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La collection « Artistes juifs » de la maison d’édition Le Triangle Waldemar-George a été l’un des auteurs les plus prolifiques de la maison d’édition Le Triangle : il compte à son actif sept monographies consacrées à des artistes juifs. Cet engagement s’explique par son adhésion enthousiaste au projet de la collection « Artistes juifs », qui s’imposait comme l’expression d’un judaïsme communautaire et solidaire à la fin des années 1920. Tiraillé entre son appartenance à la culture française,...

Le cosmopolitisme de l’École de Paris Dans la première moitié du xxe siècle, Paris est la capitale incontestée des arts internationaux, où se précipite avec enthousiasme une foule d’artistes, poètes, acteurs, musiciens, philosophes et écrivains. La Première Guerre mondiale et l’après-guerre ont déclenché de grandes vagues migratoires qui ont accru de façon exponentielle la présence d’étrangers sur le territoire français. Si les facteurs économiques sont déterminants, ils ne sont cependant pas...

Pour comprendre le rapport entre l’avant-garde et le soi-disant « retour à l’ordre » qui se propage dans l’entre-deux-guerres, il faut identifier le rôle joué par la critique d’art dans les relations entre art et politique à Paris à cette époque. En effet, dès la fin du xixe siècle, de nombreux critiques d’art liés plus tard à l’École de Paris s’aventurent dans des querelles qui marqueront un tournant majeur dans la politisation des discours sur l’art. On assiste, d’une part, à une profusion ...

Dans l’entre-deux-guerres à Paris, au moment où une frange d’intellectuels unit ses voix aux mouvements nationalistes, des critiques d’art gravitant autour de l’École de Paris prennent des positions esthétiques et idéologiques parfois déroutantes. L’ouvrage examine les motivations personnelles, communautaires et sociales des divers auteurs qui ont débattu la question d’un art juif et de son éventuel caractère ethnique. Il étoffe notre compréhension de la politisation des discours sur l’art, sans céder à une vision simplificatrice ou binaire : à l’heure de la montée des fascismes, la critique d’art s’est adaptée aux circonstances, reflétant ainsi les glissements et les instabilités de l’époque.

Adolphe Basler, entre avant-garde et tradition Comme nous avons pu le constater, toutes les expressions partisanes utilisées par la critique d’art conservatrice se lisaient dans les textes de vulgarisation, dont le discours dominant était à la fois acerbe, outrageant et accusateur. L’usage de certaines formules rhétoriques avait rapidement gagné les milieux les plus militants et apparaît de façon surprenante dans les écrits de deux figures majeures de la critique d’art parisienne des années 1...

Camille Mauclair et les réseaux politiques de droite Écrivain, poète et critique d’art, Camille Mauclair (ill. 9) naît à Paris en 1872 et grandit au sein d’une famille de catholiques alsaciens installés dans la capitale. Ses liens avec sa terre d’origine se maintiendront grâce aux propriétés qu’il possède près de Phalsbourg et de Saverne. Son père décédant alors qu’il a seulement dix ans, il doit penser très tôt à acquérir une autonomie financière, tout en éprouvant l’irrépressible désir de s...

« À la source de l’art moderne », la dernière publication répertoriée à ce jour d’Adolphe Basler, date de 1945 et fait partie d’un recueil de Gaston Diehl consacré aux « problèmes » de la peinture. Le court essai du critique d’art s’inscrit dans un contexte assez particulier, car ce livre est préparé au moment même où la France subit les dures épreuves de la guerre. La participation de Basler relève donc d’un ultime changement de cap, le rapprochant enfin des cercles de l’élève d’Henri Focill...

