Search

En este artículo se analizan algunos aspectos teóricos e ideológicos que determinaron que las vanguardias artísticas se comprometieran en la construcción y el desarrollo de lo que Jean Francoise Dupuis (2004) ha llamado «estética radical», con el objetivo de mostrar que conceptos como utopía y revolución se vuelven fundamentales para poder entender el modo en el que las vanguardias de principios del siglo entendieron tanto su labor artística como su función social y política. Para ello, se reflexiona acerca del concepto de utopía y las problemáticas que encierra esta noción; se considera que este modelo utópico estuvo fuertemente vinculado a la idea clásica de revolución, la cual estaba inserta en el imaginario de las vanguardias artísticas. Por último, se analizan diferentes enfoques sobre el realismo con la idea de poder esbozar una reinterpretación del concepto de utopía.

El presente artículo analiza la relación que existe entre arte y literatura, donde la vanguardia ocupa un lugar fundamental. Más allá de centrarnos en la autonomía o no de las artes, se busca entender los diferentes momentos de intimidad que hay entre éstas. Así, se hará especial énfasis en aspectos, a veces un tanto olvidados, como son la écfrasis y el rebus; lo que nos permitirá sumergirnos en los encuentros que se producen entre ambas disciplinas.

Las técnicas gráficas del collage y el fotomontaje, nacidas en el seno de las vanguardias artísticas de los años veinte del pasado siglo, principalmente en el cubismo, se extendieron e impregnaron todas las artes, incluyendo la arquitectura; técnicas de una aparente sencillez operativa basadas en el recorte y pegado de elementos o retales de materiales heterogéneos que se re-combinaban atendiendo a nuevos principios y significados plásticos, llegando a adquirir una alta potencialidad de diseño y conceptualización. Destacaron en su utilización algunos de los más importantes representantes del constructivismo ruso, la Bauhaus y del Movimiento Moderno, como los maestros Frank Lloyd Wright, Le Corbusier y Mies van der Rohe.

El artículo presenta una lectura del poemario Vida bilingüe de un refugiado español en Francia, de Rafael Alberti, publicado en Argentina en 1942. La obra, sin embargo, había sido escrita en Francia, entre los años 1939 y 1940, durante el primer tiempo del largo exilio del poeta. A partir de la figura del flâneur que el itinerario del sujeto lírico por la ciudad de París sugiere, evocando no solo a Charles Baudelaire, sino también a Apollinaire y Aragon, tratamos de reflexionar sobre la manera como Rafael Alberti moviliza los recursos formales y la relación con la tradición literaria en ese momento clave de su itinerario poético y de la lírica del siglo XX. Asimismo, se considera que el poemario invita a pensar la condición del poeta y de la literatura en un periodo que anuncia los hechos más bárbaros que la historia humana conocerá.

Este texto analiza la revista Repertorio Americano como una publicación de vanguardia que logró consolidarse como espacio clave para la cultura e intelectualidad latinoamericana. Su permanencia durante la primera mitad del siglo XX la ha convertido en matriz de la identidad en América Latina a través de las diversas corrientes de pensamiento que circularon por sus páginas, siendo ejemplo de la existencia de foros culturales de renovación y debate entre lo artístico, lo literario y lo político. Sin duda alguna, ello desmiente la supuesta pasividad de Costa Rica frente a los cambios culturales y demuestra que existió un interés por las vanguardias, especialmente en la búsqueda de una nueva identidad nacional y latinoamericana.

Museo Picasso Málaga. Del 10 de octubre de 2017 al 28 de enero de 2018.

Copyright of Procesos: Revista Ecuatoriana de Historia is the property of Universidad Andina Simon Bolivar, Sede Ecuador and its content may not be copied or emailed to multiple sites or posted to a listserv without the copyright holder's express written permission. However, users may print, download, or email articles for individual use. This abstract may be abridged. No warranty is given about the accuracy of the copy. Users should refer to the original published version of the material for the full abstract. (Copyright applies to all Abstracts.)

