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Este ensaio caracteriza e defende a autoridade estética da poesia lírica e a sua significância para a vida humana 1) descrevendo um conjunto de problemas amplamente compartilhados que assolam a vida humana social moderna, e 2) mostrando como a lírica aborda esses problemas por meio dos seus modos de organização e da participação imaginativa que ela convida e sustenta.

María Elvira Lacaci fue una poeta española galardonada y antologada. Dos de sus tres poemarios recibieron premios nacionales. Los temas que vertebran su poesía son la relación con Dios y la preocupación social. Fue una de las voces poéticas religiosas más auténticas del siglo XX español. No hay estudios que aborden su poesía completa, aún sin publicar. Este trabajo pretende iniciar un proceso de investigación sistemática de su poesía religiosa, para lo cual se caracterizan sus poemas publicados en antologías de tema religioso. En esta aproximación surge una escritora ascética, que combate por su fe, y mística, que recibe mensajes divinos sin espectáculo, en medio de la calle y de los afanes de su vida cotidiana.

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The past decade has been the heyday of mobile-assisted language learning (MALL), with increased use of mobile applications (apps) as learning platforms. Despite the central focus of mobile apps on language skills such as vocabulary (e.g., Duolingo) and pronunciation (e.g., BoldVoice), few have factored in both learners and teachers. Lirica is an engaging mobile app that fosters language learning through songs in five languages. Given the pedagogical and psychological affordances of songs and the personalized learning environment offered by mobile apps, this tech review seeks to present an overview of the Lirica app and its potential for language learning while tackling its limitations, following Kohnke and Moorhouse's (2022) framework. The main findings are teacher-friendliness (i.e., level and objective-appropriate assignments), integrated skills practice (e.g., grammar, vocabulary, listening, and pronunciation), and information cards to raise learner's cultural awareness. However, full content access is available only to premium users. Users might also experience technical hiccups, such as glitches and connection instability. Furthermore, the app prioritizes Spanish among the other languages of practice (i.e., English, French, German, and Welsh). Since this review introduces the app and outlines its potential advantages and disadvantages for language learning, classroom-based and experimental studies are needed to corroborate the findings. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

Este ensaio pretende visibilizar o trabalho de pesquisa sobre o escritor argentino Sebastián Jorgi , cujas referências imaginárias para pensar a cidade reconfiguram-se através das memórias afetivas na metrópole em transformação. Portanto, ao desarticular a lógica da Buenos Aires moderna, a voz poética manifesta a decisão de nomeá-la, a partir do bairro formulado, Barracas, mediante um deslocamento autorreflexivo, no qual surgem questões sobre história, linguagem, tradição cultural e filiações estéticas. Nesse sentido, serão estudados alguns poemas extraídos da obra Orsái (1965), a partir dos pressupostos teóricos consagrados na Poética do Espaço, de Gaston Bachelard e nas Estruturas Antropológicas do Imaginário, de Gilbert Durand. Observa-se a opção pelo lunfardo, decisão que fornece não só a matéria-prima, como também, a topofilia inicial, que sobrepassa o deslumbramento e a experimentação, pois Jorgi vai nutrir-se dessa organicidade cultural entre os vários interlocutores, que com ele estabeleceram vínculos, durante sua trajetória artística, também nas décadas posteriores. Orlando Mario Punzi, da Academia Porteña de Lunfardo, alude à decisão programática de Sebastián Jorgi, na referida obra, mediante “uma necessidade física e espiritual, de falar do tempo feliz de sua juventude”, mas da qual, Jorgi não pode desprender-se”(Punzi, 2009). Estudá-lo, no âmbito acadêmico propicia novas possibilidades interpretativas sobre um período histórico-cultural multifacetado e aberto à pesquisa