Dans l’Espagne de la période du franquisme tardif (1957-1975), les critiques d’art jouent un rôle essentiel dans les mouvements de contestation qui agitent une société alors en pleine mutation. Contre la doctrine d’un art moderne autonome et dépolitisé prônée par le régime, ils produisent des discours esthétiques qui rétablissent le lien entre culture et politique et poussent les artistes à inscrire leurs œuvres dans le cadre élargi des questions éthiques et des enjeux sociaux. En s’appuyant sur l’étude d’archives restées jusqu’ici inexplorées et sur des entretiens inédits, Compagnons de lutte s’attache au travail de sept critiques et historiens de l’art espagnols qui ont pris une part extraordinairement active à la vie intellectuelle et politique de leur pays dans les années 1960 : ils publient, éditent, traduisent, ils organisent des expositions, des débats, des rencontres. Grâce à la complicité nouée avec Giulio Carlo Argan et Umberto Eco en Italie, Adolfo Sánchez Vázquez au Mexique, Gérald Gassiot-Talabot, Pierre Restany et le Salon de la Jeune Peinture à Paris, ils s’approprient les théories et les tendances artistiques circulant à ce moment-là en Europe et sur le continent américain, en les adaptant avec succès aux conditions spécifiques de l’Espagne franquiste. Fruit d’une approche interdisciplinaire et transnationale des réseaux artistiques du Sud global, l’ouvrage de Paula Barreiro López révèle un pan longtemps négligé par l’historiographie de l’art européen, en éclairant le fonctionnement de l’avant-garde espagnole dans les dernières années de la dictature, sa diffusion et sa réception critique dans les milieux culturels de gauche à l’époque de la guerre froide.

1937 hatte Zeitlin Bookshop seinen Standort in Downtown Los Angeles, der 614 West Sixth Street: »This small realm of the booksellers that was concentrated on Sixth Street, with fingers into the surrounding blocks, was the cultural center of Los Angeles in the twenties and thirties«, wie es ein Freund Zeitlins schrieb. Später rief er selbst die Räume von West Sixth Street 614 folgendermaßen in E...

Im Mai 1937 schrieb Käthe Kollwitz, die sich isoliert in Berlin fand, an eine Freundin: »Es ist mir natürlich eine große Freude, daß in Amerika sich Terrain zu ergeben scheint für meine Arbeit.« Kollwitz muss sich auf eine Ausstellung beziehen, die im Frühjahr 1937 in der Hudson Walker Gallery in New York stattfand und viel beachtet und gut rezensiert wurde. Die Druckgrafiken und Handzeichnungen dieser Schau reisten weiter nach Los Angeles, wo sie Jake Zeitlin in Partnerschaft mit der Hollywo...

Als sich George Antheil im Juni 1937 an das Publikum der Kollwitz-Ausstellung wandte, hatte er noch nicht einmal ein Jahr in Hollywood gelebt. In seiner Rede sprach er über die dramatischen Wandlungen, die Berlin in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts durchgemacht hatte, und über die turbulente Geschichte Europas, wobei er auch über sein eigenes Leben in der deutschen Hauptstadt reflektierte. Als Sohn deutscher Immigranten wuchs George Antheil (1900−1959) zweisprachig in Trenton, New Jerse...

In seiner Ansprache zur Eröffnung der Kollwitz-Ausstellung hob Toller hervor, dass »Käthe Kollwitz’ Kunst eine Kunst ist, die im Mitleid gründet [›motivated by pity‹], eine soziale Kunst, eine revolutionäre Kunst.« Indem er Kollwitz’ Kunst auf seine eigenen politischen Überzeugungen und sein literarisches Werk ausrichtet, verbindet Toller nicht nur ihr Werk, sondern auch das philosophisch-polit...

