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En 2003, afin de décoder le processus de patrimonialisation étudié par les sciences de l’information et de la communication, Cécile Tardy interrogeait dans cette même revue le rôle du récit dans la double activité du chercheur mêlant analyse et écriture (Tardy, 2003). Pour la chercheuse, la posture de l’analyste de la patrimonialisation est celle du témoin contemporain qui rend compte des choix effectués par la société à laquelle il appartient. De même, Anne Watremez se questionnait plus réce...

En 1984, Jack Lang, alors ministre de la Culture, met en mouvement un projet d’occupation pour le palais de Tokyo vidé des collections du Musée national d’Art moderne. Ce sera le Palais de l’Image, regroupant la FEMIS, la Cinémathèque française, le Centre national de la Photographie et la Mission du patrimoine photographique. Si la période est propice – gauche au gouvernement, patrimonialisation du cinéma, Grands Projets – les obstacles administratifs, tensions politiques et rivalités institutionnelles mènent finalement à l’arrêt du projet en 1998. La nouvelle Maison de l’Image, réduite à la Cinémathèque, s’installe dans le 13e arrondissement et le palais de Tokyo accueille un nouveau projet consacré à l’art contemporain. In 1984, Jack Lang, who was then the French Minister of Culture, set in motion a new project: the opening, in the former National Museum of Modern Art or Palais de Tokyo, of a new Centre for moving and non-moving images. This future “Palais de l’Image” was supposed to gather a film school, the French Cinémathèque and two different associations dedicated to photography. If the decade favoured these kinds of projects – a Left government, a process of giving the official status of heritage to cinema, Jack Lang’s Great Projects – administrative obstacles, political tensions and institutional rivalries lead to the end of the project in 1998. The new “Maison de l’Image’, reduced to the French Cinémathèque, moved to the 13th arrondissement of Paris and the new Palais de Tokyo became dedicated to contemporary art.

In October 2014, the city of Lille inaugurated the first public facility in charge of hiphop's practices and their bearers. Simultaneously a vehicle for and an outcome of hiphop's local public action, the "Flow" constitutes a relevant ground to analyse the support and the effects of a cultural policy that appeared in the early 2000's. Following it at its own rhythm, this work deals with the making, the invention and the settlement in the cultural landscape of a new experience.; En octobre 2014, la ville de Lille inaugurait le premier équipement public dédié aux pratiques des hiphops et de leur porteurs. Tout autant vecteur que prolongement d'une action publique local de hiphops, le Flow permet l'analyse de la prise en charge et des effets d'une politique culturelle locale initié au début des années 2000. En suivant l'équipement à son propre rythme, ce travail propose d'étudier la fabrique, l'invention et l'installation dans le paysage culturel local d'un dispositif nouveau.

Cet article aborde la création et le fonctionnement de la première galerie de prêt d’œuvres d’art (estampes contemporaines et photographies) en bibliothèque inaugurée en 1976 à Grenoble par la municipalité d’Hubert Dubedout (1965-1983), puis le déploiement de cette expérience pilote à l’échelle nationale entre 1982 et 1986 par le ministère de la Culture Jack Lang, avant de proposer un aperçu des premières politiques d’acquisitions d’œuvres multiples par l’étude de quelques artothèques exemplaires créés grâce aux subventions allouées par l’État à Angers, Montpellier, Lyon, Toulouse et Caen au cours de cette période. This article discusses the creation and operation of the first French art lending gallery (contemporary prints and photographs) in library inaugurated in 1976 in Grenoble by the municipality of Hubert Dubedout (1965-1983), then the deployment of this pilot experiment on a national scale between 1982 and 1986 by the Ministry of Culture Jack Lang, before proposing an overview of the first policies for the acquisition of multiple works through the study of a few exemplary art lending gallery created thanks to the subsidies allocated by the State in Angers, Montpellier, Lyon, Toulouse and Caen during this period.

À l’heure où #MeToo libère la parole dans l’espace public et où les changements de directions des Centres dramatiques et Centres chorégraphique s nationaux questionnent la place des femmes dans le spectacle vivant, force est de constater que les inégalités et les discriminations sont encore nombreuses. Cette contribution entend historiciser l’urgence d’agir dans le champ chorégraphique au regard du champ théâtral en soulevant les spécificités aussi bien liées au contexte qu’aux imaginaires. Par l’articulation des grandes étapes de prises de consciences et de mobilisations depuis le premier rapport de Reine Prat de 2006 jusqu’à nos jours, il s’agit de comprendre l’implication de l’ensemble des acteurs, les coups d’éclats, les actions et propositions d’actions pour lutter durablement contre les discriminations.

Between 2012 and 2019, this qualitative sociological research was part of a documentary "boom" moment in Brazil, in terms of production and international recognition. Faced with a bottleneck in terms of their distribution, a growing number of festivals have opened up for documentaries, not counting the historical festival "É tudo Verdade" (São Paulo). This period also corresponds to a time when attempts at policies in favor of documentary films were made by the Federation and the Ministry of Culture (MinC) – public channel TV Brasil, TV Cultura, Doc.TV... These various advances have allowed the expression of a "black" cinema (Joel Zito Araujo), LGBT concerns (Karla Holanda), women’s rights (Helena Solberg and Susanna Lira) and the possibility for indigenous people to seize digital tools to reflect their own realities (Vincent Carelli, Video nas aldeias). Thus, while the Brazilian authorities were carrying out unfinished policies facing the weight of the private oligopolistic sector, it was interesting to analyze how documentary filmmakers developed their professional strategies. From this perspective, fourteen directors were the subject of semi-structured interviews in the state of Rio de Janeiro and three in Minas Gerais. In addition, producers and festival managers were also contacted. But the arrival of the Bolsonaro government caused a real rift. Against a backdrop of cultural war, fake news aimed at discrediting artistic circles, the takeover of the National Cinema Agency (ANCINE) and the abandonment of the São Paulo film library, cuts from major corporate sponsors, and beyond, Brazilian documentary filmmakers have found themselves strangers in their own country., Entre 2012 et 2019, cette enquête sociologique qualitative s’est consacrée au « boom » du documentaire au Brésil, à la fois en termes de production et de reconnaissance internationale. Face à un blocage lié à la diffusion/distribution, un nombre croissant de festivals se sont ouverts au documentaire, sans oublier l’expérience historique du festival É Tudo Verdade à São Paulo. Cette période correspond aussi à un moment où des initiatives publiques ont été menées en faveur du documentaire, par la Fédération et le ministère de la Culture brésilien (MinC) : TV Brasil, TV Cultura, Doc. TV. Ces différentes avancées ont notamment permis l’expression d’un « cinéma noir » (Joel Zito Araujo), des questions afférentes aux LGTB (Karla Holanda), aux droits des femmes (Helena Solberg et Susanna Lira) et des possibilités pour les peuples aborigènes de se saisir d’outils numériques pour exprimer leur propre réalité (Vincent Carelli, Video nas aldeias). Ainsi, les autorités brésiliennes ont conduit des politiques intéressantes mais inachevées face au poids du secteur oligopolistique privé. Les documentaristes brésiliens ont développé leur propres stratégies - formation, production, distribution. Dix-sept réalisateurs et réalisatrices ont ainsi été interviewés lors de cette recherche, quatorze dans l’État de Rio et trois dans le Minas Gerais. Cependant, l’arrivée du gouvernement Bolsonaro a créé un véritable raz-de-marée: outre la disqualification des milieux culturels, une sorte de « censure préalable » qui ne dit pas son nom et pourtant interdite par la Constitution brésilienne, s’est fait jour. L’article rend compte de la situation des documentaristes brésiliens avant cette période et des conséquences ultérieures sur leur situation, alors que soudain ils/elles étaient devenu soudain étrangers dans leur propre pays, cependant soutenu par un mouvement international d’ampleur.