In a historical period that has decreed the end and the impossibility of the avant-garde, some writers recover that tradition and displace its definitions. In Argentina, Pablo Katchadjian's "beginnings" were characterized by a series of spectacular interventions and an extension of the experimental. In the article I intend to delimit the problems of these anachronistic avant-gardes by proposing a reading of the author's strangest book, the novel Qué hacer (2010). The structural combinatorial, the relationship with the literary past, the exacerbated formalism and certain representations of time, among other elements, seem to answer the question posed by the title: how to do in order to continue writing. In Katchadjian, writing continues thanks to a renewed and traditional effect of hallucinatory estrangement. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

Cuando Joan Brossa, gracias a su descubrimiento de las vanguardias, empieza a fijarse en los objetos cotidianos como material artístico, comienza el camino de experimentación que le llevará a la creación de sus 'poemas objeto'. Su amistad con Antoni Tàpies le llevó a compartir con él este horizonte, en un proceso de diálogo a través del cual cada uno de ellos fue desarrollando perspectivas diversas. A través de textos autobiográficos y del análisis de algunas obras que incorporan elementos objetuales, veremos la manera que tuvo cada uno de estos artistas de apropiarse del objeto. Brossa pone el acento en la dimensión verbal y conceptual de la obra, mientras que Tàpies encuentra en su dimensión material una puerta hacia otra manera de hacer presente tanto la realidad exterior como su realidad más íntima [ABSTRACT FROM AUTHOR]

This essay analyzes the relations between Alfonso Reyes and Argentinean artist Xul Solar about an evocative project: an American cultural independence from the integration of the local and universal. We propose tracing imaginary lines between Visión de Anáhuac and a selection of Solar's watercolors to focus on the updating of the American past that has been superseded by the Conquest and Colonization and the resignification of cultural tools derived from the Western tradition. Our aim is to establish a common matrix, where the interrogation of the present and the search for an autonomous art and literature favor the imagination of the pre-Hispanic past through formal experimentations, to some extent, equivalent in writing and painting. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

Copyright of Escritura e Imagen is the property of Universidad Complutense de Madrid and its content may not be copied or emailed to multiple sites or posted to a listserv without the copyright holder's express written permission. However, users may print, download, or email articles for individual use. This abstract may be abridged. No warranty is given about the accuracy of the copy. Users should refer to the original published version of the material for the full abstract. (Copyright applies to all Abstracts.)

Copyright of Aurora: Papeles del Seminario María Zambrano is the property of Seminario Maria Zambrano and its content may not be copied or emailed to multiple sites or posted to a listserv without the copyright holder's express written permission. However, users may print, download, or email articles for individual use. This abstract may be abridged. No warranty is given about the accuracy of the copy. Users should refer to the original published version of the material for the full abstract. (Copyright applies to all Abstracts.)

Copyright of Index: Revista de Arte Contemporaneo is the property of Pontificia Universidad Catolica del Ecuador and its content may not be copied or emailed to multiple sites or posted to a listserv without the copyright holder's express written permission. However, users may print, download, or email articles for individual use. This abstract may be abridged. No warranty is given about the accuracy of the copy. Users should refer to the original published version of the material for the full abstract. (Copyright applies to all Abstracts.)

This paper analyses José Carlos Mariátegui’s reception of Russian literature during the 1920s. For Mariátegui, the Russian Revolution brings about a change of times which implies not only a turning point as regards Russia’s political and economic life but also the confirmation of the imminent failure of the bourgeois civilizing process and, above all, the possibility of a revolutionary perspective in Peru. The relevance of literary analysis, within the framework of cultural criticism, can be noticed in studies related to European Avant-gardism as well as the incipient Realism in the continuity of the Bolshevik revolutionary process. Mariátegui’s critical interventions in the process introduced by the Revolution, therefore, shows a reinterpretation of history as an open process, in which the individual point of view interacts with the political project.

The interest of the silent work of the artist in his studio or the continued attention of the slow gestation of the architecture, have been constant since long time ago. The good photographers have always been ready to put their careful look on this processes. It's very interesting to peel what ocurred in the first decades of the 20Th century, and specially on the years before the spanish civil war. In this years, I will observe the figures of two women photographers - Dora Maar and Margaret Michaelis- that understood the creative processes as a fundamental part of the artistic creation, and thanks to which, we discovered this authors, we visualize the scenes of their gestation and we enjoy with the plastic arts of their constructive advances.