Im Juni 1937 eröffnete Jacob Zeitlin in seiner Buchladen-Galerie in Los Angeles eine Ausstellung mit Grafiken von Käthe Kollwitz. Es war die erste Ausstellung von Kollwitz’ Werk in Südkalifornien. Co-Sponsor der Ausstellung und der glamourösen Vernissage war die Hollywood Anti-Nazi League for the Defense of American Democracy. Die Redner des Abends waren der deutsche Schriftsteller und Aktivist Ernst Toller und der amerikanische Komponist George Antheil. Zu den illustren Gästen gehörten Fritz Lang, Richard Neutra, Arnold Schönberg, George Gershwin, Kurt Weill und andere Berühmtheiten der Filmindustrie und der deutschösterreichischen Exilgemeinde. Die Kollwitz-Ausstellung wurde zum Dreh- und Angelpunkt der zentralen Konfliktfelder der Stadt: Sie war nicht bloß ein kulturelles Ereignis in Zeitlins Buchladen-Galerie, sondern vor allem eine gezielte politische Aktion der Hollywood Anti-Nazi League. Kollwitz’ Schaffen geriet damit ins Kreuzfeuer der Auseinandersetzungen zwischen dem antifaschistischen Kampf der Anti-Nazi League und den gewalttätigen Aktionen nationalsozialistischer Gruppen in Los Angeles. In diesem politischen Spannungsfeld wurde Käthe Kollwitz als »anti-Nazi artist« wahrgenommen und ihrer Ausstellung eine aktive Rolle im Kampf gegen Hitler zugeschrieben. Die Kapitel des Buches zeichnen nach, wie die Ausstellung zum Kreuzungspunkt von vier Biografien wurde: Käthe Kollwitz, Jacob Zeitlin, Ernst Toller und George Antheil. En juin 1937, Jacob Zeitlin inaugure une exposition d’œuvres graphiques de Käthe Kollwitz dans la galerie de sa librairie à Los Angeles. Il s’agissait de la première exposition du travail de Käthe Kollwitz en Californie du Sud. La Hollywood Anti-Nazi League for the Defense of American Democracy était co-sponsor de l’exposition et du vernissage, une soirée glamour qui vit se succéder l’écrivain et activiste allemand Ernst Toller et le compositeur américain George Antheil comme intervenants. Parmi les invités illustres, on peut citer Fritz Lang, Richard Neutra, Arnold Schönberg, George Gershwin, Kurt Weill et d’autres célébrités de l’industrie du cinéma et de la communauté d’exilés austro-allemands. L’exposition Kollwitz devint la pierre angulaire des grands champs conflictuels de la ville : bien plus qu’un simple événement culturel de la galerie-librairie de Zeitlin, elle faisait figure d’action politique ciblée de la Hollywood Anti-Nazi League. L’œuvre de Kollwitz se retrouva ainsi sous le feu croisé de la confrontation entre le combat antifasciste de la ligue et les actions violentes de groupes nazis à Los Angeles. Dans ce contexte de tensions politiques, Käthe Kollwitz fut perçue comme une artiste anti-nazi et son exposition se vit attribuer un rôle actif dans la lutte contre Hitler. Les différents chapitres de ce livre montrent comment cet événement en vint à être le carrefour de quatre itinéraires de vie : celui de Käthe Kollwitz, de Jacob Zeitlin, d’Ernst Toller et de George Antheil.

Dieselbe Ausgabe der News of the World, in der Tollers Rede auf der Vernissage der Kollwitz-Ausstellung abgedruckt war, brachte auch eine Notiz, die auf den »hervorragenden Erfolg« und die Anzahl der »Hollywood-Persönlichkeiten« wies, die an dem Ereignis teilnahmen. Aber die League betonte einen Hauptpunkt im abschließenden Satz: »In honoring a figure like Kollwitz the League is simply following its policy of pointing out that the better, and bigger, part of Germany is not and will not be Naz...

Lorsque le surintendant des Finances Nicolas Fouquet fit construire aux environs de Paris le château de Vaux-le-Vicomte, élevant à la manière d’un souverain un monument à sa propre gloire qui devait montrer aux yeux du monde son ascension sociale et ses revendications politiques, il ne manqua pas de faire peindre en bonne place, sur le plafond de l’antichambre de son appartement d’apparat, une représentation de L’Apothéose d’Hercule (vers 1659, ill. 1). La prétention n’était pas des moindres,...

Le Brun avait créé son chef-d’œuvre, qui lui assurait désormais son avenir. Nommé Premier peintre du Roi, il fut de surcroît anobli. Le jury qui statua sur cette œuvre ne fut autre que le roi en personne. Les auteurs contemporains soulignèrent clairement cet aspect, insistant sur la proximité, voire la relation amicale entre le monarque et le peintre, qui se manifesta par les visites quotidiennes de Louis XIV dans l’atelier de Le Brun et fit de Le Brun un nouvel Apelle. Si ces conversations f...

Alberti avait déjà reconnu qu’une trop grande complexité de la narration picturale en rendait la lecture difficile. Il avait suggéré le cas échéant d’intégrer dans la peinture une figure-témoin destinée à indiquer au spectateur la conduite à tenir. Le Brun suit ce conseil avec la femme agenouillée au premier plan à gauche (ill. 26). Clairement séparée des autres protagonistes, elle n’est pas directement impliquée dans l’action. Sa gestuelle, quasi identique à celle de la fille cadette de Dari...