La face cachée du musée Dans le documentaire Koolhaas Houselife (2008), le duo d’artistes formé par Ila Bekâ (architecte) et Louise Lemoine (cinéaste) offre une perspective inédite sur un chef-d’œuvre de l’architecture contemporaine : la maison Lemoine, construite à Bordeaux par l’architecte Rem Koolhaas. Pour faire le portrait de cette maison exceptionnelle, ils interrogent non pas ses commanditaires ou l’architecte, mais ils suivent la femme de ménage dans ses activités quotidiennes. On la ...

Cet article fait le point sur les frustrations des conservateurs dans (ce que nous appelons) « la lutte contre la profusion ». Les conservateurs expriment la difficulté d’acquérir la culture matérielle du quotidien face aux vastes collections déjà existantes. Ils expliquent que celles-ci ont été créées, en partie, par la crainte de voir disparaître ce qui devait être préservé. L’accumulation sans limite, et tout garder pour toujours, posent question aujourd’hui, surtout dans le contexte du débat qui gagne du terrain, depuis trois décennies, sur la question de l’aliénation des objets. Non sans réticence par moments, la décision de fixer des limites en ralentissant les acquisitions, voire en réduisant les collections par l’élimination d’objets choisis, est à l’œuvre. Il s’agit de ce qu’on appelle soit l’aliénation, soit l’élimination, soit l’embellissement des collections. Elle est entreprise, parmi d’autres objectifs, pour faciliter la continuité du processus de collecte. Pour répondre à l’intérêt des conservateurs pour des stratégies de lutte contre cette profusion, nous nous appuyons sur un terrain ethnographique, principalement celui des musées d’histoire sociale au Royaume-Uni, pour voir si des idées empruntées en dehors de la sphère muséale peuvent se révéler utiles. Nous explorons les possibles implications des concepts économiques de la « décroissance », en partie en regardant comment ces idées sont déjà mises en pratique, mais aussi en examinant les convictions comme les réserves des conservateurs eux-mêmes. Pour développer des pratiques de collecte plus durables, nous avançons l’argument selon lequel les idées sur la « croissance » des collections pourraient être utilement recadrées. This article focuses on curators’ frustrations with (what we call) “the profusion struggle”. Curators express the difficulty of collecting the material culture of everyday life when faced with vast existing collections. They explain that these were assembled, partly, from anxiety to gather up what was anticipated at risk of being lost. Unlimited accumulation, and keeping everything forever, is being called into question, especially through the disposal debate which has gained in intensity over the past three decades. While often with some reluctance, setting limits by slowing collecting or even reducing collections through targeted letting go, or what is variously called “deaccessioning”, “disposing”, and “refining” collections, is undertaken to facilitate ongoing collecting, amongst other goals. To respond to curatorial interest in strategies for addressing profusion, we draw on ethnographic fieldwork looking predominantly at social history museums in the United Kingdom, to consider whether ideas borrowed from beyond museums might be of use. We explore the possible implications of economic concepts of “de-growth” – partly by seeing the ways that these ideas are already practiced, but also by examining curators’own enthusiasms and reservations. To develop more sustainable collecting practices, we argue that ideas of collections “growth” might be usefully reframed. Este artículo revisa las frustraciones de los conservadores con respecto a (lo que llamamos) “la lucha contra la profusión”. Los conservadores expresan la dificultad de adquirir la cultura material de la vida cotidiana, frente a las vastas colecciones que ya existen. Explican que estas fueron creadas, en parte, por el temor a que desapareciera aquello que necesitaba ser preservado. La acumulación sin límites y el almacenamiento de todo y para siempre, son aspectos cuestionables hoy en día, especialmente en un contexto marcado por el debate que ha ido ganando territorio en las últimas tres décadas, sobre el tema de la alienación de los objetos. Algunas veces con reticencias, la decisión de fijar límites que frenan las adquisiciones, o que incluso reducen las colecciones mediante la eliminación de objetos seleccionados, se encuentra en marcha. (Se trata de algo que se conoce como alienación, eliminación o embellecimiento de las colecciones). Su objetivo es, entre otros, facilitar la continuidad del proceso de recolección. En respuesta al interés de los conservadores por las estrategias para combatir esta profusión, nos apoyamos en una etnografía realizada principalmente en los museos de historia social del Reino Unido, para comprobar si ciertas ideas tomadas por fuera de la esfera museística pueden ser útiles. Exploramos las posibles implicaciones del concepto económico de “decrecimiento” observando, por un lado, cómo se ponen en práctica estas ideas, pero también las creencias y dudas de los propios conservadores. Para desarrollar prácticas de recolección más sostenibles, postulamos que las ideas sobre el “crecimiento” de las colecciones podrían ser reformuladas.

