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In a reality marked by humanitarian and climate crises, there is an urgent need to review the pillars of a worldview that justifies and entrenches the catastrophe, by seeking solutions to counteract its effects. With this purpose, this article presents and analyzes some representative works of the Peruvian Renata Flores and the Colombian MC Taki Amaru, from La Mafiandina. From a critical ecofeminist perspective, the article examines how some concepts (sumak kawsay, body-territory and ch'ixi) dialogue and contribute to feminist philosophy. Through an analysis of the rappers's aesthetics (the representations of women and nature), their ethics (the vindication of a dignified life) and their political posture (the defense of one's own body), it reveals the critical and didactic potential of Latin American ecofeminism and the multiple possibilities of rap as a tool for social change, environmental pedagogy and empowerment of oppressed groups. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

The current transformations of the music industry continue a previous process, added to the changes brought about by digitalization, audiovisual convergence, and transmedia logic. A systemic approach is necessary to locate the new conditions of musical remediation and appropriation of music by the media industry and to inquire into the turn toward the visual of the music industry, which some authors have found in recent years. The period of lockdown due to the Coronavirus (COVID-19) deepened a series of dynamics that combine the production and distribution of popular music with other sectors of the music industry. On the one hand, the video clip has become a multifaceted instrument after YouTube, which has made it possible to monetize music listening. Its forms of expansion colonize platforms, and its format and aesthetic model expand in duration in the visual album or are cloned for application to various microformats. Thanks to platformization, it acts not only as a promotional format but also as a listening medium. On the other hand, live music is a relevant diffusion field in popular music. In its retransmitted version, livestreaming of concerts consolidates another formula of innovation tending toward personalization. The paper's objectives involve reflecting on the logic of global modification of the creation and consumption of musical content in the current transmedia context and analyzing the dynamics of interaction between agents, considering the digitalization and platformization of musical content. The conclusions trace the possibilities of monetization and personalization of the experience of popular music and reflect on how the production conditions of creative agents in the current music industry and musical reception change. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

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El siguiente texto aborda algunas ideas del compositor César Bolaños, vertidas en una entrevista y un artículo de mediados de los 70 y principios de los 80, respectivamente, que ofrecen algunas claves para entender la oposición de Bolaños a un modelo hegemónico del uso de la tecnología en la creación musical. Esto permite abrir otra perspectiva para la comprensión de su alejamiento de la composición musical en la década del 70 luego de retornar al Perú tras diez años de vivir en Argentina, como del desarrollo de la música con medios electrónicos en el Perú.

O texto analisa as lógicas de criação curricular para a formação do músico popular profissional, destacando a proposta da Bituca – Universidade de Música Popular. Esta instituição se apresenta como uma alternativa aos currículos tradicionais, que são estruturados com base na música erudita ocidental, especialmente no Ensino Superior. Foram utilizadas como fontes: documentos produzidos pela escola, entrevistas semiestruturadas com coordenadores e mestres da instituição, além das respostas dos egressos da Bituca a um questionário on-line. As ferramentas teóricas da Teoria dos Códigos de Legitimação permitiram desvelar os princípios organizacionais do currículo e compreender as críticas direcionadas aos cursos superiores de música. Os resultados indicam que a lógica de construção curricular da Bituca visa estruturar um processo de formação do músico popular por meio da imersão prática. Esse processo promove a interação com mestres renomados em plena atividade profissional e utiliza um repertório intencionalmente selecionado, focando na música popular brasileira, especialmente a mineira. Assim, a seleção de conhecimentos é flexível, adaptando-se às demandas da prática musical e dos estudantes.

La Mesías (Movistar+, 2023) es una serie española de televisión que desarrolla la historia de una familia disfuncional de la que emerge un grupo musical, Stella Maris. En la serie, sus creadores reinterpretan fenómenos virales de origen online, muy especialmente el caso del grupo español Flos Mariae. El objetivo principal de este trabajo es explorar el universo transmedia de la serie, para lo cual se deben localizar, comparar y analizar las acciones del grupo musical ficticio en redes sociales. Se pretende igualmente identificar de qué forma se establece una relación entre el relato de ficción y el relato virtualizado en las redes. Se aplica una metodología exploratoria y descriptiva basada en el estudio de caso. Los resultados confirman que las acciones transmedia alrededor de Stella Maris y de La Mesías expanden la narrativa de la serie, al punto de llevarla a una experiencia performativa. Además, estas acciones proponen un juego sobre las fronteras entre realidad mediatizada y ficción a partir de la narrativa transmedia desarrollada. Los resultados invitan a discutir sobre la entidad “real” de acciones artísticas en el contexto de la producción cultural mediatizada.