En la vida y obra da Gamaliel Churata la muerte de su esposa Brunilda (Rosa Calderón) y de sus hijos Teófano (Teófano Peralta) y Qimensa (Clemencia Peralta) tuvo un impacto singular. Este acontecimiento no solo afectó a Churata, sino que también alcanzó a otros miembros del Grupo Orkopata, quienes escribieron poemas dedicados a estas almas significativas. En este artículo estudiamos el ritual de la muerte representado en la poesía de Churata, en específico a las fases que corresponden a la partida y al retorno del alma (ajayu). Para ello, analizamos dos poemas dedicados a la muerte de Teófano, que siguen esta secuencia ritual. Nos serán de utilidad las categorías de ajayu, amaya y ajayu-watan, además de las nociones de la lírica andina. Con ello, evidenciaremos que el canto a la muerte propuesto por Churata sigue el ritual de la concepción andina de la muerte, en especial el ritual aymara.

The past decade has been the heyday of mobile-assisted language learning (MALL), with increased use of mobile applications (apps) as learning platforms. Despite the central focus of mobile apps on particular language skills such as vocabulary (e.g., Duolingo) and pronunciation (e.g., BoldVoice), few have factored in both learners and teachers. Lirica is an engaging mobile app that fosters language learning through songs in five languages. Given the pedagogical and psychological affordances of songs and the personalized learning environment offered by mobile apps, this tech review seeks to present an overview of the Lirica app and its potential for language learning while tackling its limitations.

Este artículo defiende la tesis de que nos encontramos en el medio de un cambio radical del paradigma lírico de la modernidad. A partir de una consideración crítica de la colección de poesía La flor del extérmino, del escritor chileno Andrés Ajens, y de una interpretación a contracorriente de la fórmula la edad de los poetas del filósofo francés Alain Badiou, este ensayo define los contornos de un agotamiento lírico que coincide con la declinación de los grandes relatos que estructuraban la modernidad. El propósito último es ofrecer pistas para dilucidar los nuevos rumbos que la poesía estaría tomando en el presente.

This essay is intended to analyze the work A árvore aquela (2015), written by Brazilian poetess Vera Pedrosa, who is known for her engagement during the mimeograph generation in Brazilian literature. Considering lyric poetry as artistic creation and as artistic reflection, this study allows the work's particular character to panoramically reveal aspects related to human and artistic conditions in face of economic and social changes. For this reason, the chosen poems give the shape to the analyzed book and its main tensions, such as the dialectic of country and city as well as the relation between history and fiction. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

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RESUMO Este ensaio enfoca o poema “A máquina do mundo”, de C. Drummond de Andrade, no contexto da literatura mundial, aproximando-o em especial do Fausto de Goethe. O ensaio também discute algumas facetas da resistência que, em reflexões teóricas de Alfredo Bosi, pode emanar do gênero lírico. Nessa perspectiva, o poema é ainda relacionado a duas devastadoras catástrofes ecológicas na história recente do Brasil, causadas por uma corporação contra a qual a biografia do poeta registra longo embate.

L’intervento propone un approfondimento rivolto alle questioni di integrazione dei motivi compositivi poetico-visuali nell’area lirica iper-contemporanea. La ricerca si rivolge alle dinamiche di assimilazione di elementi visuali e figurativi nei processi di poiesi lirica – dinamiche ‘tradizionalmente’ legate all’area poetica della sperimentazione. Si propone così una riflessione critica dedicata a opere in cui l’elemento d’immagine occupa uno spazio non complementare, ma di cardine creativo.

El conocimiento de un animal como el ciervo se remonta a las culturas antiguas, al que se le han asociado diferentes creencias. A partir del tratado griego Physiologos, la simbología que adquirió este animal se relacionaba con la lucha entre el bien y el mal. Progresivamente, los textos animalísticos derivados, los bestiarios, se centraron en la imagen del ciervo que acude a la fuente para rejuvenecer como un símbolo del bautismo, como entrada en la nueva vida que ofrece la religión cristiana, lo que contribuyó también a su difusión en la literatura culta, sobre todo en poesía y obras de carácter didáctico-doctrinal. Este trabajo pretende hacer un recorrido desde los orígenes de la simbología del ciervo, su evolución y utilización en algunos textos literarios.

