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Sei es die Suche nach Heimat und Identität in der scheinbar grenzenlosen Weite der Wüste ('Lawrence of Arabia', 1962), die Flucht in die Stille der eiserstarrten Weite Russlands ('Dr. Zhivago', 1965), der kollektive Widerstand im unbekannten Birma ('The Bridge on the River Kwai', 1957) oder die verstörende Konfrontation mit sich selbst in der Fremde des polyphonen Indiens ('A Passage to India', 1984) – Leans Filme, ihre Bildästhetik, aber vor allem ihre Geschichten von Begegnungen mit fremden Welten und unbekannten Kulturen, von teils privaten, teils großen Abenteuern sind bis heute unvergessen. In Erinnerung geblieben ist vor allem ihre bildgewaltige Erzählweise: großformatige Kameraeinstellungen wie die der purpurrot aufgehenden Sonne über der arabischen Wüste; das bizarr-romantisch verschneite Anwesen in Varykino oder die effektvolle und symbolträchtige Brückensprengung durch den tödlich verwundeten Nicholson – Bilder, die sicherlich nicht nur die Kinoästhetik ihrer Zeit revolutioniert, sondern auch auf der Cinemascope-Leinwand den Zuschauer gefesselt und begeistert haben. Die Arbeitsthese dieser Arbeit ist, dass sich die Filme von David Lean über immer wiederkehrende Erzählmuster beschreiben lassen, bei denen ‚Räume‘ eine wichtige Funktion übernehmen. Räume übernehmen auch auf der Ebene der Erzählung eine Funktion und sind jenseits ihrer ästhetischen Erfahrbarkeit relevant. Zu Beginn von Leans Filmen findet der Zuschauer eine Art topografische Landkarte (topografische Räume) vor, die von unterschiedlichen Figuren mit jeweils unterschiedlichen Bedeutungen aufgeladen wird (semantische Räume). Was Leans Hauptfiguren mit bestimmten Räumen verbinden, widerspricht der herrschenden Norm ihres Umfeldes: Hier trifft Heimat auf Fremde, Himmel auf Hölle, Abenteuer auf Gefahrenpotenzial. An den Grenzen der Bedeutung von Räumen entstehen also inhaltliche Konflikte: Leans Hauptfiguren sind ‚anders‘, sehen ihre Welt ‚anders‘, entsprechen damit nicht der Norm und werden von ihrem Umfeld als Störfaktor wahrgenommen., Dank ..... 9 1 Leans Filme im Spannungsfeld zwischen Restauration und Revolution ..... 11 1.1 Alienität und Alterität: Der Cultural Turn und die Postcolonial Theory ..... 20 1.2 Der Spatial Turn: Der Raum als Dispositiv zur (filmischen) Wirklichkeitserzeugung ..... 24 1.3 Der ‹Raum› als narrative Strategie: Die Strukturale Erzähltheorie nach Lotman ..... 31 1.4 Leans Hauptfiguren als Störfaktor der Geschichte: Ein Forschungsüberblick ..... 42 2 THE BRIDGE ON THE RIVER KWAI: Ein Spiel mit Bedeutung zwischen Krieg, Wahnsinn und Prinzipientreue ..... 53 2.1 Räume und Grenzen in The Bridge on the River Kwai: Befunde einer Annäherung ..... 53 2.2 Die sujetlose Ebene ..... 57 2.2.1 «He’s mad»: Das Raumkonzept der Alienität ..... 57 2.2.2 «[He] defines the word differently»: Das Raumkonzept der Alterität ..... 65 2.2.3 Die Grenze der Textwelt ..... 70 2.3 Die sujethafte Ebene: Die Ironie der Bedeutungsverschiebung ..... 77 2.3.1 Kollision und rhetorische Vertauschung: Die Strategien von ‹Eigen- und Fremdsetzung› ..... 77 2.3.2 Die Ereigniskette: Von der alienen zur alteritären Ordnung ..... 86 2.3.2.1 Das Ereignis: Die Akzeptanz der Genfer Konvention ..... 86 2.3.2.2 Das Metaereignis: Die Übernahme des Brückenbaukommandos ..... 92 2.3.3 ‹Bedeutung› als ironisches Konstrukt: Alterität im Modellversuch ..... 