Las transformaciones actuales de la industria musical continúan un proceso anterior al que se suman los cambios producidos por la digitalización, la convergencia audiovisual y la lógica transmedia. Un enfoque sistémico es necesario para localizar las nuevas condiciones de remediación musical y de apropiación de la música por la industria mediática y para indagar en el giro hacia lo visual de la industria de la música, que algunos autores han encontrado en los últimos años. El período de confinamiento por covid-19 profundizó una serie de dinámicas que combinan la producción y distribución de música popular con otros sectores de la industria musical. Por un lado, el videoclip se ha tornado un instrumento multifacético, después de YouTube, que ha permitido monetizar la escucha de música. Sus formas de expansión colonizan todo tipo de plataformas y su modelo de formato y estética se expande en duración en el álbum visual o se clona para aplicarlo a distintos microformatos. Gracias a la plataformización, no solo actúa como formato de promoción, sino ahora como soporte de escucha. Por otro lado, la música en vivo es un campo de difusión musical muy relevante en la música popular y en la transmisión en vivo (livestreaming) del concierto se consolida otra fórmula de innovación tendente a la personalización. Los objetivos del trabajo suponen reflexionar sobre las lógicas de modificación globales de creación y consumo de contenidos musicales, en el contexto transmedia actual, y analizar las dinámicas de interacción entre los agentes teniendo en cuenta la digitalización y plataformización de contenidos musicales. Las conclusiones conducen a rastrear las posibilidades de monetización y personalización de la experiencia de la música popular y a reflexionar sobre cómo se modifican las condiciones de producción de los agentes creativos de la industria musical actual y de la recepción musical.

Este artículo pretende analizar algunos aspectos de las canciones recopiladas por F. Pichardo, así como su importancia en la historia de la investigación sobre la música popular mexicana. Entre otras cosas, preguntarnos cual fue el interés —además del económico— de la casa editora Wagner y Levien, al poner a disposición de pianistas, guitarristas y cantantes las canciones populares procedentes de la tradición oral, que se escucharon en los salones y escenarios, pero también en las calles, durante un período en el que la república mexicana trataba de presentarse como un territorio unitario, diverso culturalmente, pero con algunas características comunes, como lo fue específicamente el gusto por la canción mexicana. Algunos autores, como Juan S. Garrido y Rubén M. Campos, consideran que ésta fue precisamente la primera antología de la canción mexicana. Principalmente por medio de fuentes hemerográficas intentaremos contestar las preguntas: ¿Quién fue el recopilador de la colección? ¿Qué formas musicales representan los ritmos de las obras? ¿Cuál era su procedencia?

A propósito de la celebración del Concurso de Cante Jondo (Granada, 1922) no fueron pocas las voces que alabaron la celebración del mismo por luchar contra esas modas, adulteradas y heterodoxas, que se llevaban a cabo en el contexto del café cantante y del cuplé. En este texto ofreceré un panorama en torno a la escena del cuplé en España en el año de celebración del Concurso con el fin de conocer mejor la realidad existente en este preciso momento en torno a la canción unipersonal. De este modo, podremos comprender cuáles eran los gustos y las estéticas predominantes en los circuitos comerciales, y al mismo tiempo entender las razones que llevaron a los intelectuales implicados en el Concurso de Cante Jondo a rechazar el cuplé al mismo tiempo que colaboraban con algunas de sus más destacadas representantes, tales Pastora Imperio o la Argentinita.

Durante el mes de Septiembre del año 2023 se realizó en el Espacio Memoria y DDHH (Ex ESMA) el quinto Encuentro de Educadores, en el que estudiantes y formadores se reunieron a trabajar y reflexionar sobre modos de pensar la circulación y transmisión de saberes musicales en el contexto de proyectos socio comunitarios.