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En este trabajo se comentan los resultados de un análisis comparativo entre varias canciones tradicionales ibéricas, hispánicas y árabes-magrebíes en las cuales se describen encuentros eróticos con tres muchachas. Ese cotejo muestra que los cantarcillos populares en los que desarrolla ese tema (al que hemos denominado Las tres mozas) presentan numerosas analogías de contenido y de estructura que apuntan a que las versiones documentadas en ambas tradiciones podrían haberse gestado en una misma matriz lírica.

O artigo realiza uma leitura cerrada de “Passim”, que, como um poema em paralaxe, forja, com o dispositivo do fragmentarismo, uma unidade anômala de discursos sobre a morte, e constitui uma demonstração in extremis dos limites e possibilidades do discurso poético. Assim, o horror e o luto, pontos nevrálgicos da cultura ocidental, são reconhecidos no poema como definidores da disputa entre o eu cognoscente, de um lado; e o pensamento incoativo, a impossibilidade de sentido e o apagamento de outro, de modo a formular um agon sobre o próprio ser-sobre da existência circunscrita pela consciência da finitude e da fragilidade da vida. A leitura, por fim, identifica os vínculos íntimos entre a legibilidade da lírica, a montagem discursiva, a condição performativa do eu e sua dramatização na ritualização do luto – vínculos condicionados ao desvelo dos artifícios da retórica, que subsistem ruinares e reatualizados, ainda produtivos, na poesia contemporânea de Deguy.

El período de las Cruzadas dejó múltiples sugerencias en las obras literarias de la época que, junto con los anales y crónicas, destacaron fenómenos y mentalidades propios de los siglos XI-XIII. Entre las expresiones más típicas de la época hay algunos cantos, difundidos sobre todo en Francia, pero también en Occitania, y no desconocidos en Italia, que celebran el motivo de ‘ir a las cruzadas’ como una experiencia esencialmente de peregrinación o de aventura espiritual, revelando la existencia de un fermento cultural de gran interés. Algunos cantos relativos a la partida hacia Tierra Santa se actualizan a través del saludo del poeta a su amada-dama con voz femenina. Los textos ilustrativos seleccionados para la contribución se inscriben en la variante del motivo de la distancia del amor, ya conocido en el género de las ‘chansons d’ami’, y trasladan el escenario de los suspiros de amor de las regiones de Europa a las temidas tierras de ‘ultramar’. Y en esto, parecen alzar la voz de protesta contra un poder que no tiene en cuenta los sentimientos humanos.

El son jarocho es una práctica musical que, en la actualidad, se ejecuta al sur del estado de Veracruz y en algunas localidades de Oaxaca y Tabasco (México). Está compuesto por instrumentos de cuerda, percusiones, danza de tarima y canto, los cuales, en su conjunto, nos dejan entrever el sincretismo de sus orígenes indígena, africano e hispano. El repertorio del son jarocho es amplio y su contenido relata desde hechos cotidianos hasta situaciones fantásticas, permitiéndonos acceder a través de la escucha a una parte de la memoria colectiva y los imaginarios sociales que se encuentran reflejados en la lírica. Por tanto, el objetivo del presente artículo es mostrar cómo el personaje de la Llorona aún se encuentra inserto en parte de la memoria colectiva y cómo las construcciones del imaginario social le han permitido adaptarse a diferentes contextos sociohistóricos, asegurando su supervivencia hasta el siglo XXI.

