação das obras. Trata-se de analisar a relação entre o tempo da obra e o tempo do espectador diante de lmes de longa temporalidade, como é o caso das instalações The Clock (2010), de Marclay, e Theresienstadt (2007), de Blaufuks, a partir de conceitos como cinema expandido (PARENTE, 2006) e espectador pensativo (BELLOUR, 1987). Ademais, tem-se em conta o aporte teórico que trata do cinema lento e da emancipação do espectador que se apresenta como responsável por tornar a arte produtiva.

The paper proposes to reflect about the spectator’s relationship with the works that use the moving image in the museum space and how this relationship generates new ways of fruition, highlighting the time available for the appreciation of the works. It intends to analyze the relationship between the time of the work and the spectator’s time on long temporality films, as in the case of installations such as Marclay’s The Clock (2007) and Blaufuk’s Theresienstadt (2007), using concepts like expanded cinema (PARENTE, 2006) and pensive spectator (BELLOUR, 1987). Furthermore, it regards the theoretical framework that deals with slow film and the emancipation of the spectator that presents itself as responsible for making the art productive.