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This article presents a work for cello and piano composed by the Mexican composer Rubén Montiel (1895-1985) belonging to the genre of microforms made by the same author. The aspects approached present a description of the work under the point of view of the philological-musical analysis, carried out from the original manuscript utilized as primary source; this document is within the personal collection of the composer’s family. A descriptive structural analysis is applied to the work in order to know its compositional and harmonic form, and in this way, to investigate its possible insertion within a time, a space and a creative style, related to the evolution of the genres of Mexican concert music. In this applied research we can see details of the score, as well as philological interpretations related to its own notation and critical edition of it., Este artigo apresenta uma obra para violoncelo e piano composta pelo compositor mexicano Rubén Montiel (1895-1985), pertencente ao gênero das microformas realizadas pelo autor. Os aspectos abordados incluem uma descrição da obra do ponto de vista da análise filológico-musical, realizada a partir do manuscrito original utilizado como fonte primária. O referido documento faz parte do patrimônio pessoal da família do compositor. Realiza-se uma análise estrutural descritiva da obra para conhecer sua forma composicional e harmônica e assim investigar sua possível inserção em um tempo, um espaço e um estilo criativo relacionado com o desenvolvimento dos gêneros musicais. Nesta pesquisa aplicada, detalhes e aspectos da partitura podem ser vistos, bem como avaliações de interpretações filológicas relacionadas à sua própria notação e sua edição crítica., En este artículo se presenta una obra para violonchelo y piano compuesta por el compositor mexicano Rubén Montiel (1895-1985) perteneciente al género de las microformas realizadas por el autor. Los aspectos abordados incluyen una descripción de la obra desde el punto de vista del análisis filológico-musical, llevado a cabo a partir del manuscrito original utilizado como fuente primaria. Dicho documento se encuentra dentro del acervo personal de la familia del compositor. Se realiza un análisis estructural de forma descriptiva de la obra con el fin de conocer su forma compositiva, armónica y así, investigar su posible inserción dentro de un tiempo, un espacio y un estilo creativo relacionado con el desarrollo de los géneros propios de la música mexicana de concierto. En esta investigación aplicada, se pueden ver detalles y aspectos propios de la partitura, así como valoraciones de interpretaciones filológicas relacionadas con su propia notación y la edición crítica de la misma.

The article presents the electroacoustic work Agon (1998) by the Argentine composer Horacio Vaggione (1943-), relating to two previous compositions by the same author: Schall (1995) and Nodal (1997). A methodological proposal for musical analysis based on the concepts and reflections of the composer himself (such as micro-assembly, mixidad, processing, etc.) is offered, in order to appreciate all its dimensions and components, as well as its techniques of realization and structuring: all the above to propose a better reception and appreciation of this work, Este artigo apresenta a obra eletroacústica Agon (1998) do compositor argentino Horacio Vaggione (1943-), relacionada a duas composições anteriores do mesmo autor: Schall (1995) e Nodal (1997). Uma proposta metodológica de análise musical é oferecida com base nos conceitos e reflexões do próprio compositor (como micromontagem, mixidade, processamento, etc.), a fim de valorizar todas as suas dimensões e componentes, bem como sua produção e estruturação técnicas, todas as anteriores com o objetivo final de propor uma melhor recepção e apreciação deste trabalho., En este artículo se presenta la obra electroacústica Agon (1998) del compositor argentino Horacio Vaggione (1943-), relacionada con dos composiciones anteriores del mismo autor: Schall (1995) y Nodal (1997). Se ofrece una propuesta metodológica de análisis musical basada en los conceptos y reflexiones del propio compositor (tales como micromontaje, mixidad, procesamiento, etc.), con el objetivo de apreciar todas sus dimensiones y componentes, así como sus técnicas de realización y estructuración, todo lo anterior con el fin último de proponer una mejor recepción y apreciación de esta obra.