The present work analyzes how the language and mythology works in the fabric of a cultural cosmos in the proems of Theogony of Hesiod and Pythic I of Pindar, Also, shows ritual character of both poems and establishes the part of the intermediary entity (the muses or the golden lyre) as enablers of both hymns and the (re)cognition of the mythical order. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

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Il saggio riflette sull’anomalo, sfuggente assetto di genere di Nel magma di Mario Luzi, cogliendovi un potente dispositivo di sceneggiatura delle ambiguità che segnano il rapporto del soggetto con il suo tempo. All’interno dei testi, il peculiare uso dell’auto-diegesi lirica pone in tensione l’azione dell’io personaggio e quella dell’io voce, teatralizzando i limiti di indisponibilità del soggetto a implicarsi davvero in un rapporto con l’Altro. A ciò corrisponde, sul piano macrotestuale, la tensione attivata fra la condotta «volutamente non entusiasmante» (Verdino) del Mario personaggio e la muta prospettiva del Luzi regista, latrice di una estrema, obliqua possibilità di relativizzazione dialogica di quel Sé lirico teatralizzato e obiettivato.

La lirica è il genere che ha prodotto la forma simbolica con cui è stata letta più frequentemente la poesia italiana del Novecento. Tuttavia, soprattutto da un certo momento in poi, questa maniera di concepire la lirica diventa uno stereotipo, che ingabbia non solo la scrittura in versi, ma anche la presenza della soggettività nella scrittura. Questo cliché ha fossilizzato la lirica in un’espressione sterile, che a mano a mano non è sembrata più in grado di generare un pensiero produttivo e di raccontare il presente. Conferma la deriva della poesia che avrebbe perso progressivamente sempre più lettori e supporto istituzionale. Tuttavia, se il genere si è cristallizzato in uno stereotipo, le riflessioni sulla soggettività hanno seguito uno sviluppo ben più articolato e differenziato. Così come la filosofia del soggetto ha attraversato molte trasformazioni, è cambiata la funzione della lirica e della soggettività nella scrittura. Il saggio si propone di mettere a fuoco questi problemi a partire da un'analisi della poetica di Vittorio Sereni. Propone, infine, un'idea di rifunzionalizzazione della lirica che pone l'accento sull'importanza del rapporto tra la poesia e il pensiero emotivo come pensiero produttivo.

La obra de Francisco Pino ha recibido poca atención crítica pese a su importancia fundamental para comprender la poesía experimental española. En este artículo, interpreto uno de sus poemas de 1969 «Lírica que se vuelve económica». La interpretación que Túa Blesa ofreció en sus Logofagías no abunda en el radical cuestionamiento de la tradición lírica que este poema encarna. Este artículo revisa dicha interpretación y ofrece una propuesta alternativa que no refiera los procedimientos de silenciamiento del texto a la experiencia del poeta sino a las mediaciones materiales que han definido el sentido común sobre aquello que cuenta como un poema. Interpretado en esta perspectiva, el poema de Francisco Pino constituye una guía de lectura ineludible para comprender las creaciones poéticas experimentales del tardofranquismo.

El vínculo de la memoria y los loci, procedente de las técnicas mnemónicas clásicas, deriva en el terreno lírico en interesantes metáforas espaciales. En este trabajo analizamos poemas pertenecientes a la poesía hispánica de los Siglos de Oro en que la memoria y el olvido manifiestan algunas de las principales consideraciones de las artes de la memoria, si bien en este contexto memoria y olvido constituyen temas y no recursos. El objetivo de este estudio es proponer un sucinto inventario que dé cuenta de las metaforas locativas en que cristaliza la memoria en la lírica hispánica áurea.

¿Cómo afrontar la revisión del estatuto aleteico del aforismo? Para responder a la pregunta y con Nicolás Gómez Dávila como referente, analizaremos su relación con lo falso o lo probable, su tendencia a la refutación o la iconoclastia, así como la forma conflictiva en que sus proposiciones se relacionan con lo común o constituyen verdades de vida. El carácter complejo de su condición genérica exige asimismo un estudio de las implicaciones enunciativas de su estatuto de ficción y de la manera en que sus lectores actualizan cierta búsqueda figurada de la verdad mediante una revelación epifánica del sentido. Finalmente, una aproximación genealógica al aforismo, sus juegos de verdad y discursos de veridicción apunta a dos aportaciones del último Foucault, el decir verdad del parresiasta y los hypomnematas, así como a una consideración del aforismo como un ritual vivo de la verdad.