On assiste, depuis une quinzaine d’années, à un accroissement notable de la visibilité des collections de marionnettes en France. Le symbole en est sans doute la mise en ligne du Portail des arts de la marionnette en 2011, porté par l’Institut international de la marionnette, en partenariat avec des institutions patrimoniales, des théâtres, des compagnies ou des associations professionnelles, et qui présente, conjointement, la création, les artistes contemporains et les collections patrimoniales. Au regard de ce contexte fortement incitatif, et à partir d’une enquête auprès des principales institutions détentrices de collections marionnettiques, comme de figures majeures dans le champ des arts de la marionnette, l’article envisage les stratégies de développement et de valorisation des collections mises en œuvre dans les principales institutions patrimoniales ou en dehors du champ proprement muséal. Il examine l’infléchissement des politiques d’acquisition au regard des principes qui ont prévalu pour les collections fondatrices de ces institutions et les effets qu’induit l’influence croissante des acteurs professionnels de la marionnette (syndicats, associations professionnelles, festivals et lieux de formation) en matière d’expertise et de soutien logistique, à la fois en termes de définition du champ (vers les artistes contemporains de la marionnette de création, plutôt que vers la marionnette traditionnelle, à l’échelle tant régionale que mondiale), de hiérarchisation des priorités, de choix du corpus et de finalités. In the past fifteen years, there has been a notable gain in visibility for puppetry collections in France. A symbol of this is undoubtedly the creation of the online Portal for Puppetry Arts in 2011, supported by the International Institute of Puppetry in partnership with heritage institutions, theaters, troupes and professional associations, presenting original work, contemporary artists and heritage collections. In the light of this favorable context, and on the basis of a study of the principal institutions with puppetry holdings and major figures in the world of puppetry arts, this article lays out some of the development and promotion strategies at work in major heritage institutions and those out of the scope of museums. It examines the shifts involved in acquisition policy with regards to the principles that prevailed in the formation of these institutions’ first holdings, and the effects that the growing influence of puppetry professionals (unions, professional associations, festivals and training programs) have, in terms of expertise and logistics, on the definition of the field (leaning more towards to original pieces of puppetry by contemporary artists than to traditional puppetry, on a global and regional scale), prioritization, choice of corpus and objectives. En los últimos quince años, se ha evidenciado un notable incremento en la visibilidad de las colecciones de títeres y marionetas en Francia. El símbolo de aquello es sin duda el lanzamiento del Portal de las Artes del Títere y la Marioneta en 2011, realizado por el Instituto Internacional del Títere y la Marioneta, en colaboración con instituciones patrimoniales, teatros, compañías o asociaciones profesionales, y que presenta, conjuntamente, la creación, los artistas contemporáneos y las colecciones patrimoniales. Considerando este contexto tan alentador, y a partir de un estudio de las principales instituciones que poseen colecciones de títeres y marionetas, así como de las principales figuras en el campo de las artes del títere y la marioneta, el artículo aborda las estrategias de desarrollo y valorización de las colecciones puestas en marcha en las principales instituciones patrimoniales o fuera del ámbito propiamente museístico. Se examinan la reorientación de las políticas de adquisición con respecto a los principios que han prevalecido en cuanto a las colecciones fundadoras de estas instituciones y los efectos de la creciente influencia de los actores profesionales del títere y la marioneta (sindicatos, asociaciones profesionales, festivales y centros de formación) en términos de experticia técnica y apoyo logístico, tanto en lo que se refiere a la definición del campo (hacia los creativos titiriteros y marionetistas contemporáneos, en lugar de hacia el títere y la marioneta tradicional, tanto a escala regional como mundial), a la jerarquización de prioridades, la elección del corpus y los propósitos.

Les petits objets de piété à usage privatif, naguère très nombreux dans le monde catholique, intéressent depuis peu certains chercheurs (Berthod & Hardoin-Fugier, 2006). Relégués dans les catégories de l’intime, et donc de l’invisible, méprisés comme des bondieuseries périmées dans leur style de piété comme dans leur langage visuel, et sans valeur marchande, ils n’ont longtemps suscité que l’indifférence. Beaucoup sont atteints par la perte de la mémoire de leur signification et de leur usage...

Les collections du Mucem à Marseille sont héritées de l’ancien Musée national des arts et traditions populaires à Paris (MNATP), et elles sont conservées et accessibles depuis 2013 au Centre de conservation et de ressources. Cet article propose de faire un bilan de leur exploitation récente et d’affirmer leurs perspectives d’avenir. Partant de recherches sur la genèse des collections et leur singularité dans le champ des collections patrimoniales, il s’agit de présenter les nouveaux usages qui en sont faits et leur possible relecture au sein d’une institution comme le Mucem. Marseille’s Mucem’s collections were inherited from the former Musée national des Arts et Traditions populaires (MNATP, the National Museum of Popular Arts and Traditions) in Paris and have been kept in their Conservation and Resource Centre and accessible since 2013. This article proposes a survey of this collection’s recent utilization and future perspectives. On the basis of research surrounding the collection’s beginnings and their singularity in the heritage field, its aim is to present some new uses and their potential reevaluation within the framework of an institution such as the Mucem. Las colecciones del Mucem de Marsella fueron heredadas del antiguo Museo nacional de Artes y Tradiciones populares de París (MNATP), se conservan y son accesibles desde el 2013 en el Centro de Conservación y Recursos. Este artículo propone revisar su reciente explotación y afirmar sus perspectivas futuras. A partir de investigaciones en torno a la génesis de las colecciones y su singularidad en el ámbito de las colecciones patrimoniales, se presentan los nuevos usos que se hacen de ellas y su posible relectura dentro de una institución como el Mucem.

En France, la sociologie du théâtre n’a jamais constitué un domaine de recherche à part entière, car elle a longtemps été subsumée sous la sociologie de la littérature ou la sociologie des professions artistiques. L’ouvrage de Francesca Quercia, issu de sa thèse de doctorat soutenue à l’Université Lyon 2 en 2018, constitue une contribution majeure à ce champ d’étude, aujourd’hui en plein essor. Le livre est structuré en sept chapitres, précédés d’une introduction substantielle. L’autrice y én...