El nexo musical entre los cultores Elías Zamora, percusionista de cueca de Valparaíso, y Héctor Duarte, histórico murguero del Carnaval de San Antonio, en torno a la marchiña de carnaval, lleva a la pregunta respecto a cómo este ritmo popular brasileño se instala en agrupaciones musicales como murgas y comparsas entre las décadas de 1940 y 1960, las cuales se presentaban en la Fiesta de la Primavera, y en lugares de diversión y encuentro social. El arraigo social de esta fiesta urbana y la musicalidad de sus agrupaciones, así como también los procesos de identificación con prácticas culturales globalizadas, son temas analizados en el artículo que tienen también relevancia en la discusión actual sobre la historia festiva y sobre la música de la bohemia en Valparaíso.

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Este artigo analisa a seleção de 18 fonogramas que se encontram no CD 1 da publicação “500 anos da música popular brasileira”, um livro com dois CDs editados pelo Museu da Imagem e do Som do Rio do Janeiro em 2001. Referenciado na produção historiográfica sobre os sons, as escutas e a música, o artigo propõe pensar a escuta profissional na história e a técnica de gravação em meio a diferentes grupos sociais. Para tal propósito, foi realizada uma pesquisa das datas de produção dos 18 fonogramas do CD 1 (1908-2001) que indicam o uso de máquinas e artefatos de reprodução sonora que vêm das gravações mecânicas até a era do CD digital. A análise da seleção do repertório aponta algumas escolhas culturais a que se submete a técnica de gravação e reprodução sonora quando o museu escreve a história da música popular do Brasil na virada do século XXI.

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La hemerografía del siglo XIX muestra al bandolón como un instrumento musical de uso cotidiano en México y, acompañando a un instrumento melódico, se convirtió en el referente sonoro de espacios abiertos, plazas, cantinas y paseos en el campo. Hacia las últimas décadas de la centuria su uso fue transformado, y notamos su presencia en los escenarios de concierto, por lo que propongo que su percepción se modificó, siendo considerado como un instrumento representativo del nacionalismo, lo cual trataré de demostrar en el presente artículo.

Este texto tem como objetivo compartilhar parte das experiências vivenciadas no curso de extensão online Ritmos Brasileiros para Violão, realizado em quatro edições entre os anos de 2020 e 2022, como iniciativa de três docentes do curso de Graduação em Música da Universidade Federal de Uberlândia. Pretende-se, aqui, fazer um breve histórico das ações propostas, refletir sobre a forma de elaboração do projeto e seu impacto junto aos participantes. O presente relato também serve como forma de avaliar o trabalho e de se pensar em possíveis desdobramentos da atividade extensionista em um momento pós-pandemia.

el artículo reconsidera críticamente los estudios sobre músicas afroamericanas que sostienen que sus rasgos de africanidad oficiaron, durante la esclavitud africana en América Latina durante los siglos XVII y XVIII, como elemento de resistencia frente al orden colonial. Mediante una revisión bibliográfica de autores paradigmáticos de esta corriente musicológica, se analizaron sus rasgos epistémicos como parte de una concepción escencialista y ahistórica. En contraste se recuperaron conceptos centrales de la historiografía sobre la esclavitud transatlántica provenientes de los marxismos negros —como Frantz Fanon, C.L.R. James o Eric Williams— y los desarrollos sobre la relación entre raza y cultura de autores como Stuart Hall y Oliver Cox. Con base en una transferencia disciplinar y cotejando con los principios de la estética musical occidental hegemónica se especificaron los rasgos de las músicas correspondientes a la plantación esclavista de los siglos XVII y XVIII, para concluir que son parcialmente afirmativos y funcionales a la producción de diferencia colonial, constitutivos del comercio triangular atlántico y del sistema mundo moderno/colonial. Finalmente se diferenciaron estos rasgos funcionales de las músicas de plantación con las músicas de los espacios sociales de la evasión y la cimarronería, en donde se encontraron rasgos efectivos de resistencia a partir del camuflaje de los vínculos con las tradiciones africanas.