Leitura de um dos poemas mais intrigantes de Cesário Verde, este ensaio discute os modos pelos quais o texto de “Humilhações” tenta lidar com a natureza centrífuga e disruptiva da experiência moderna, tomando como primeira moldura de referência o novo frisson inaugurado pelas Flores do mal de Baudelaire. Ao mesmo tempo, ao analisar a violenta mudança de tom e velocidade nas últimas duas estrofes — quando o narrador deixa o átrio do teatro para descobrir-se bem no meio de um confronto entre povo e polícia —, procura-se mostrar, de um lado, como ao longo do po­ema o compromisso de dar rosto e voz aos novos atores políticos anda de mãos dadas com um intenso respeito pela opacidade e inacabamento dessa condição, e, de outro, as estratégias formais concebidas para honrar tal aposta.

Este ensayo explora las nociones de lírica, modernidad y América. Argumenta que la idea de América es inextricable a la emergencia de la poesía lírica moderna. Cuestiona el entendimiento según el cual el valor de la poesía latino americana se circunscribe al espíritu de la historia “universal”, que marca el inicio de la poesía en América latina solo a finales del siglo 19, después de su nacimiento en Europa y Estados Unidos. Analiza la imagen de América y el desarrollo de la poesía lírica en relación con la constitución heterogénea de la modernidad y de la subjetividad moderna. Sugiere que los dualismos cartesiano carecen de sentido sin la paralela conceptualización y conquista de América. En última instancia, lo que el ensayo propone es que la “tardanza” poética de América latina debe ser abandonada en beneficio de una apuesta poética que se inscriba y verifique sin las constricciones teleológicas de la Historia.

The article seeks to identify in Hilda Hilst’s poetry, from the 1970s, a movement of sublimation of loving singing, sometimes found in the field of immanence and sometimes deified by negative interpolations, such as Cara Negra, Aquele Outro, Nothing, Sombrio unnamed. , Big Face, etc. He argues that there is a method of transcendence in Hilda Hilst’s love poetry, both for the lyrical subject, who suffers from love, and for the beloved who causes this suffering. This chant is organized from two pendular movements: asceticism, understood as a movement of detachment; and excess, understood as an absolute investment in loving passion and a privileged method of knowing God.

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The article establishes a comparative reading of the poems Espelho do guardaroupa, by Ferreira Gullar, and O Cristo, by Manuel Alegre, focusing on time, memory and trauma. The problem addressed is the “tell-sing” crisis, the traumatic memory with its “anomalous” time. In both poems, the poetic language seeks in its formal constitution mechanisms to deal with the difficulty of representing the “real”. We intend to demonstrate in this work that the confrontation of the crisis between the impossibility of “saying” and the traumatic demand for “remembering” is presented as its transposition and aesthetic transfiguration in the poem itself. The theoretical and critical grounding focuses on studies by Márcio Seligmann-Silva, Giorgio Agamben, Ecléa Bosi and Hugo Friedrich.

Within popular literature, poetry has fulfilled —among many others—the function of communicating news and assessments of the actions of rulers or the powers-that-be. This tradition, which stems from the middle Ages, was fully developed through the verse compositions disseminated by the broadsheet printed by Antonio Vanegas Arroyo in the Mexican early 20th century. These texts address a diversity of topics and fulfill various different functions within what we may call the ‘poetics of news-sheets’. In this paper I shall examine the short poetic texts in some broadsheet appearing right after the armed uprising which led to the Revolution. Through their study, I shall approach the topics and poetic forms employed to deal with events and political personalities in a revolutionary context. Also, I shall analyze how this conformed the Mexican popular political mindset.