The 1960s and 1970s are commonly regarded as the period of transition from modern art to contemporary art. My research aims to characterize this change, not only in terms of stylistic evolutions, but as a profound reconfiguration of the institutional structures of the art field. One of its main factors consists in the expansion of public intervention in the contemporary art field, following the general development of cultural policies in all the Western liberal democracies at that time. A crucial feature of this rapprochement between contemporary art and public institutions is the choice shared by many organizations to promote avant-garde art. Support to the most recent artistic innovations and recognition of their most unconventional aspects are the two faces of this evolution, which has also benefited to some radical historical avant-gardes that were previously neglected. This reorientation represents a major break in the history of the avant-gardes, which originated in a radical opposition to any official authorities, and can explain the exhaustion of their dynamics at the end of the 1970s. It also marks a turning point in the long history of the relationship between state and culture, and can be seen as a symptom of a broader redefinition of high culture.The investigation into the causes of this change has highlighted the determining role of the public intermediaries to whom artistic decisions are delegated, in order to prevent any state control on public tastes. Because these intermediaries draw their legitimacy primarily from the art field, their choices led to import the values of the avant-garde into public institutions. From the end of the 1960s, this mechanism has been intensified by the effects of the increasing demands to democratize the art world: for lack of being able to fully answer these claims for cultural democracy (or in order to circumvent them), these intermediaries have emphasized their support to unconventional art as a mean to demonstrate, at least, their solidarity with the contemporary protests against sociocultural hierarchies.; Les années 1960-1970 sont communément considérées comme le moment de bascule de l’art moderne à l’art contemporain. Nos recherches visent à caractériser ce changement, non pas seulement en termes d’évolutions stylistiques, mais comme l’effet d’une profonde recomposition des structures institutionnelles du champ artistique, dont l’un des principaux facteurs consiste dans l’expansion de l’intervention publique dans ce domaine, suivant en cela le développement général des politiques culturelles dans la plupart des démocraties libérales occidentales. Un trait majeur de ce rapprochement entre art contemporain et puissance publique tient au choix partagé par de nombreuses organisations de s’engager en faveur de l’art d’avant-garde, dans le sens tout à la fois d’un soutien aux innovations artistiques les plus récentes et d’une reconnaissance apportée à leurs aspects les plus anti-conventionnels – ce dont profitent aussi certaines avant-gardes historiques jusqu’alors négligées. Cette réorientation représente une rupture majeure dans l’histoire des avant-gardes, fondées sur une rupture originelle avec les instances officielles, et peut permettre d’expliquer l’épuisement de leur dynamique à la fin des années 1970. Elle marque aussi un tournant dans l’histoire longue des rapports entre Etat et culture et peut être vue comme un symptôme d’une plus large redéfinition de la culture légitime.L’enquête sur les causes de ce changement a permis de mettre en évidence le rôle déterminant des intermédiaires auxquels sont déléguées les décisions artistiques publiques (afin de prévenir tout dirigisme culturel) : parce qu’ils tirent leur légitimité prioritairement du champ de l’art, leurs choix conduisent à importer dans les institutions publiques les valeurs de l’avant-garde. A partir de la fin des années 1960, ce mécanisme est redoublé par les effets des demandes multiples de démocratisation du monde de l’art : à défaut de pouvoir répondre pleinement à ces impératifs de démocratie culturelle (ou pour les contourner), ces intermédiaires exacerbent leur soutien à l’art le moins conventionnel comme le moyen de démontrer, à tout le moins, leur solidarité avec les contestations contemporaines des hiérarchies socio-culturelles.

Honorable rassemblement des professionnels du spectacle vivant et des arts plastiques que celui qui eut lieu ce mercredi dans la grande salle de La Colline, à l’initiative du Syndeac et de sa présidente, Madeleine Louarn. Stéphane Braunschweig de souligner que nombre de personnes perdent en ce moment leur emploi dans le spectacle vivant et les centres d’art. Benoît Lambert de rappeler la réalité du paradoxe bourdieusien des deux mains de l’État : les services publics doivent contrecarrer l’ef...

Cet article étudie le cas d’une stratégie collective développée au niveau européen dans la filière de la vidéo à la demande. L’étude réalisée à propos d’EuroVoD montre comment, depuis une dizaine d’années, une stratégie s’est structurée autour des plateformes européennes du cinéma indépendant pour faire face collectivement à la fragilité de leurs modèles d’affaires et à l’instabilité de leur environnement. L’analyse pointe également le discours véhiculé par EuroVoD en appui aux activités de lobbying et de coopération mises en œuvre, qui se concentre sur la valorisation de la diversité culturelle et sur la défense des industries cinématographiques européennes vis-à-vis des grandes plateformes américaines., info:eu-repo/semantics/published