La existencia del hombre sobre la tierra implica necesariamente un cuerpo físico, que vive o vivió inserto en un conjunto de sistemas simbólicos desde el cual trama su presencia (Breton; 2002). Así, es posible indagar los imaginarios, percepciones, discusiones que se generan en torno a la corporeidad como categoría teórica posible de analizar en la literatura argentina tomando en cuenta los distintos dispositivos artísticos y culturales que se emplean en las producciones de una sociedad específica. Concretamente, nos centramos en un periodo de dicha literatura donde las revistas literarias se convierten en espacios propicios para las innovaciones y protestas, culturales y estéticas, de los jóvenes vanguardistas. Entre esas revistas, de siglo XX, la más resonante fue Martín Fierro, en la cual indagaremos los modos en que se inscriben los cuerpos a partir del análisis de elementos paratextuales y lingüísticos mediados por la estética vanguardista. Por medio del análisis cualitativo de la revista, consistente en el registro y sistematización de los diferentes modos de inscribir la corporeidad, detectamos que las técnicas empleadas en la representación visual traducen una tensión de fondo. Según Beatriz Sarlo (1997) una condición fundamental para el surgimiento de las vanguardias estéticas en nuestro país fue la presencia de un campo de legitimación que marginaba del sistema a quien no encajaba en sus moldes, de allí el afán de las vanguardias por permear ese campo. Esta lucha por la legitimación se traslada al enfrentamiento de procedimientos artísticos que tematizan lo corpóreo dentro de la revista Martín Fierro.

La arquitectura y la indumentaria son disciplinas aparentemente antagónicas, pero a lo largo de la historia podemos observar como los arquitectos han escrito sobre moda, han realizado edificios al servicio de ésta o incluso han diseñado vestidos y complementos. Del mismo modo, muchos modistos y diseñadores de moda han encontrado en la arquitectura una fuente de inspiración, han heredado sus instrumentos o han colaborado con sus figuras más reconocidas para la concepción de sus diseños. La figura de Paco Rabanne constituyó un nuevo paradigma en el diseño de moda. Formado como arquitecto en l’École de Beaux Art de Paris entre 1951 y 1963, en los años 60 aplicó sus conocimientos de arquitectura en la creación de vestidos rupturistas. Influenciado por las vanguardias artísticas de la época, así como por el uso de nuevos materiales y formas en la arquitectura del momento, su obra irrumpió en el panorama de los convulsos años 60, dinamitando la tradicional concepción de la moda e introduciendo materiales y técnicas ajenas a ésta pero propios de la construcción de edificios. Su carácter innovador contribuyó para establecer un paralelismo, hasta entonces poco desarrollado, entre ambas materias.

El presente artículo analiza la obra para guiñol Comino vence al diablo, de Germán List Arzubide, con el fin de estudiar los cambios estéticos producidos en su obra en la década de 1930. La obra fue, además, un texto fundacional –y a la vez modélico– del Teatro Guiñol de Bellas Artes. El análisis permite, a la vez, reflexionar sobre el complejo paso de las vanguardias de la década anterior al arte comprometido que desarrolla el autor (y tantos otros artistas con un recorrido estético semejante) en esos años y proponer alguna posibilidad de explicación en torno a las rupturas y continuidades de ese tránsito.

This article will identify the symbolic elements present in The blood of a poet with the myth of Orpheus, anticipating how this avant-garde film prefigured the poetic universe that Jean Cocteau would develop throughout his career. The formation of the imaginary of Cocteau was marked from his childhood by the traumatic death of his father that his mother wanted to compensate overprotecting him. Through the symbology present in his first film we will establish analogies and relationships between the author’s own biography, references to the myth of Orpheus and the interpretation that other artists close to surrealism made of these elements.

Germaine Dulac is mainly known for her work La coquille et le clergyman and for his controversial collaboration with Antonin Artaud in it. However, in order to get a closer approach and to understand the germ of the surrealist stage of the filmmaker, it is necessary to know her personal motivations and her critical position towards the values and the position occupied by the figure of women in her time, which was favoured by the artistic and political movements of the moment. This will be the cause that will lead her to experiment and express herself through the formal and narrative elements of the cinema, the study of the movement of the characters and their relation with the scene, as well as the investigation of rhythm, the emphasis on the Psychological and interior world, in order to reach the idea of pure cinema.