Symbols occurring in Spanish popular poetry are found in all cultures, traditions and historical ages. Their meaning depend on their own contexts in order to be decodified. Sometimes, they may even present erotic connotation. Thus, a dictionary of symbols pave the way to organize a framework of the aspects, uses and meanings that symbols have, and have had, over the years. In other words, a dictionary its an important contribution to understand traditional poetry in its own terms. RESUMEN: El uso de símbolos en la lírica popular hispánica ha sido constante en todas las culturas, tradiciones y épocas históricas; pero los símbolos dependen de sus propios contextos para que los usuarios los puedan decodificar. Muchas veces tienen significados variados, dependiendo del entorno en que se presenten y, en algunas ocasiones, incluso tienen connotaciones eróticas. Proponer un diccionario de símbolos no es tarea fácil, pero podrá contribuir en la construcción de un paisaje de las vertientes, usos y significados que estos tienen y han tenido a lo largo del tiempo.

Este artículo complementa el estudio de la lírica santiaguera en la etapa republicana (1923-1958), donde convergen las estéticas posmodernistas, vanguardistas y neorrománticas en el espectro literario y cultural de la ciudad. La investigación ofrece zonas de interés a las actuales investigaciones de instituciones académicas y culturales vinculadas al proceso de rescate del patrimonio literario y cultural de Santiago de Cuba. Se trata de una literatura preterida y desconocida por la historiografía literaria cubana. La revisión de fuentes hemerográficas, textos poéticos del período y la aplicación del análisis de contenido como método general permitieron dilucidar los autores, obras y sus diferentes manifestaciones ideoestéticas del género poético, cuyas aportaciones resultan medulares para el necesario ejercicio de reescritura de la historia literaria regional.

Ana Martins Marques has three titles published so far, namely: A Vida Submarina (2009); Da Arte das Armadilhas (2011); O Livro das Semelhanças (2015); in addition to a work together with Marcos Siscar, Duas Janelas (2016), and with Eduardo Jorge Como se Fosse a Casa (uma correspondência) (2017). In this article, we propose thinking, from the poems of the O Livro das Semelhanças, as if building metaphors of writing and thought from the metalanguage speech. --- DOI: http://dx.doi.org/10.25094/rtp.2019n27a585

Este artigo tem como objetivo principal investigar os diferentes caminhos que a moderna poesia de língua portuguesa assumiu em três diferentes contextos: Portugal, Brasil e países africanos de língua portuguesa. O corpus poético analisado é constituído principalmente por Fernando Pessoa, Oswald de Andrade e Agostinho Neto. No entanto, são referidos na análise poemas de Florbela Espanca, Mário de Sá-Carneiro, Mário de Andrade, Carlos Drummond de Andrade, Noémia de Sousa e José Craveirinha. Os resultados apontam para três distintas formas de dissolução da noção de individualismo moderno nas três poéticas: uma tendência intimista que visa à fragmentação do eu em Portugal; uma tendência que aproxima poesia e ensaio por meio da descrição da realidade social no Brasil; e uma tendência animista africana que torna a voz poética mais coletiva.

Starting from the analysis of a cycle of sonnets neglected by criticism (Rime 126-130), this paper aims to demonstrate the meaning of the private themes in Bembo's lyrics with regard to the historical context of the first thirty years of the XVI century, in connection with the uncertainty generated by the Italian Wars as well as with the role of intellectuals and writers in Renaissance society. All of the texts are tied to a precise moment, the year 1526: the extremes of the sequence are two civic-political sonnets, addressed to Clemente VII and his datary Giberti, while the central texts are dedicated to the theme of friendship and to la Morosina's illness. The series appears particularly uneven, even more so because of its position just behind the ending of the amorous canzoniere and before the spiritual texts; however, the sonnets are bound together by the theme of fortune and history, in which is rooted Bembo's idea of the love lyric. The paper proves that this thematic thread hints at an articulated discourse about poetic autonomy, grounded in the Latin classics, which represent the true substrate of Bembo's poetry. The study of the sources and of the macrotext confirms the importance of Propertius and Horace in the Rime: specifically, in the Venusian poet Bembo identified a point of reference for the definition of the writers' position vis-à-vis power and for the idea of constructing a monumental work, capable of making eternal not only the memory of its author but also that of his friends, lovers, and lords who are involved in the verses; in Propertius, instead, he saw an example for the treatment of the amorous theme in poetic discourse. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