Resumen El objetivo del presente artículo es analizar la aplicabilidad de las estrategias de crecimiento del sector cultural argentino para el caso colombiano, a partir de las teorías del desarrollo de Stiglitz y la neoshumpeteriana de innovación, todo esto mediante tres variables de análisis: legislación, institucionalidad y cooperación. Argentina se convierte en un gran factor a tener en cuenta para desarrollar políticas, en términos de know-how, educación, capacitación e infraestructura, lo que permitiría analizar si Colombia puede lograr ventajas competitivas en el mercado internacional para el sector cultural. Se utilizó una metodología de tipo cualitativo y con enfoque documental, utilizando fuentes secundarias que permitieron la identificación de las estrategias y el análisis de las posibilidades de aplicación. Como principal resultado se identifica el proceso endógeno de crecimiento del sector cultural argentino, al vincular la diversidad institucional y normativa, así como la educación y la integración de la sociedad civil en la construcción de ciudades creativas, como lo es el caso de Buenos Aires. Para el caso colombiano, se evidencia la necesidad de estrategias que vayan más allá de lo institucional y lo normativo para apoyar al sector cultural, de modo que vinculen mayores presupuestos y mayor inclusión, para integrar a todos los artistas y creadores colombianos en la toma de decisiones y la creación de políticas. Abstract The aim of this article is to analyze the applicability of the growth strategies for the Argentinean cultural sector to the Colombian case, based on Stiglitz's development theories and the neo-Shumpeterian theory of innovation, all through three variables of analysis: legislation, institutionality, and cooperation. Argentina has become a major factor to be taken into account when developing policies, in terms of know-how, education, training, and infrastructure, which would allow us to analyze whether Colombia can achieve competitive advantages in the international market for the cultural sector. We used a qualitative methodology with a documentary approach, including secondary sources that allowed the identification of strategies and the analysis of the possibilities for implementation. As the main result, we identified the endogenous process of growth of the Argentinean cultural sector, as it links institutional and regulatory diversity, as well as education, and integrates civil society in the construction of creative cities, as is the case of Buenos Aires. In the case of Colombia, there is a need for strategies that go beyond the institutional and normative to support the cultural sector, so that it is possible to link larger budgets and greater inclusion, in order to integrate all Colombian artists and creators in decision-making and policy making. Resumo O objetivo deste artigo é analisar a aplicabilidade das estratégias de crescimento do setor cultural argentino para o caso colombiano, com base nas teorias de desenvolvimento de Stiglitz e da neo-shumpeteriana da inovação, tudo isso por meio de três variáveis de análise: legislação, institucionalidade e cooperação. A Argentina passa a ser um grande fator a ser levado em consideração no desenvolvimento de políticas, em termos de know-how, educação, formação e infraestrutura, que permite analisar se a Colômbia pode obter vantagens competitivas no mercado internacional do setor cultural. Foi utilizada uma metodologia qualitativa com abordagem documental, utilizando fontes secundárias que permitiram a identificação de estratégias e a análise das possibilidades de aplicação. Como principal resultado, identificou-se o processo de crescimento endógeno do setor cultural argentino, ao articular a diversidade institucional e normativa, bem como a educação e a integração da sociedade civil na construção de cidades criativas, como é o caso de Buenos Aires. Para o caso colombiano, evidencia-se a necessidade de estratégias que vão além do institucional e do normativo para apoiar o setor cultural, de forma que vinculem orçamentos mais elevados e maior inclusão, para integrar todos os artistas e criadores colombianos na tomada de decisões e na criação de políticas. Résumé L'objectif de cet article est d'analyser l'applicabilité des stratégies de croissance du secteur culturel argentin pour les transposer au cas colombien en se basant sur les théories du développement de Stiglitz et de l’innovation néoshumpétérienne au travers de trois variables d'analyse que sont la législation, l’institutionnalité et la coopération. L'Argentine est une source d’inspiration importante en terme d'élaboration de politiques, de savoir-faire, d'éducation, de formation et d'infrastructure, et l’analyse des facteurs clés de succés permettrait de savoir si la Colombie pourrait obtenir des avantages compétitifs sur le marché international du secteur culturel. Nous avons mis en place une méthodologie qualitative, d’approche documentaire, en utilisant des sources secondaires permettant l'identification de stratégies et l'analyse des champs d'application. Le principal résultat de cette investigation repose sur l’identification du processus de croissance endogène du secteur culturel argentin fusionnant la diversité institutionnelle et normative, l'éducation et l'intégration de la société civile pour la construction de villes créatives comme Buenos Aires. En ce qui concerne la Colombie, l’analyse montre qu’il est nécessaire de créer des stratégies de soutien au secteur culturel, allant au-delà du simple cadre institutionnel et normatif, pour allouer des budgets plus élevés et associer tous les artistes et créateurs aux prises de décisions et à l’élaboration des politiques culturelles.

L’article analyse le processus de différenciation de la fonction d’inspection de l’administration centrale, à partir du cas des inspections de la Culture. Inscrit dans la théorie écologique des professions, il met en évidence ce que la professionnalisation des inspecteurs, à l’œuvre dans les années 1990-2000, doit à des luttes internes à l’État. Le rapport d’inspection est ici considéré comme une charnière entre des juridictions tenues par de hauts fonctionnaires dirigeants et des inspecteurs en cours de professionnalisation : ressource politique, il permet aux uns d’attester de la rationalité des orientations données à leurs programmes d’action et de leur indépendance vis-à-vis de considérations extérieures à l’intérêt général ; artefact d’un travail intellectuel, il permet aux autres de s’affirmer comme détenteurs d’un savoir professionnel abstrait, de donner à voir une capacité d’inférence à travers la déclinaison des diagnostics portés sur des politiques publiques en préconisations opérationnelles.