El presente artículo huye de la mera catalogación de artistas y de obras dedicadas a la misericordia en la pintura y la escultura del siglo XX, no pretende ser un trabajo exhaustivo en este sentido. Se plantean más bien una serie de sugerencias a partir de la polisemia, inherente a los discursos del arte contemporáneo, en torno a cómo la misericordia se ha hecho patente a través de la creación plástica de la última centuria, incluso al margen de la propia intención del artista. Es más, en este artículo se ha dejado a un lado, salvo alguna excepción, a aquellos artífices dedicados al arte sacro o al arte devocional en pro de la búsqueda de determinadas aportaciones que, fuera de dicho ámbito, puedan resultar llamativas por abordar la misericordia en una sociedad donde la religión paulatinamente ha quedado relegada de los circuitos generales de la creación estética.

The well-known returning of the real marked the beginning of a new revision that emphasizes the crisis of representation and the question of realism as a genre opened to an uncommon leaking. This returning must be rethinking by the reflection about how the avant-garde promotes the debate on aesthetics and politics. This essay proposes an approach to this topic by analyzing modernism as the avant-garde that introduces a third position in the dialectics of high art and popular culture, art and life or the individual and the world. The study of the work of Joyce and Kafka will be addressing by the traditional readings and its approaches from reviews and translations written by main authors in the Río de la Plata´s region.

Este artículo busca aportar una relectura de la poesía de León de Greiff, a través de su correlación con otros trabajos poéticos considerados marginales dentro de la tradición poética latinoamericana, los cuales se encuentran relacionados entre sí, sobre todo en las formas de representar y asumir textualmente el sujeto lírico. Mediante un análisis enunciativo y retórico de la subjetividad de estos autores, este trabajo pretende plantear que la poesía degreiffiana pertenece a una vertiente estética cuyos horizontes creativos pueden ser clave para reinterpretar históricamente los rumbos de la poesía latinoamericana actual.

El poema Altazor o el viaje en paracaídas de Vicente Huidobro ha recibido acusaciones de ininteligibilidad. Críticas como la de Norma Ortega (2000) señalan que el texto “se nos ofrece como poesía, pero que, al momento de palpar a fondo, se desvanece en la nada dejando tan solo la estela de su inconsistencia.” (p. 231). Esto se debe no solo a que el poema plantea un desafío a la tarea de ofrecer una interpretación onmiabarcante, sino también a que el Canto VII, en particular, parece resistente a todo intento de atribuición de significado. Frente a esta apreciación, defiendo la tesis de que sí puede darse una interpretación global del poema y que esta interpretación nos permite atribuir significado, en un sentido plural, al Canto VII; a saber, un significado general, uno ilocucionario y uno mágico. A fin de defender esto, llevo a cabo dos tareas. Primero, fundamento la idea de que el poema Altazor puede leerse como una deconstrucción del lenguaje dirigida a alcanzar la dimensión fónica de este último elaborando ideas de la poética huidobriana. Luego, explico en qué consiste la deconstrucción que tiene lugar a lo largo del poema y cómo, a partir de ella, puede explicitarse el triple significado que cabe atribuir al canto final.

Los años veinte están marcados por la emergencia de jóvenes intelectuales en la esfera pública que insistieron en la necesidad de una renovación de la cultura. Ya sea desde las aulas universitarias, desde las redacciones de los periódicos, o desde sus propias publicaciones, estos jóvenes se deslizaron de la impugnación o crítica a la generación anterior a diversas propuestas que fueron adquiriendo, progresivamente, contornos más definidos. Este artículo se propone analizar las continuidades y rupturas en dos momentos que articulan esas intervenciones juveniles: el primero, lo encontramos en las respuestas correspondientes a la encuesta que la revista Nosotros publica entre mayo y septiembre de 1923; el segundo, gira en torno al análisis de dos emprendimientos propios de estos jóvenes, la segunda época de Proa y la revista Martín Fierro. El objetivo es examinar cómo algunos reconocimientos, tensiones y autodefiniciones que están presentes en las respuestas de 1923, van a aparecer sutilmente desplazados y transformados en los emprendimientos juveniles que se consolidan a mediados de los años ´20.

El presente artículo analiza la construcción de los imaginarios de modernización latinoamericanos configurados en torno a los desarrollos técnicos advenidos a principios del siglo XX, así como el modo en que cierta glorificación tecnológica impactó en las artes visuales y la literatura de vanguardia. Luego de rastrear la atracción ejercida por la técnica en algunos movimientos de vanguardia europeos, el trabajo sostiene que, en nuestra región, diversas obras cuestionaron la exaltación acrítica de la máquina y propusieron, en cambio, lenguajes vernáculos basados en las nociones de utopía e invención. El artículo concluye que glorificación técnica, utopía e invención son conceptos que no solo permiten articular las diferentes concepciones poéticas, políticas y tecno-científicas que poco a poco fueron gestándose en la escena local, sino que también posibilitan tender puentes entre las obras de las primeras vanguardias y las emergencias del arte contemporáneo.