En este artículo, abordaré los procesos sociales y culturales que intervienen en la configuración y vigencia del ídolo popular de la música tropical peruana chicha, «Papá Chacalón». Él fue un cantante que surgió de los sectores más marginados de la sociedad limeña. Entre sus seguidores se encuentran alcaldes, presos que purgan condena en cárceles, así como hombres y mujeres de los barrios de Lima. A varios lustros de fallecido, hay una nueva legión de fans, de «chicheros chacaloneros». El ídolo popular, en este contexto, se configura a partir y desde la relación cotidiana entre Chacalón y sus seguidores. En este trabajo, pondré especial énfasis en la relación ídolo-seguidor/a, en las formas de relación social y las valoraciones culturales que intervienen. Sostendré que las ideas de igualdad y reconocimiento social son elementos centrales en la construcción de «Papá Chacalón» como ídolo popular y su continuidad en el siglo XXI. Este es un trabajo etnográfico llevado a cabo en las festividades de aniversario de Chacalón realizadas el 26 de abril (día de su nacimiento) y el 24 de junio (día de su fallecimiento), que aborda también la organización de sus seguidores en torno a estas fechas.

After the global crisis of the recording industry, popular music has had to rethink itself to avoid perishing. Its alliance with transmedia business and—narrative—logic has been part of that transformation. Music video remains necessary for the multilateral and transmedia music promotion. Through these formats, users create and share content concerning the artist’s visual universe, making it viral and results exponentially. This supposes the first form of expansion of music video in its transformation into the logic of digital ecology in a post-television era. However, the music video has another aspect of growth with its extension through the visual album where each music track corresponds with a visual track; it uses mechanisms that unify the messages or references, for example, as repetitive visual motifs (thematic motifs, similar images, locations, or characters). The visual album allows another way of promoting record works: before, they were sold through two/three singles; now, an attempt is made to extend the life span of records, generating consolidated worlds of meaning. This imaginary is achieved with unity and diversity through rhetorical figures of repetition or quotes from other cultural texts, composing storytelling for music personae. Projects such as Beyoncé’s three visual albums (Beyoncé, 2013; Lemonade, 2016, and Black is King, 2020), Dirty Computer by Janelle Monaé, and El mal querer by Rosalía are examples of a new form of music albums, where the musical artist is resignified with these resources for a new concept of body and performance. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

Se o álbum “Sgt. Pepper’s Lonely Heart Club” (1967) representou um marco na história da música popular, foi também por ter ajudado a definir uma nova estética musical no âmbito da música midiatizada: a estética da sonoridade. Segundo Molina (2014), durante a produção do álbum foram propostas manobras de criação em estúdio, a partir da sobreposição de camadas sonoras, o que o autor nomeou como Música de Montagem. A contribuição deste artigo é dialogar com o conceito de Música de Montagem ao apresentar ferramentas que contribuem tanto para o processo de análise quanto de composição, tendo a sonoridade como objeto. Tais ferramentas são fruto de uma síntese dos recursos apresentados por Molina (2014) e por Guigue (2011). No final do artigo, propomos uma discussão acerca dos possíveis desdobramentos do uso dessas ferramentas para análise em outros contextos musicais, evidenciando o impacto dessa estética na música popular.

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In this article, I will address the social and cultural processes involved in the shaping and popularity of the popular idol of Peruvian tropical music--chicha --, «Papá Chacalón.» He was a singer who emerged from the most marginalized sectors of Lima society. Among his followers are mayors, prisoners serving their sentence in jail, as well as men and women from the poor neighborhoods of Lima. Several decades after his death, there is a new legion of fans, «chicheros chacaloneros» (Chacalón's followers). The popular idol, in this context, is configured based on and from the daily relationship between Chacalón and his followers. In this work, I will place special emphasis on the idol-follower relationship, the forms of social interaction, and the cultural assessments involved. I will posit that the ideas of equality and social recognition are central elements in the construction of «Papá Chacalón» as a popular idol and his continuity in the 21st century. This is an ethnographic work carried out during the anniversary festivities of Chacalón, held on April 26 (his birthdate) and June 24 (the day of his death), which also addresses how his followers organize around those dates. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

After sketching an overview of the North American live music industry in the digital age, this article discusses the link between urban creativity and the live music industry in two cities: Mexico City and Montreal. At an early stage, the two cities privileged a modernist and monumental vision of live music. Their local music scenes developed mainly in the wake of deindustrialization and of certain economic-political crises. In the case of Montreal, it became a real pillar of the conversion into a "creative city", while in Mexico City it remained mainly relegated to the underground, crushed by hegemonic actors and structural problems (corruption, drug trafficking, inequality), except in the initial context of digital social networks. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