Un peu plus tard, Charles Le Brun poursuit ce concept dans un tableau qui fera aussi l’objet d’une description détaillée de la part d’André Félibien : Les Reines de Perse aux pieds d’Alexandre, dit aussi La famille de Darius aux pieds d’Alexandre ou encore La tente de Darius (1660-1661, ill. 6). Le commanditaire est cette fois le jeune Louis XIV, dont l’attention a sans doute été attirée sur le peintre par le cardinal Mazarin qui connaissait lui-même Le Brun par Fouquet. Si les deux œuvres se...

Même si Félibien hésite à comparer directement Louis XIV avec Alexandre, reflétant ainsi la nouvelle orientation imprimée à la politique artistique sous Colbert, ce rapprochement fut certainement à la base du tableau dès le début de son élaboration. En effet, Louis XIV était déjà décrit à sa naissance comme un nouvel Alexandre. Établir un parallèle avec un souverain antique était un procédé encomiastique établi. Si son grand-père Henri IV fut rapproché de César, et son père Louis XIII volonti...

La famille de Darius, tableau peint en 1660-1661, marque le début de la carrière de Charles Le Brun comme peintre du roi, elle marque également le début du gouvernement personnel de Louis XIV. Cette œuvre ouvre une nouvelle époque de la peinture en France, elle montre l'importance du dialogue avec la théorie de l'art moderne d’origine italienne, et incarne également une politique royale qui poursuit l’idée d’intégrer l’art moderne à ses stratégies. Pour mieux en saisir la signification complexe, cette étude analyse l’œuvre sous divers angles, elle s’attache au point de vue de la théorie politique, comme à celui de l’historiographie ou encore à l’histoire de la psychologie.

Pour rendre pleinement compte du concept développé dans Les Reines de Perse il convient d’inclure une dimension scientifique, laquelle est surtout associée à l’élaboration d’une « grammaire » des modes d’expression des passions humaines, que Le Brun définira devant l’Académie royale de peinture et de sculpture quelques années après l’exécution de la toile. L’analyse scientifique des mouvements de l’âme connut un sommet vers le milieu du XVIIe siècle. Elle se réclamait d’une longue tradition v...

Si la genèse du tableau est particulièrement prestigieuse en raison de la participation du roi, son histoire ultérieure ne l’est pas moins. Restée dans la proximité directe du monarque, la peinture est sans doute d’abord accrochée au sein de la collection royale conservée au Louvre, ou peut-être aux Gobelins. Au plus tard à partir de 1668, elle fait partie du décor de l’appartement royal aux Tuileries ; elle est attestée après 1682 dans le salon de Mars du Grand Appartement du roi à Versaille...

Si Le Brun fait clairement allusion à Louis XIV dans son tableau, il en souligne aussi résolument la dimension historique. Tout d’abord à travers les textes des historiens dont il s’inspire, mais aussi à travers la physionomie d’Alexandre. Il n’a pas composé un portrait hybride fusionnant les traits des deux rois – comme il était fréquent dans des cas similaires –, pas plus qu’il n’inventa un portrait « de fantaisie », fruit de réflexions physionomiques ou d’emprunts à d’autres artistes. Bien...

Indissociable du tableau de Le Brun, la description d’André Félibien parut en 1663, peu après l’achèvement de la peinture. Ce texte est en lien direct avec un second du même auteur, également publié en 1663, sur le portrait aujourd’hui perdu de Louis XIV par Le Brun. À l’instar du peintre, Félibien avait réussi à ne pas se laisser entraîner dans le tourbillon causé par l’arrestation de Fouquet. Par ces deux descriptions, il s’inscrit dans le prolongement de ses écrits sur Vaux-le-Vicomte, tou...

De même que dans L’Apothéose d’Hercule à Vaux-le-Vicomte, la maîtrise de soi est présentée dans Les Reines de Perse comme une qualité caractéristique du prince. Selon Félibien, le mérite particulier d’Alexandre est d’avoir triomphé non seulement des Barbares, mais aussi du vainqueur de tous les peuples, c’est-à-dire de lui-même. L’évocation de l’évènement historique manifeste à nouveau des arguments plus nuancés que L’Apothéose d’Hercule. En effet, au-delà du seul contrôle des affects, princi...

Au fil des ans, la lecture des Reines de Perse connut des glissements de perspective. Si le parallèle entre Alexandre et Louis XIV prévalait lors de l’exécution de la toile, une nouvelle interprétation se dessina dès 1663, qui apparaît capitale pour la compréhension approfondie de l’œuvre : dans la remarque finale de son commentaire, Félibien déclare qu’il est temps désormais de ne plus figurer les actions de personnages historiques, mais celles de Louis XIV, car elles sont si importantes qu’...