Se plantea que la crítica suele ignorar las colecciones de cuentos que Humberto Salvador publicara entre las décadas de 1930 y 1980. Salvador recrea, a lo largo de toda su producción, la sociedad y la cultura que lo rodean, buscando descifrar su esencia moral; para ello, otorga a la intuición un valor positivo, por sobre la razón. Entre los temas iniciales del autor guayaquileño (década de 1920), sobresale su reflexión sobre el arte, como producción inmersa en la cultura, la historia y la sociedad; una obra sería conjunción del trabajo literario y el azar de la vida cotidiana: por ello es un objeto por encontrarse. Después de este período «estético», Salvador buscó representar la sociedad, con personajes desclasados principalmente, que no se adhieren a ningún código ortodoxo. Hizo énfasis en aspectos psicológicos o en estados mentales (enfermedades como la esquizofrenia, la histeria, etc.). A decir del crítico Wilfrido H. Corral, los relatos del guayaquileño progresan del tema del artista hacia el de la cotidianidad, y de éste al del artista menos libre; son joyas, insiste, de la comedia existencial, de la angustia y de la moderación doméstica.

El siguiente artículo está centrado en la reconstrucción y en el análisis de la llegada a la Argentina del escenógrafo y creador teatral Anton Giulio Bragaglia, como figura internacional filiada a los movimientos de vanguardia. Prestamos especial atención a su paso por Córdoba ponderando que, a través del análisis de su caso, podríamos desentrañar cuestiones relativas a la relación histórica establecida entre espacios culturales de diversa jerarquía (Córdoba, Buenos Aires, Europa) y a la circulación de la vanguardia en espacios periféricos.

Copyright of Index: Revista de Arte Contemporaneo is the property of Pontificia Universidad Catolica del Ecuador and its content may not be copied or emailed to multiple sites or posted to a listserv without the copyright holder's express written permission. However, users may print, download, or email articles for individual use. This abstract may be abridged. No warranty is given about the accuracy of the copy. Users should refer to the original published version of the material for the full abstract. (Copyright applies to all Abstracts.)

This article pays homage to the German-American painter and teacher Lyonel Feininger, one of the great masters of the Bauhaus, upon the hundredth anniversary of his first solo exhibition in Berlin in 1917. Feininger was an independent and very versatile artist. He was a great cultivator of drawing as the beginning and the end of his work, especially when it came to sketching in situ. He mastered a multitude of graphic and pictorial techniques, including comics, cartoons, engravings, charcoals, watercolours, oils and modelling. He drew on numerous avant-garde movements, from expressionism to abstraction, cubism and orphism, and this culminated in his own "prismism," though he never became fully linked with any movement in particular. What made him stand out during his lifetime was his visual evolution and a very personal spiritual quest, which this text provides an account of. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

The twenties are marked by the emergence of young intellectuals in the public sphere who insisted on the need for a renewal of culture. Whether from the university classrooms, from the newsrooms, or from their own publications, these young people slipped from the challenge or criticism of the previous generation to various proposals that were gradually acquiring more defined contours. This article intends to analyze the continuities and ruptures in two moments that articulate these youth interventions: the first, we find it in the answers corresponding to the survey that the magazine Nosotros publishes between May and September of 1923; the second, revolves around the analysis of two own projects of these young people, the second period of Proa and the Martín Fierro magazine. The objective is to examine how some assumptions, tensions and self-definitions that are present in the responses of 1923, will appear subtly displaced and transformed into youth enterprises that are consolidated in the mid-1920s. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

Copyright of Tropelías: Revista de Teoría de la Literatura y Literatura Comparada is the property of Prensas Universitarias de Zaragoza and its content may not be copied or emailed to multiple sites or posted to a listserv without the copyright holder's express written permission. However, users may print, download, or email articles for individual use. This abstract may be abridged. No warranty is given about the accuracy of the copy. Users should refer to the original published version of the material for the full abstract. (Copyright applies to all Abstracts.)