This article seeks to analyze Geraldo Vandré's musical itinerary based on his discography, composed of five LPs and other compilations and singles. The focus of the text is the trait of love present in his various works, be it the love of a woman or the more general love, dedicated to the people or the nation, understood as his lover or companion. The development of the work took place in a chronological perspective, from its first LP produced in Brazil, in 1964, to the last, already in times of exile, produced in France and released in Brazil in 1973. It was a project that aimed to favor knowledge of a brilliant composer and singer, who enchanted a left-wing generation before the AI5 blackout. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

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Objetivo: proponer una genealogía de las prácticas y los discursos que le han dado forma a la nueva música colombiana, uno de los fenómenos musicales y culturales más relevantes de las últimas décadas en Colombia. Para ello se analizan las prácticas musicales y discursivas de grupos pioneros del rock en Colombia en los años sesenta y setenta, con la intención de encontrar en el repertorio histórico del rock colombiano pistas para entender mejor las “novedades” de hoy. Metodología: lo anterior se realiza a partir de la revisión de fuentes primarias, como canciones, carátulas de discos y prensa especializada y mediante entrevistas a músicos colombianos. Originalidad: este texto contribuye a llenar un vacío en los estudios sobre música popular en Colombia, en particular sobre la NMC, mostrando conexiones entre grupos y músicos de varias generaciones, con lo cual se controvierten los discursos que la presentan como un fenómeno absolutamente novedoso y sin antecedentes. Conclusiones: tras evidenciar conexiones entre repertorios musicales de diferentes épocas, se argumenta que la marcación con la etiqueta “nuevo” ha sido una constante en el mercado musical colombiano, empleada con frecuencia para referirse a las “fusiones”, que de ninguna manera son exclusivas de la NMC. Así mismo, se muestran las influencias de grupos de los setenta, como Banda Nueva y Cascabel, en músicos y grupos que dieron forma a la NMC a finales del siglo XX y principios del XXI.

Tras la crisis mundial de la industria discográfica de los años noventa, la música popular y su industria han tenido que repensarse. Su alianza con el negocio transmedia y su lógica narrativa han sido parte de esa transformación. El vídeo musical sigue siendo necesario para la promoción multilateral y transmedia de la música: a través de estos formatos, los usuarios se involucran en la creación de contenidos en relación con el universo visual del artista y los comparten y hacen virales. Esto supone una primera forma de expansión del vídeo musical en su transformación dentro de la lógica de la ecología digital en una era postelevisiva. Sin embargo, el video musical tiene otra vertiente de expansión con su extensión a través del álbum visual, que supone una correspondencia de cada pista musical con una pista visual, donde utiliza mecanismos que unifican los mensajes o referencias, por ejemplo, como motivos visuales repetitivos (motivos temáticos, similares imágenes, lugares o personajes). El álbum visual permite otra forma de promocionar los trabajos discográficos: antes se vendían a través de dos o tres sencillos; ahora se intenta alargar la vida útil de los trabajos discográficos, generando mundos de sentido consolidados. Este imaginario propio se logra con una combinación de unidad y diversidad a través de figuras retóricas de repetición o de citas de otros textos culturales, componiendo narraciones o storytellings personales. Proyectos como los tres álbumes visuales de Beyoncé (Beyoncé, 2013, Lemonade, 2016 y Black is King, 2020), Dirty Computer de Janelle Monaé y El mal querer de Rosalía son ejemplos de una nueva forma de hacer álbumes musicales, donde el artista musical se resignifica y aporta recursos para un nuevo concepto del cuerpo y la performance.

RESUMO A aparente ausência de sentido existente entre o embelezamento do Viaduto Santa Ifigênia e a tristeza desdobrada na canção de Adoniran Barbosa é o ponto de partida e de chegada deste artigo. O estudo da materialidade poético-musical dessa canção, que tematiza a possibilidade não concretizada de demolição de uma construção histórica, amparado em análises histórico-sociais sobre a formação e o desenvolvimento de São Paulo, norteiam nossa tentativa de interpretação do conjunto da obra do sambista paulista em torno do esforço por tornar visível a perda como núcleo da experiência de quem habita a cidade.