Lorsque Charles Le Brun commença Les Reines de Perse aux pieds d’Alexandre, l’art français était en quête de lui-même. La prédominance de l’art italien, notamment romain, semblait faiblir, mais la France n’était pas encore en mesure de lui opposer un art autonome significatif. En 1627, le cardinal de Richelieu avait rappelé à Paris le futur maître de Le Brun, Simon Vouet, afin qu’il élabore un nouvel art spécifiquement français, affranchi des modèles italiens et flamands qui déterminaient jus...

Dans Les Reines de Perse, c’est indiscutablement Louis XIV qui apparaît sous les traits d’Alexandre. Outil habituel de l’encomiastique, la comparaison s’imposait tout particulièrement dans le cas du jeune roi qui ne pouvait encore faire état d’aucune action personnelle notable – raison qui explique sans doute aussi le choix thématique. En l’absence de mérites politiques ou militaires concrets, on privilégia un sujet mettant en exergue les vertus du souverain. Quelques années plus tard, lorsqu...

Ilici dans le monde ibérique Qualifier la Dame d’Elche de chef-d’œuvre de l’art ibérique, c’est ouvrir une page de l’histoire de la Méditerranée antique. Avant que Rome n’affermisse son pouvoir sur l’ensemble des pays méditerranéens à partir du iiie siècle av. J.-C., chaque rivage, chaque péninsule avait son histoire que l’on nomme souvent une « protohistoire ». Nous nous bornerons ici à donner quelques jalons de cette hist...

4 août 1897. Un médecin d’Elche, le Dr Campello, qui possède des terres à La Alcudia, à trois kilomètres au sud de la ville, a demandé à ses ouvriers d’aplanir et de nettoyer un champ où il veut planter des grenadiers. Alors qu’il pioche un talus, un des travailleurs heurte à plusieurs reprises avec son outil une pierre qui semble différente des autres. Il s’agit en effet d’un buste, dans un état de conservation presque parfait. Dès aprè...

Les progrès de l’archéologie des sociétés ibériques ont conduit à nuancer l’idée que la Dame d’Elche est une œuvre absolument unique, sans pour autant la démentir entièrement. Cette sculpture reste exceptionnelle, tout d’abord, par sa qualité artistique : si nous ne savons rien de son auteur, nous ne pouvons douter qu’il fut en son temps un grand sculpteur. Son parcours contribue aussi à sa singularité, tout en l’inscrivant dans un proce...

Dans le texte du 14 août 1897 où il décrit la découverte de la Dame, Pedro Ibarra raconte que les habitants d’Elche furent si nombreux à désirer la voir que le Dr Campello décida de l’exposer, dans la journée du 5 août, sur le balcon de sa maison : « Hommes et femmes, adultes et enfants, tous voulaient voir la reina mora (la reine maure) ». Ibarra n’adopte pas lui-même cette désignation « populaire », pour reprendre la façon dont la qualifie Ric...

Avec la collaboration de Jesús Moratalla Jávega, archéologue. Fortement valorisée dans le Pays valencien, la Dame l’a été aussi par la suite au niveau national, sous la Seconde République en particulier. Le fait qu’une des copies du buste réalisées par Pinazo ait trôné dans le bureau du gouvernement de la République en exil en France n’est pas le seul indice de cette valorisation. Avant la victoire de Franco, l’État républicain avait ...

Le 4 août 1897, des ouvriers agricoles découvrent à La Alcudia, site de l’antique Ilici (Elche, au sud de la province d’Alicante), une sculpture ibérique datant du ve-ive siècle av. J.-C. et connue sous le nom de Dame d’Elche. Sa singularité et « l’étrangeté troublante de sa beauté » (Pierre Paris) attirent l’attention des archéologues européens. Très vite considérée comme le chef-d’œuvre de l’art ibérique, la statue devient une source d’inspiration pour les artistes et, sous la plume des idéologues régionalistes et nationalistes espagnols, une icône identitaire. Le but de cet ouvrage, écrit par un archéologue et une anthropologue, n’est pas seulement de dire ce qu’était la Dame dans l’Antiquité mais aussi et surtout ce qu’elle est devenue pour les hommes et les femmes de notre époque qui se sont interrogés sur elle, l’ont admirée, aimée et souvent réinventée. Descubierta por casualidad en 1897 y posteriormente presentada en el Louvre y el Museo del Prado, la Dama de Elche es considerada no sólo una obra maestra del arte ibérico sino también un icono identitario. Escrito por una antropóloga y un arqueólogo, este ensayo examina la recepción histórica, ideológica y artística de esta escultura, las interpretaciones y reacciones afectivas que la Dama ha suscitado desde su descubrimiento hasta el día de hoy, así como los usos sociales y políticos de la estatua.