Copyright of Cuadernos del CILHA is the property of Universidad Nacional de Cuyo and its content may not be copied or emailed to multiple sites or posted to a listserv without the copyright holder's express written permission. However, users may print, download, or email articles for individual use. This abstract may be abridged. No warranty is given about the accuracy of the copy. Users should refer to the original published version of the material for the full abstract. (Copyright applies to all Abstracts.)

Copyright of Revista Laboratorio is the property of Universidad Diego Portales and its content may not be copied or emailed to multiple sites or posted to a listserv without the copyright holder's express written permission. However, users may print, download, or email articles for individual use. This abstract may be abridged. No warranty is given about the accuracy of the copy. Users should refer to the original published version of the material for the full abstract. (Copyright applies to all Abstracts.)

El artículo parte de la preocupación por una serie de discursos críticos que, desde 1983 hasta el presente, intentaron organizar las producciones literarias argentinas en tramas narrativas con verosimilitud histórica para indagar la relación compleja entre materiales culturales, prácticas sociales y cambio histórico en el proceso de constitución de valor literario. El análisis hace foco en los modos de periodización literarios de un proyecto de historiografía literaria en particular, la Historia crítica de la literatura argentina, a partir de los siguientes interrogantes: ¿desde qué acciones críticas dicha historia de la literatura tiende a desplazar o resignificar los métodos de periodización tradicionales? Y, ¿de qué modo este proyecto se da a la tarea de reflexionar sobre las categorías que considera caducas o anquilosadas así como de ensayar nuevos marcos de medición temporal que organicen el relato historiográfico?

En el presente artículo se aborda la implicación del silencio en la escucha. El objetivo principal consiste en mostrar por qué el silencio constituye en su acción un espacio resonante, esto es: un lugar para la recepción, creación e interpretación de sentido. Con el fin de acometer esta cuestión, en el texto se tratan: relevancia del silencio para las artes según las dos posguerras, percepción del silencio y sensibilización del sentido del oído durante la Gran Guerra, ejercicios de escucha en la vanguardia española, observaciones a la obra 4’33’’ de John Cage y otras interpretaciones contemporáneas de esta pieza. El recorrido que se plantea a lo largo del texto no solo muestra que la aportación de Cage tiene sus matices también subraya la relevancia histórica de las prácticas realizadas en el territorio español y la determinación que supone silencio en las artes y la sociedad, pues desde el s. XX no ha dejado de ser el eje de esa relación dialógica y coextensiva que se da entre ambas.The present paper addresses the issue of the implication of silence on hearing. The main objective is to show why silence is in its action, a resonating space, i.e. a place for the reception, creation, and interpretation of sense. In order to achieve such issue are discussed in the text: the relevance of silence for the arts, according to the two post-war periods, the perception of silence and awareness of hearing during the Great War, the listening exercises in Spanish Avantgarde, observations on John Cage’s 4'33'' piece of work, and other contemporary interpretations of that piece. The text will expose not only that the contribution of Cage has its nuances, but also the historical significance of the practices in the Spanish territory. This highlights the determination that silence implies for the arts and society because, from the Twentieth Century, silence has continued being central to the dialogic and coextensive relationship that exists between them.

Este artículo expone ciertos aspectos de la contrastante carrera literaria de dos escritores, uno de ellos probablemente el de más éxito y el otro entre los menos mencionados dentro del campo literario de México. Las respectivas trayectorias de Carlos Fuentes y de Pablo Palomino tuvieron muchos rasgos en común desde sus inicios: pertenecieron al mismo grupo cultural que se llamó los Basfumistas, formaron parte de una sola generación de escritores y publicaron su primera novela con una diferencia de tres años: Autopsia (1955) y La región más transparente (1958). Se exponen en este espacio algunos de los temas y de las técnicas evidentes en el primer relato con el fin de observar los diversos rasgos que tienen en común, como por ejemplo el llamado fluir de la conciencia empleado por James Joyce en Ulises (1922).

The special issue of index.comunicación, dedicated to ‘Cinema and artistic avant-gardes’, is the result of a harvest of works that have been selected in double blind peer review and which have been coordinated by Rafael Gómez Alonso, a professor at the Rey Juan University Carlos, and Alfonso Puyal, professor at the Universidad Complutense de Madrid. As a first idea, it should be emphasized that it is comforting for this magazine to host a number on cinematographic aesthetics, when the general tendency of academic communication publications is to gradually move away from the humanities to approach the social sciences.