Enxergado freqüentemente com lentes de aumento, o “Estado Novo” – a julgar por muitos analistas – parece ter sido bem-sucedido na tentativa de moldar a sociedade brasileira à sua imagem e semelhança. Indo na contracorrente dessas análises, este texto envereda pelo mundo da canção popular produzida nessa época e busca captar vozes destoantes das falas oficiais, em especial no campo das relações de gênero. Abstract: Frequently viewed through increasing lens, the so-called “Estado Novo” – based on its many commentators – seems to have succeeded in its attempt at giving its own shape to the Brazilian society. Contrary to this view, this paper follows the way of the popular music written in Brazil at the time and searches to pick up voices inconsistent with the official ones, especially in the gender relationships domain. Key words: popular music; gender relations; “Estado Novo” dictatorship.

Este artículo, producto de la investigación Territorios Sonoros: escuelas Hip Hop en Medellín, se propone caracterizar las dinámicas de agrupación, las prácticas, los discursos y los procesos educativos en la ruta del arte urbano en el caso de las dos escuelas de rap, objeto de este trabajo. El rap, reconocido como uno de los géneros musicales que configura territorios sonoros en las periferias de Medellín, tiene una trayectoria de más de 30 años de expresión y apropiación de espacios sociales comunitarios. Son numerosos los estudios del movimiento hip hop en América Latina, sin embargo, son recientes y escasos los estudios que exploran la escuela, como quinto elemento que se suma a los cuatro que han sido tradición en el género. En el contexto de la Educación Social y las reflexiones en torno a los procesos educativos y sus posibilidades disruptivas, con un enfoque en diálogo de saberes, se trabajó con una muestra constituida por dos escuelas de arte urbano: AgroArte: Hip Hop Agrario y Escuela Feminista. Se utilizaron técnicas propias de la etnografía urbana: taller de memoria, entrevista grupal y relatos de experiencia. Entre los hallazgos se cuenta la identificación de procesos educativos que, en sus dimensiones estética y política, logran producir prácticas, discursos, saberes, modos de relacionamiento, vínculos con el territorio y con la memoria que están generando transformación en sectores de periferia de Medellín, las cuales se evidencian en la cotidianidad de los territorios y en la constitución de unas subjetividades emancipadas, que le apuestan a la creación colectiva y a la resistencia cultural.

La fiesta del carnaval y el ritmo del género musical calipso están intrínsecamente ligados a la poesía del Caribe anglófono de fines del siglo xx y comienzos del xxi. En el presente trabajo se estudia la sección “Sunris” del libro homónimo de la guyanesa Grace Nichols con el fin de explorar cómo operan estos dos ejes en el plano estructural, así como también en tanto elementos necesarios para el encuentro y puesta en acto de la herencia cultural propia del Caribe. Carnival and the rhythm of calypso have an intrinsic connection with the Anglo-Caribbean poetry of the end of 20th century and the beginning of 21st. This article explores “Sunris”, a section of the homonymous book by Guyanese Grace Nichols. My aim is to explore how these two fundamental axes work, both in the structural level and as necessary elements for the encounter and embodiment of Caribbean cultural heritage.

Desde los años setenta en Venezuela se ha generado un movimiento de ensambles instrumentales de música venezolana, apegados a la tradición, pero que dan un paso más en composiciones, arreglos y técnicas, siendo difícil poder enmarcarlos en una forma de música específica. A partir de las ideas de música popular y música tradicional, nos acercamos a definir un concepto que nos ayude a entender la propuesta estética de dichas agrupaciones.

Chile, período pós Segunda Grande Guerra, marcado por processos de transformações econômicas, transição de uma sociedade rural para ampliação das cidades, seguida de grande desenvolvimento dos meios de comunicação. Acrescentemos a tal contexto histórico as características de um mundo globalizado polarizado pelas tensões da Guerra Fria. Tratou-se de um momento de modernização dos modos de vida, da moral, da sexualidade e das práticas culturais, que se traduziram em expressões musicais intencionalmente inovadoras. Na contramão do Neofolclore e da Nova Canção Chilena, a análise de documentos sonoros da época permite elencar duas tendências entre os intérpretes da chamada Nova Onda Chilena, a primeira identificada com o rock e a segunda com interpretações de baladas com ritmo lento e temática amorosa. Ambas foram apresentadas neste artigo por meio de seis discos representativos desse repertório. Foram analisadas fontes sonoras (discos) e artigos de imprensa especializada que possibilitaram compreender essa produção musical como meio privilegiado para expressões de uma linguagem juvenil que se propôs cosmopolita, em um momento histórico fortemente caracterizado por disputas culturais e políticas em torno do local versus global.