A tese investiga o funcionamento da modalidade de incentivos a projetos culturais conhecida como Mecenato, que integra a mais importante política pública de incentivo à cultura no Brasil, o Programa Nacional de Apoio à Cultura (Pronac), instituído pela chamada Lei Rouanet (8.313/91), com atenção particular nos patrocínios destinados à criação e à manutenção de museus. A partir da análise de dados extraídos do portal do Sistema de Apoio às Leis de Incentivo à Cultura (SalicNet), que possibilitou identificar as principais instituições beneficiadas, seus patrocinadores e os valores envolvidos no incentivo, foi possível verificar que as contingências do Programa acabaram por favorecer a formação de um consórcio de interesses, que beneficiou um limitado grupo de instituições museais que mantêm vínculos diretos ou indiretos com grandes empresas, constituindo o que estamos aqui chamando de “mecenato de alianças”. Ainda que aprovado com base em argumentos de inspiração liberal, que preconizavam ampla mobilização da sociedade e a democratização do acesso aos patrocínios, a modalidade do Mecenato, ao contrário, acabou conformando uma situação de desequilíbrio no fomento à cultura no país, pois que os recursos públicos oferecidos através de incentivos fiscais foram cada vez mais controlados por um restrito grupo de agentes de conexão entre o mundo financeiro e o da cultura, sem garantir o controle social desses recursos, desconstruindo o imaginário amplamente difundido sobre o perfil filantropo das elites nacionais, reiterando o estamento burocrático e o privilégio como traços estruturantes da sociedade brasileira. The thesis investigates the functioning of the kind of incentives for cultural projects known as Mecenato [patronage], which is part of the most important public policy to encourage culture in Brazil, the Programa Nacional de Apoio à Cultura [National Cultural Support Program] (Pronac), established by the so-called Rouanet Law (8.313/91), with particular attention to projects which aim to create and maintain museums. By the analysis of the data extracted from the website Sistema de Apoio às Leis de Incentivo à Cultura [Support System for Cultural Incentive Laws] (SalicNet), it was possible to identify the main beneficiary institutions, their sponsors and the amounts involved in the incentive, making possible to verify that the Program's contingencies ended up to favor the formation of a consortium of interests, which especially benefited a restricted group of cultural institutions under the direct or indirect management of large companies, constituting what we call “mecenato de alianças” [“agreement patronagem”]. Although approved based on liberal arguments, looking for a broad mobilization of society and the democratization of access to sponsorships, Pronac, on the contrary, caused an imbalance situation on the promotion of culture in the country. The public resources offered through tax incentives were increasingly controlled by a restricted group formed by agents of connection between the financial and cultural worlds, without guaranteeing the social control of these resources, deconstructing the idea of philanthropy, associated to national elites, and reiterating the privilege as permanent features in Brazilian society. La tesis investiga el funcionamiento de la modalidad de incentivos para proyectos culturales conocida como Mecenato [“mecenazgo”], que es parte de la política pública más importante para el fomento de la cultura en Brasil, el Programa Nacional de Apoio à Cultura (Pronac) [Programa Nacional de Apoyo Cultural], establecido por el llamado Ley Rouanet (8.313/91), con especial atención a los proyectos destinados a la creación y mantenimiento de museos. A partir del análisis de datos extraídos del portal del Sistema de Apoio às Leis de Incentivo a Cultura (SalicNet) [Sistema de Apoyo a las Leyes de Incentivos Culturales], que permitió identificar las principales instituciones beneficiarias, sus patrocinadores y los montos involucrados en el incentivo, se pudo constatar que las contingencias del Programa terminaron por favorecer la formación de un consorcio de intereses, lo que benefició especialmente a un grupo restringido de instituciones culturales bajo la gestión directa o indirecta de grandes empresas, constituyendo lo que aquí llamamos “mecenato de alianças” [“mecenazgo de alianzas”]. Aunque aprobado con argumentos de inspiración liberal, que abogaban por una amplia participación de la sociedad y la democratización del acceso a los patrocinios, el Pronac, por el contrario, terminó por constituir una situación de desequilibrio en la promoción de la cultura en el país, ya que los recursos públicos ofrecidos a través de incentivos fiscales, fueron controlados cada vez más por un grupo restringido de agentes de conexión entre el mundo financiero y cultural, sin garantizar el control social de estos recursos, deconstruyendo el imaginario ampliamente difundido sobre el perfil filantrópico de las élites nacionales. y reiterando el estatus burocrático y el privilegio como características permanentes de la sociedad brasileña. La thèse étudie le fonctionnement des conditions de soutien des projets culturels connus sous le nom de Mecenato [mécénat], qui fait partie de la politique publique la plus importante pour soutenir la culture au Brésil. Le Programa Nacional de Apoio à Cultura (Pronac) [Programme National de Soutien à la Culture], fut établi par la Loi dite Rouanet (8 313/91), qui se consacre aux projets de création et de maintien de musées. A partir de l'analyse des données extraites du site web du Sistema de Apoio às Leis de Incentivo à Cultura (SalicNet) [Système d'Appui aux Lois de Soutien à la Culture], qui permet d'identifier les principales institutions bénéficiaires, leurs sponsors et les sommes concernées, il a été possible de constater que les circonstances ont fini par favoriser la formation d'un consortium d'intérêts, qui a surtout bénéficié à un groupe restreint d'institutions culturelles placées sous la tutelle de grandes entreprises, constituant ce que nous appelons ici “mecenato de alianças” [“mécénat d'alliances”]. Bien qu'autorisé sur la base d'arguments d'inspiration libérale, qui prônent une large participation de la société ainsi que la démocratisation de l'accès au mécénat, le Pronac, au contraire, a fini par constituer une situation de déséquilibre dans la promotion de la culture dans le pays. En effet les ressources publiques offertes par le biais d'incitations fiscales étaient de plus en plus contrôlés par un groupe restreint d’agents de connexion entre les mondes financier et culturel, sans assurer le contrôle social de ces ressources, renversant l'image largement répandue du profil philanthropique des élites nationales, et réitérant les privilèges en tant que caractéristiques permanentes de la société brésilienne.

International audience

Cette thèse pose un regard critique sur la dimension politique de la scène contemporaine de théâtre au Québec, dans une perspective comparative avec celle allemande, avec une attention particulière pour les villes de Montréal et Berlin. L’autrice y explore, dans la mise en scène, les gestes et les stratégies qui permettent à l’artiste de prendre position politiquement par le théâtre, soient le recours au réel, la traduction, l’adaptation et l’ironie. La mise en relation entre Berlin et Montréal se traduit dans chacun de ces gestes, mais aussi de façon générale, dans le rôle historique et symbolique que joue l’Allemagne chez les artistes de théâtre au Québec. L’analyse prend pour objet un corpus susceptible d’être diffusé dans le réseau international des arts vivants, composé de six productions récentes ("Le NoShow" (2013) du collectif Nous Sommes Ici et du théâtre du Bunker, "Fear" (2015) de Falk Richter, "100% Montréal" (2017) de Rimini Protokoll, "Macbeth" de Shakespeare monté en 2016 par Angela Konrad, "Ein Volksfeind" de Henrik Ibsen monté en 2012 par Thomas Ostermeier et "Dans la République du bonheur" de Martin Crimp monté en 2015 par Christian Lapointe). L’approche privilégiée, inspirée de l’expérience comme conseillère dramaturgique de l’autrice, est celle de l’intermédialité. Ainsi, les dimensions politiques des oeuvres sont étudiées dans la forme que prend leur propos, dans les esthétiques et les traditions convoquées par les choix de la mise en scène, ainsi que dans les mécanismes déployés pour établir une relation avec le public. L’approche intermédiale implique aussi de mettre en relation ces éléments avec leur contexte de production, du fonctionnement institutionnel des théâtres aux modes de financement qui en permettent la réalisation, en passant par le subtil rapport de force qui régit le milieu des arts de la scène. En prenant soin de cerner les contradictions au sein des oeuvres étudiées, cette thèse esquisse une approche critique des politiques de la scène contemporaine de théâtre, dans une démarche au plus près de la pratique., This thesis offers a critical perspective on the political aspects of contemporary theatre in Quebec by using a comparative perspective with German theatre, with a particular focus on the cities of Montreal and Berlin. The author explores staging methods, gestures, and various strategies used by theatre artists to adopt political stances through theatre such as : the use of the real, translation, adaptation, and irony. The connection between Montreal and Berlin is highlighted through various gestures but also through the historical and symbolic role Germany has long held for Québécois theatre artists. This analysis will take into account a corpus of recent productions subject to international presentation : ("Le NoShow" (2013) from the artist collective Nous Sommes Ici and the Bunker theatre, "Fear" (2015) by Falk Richter, "100% Montréal" (2017) by Rimini Protokoll, Shakespeare’s "Macbeth" staged in 2016 by Angela Konrad, "Ein Volksfeind" by Henrik Ibsen staged in 2012 by Thomas Ostermeier and "Dans la République du bonheur" by Martin Crimp staged in 2015 by Christian Lapointe). Drawing on the author’s own experiences working as a dramaturg in Quebec, the thesis adopts an intermedial approach in order to explore the political aspects of the aforementioned works ; thus, it looks at what traditions are conveyed and what aesthetics are deployed through staging, as well as a host of other mechanisms, whose aim it is to garner audience sympathies. This intermedial approach will also shed a light on those elements by using the context of production, the institutional operations of theatres as to how they are financed, and the power relationships within the performing arts sector. By determining the contradictions in the studied works, this thesis will critique the politics of contemporary theatre through a practical methodology.