Les historiens de l’art ont souligné autour de 1900 — en le regrettant — que l’art ibérique s’était écarté de l’art classique, dont le modèle était alors l’art grec. Nous soulignerons quant à nous que la Dame d’Elche et, plus globalement, l’art ibérique ont suscité des créations artistiques variées. Reproduit à des centaines, voire à des milliers d’exemplaires, le buste a été aussi une source d’inspiration pour les artistes. L...

eloquio non Latiis minor, Non Graiis (Jean Du Bellay) Latine loqui pene solus in Latio viderere (Rabelais) Nous ne sommes rien moins qu’eux (Joachim Du Bellay). Revendication gallicane de la translatio studii, cette ambition de rivaliser avec les Anciens, que partagent le cardinal Du Bellay et ses deux protégés, passe par une maîtrise du logos qui caractérisa, à en croire ses contemporains, ce prélat, conseiller du roi et homme de culture. Le 13 octobre 1533, ...

Témoins perspicaces de leur temps – du nôtre –, les dramaturges contemporains – Heiner Müller, Tadeusz Kantor, plus tard Rodrigo García… – annoncent la fin d’une époque marquée par la prééminence de la culture européenne ainsi que celle d’une certaine idée de l’art chargé de représenter le Beau ou pire d’embellir le monde. Délaissant peu à peu la critique des régimes totalitaires, de leurs abus et de leurs violences, leurs œuvres révèlent aussi la fin des idéologies et surtout l’émergence d’u...

Le pouvoir comme incarnation, comme institution ou comme système, peut évidemment se manifester dans des écrits. Mais y a-t-il vraiment un pouvoir de l’écriture ? À supposer que le pouvoir s’exerce au moyen du langage, quelles sont les conditions de cet exercice ? Dans ce court article, nous voudrions faire porter la réflexion sur les éventualités d’un tel pouvoir pour monter qu’il tient à son oralité originaire. Pour y parvenir nous procèderons en trois temps : d’abord une brève réflexion su...

Avec son goût bien connu du paradoxe, Ionesco aimait se définir comme « un anarchiste de droite ». L’anarchiste refuse toute forme de pouvoir reposant sur l’autorité. Or, chez Ionesco, ce refus prend sa source dans son enfance, dans le traumatisme qu’il subit un jour en voyant son père brutaliser sa mère, souvenir qu’il relate plusieurs fois dans ses écrits autobiographiques et qui constitue un schème structurant de sa personnalité, la racine profonde de la contestation, présente dans toute s...

Avant d’aborder la question précise de la fonction politique et esthétique des dédicaces à Tibère et à ses amis dans l’œuvre d’Horace, je ferai quelques remarques sur la mention de personnalités contemporaines dans les œuvres des poètes latins augustéens : tous se sont livrés à cette pratique à des degrés divers : cinq nominations chez l’élégiaque Tibulle, vingt chez son rival Properce ; les minces fragments de l’élégiaque Cornelius Gallus laissent entrevoir les noms de personnages aussi dive...

Dans nos temps modernes, l’écriture se présente comme l’expression graphique du langage, procédé dont on se sert pour fixer le langage parlé. Réduite, dans la plupart des cas, à l’outil servant à coder les sons du langage, elle est privée de son caractère transcendant qu’elle avait jadis dans nombre de cultures anciennes, dans lesquelles elle était considérée non pas comme le substitut de la parole humaine, mais comme la matérialisation du Verbe et le signe de l’activité divine. Cela est visi...