Esta é uma tradução da entrevista que Lucy Green deu a Flávia Narita no Instituto de Educação, em Londres, em 2011. A escolha de traduzir esta entrevista se deve ao fato de que ela traz os princípios da aprendizagem musical informal, onde a orientanda entrevista sua orientadora sobre sua área de expertise. Após mais de 10 anos de realização desta entrevista, vejo que seu conteúdo é extremamente atual e relevante. A obra de Lucy Green tem fundamentado várias pesquisas acadêmicas e práticas pedagógicas na área da educação musical no Brasil. Green investigou as práticas de aprendizagem informal dos músicos populares no contexto do Reino Unido (2002) e sistematizou uma proposta pedagógico-musical a ser aplicada em escolas regulares (2008). Essa proposta pode aumentar o engajamento de alunos e alunas na aprendizagem musical quando eles tocam ou cantam músicas de suas preferências, têm autonomia e realizam atividades que envolvem a tomada de decisões. Esta entrevista traz também as motivações de Green em relação ao tema de sua pesquisa e o impacto da pesquisa sobre a sua própria prática musical. Além disso, este texto revisita os cinco princípios da aprendizagem informal da música que foram adaptados para as salas de aula escolares e ressalta que somente incluir a música popular no currículo escolar não garante uma experiência musical completa.

Este artigo se trata de uma análise - que busca extrapolar o universo musical - da canção Pedra Preta, de autoria da banda Teto Preto, grupo de música eletrônica que tem como fundadora e frontgirl a multiartista Laura Diaz. A análise foi realizada a partir de diversas entrevistas, em vídeo ou escritas, que Laura Diaz concedeu no ano de 2019 e através de seis vieses interpretativos distintos: letra; melodia e harmonia; vocais; percussão e ritmo; instrumentos, sonorização e ambiência; videoclipe. Nos vieses musicais, parâmetros analíticos tradicionais foram utilizados, mas não de forma desintegrada ao que realmente importa no caso da canção em questão: o contexto simbólico. Ao final da análise, algumas questões merecem destaque: a canção possui fortes influências da MPB que abrangem desde a harmonia até mesmo a voz de Laura Diaz; a canção é construída a partir de sonoridades numa lógica de camadas, onde um elemento sozinho, na maioria das vezes, perde seu sentido; a banda Teto Preto e, portanto, suas canções, são recheadas de significados. Sendo assim, não é possível compreender integralmente a proposta multiartística da banda sem ter a compreensão prévia de algumas coisas, como suas origens e pautas. Por fim, concluímos que a análise de canções como Pedra Preta exige um olhar transdisciplinar. que não exclui o aspecto musical, mas o elabora sistematicamente, já que a música é a coluna de sustentação de todos os outros pilares estruturais da canção em seu processo de significação.

Ao passar por amplo processo de modernização, a produção caricatural brasileira vivencia, no início do século XX, um período de profundas transformações técnicas, estéticas e estruturais, quando deixa de ser artesanal e passa a ser empresarial. Nos últimos trinta anos, a historiografia que trata da caricatura reformulou o conceito de modernismo, ao jogar luz sobre expressões artísticas que forjam uma cultura popular modernista e urbana. O objetivo é discutir a diversidade de expressões modernistas da ilustração satírica brasileira, a partir da análise de uma seleção de desenhos de humor, publicados em revistas populares como Para Todos (1918-1958), Fon-Fon3 (1907-1958), O Malho (1902-1952) e Careta (1908-1960). Procura-se aqui analisar o material selecionado, observando aspectos temáticos e estéticos, buscando compreender de que modo anteciparam alguns dos valores que iriam vigorar a partir do movimento que surgia na Semana de Arte Moderna de 1922.