Ce mémoire aborde la récupération de la musique à des fins politiques en interrogeant le rapport ambigu entre propagande et diplomatie musicale pendant la Guerre froide. Centrée principalement sur la production musicale aux États-Unis dans les années 1950, l’étude s’attarde aux stratégies adoptées, autant par des musiciens jazz que classique, pour critiquer et dénoncer les politiques discriminatoires d’une chasse aux sorcières communistes lancée par le sénateur républicain Joseph R. McCarthy (1908-1957). Elle montre également comment les dirigeants des États-Unis ont cherché à encenser les valeurs américaines en promouvant internationalement le jazz comme symbole démocratique, en particulier contre l’Union soviétique. Les deux premiers chapitres servent à camper le décor : le premier chapitre brosse par une mise en contexte un portrait politique et historique de la Guerre froide – en partant du postulat que celle-ci trouve ses racines dans la Révolution d’octobre 1917 –, et introduit le contexte sociopolitique des années 1950 en mettant l’emphase sur l’importante influence qu’a eue le maccarthysme, conception politique anticommuniste du sénateur McCarthy, sur la vie américaine. Le deuxième chapitre, également de mise en contexte, établit les différences entre les politiques culturelles américaines et soviétiques. Ce chapitre présente le Cultural Presentations program, le programme d’échanges culturels subventionné par le département d’État, de même que les relations culturelles officielles entre les États-Unis et l’URSS de 1958 à 1985. Les deux derniers chapitres présentent des études de cas afin d’illustrer l’impact sociopolitique sur la vie et la production musicales des années 1950. Le troisième chapitre analyse la présence du jazz au sein du Cultural Presentations program et retrace le parcours de quatre grands musiciens jazz ayant pris part au programme pour faire rayonner le jazz à l’international, tout en soulignant l’ironie d’utiliser des Afro-Américains comme représentants de la démocratie d’une Amérique ségrégée. Le quatrième chapitre traite spécifiquement du genre lyrique américain et des critiques du maccarthysme inscrites dans certaines œuvres de ce répertoire. Une attention particulière est portée à l’opérette Candide de Leonard Bernstein (1918-1990), en raison de l’engagement politique notoire du compositeur et du propos explicitement politique de l’œuvre. Cette recherche vise, en somme, à faire un état des lieux de la récupération politique de la musique en mettant en relation deux visions différentes de son utilisation aux États-Unis, This thesis addresses the subject of the political employment of music by questioning the ambiguous relationship between propaganda and musical diplomacy during the Cold War. Focusing mainly on the musical production in the United States in the 1950s, this study examines the strategies adopted by both jazz and classical musicians to criticize and denounce the discriminatory policies of this communist witch-hunt embodied by Republican Senator Joseph R. McCarthy (1908-1957). It also shows how U.S. leaders have sought to promote American values by internationally promoting jazz as a democratic symbol, particularly against the Soviet Union. The first two chapters serve to set the stage: the first chapter provides a contextualized political and historical portrait of the Cold War – starting from the premise that it is rooted in the October 1917 Revolution –, and introduces the socio-political context of the 1950s by emphasizing the important influence that McCarthyism, the anti-communist political conception of Senator McCarthy had on American life. The second chapter, also contextualizing, establishes the differences between American and Soviet cultural policies. This chapter introduces the Cultural Presentations program, the cultural exchange program funded by the Department of State, as well as the official cultural relations between the United States and the USSR from 1958 to 1985. The last two chapters focus on case studies to illustrate the socio-political impact on music life and productions in the 1950s. The third chapter discusses the presence of jazz in the Cultural Presentations program and traces the journey of four great jazz musicians who took part in the program to promote jazz internationally, while highlighting the irony of using African Americans as representatives of democracy in a segregated America. The fourth chapter deals specifically with the American operatic genre and the criticisms of McCarthyism in some works of this repertoire. Particular attention is paid to Leonard Bernstein’s (1918-1990) operetta Candide, due to the composer’s notorious political commitment and the explicitly political purpose of the work. This research aims to take stock of the political usage of music by linking two different visions of its use in the United States.