Chroniqueur paradoxal et intarissable du « rien de tout », Saint-Simon trouve parfois des accents presque de chaire pour dénoncer la vanité et le néant du pouvoir mondain. La quête effrénée des signes de la puissance, la course avide aux « chapeaux », aux « bâtons », aux « tabourets » et autres « sièges rembourrés », objets d’une dérision constante au fil de la narration malgré l’importance extrême attachée par le mémorialiste à ce « pas de plus ou de moins » qui est ce qu’il y a « de plus ch...

Sans doute, les rapports de Molière avec le pouvoir royal suivent-ils la loi commune de l’absolutisme intellectuel qui s’exerça sous Louis XIV : le mécénat royal entendait mettre les écrivains au service du pouvoir, de la gloire du monarque, de la grandeur de la monarchie et du royaume. Amateur de théâtre, avide de fêtes et de divertissements, Louis XIV fit déjà jouer à Molière un rôle particulier ; mais Molière fut davantage que le simple fournisseur – fût-il le principal – de spectacles com...

On sait que les Mémoires de guerre du général de Gaulle ont ceci de paradoxal qu’ils sont aujourd’hui considérés comme le principal récit français de la Seconde Guerre mondiale alors même que leur auteur s’est tenu hors de France (mais pas tout à fait hors du territoire national) de juin 1940 à juin 1944. Témoin légitime de la guerre sans jamais en avoir été l’observateur direct, du moins en ce qui concerne l’occupation elle-même, de Gaulle parvient à compenser son éloignement géographique pa...

En 1609, Pierre de Lancre (1553-1631), conseiller au parlement de Bordeaux, fut envoyé par Henri IV dans la province basque du Labourd pour y enquêter sur des témoignages de sorcellerie qui semblaient se multiplier. En compagnie de son collègue le président Jean d’Espagnet, il interrogea et fit exécuter de manière expéditive plusieurs dizaines de sorciers et sorcières. Depuis les travaux pionniers de Robert Mandrou, les historiens ont étudié comment la démonologie s’est constituée par une sin...

L’image royale, principalement celle de Charles VIII (1483-1498) et de Louis XII (1498-1515), a bénéficié ces dernières décennies d’un intérêt constant. Dans le contexte des guerres qu’ils menèrent dans le royaume et au-delà de ses frontières, ces deux rois ont été assimilés par leurs contemporains à des conquérants de l’Antiquité ou à de preux chevaliers. Au cours de leurs règnes, l’image du rex litteratus a cédé le pas à celle du rex bellator, promoteur d’une guerre décrite comme juste. Cet...

Stendhal et le pouvoir. C’est un sujet qui a été maintes fois abordé, toujours cependant – fût-ce par la seule étude de ses œuvres –, en se demandant comment l’individu Stendhal s’est situé par rapport à la vie politique de son temps. Or, on sait, depuis Freud, que jamais la personnalité d’un homme n’est unifiée, qu’une partie en demeure ignorée de lui, à des degrés variables. Et depuis Proust, on n’ignore plus que des moi différents se succèdent en lui au cours d’une même vie, alors que tout...

La figure littéraire de l’empereur romain conjugue le personnage symbolique du roi et le contexte d’une Antiquité latine plus ou moins tardive. Comme le roi, l’empereur incarne le degré superlatif de l’humanité, pour le meilleur et pour le pire, mais il se charge de connotations équivoques. D’une part c’est un roi magnifié par son antiquité et par l’immensité de son territoire ; d’autre part, Suétone plus encore que Tacite avait révélé ses libidines, faiblesses et turpitudes dissimulées par l...

La Mothe Le Vayer a publié en 1640 un ouvrage intitulé De l’Instruction de Monseigneur le Dauphin, dans lequel il a esquissé les grandes lignes de l’éducation qu’il considérait appropriée à l’héritier du royaume. Responsable de la formation du frère cadet du tout jeune roi, à partir de 1649 et attaché comme précepteur à la personne du roi en 1652, il a fait paraître de 1651 à 1658 des ouvrages globalement appelés Sciences dont la connoissance peut devenir utile à un Prince. À l’origine des le...

Dans la réflexion de fond sur les relations entre l’art et la réalité, la question des écritures du pouvoir se situe à un point de croisement fécond. Le pouvoir représente d’abord, dans ce champ de la recherche, le pouvoir politique : la direction des États, la puissance du commandement, la force de domination… C’est le sens que retient le présent volume, même si quelques rares échappées ont été esquissées vers d’autres dimensions du « pouvoir ». La notion d’« écriture », diverse, demandera i...