This text aims to share part of the experiences lived in the online extension course Brazilian Rhythms for Acoustic Guitar, held in four editions between 2020 and 2022, as an initiative of three teachers of the Music Undergraduate course at the Federal University of Uberlândia. It is intended here to make a brief history of the proposed actions, to reflect on the form of elaboration of the project and its impact on the participants. The present report also serves as a way to evaluate the work and to think about possible development of extension activity in a post-pandemic moment. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

This article shares reflections on the past of popular music and its validity in the twenty-first century through the form of a canon or list of songs considered "classical". Without restricting the concept of canon to a closed or fixed list, the author asks about those songs that have remained in time overcoming a kind of "natural selection". Through what processes of communication and cultural legitimation do these "themes" enjoy today the status of "classical", when in other times the "classical" was restricted to the so-called "serious" or "academic" music? While most of the examples analyzed come from the inventory of Argentine popular music, the article includes extensive observations on the song-making traditions of other countries. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

In this work I propose to approach a case study of dialogism applied to the popular music, by taking as starting point Mikhail Bakhtin's contributions. At first, I examine two songs in which the dialogue linking them highlights the linguistic marks that make them to converge. I search to show how some elements of a romantic song have been appropriated and re-signified when it was subjected, in one other song, to an unexpected process of politicization. Then, I analyze how, in a re-recording of the same song, this latter was affected by mockeries which made the ground it stood on unstable, in a clear case of polyphony and re-appropriation of the song's meaning. In this process, it will be verified, according to Bakhtin, that, "once settled in the other's discourse, a second voice becomes hostile to its primitive agent and obligates it to serve opposed purposes". [ABSTRACT FROM AUTHOR]

This article raises the possibility of studying authorial Latin American and Brazilian popular music of the late twentieth century as a great unity, due to the existence of networks, collaborations, circuits, and common influences. By authorial popular music we mean music in which the artist is aware of and has control over the material in which he works, to the point of straining the very musical genre in which he operates. It is not about a single author but a multiple one, arising from the intermedial character of this music, formed by lyrics, music, vocality, and recording, to which are added video clip, cover art and associated discourses. This intermedia dialogues with the historical moment in which it unfolds, questioning the listener from its multiple materiality. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

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La biblioteca audiovisual de Netflix aparenta una inclusión social fundamental, una interculturalidad definitiva; por ello, lo referente a las representaciones de los colectivos sigue siendo de interés académico y más en un país de fuerte tradición en el consumo de la televisión, como México. Partiendo de los estudios culturales y del análisis de contenido, aquí nos interesa formular una lectura a propósito de las representaciones culturales de lo “mexicano”, en clave de nación, que apuestan a construir imaginarios de interculturalidad en las coordenadas de universos narrativos donde se pugna por una redefinición de lo humano. En particular, se trabaja el universo de la serie Sense8 y, en él, el bolero “Perfidia”, que funge como significante local en un mundo donde los límites de lo nacional se rompen por efectos de la “evolución” humana, pero donde lo “global” sigue manteniendo las diferencias geopolíticas entre el Norte y el Sur. Así, se propone una lectura crítica que habla de la política de las representaciones en el contexto de la hiperproducción de diferencias narrativas y apuestas por la “inclusión” en Netflix.

Este artículo se inicia con una breve revisión de aportes de la investigación musicológica en estructuras perceptivas en Latinoamérica. En 1941 Carlos Vega publica una propuesta de estudio de la música popular, que más tarde con las aportaciones de Humberto Sagredo en 1988, formarán una perspectiva de estudio alternativa respecto a las posiciones más difundidas del estudio de estructuras perceptivas. En Revoredo (2006) se revisa el planteamiento de Sagredo para definir los procedimientos de análisis y aplicarlos a muchos más ejemplos de música popular, académica y sistemas musicales. En esta teoría aparecen dos conceptos principales: “interés” referido a la optimización estructural y “tiempo perceptivo” referido a la inducción de articulaciones formales. Este artículo enfoca dichos conceptos a una variedad de casos de análisis de música popular latinoamericana que incluyen examinar hits en música comercial, rasgueos regionales, ritmos y patrones de percusión, melodías, armonías y formas de temas populares. Estos conceptos estructurales también se han aplicado desde el 2006 en la percepción acústica mediante técnicas de creatividad musical para colectivos de improvisación coordinada, quienes utilizaban las influencias urbana y tradicional de la música popular para generar nuevas canciones. Finalmente se discute que esta línea de investigación puede aportar conocimiento sobre la experiencia de la música popular latinoamericana.