RESUMO Que sentidos assume a noção de cultura em políticas públicas que implicam agentes religiosos no Brasil? Apresentar respostas para tal pergunta é o objetivo deste artigo. Para tanto, analisam-se três áreas nas quais ocorrem investimentos estatais relacionados à “cultura” que incidem sobre universos religiosos: projetos que buscam recursos por meio da assim chamada Lei Rouanet; projetos contemplados como Pontos de Cultura; e projetos que visam o fortalecimento do turismo cultural relacionado à religião. Com a utilização de estatísticas e o emprego de narrativas etnográficas, o texto analisa o modo como se concebe e se apropria a categoria “cultura” considerando os pressupostos das políticas públicas abordadas e as configurações assumidas por situações concretas. O pano de fundo para a análise são discussões acerca da objetificação da noção de cultura, que tem se tornado parte de vernáculos sociais e tem se vinculado a demandas por direitos ou se envolvido em amplos conflitos de interpretação. As conclusões salientam a relação dos vários sentidos assumidos por essa noção com quadros mais ou menos pluralistas acerca da diversidade religiosa no Brasil atual. ABSTRACT What meanings does the notion of culture take in public policies that involve religious agents in Brazil? Presenting answers to such a question is the aim of this article. To this end, three areas in which state investments related to “culture” target religious universes are analyzed: projects that seek resources through the so-called Rouanet Law; projects contemplated as “Points of Culture”; and projects aimed at strengthening cultural tourism related to religion. Using statistics and ethnographic narratives, the text analyzes the way in which the category of “culture” is conceived and appropriated, considering the assumptions of the public policies addressed and the configurations assumed by concrete situations. The background for this analysis concerns the objectification of the notion of culture, which has become part of social vernaculars and has been linked to demands for rights or involved in wide conflicts of interpretation. The conclusions highlight the relationship of the various meanings assumed by this notion with more or less pluralistic contexts about religious diversity in Brazil today. RÉSUME Quelle signification la notion de culture prend dans les politiques publiques qui impliquent des agents religieux au Brésil? Le but de ce texte est de présenter des réponses à une telle question. A cet effet, on analyse trois domaines dans lesquels interviennent les investissements de l’Etat liés à la «culture» qui affectent les univers religieux: les projets de recherche de ressources à travers la Loi Rouanet; projets envisagés comme Pontos de Cultura; et des projets visant à renforcer le tourisme culturel lié à la religion. Avec l’utilisation de statistiques et l’utilisation de récits ethnographiques, le texte analyse la manière dont la catégorie “culture” est conçue et appropriée compte tenu des hypothèses des politiques publiques abordées et des configurations assumées par les situations concrètes. Le scénario de l’analyse est caracterizé par discussions sur l’objectivation de la notion de culture, qui est devenue une partie des langues vernaculaires sociales et a été liée à des revendications de droits ou impliquée dans de larges conflits d’interprétation. Les conclusions mettent en évidence la relation des différentes significations assumées par cette notion avec des images plus ou moins pluralistes de la diversité religieuse au Brésil aujourd’hui. RESUMEN ¿Qué sentidos asume la noción de cultura en políticas públicas que involucran a agentes religiosos en Brasil? Presentar respuestas para tal pregunta es el objetivo de este texto. Para ello, se analizan tres áreas en las cuales ocurren inversiones estatales relacionadas a la “cultura” que inciden sobre universos religiosos: proyectos que buscan recursos por medio de la así llamada Lei Rouanet; proyectos contemplados como Puntos de Cultura; y proyectos que buscan el fortalecimiento del turismo cultural relacionado a la religión. Con el uso de estadísticas y el empleo de narrativas etnográficas, el texto analiza el modo en cómo se concibe y se apropia la categoría “cultura” considerando los presupuestos de las políticas públicas abordadas y las configuraciones asumidas por situaciones concretas. El telón de fondo para el análisis son las discusiones acerca de la objetivación de la noción de cultura, que se ha tornado parte de vernáculos sociales y se ha vinculado a demandas por derechos o se ha visto involucrado en amplios conflictos de interpretación. Las conclusiones resaltan la relación de los distintos sentidos asumidos por esa noción con perspectivas más o menos pluralistas acerca de la diversidad religiosa en el Brasil actual.

International audience; Pôle de Recherche Interdisciplinaire en Sciences sociales : Mémoires, Expositions, Objets COLLOQUE RIFREQ « Comment la synthèse est-elle possible en recherche qualitative? » 10-11 juin 2021-Montpellier.

International audience; De toute antiquité, les arts de la scène apportent aux sociétés humaines une expression en résonnance avec leur présent commun, mettant en scène corps et objets utiles aux représentations : instruments de musique, costumes, masques, pinceaux, espaces dédiés… Les communautés qui partageaient ces expériences souhaitaient prolonger de tels moments de partage, les rejouer, les mettre à profit, en en conservant des reliques et en les échangeant via des supports de textes et d'images. Dès lors, face à l'incertaine circulation des traces de ces poèmes, de ces airs, de ces mouvements, de ces jeux et même des lieux, résultent des logiques de collections, de mémoire, de connaissance, d'économie et de pouvoir. Les techniques d'imprimerie, de gravure, de photographie et de film ont ouvert à une large circulation et une industrialisation des copies d'oeuvres. Le développement de ces dispositifs sociotechniques se poursuit dans la seconde moitié du XX e siècle avec un accès étendu aux télécommunications et aux enregistrements, renforcé au début du XXI e siècle par les formes sans cesse renouvelées de partages numériques des expériences des arts. Ces mutations profondes ont modifié les pratiques culturelles et les formes artistiques. Pour les arts de la scène, la qualité de l'expérience vécue in situ semble encore échapper à celles télé-ou rediffusées, aussi immersives et participatives fussent-elles : « encore manque-t-il à la reproduction la plus parfaite une chose : le hic et nunc [l'ici et maintenant] de l'oeuvre d'art-l'unicité de son existence au lieu où elle se trouve (Benjamin : 18). » Cependant, la technique, « une active productrice d'art (Hennion et Latour : 240) », prolonge et participe tant à sa médiation qu'à sa patrimonialisation.

What would be the links between the cultural and the social? Why does a cultural association develop social actions? Starting from the specific case of the Association R.A.M.a, in Montpellier, this thesis aims to develop reflections on the above questions in the perspective of the neoliberal frame of reference. The hypothesis put forward here is that, in addition to being influenced by the neoliberal turn, social and cultural policies are undergoing a process of diversion of their objectives so as to place them in a nebulous zone where the limits and attributes of each are mixed. This vestige of the fieldwork experience is both a descriptive and analytical account of the observations collected and an exercise in articulating theory and praxis. In this sense, the exercise has a dual purpose: to deal with the topic at hand, but also to reveal the research and learning process of a foreign student.; Quels seraient les liens entre le culturel et le social ? Pour quelles raisons une association à finalité culturelle développe-t-elle des actions sociales ? Partant du cas précis de l’Association R.A.M.a, à Montpellier, ce mémoire a pour ambition le développement des réflexions sur les questions précédentes dans la perspective du référentiel néolibéral. L'hypothèse ici lancée est qu’en plus d’être influencées par le tournant néolibéral, les politiques sociales et culturelles vivraient un processus de détournement de leurs objectifs de façon à les mettre dans une zone nébuleuse où les limites et les attributs de chacune se mélangeraient. Ce vestige de l’expérience de terrain en stage est à la fois un récit descriptif et analytique des observations collectées et un exercice d’articulation entre théorie et praxis. Dans ce sens, l’exercice a un double objectif : traiter le sujet en question, mais également révéler le processus de recherche et d'apprentissage d’un étudiant étranger.