The Mexican composer Ramiro Luis Guerra González, whose name appears only occasionally and whose works are heard even less often, belongs to the musical movement active in Monterrey (Nuevo León) in the second half of the 20th century. This article analyses the evolution of the compositional process in his string quartets, which represent different stages in the composer’s evolution – a fact that allows us to identify and analyze the characteristics peculiar to each composition. In addition, certain textual incongruities present in the autograph manuscripts of these string quartets are resolved, the aim being to facilitate the preparation of future musical editions of this repertoire., O compositor mexicano Ramiro Luis Guerra González, sobre quem raramente lê e raramente ouve seu trabalho, fez parte do movimento musical ativo em Monterrey, Nuevo León, na segunda metade do século XX. Este artigo analisa a evolução do processo composicional em seus trabalhos para o quarteto de cordas que abrangem diferentes etapas da formação do autor, o que permite estabelecer e analisar as características de cada composição. Além disso, algumas incongruências textuais presentes nos manuscritos autógrafos desses quartetos são resolvidas, a fim de facilitar a elaboração de sucessivas edições musicais do referido repertório., El compositor mexicano Ramiro Luis Guerra González, acerca del cual se lee en pocas ocasiones y más raramente se escucha su obra, formó parte del movimiento musical activo en Monterrey, Nuevo León, en la segunda mitad del siglo XX. En este artículo se analiza la evolución del proceso compositivo en sus obras para cuarteto de cuerdas que abarcan distintas etapas de la formación del autor, lo que permite establecer y analizar las características propias de cada composición. Además, se resuelven algunas incongruencias textuales presentes en los manuscritos autógrafos de estos cuartetos, con el fin de facilitar la preparación de ediciones musicales sucesivas de dicho repertorio.

El cantante, compositor y didacta (maestro de canto) Francesco Antonio Pistocchi (Palermo 1659 - Bolonia 1726) fue un músico ampliamente reconocido por sus contemporáneos (Giuseppe Torelli, Pier Francesco Tosi, Johann Joachim Quantz, entre otros) y, hoy en día, es digno de ser considerado entre los mejores compositores de música vocal del Barroco italiano. Aunque no está todavía catalogada de manera sistemática, su producción merece ser ampliamente estudiada, analizada y ejecutada. Hasta la fecha no existe un catálogo exhaustivo que registre de manera puntual toda su obra, por tal razón, en este estudio se presenta por primera vez un listado actualizado de su amplia producción –que incluye óperas, serenatas, oratorios, cantatas, duetos, tercetos, madrigales, misas (o secciones de misa), salmos, responsorios, cánticos, letanías, himnos, antífonas, motetes, lamentaciones, pastorales y secuencias, además de una colección de música instrumental–, en donde se especifica la localización de su música que ha llegado hasta nuestros días (actualmente resguardada en alrededor de treinta diferentes bibliotecas de Alemania, Austria, Bélgica, Francia, Italia, Reino Unido y Estados Unidos de América). Cabe hacer hincapié que muchas de las composiciones de Pistocchi se han identificado y enlistado por primera vez en esta investigación., The singer, composer and didact (singing master) Francesco Antonio Pistocchi (1659 Palermo - Bologna 1726) was a musician, widely acknowledged by his contemporaries (Giuseppe Torelli, Pier Francesco Tosi, Johann Joachim Quantz, among others) and, today, it is worthy of being considered among the best composers of vocal music from the Italian Baroque. Although it is not yet listed in a systematic way, their production deserves to be widely studied, analyzed and played. To date there is a comprehensive catalog that register in a timely manner all his work, for this reason, in this study is presented for the first time an updated list of its wide production –que incluye óperas, serenatas, oratorios, cantatas, duetos, tercetos, madrigales, misas (o secciones de Eucharist), salmos, responsorios, cánticos, letanías, himnos, antífonas, motetes, lamentaciones, pastorales y secuencias, además de una colección de música instrumental–, which specifies the location of your music that has survived to this day (currently sheltered in around thirty different libraries of Germany, Austria, Belgium, France, Italy, United Kingdom and United States of America). It should be stressed that many of the compositions of Pistocchi have been identified and listed for the first time in this research.

In the whole of Europe the most important composer of concertos for two violins is indubitably Vivaldi (1678-1741), who produced almost thirty works of this type during almost the full length of his creative career. The dissertation examines this particular side of Vivaldi’s activity, starting with an examination of the concerto in Rome, Bologna, and Venice at the turn of the seventeenth and eighteenth centuries. The aspects investigated include the ‘conceptual’ origins of the double concerto for two violins in Vivaldi, the nature, distribution and interrelationship of their sources (particular attention being given to compositional revisions in the autograph manuscripts) and an analysis of the works themselves that takes in form, tonal structure, technical-instrumental character and performance practice. The concertos that have come down in particularly problematic non-autograph sources are discussed in detail and presented in critical editions. A reconstruction is offered of the two works (RV 520 and 526) that have survived only in incomplete form, lacking the part of the first soloist. The concertos for two violins composed in Germany by Telemann and J. S. Bach, the contemporaries of Vivaldi who paid greatest attention to the double concerto genre, are then described and analysed. The thesis ends with a complete list of modern editions of Vivaldi’s concertos for two violins and a select discography.