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José María de la Rosa es uno de los autores de la lírica insular de vanguardia cuya evolución escritural, al igual que otros autores coetáneos como Agustín Espinosa, Domingo López Torres, Emeterio Gutiérrez Albelo o Pedro García Cabrera, partió de la estética última, la del 27, hasta el surrealismo. Este artículo pretende asediar críticamente su obra primera, Íntimo ser (1936), poemario apenas estudiado y de cuyo contenido apenas hay referencias. Realizaremos un análisis de crítica textual a partir de los textos originales publicados por el autor, estudiando tanto sus aspectos temáticos como expresivos, en aras de relacionarlo con los autores anteriormente citados, amén de con otros nombres del 27 cuya lectura nutrió su proceso creativo. Como resultados, podrá apreciarse que la estética del 27 supuso un aprendizaje necesario para, finalmente, desembocar en el torrente surrealista.

El presente artículo analiza los aportes literarios que se hicieron en el mundo grecorromano en relación con las diferentes maneras de concebir la paz. Lo anterior, con el fin de hallar analogías, diferencias y modos de concebir procesos de violencia y entendimiento pacífi­co entre las partes enfrentadas a partir de sucesos acae­cidos en sociedades como la colombiana, en donde la paz se ha visto, en varios momentos prolongados de su existencia, ausente del sentir de las gentes.

El texto se propone un estudio comparativo entre la poesía de Safo y los versos del Cantar de los cantares, tomando como punto de referencia un manejo común de los temas. Se trata de una especulación y no de un estudio sistemático del mismo: El amor de los amantes, la vigilia nocturna y el sueño como escenario de encuentro se exponen como pilares fundamentales de esta reflexión, al tiempo que deja abierta la posibilidad de desarrollar posteriores trabajos.

‘Giving You a voice is crossing You in things’ The song of return in Filippo Davoli’s between lyric and religion This paper aims at investigating the phenomenon of the return of religion as well as at analysing the return of lyric poetry and French phenomenology as conceptual keys to Davoli’s literary production. The thirty-year poetic activity of Filippo Davoli (Fermo, 1965) may be defined as a very personal “return to reality” where the poet inserts daily situations as part of a wider transcendental plan, which, however, does not imply dogmatic declarations of faith. According to thematic and chronological analyses, Davoli’s poetry may constitute a parallel to contemporary expressions of religious sentiment linked to poetry. In this “initiatic-spiritual” knowledge, the poet’s mystical sentiment, or ‘Song of return’, may be preparatory to a re-reading of reality which goes beyond its material dimension. Such a double level of reading can be as well exemplified by another pivotal theme in Davoli’s production: the body and its limits express both the mere caducity of the present and its “anagogic” dimension, which consists in a further interpretation of its limits.

Esta aportación se dedica a la producción lírica de Moreto incardinada en su tiempo. Tiene como objetivo no solo dar a conocer poemas que hasta el momento permanecían inéditos o editados en impresos antiguos, sino también observar la presencia de obra poética de Moreto en algunos de los principales volúmenes colectivos de finales de los años 1630 y de las décadas de 1640, 1650 y 1660. Con esta nueva mirada que conjuga varios ejes de investigación se pretende recuperar algunas de las redes de sociabilidad en las que Moreto y otros poetas colaboraron y que pueden ser claves para explicar otros fenómenos del siglo XVII, como es el de la escritura de teatro de consuno.

La bendición sacerdotal de Números 6,22-27 contiene dentro del conjunto de la Torah hebrea, un fragmento sublime del Pentateuco. No solo se destaca en el pasaje su belleza expresiva, sino también su estética narrativa y su lírica vigente aún en la liturgia judía y cristiana. Por ello el recurso a las fuentes, incluido el Antiguo Testamento, podrá vislumbrar rasgos de la celebración y la vivencia de la fe, todavía actuales para una comunidad creyente.