97 2.3.4 «What have I done?»: Grenzwiederherstellung und Ereignistilgung ..... 106 2.3.5 «There’s always the unexpected»: Die Ironie der Geschichte ..... 115 2.4 The Bridge on the River Kwai: Eine raumsemantische Auswertung ..... 125 2.4.1 Alienität und Alterität als Raumkonzepte ..... 125 2.4.2 Der Ausweg aus der Kriegsrhetorik: Clipton als ‹heterotope Figur› ..... 130 3 LAWRENCE OF ARABIA: Im Größenwahn der Grenznivellierung ..... 135 3.1 Räume und Grenzen in Lawrence of Arabia: Befunde einer Annäherung ..... 135 3.2 Die sujetlose Ebene ..... 139 3.2.1 «For ordinary men»: Das Raumkonzept der Alienität ..... 139 3.2.2 «I’m different»: Das Raumkonzept der Alterität ..... 144 3.2.3 Die Grenze der Textwelt ..... 152 3.3 Die sujethafte Ebene ..... 157 3.3.1 Die Ereigniskette: Von der alienen zur alteritären Ordnung ..... 157 3.3.1.1 Die Grenze ‹Arabien-Europa› ..... 157 3.3.1.2 Die Binnengrenzen Arabiens ..... 164 3.3.2 Die Störung der alteritären Ordnung: Re-Alienisierung und Grenzverfestigung ..... 173 3.3.3 An den Grenzen alteritärer ‹Bedeutung›: Apotheose, Größenwahn und Realitätsverlust ..... 180 3.3.4 «I thought it was true»: Grenzwiederherstellung im Metaereignis ..... 192 3.4 Lawrence of Arabia: Eine raumsemantische Auswertung ..... 204 3.4.1 Alienität und Alterität als Raumkonzepte ..... 204 3.4.2 Diplomatie und Politik als Zukunftsentwurf: Ali als ‹heterotope Figur› ..... 208 4 DR. ZHIVAGO: Grenzverschiebungen zwischen Ästhetik und Wirklichkeit ..... 213 4.1 Räume und Grenzen in Dr. Zhivago: Befunde einer Annäherung ..... 213 4.2 Die sujetlose Ebene ..... 216 4.2.1 «There’re two kinds of»: Das Raumkonzept der Alienität ..... 216 4.2.2 «From here she looks beautiful»: Das Raumkonzept der Alterität ..... 225 4.2.3 Die Grenze der Textwelt ..... 236 4.3 Die sujethafte Ebene ..... 241 4.3.1 Die Alterisierung der Textwelt: Die Räume ‹Moskau› und ‹Lazarett› als Verweisräume ..... 241 4.3.2 Alienisierung und Grenzverschiebung I: Der Ausbruch der Russischen Revolution ..... 247 4.3.3 Die Wiederherstellung der alteritären Ordnung ..... 251 4.3.3.1. Die Zugfahrt durch den Ural ..... 251 4.3.3.2. ‹Varykino› und ‹Yuryatino› als Verweisräume ..... 258 4.3.4 Alienisierung und Grenzverschiebung II: Jurijs Entführung an die Front ..... 265 4.3.5 Alterität als Kunstprodukt: Der ‹Eispalast› und seine Demontage ..... 275 4.4 Dr. Zhivago: Eine raumsemantische Auswertung ..... 283 4.4.1 Alienität und Alterität als Raumkonzepte ..... 283 4.4.2 Die ‹Erzählung› als Konstrukt: Yewgraf Zhivago als ‹heterotope Figur› ..... 288 5 A PASSAGE TO INDIA: Klaustrophobie zwischen Grenzverschiebung und Grenzverfestigung ..... 295 5.1 Räume und Grenzen in A Passage to India: Befunde einer Annäherung ..... 295 5.2 Die sujetlose Ebene ..... 298 5.2.1 «East is East» and West is West: Das Raumkonzept der Alienität ..... 298 5.2.2 «New horizons»: Das Raumkonzept der Alterität ..... 306 5.2.3 Die Grenze der Textwelt ..... 316 5.3 Die sujethafte Ebene ..... 320 5.3.1 Die erste Grenzverschiebung: Die Moscheeruine als alteritärer Transitraum ..... 320 5.3.2 Das Störpotenzial der Grenzverschiebung ..... 328 5.3.3 Die zweite Grenzverschiebung: Die Tempelruine als verstörender Transitraum ..... 333 5.3.4 Die dritte Grenzverschiebung: Alterität als Stör- und Trugbild ..... 347 5.3.4.1 Die Zugfahrt zu den Marabar Hills ..... 347 5.3.4.2 Die erste Höhlenbesichtigung ..... 352 5.3.4.3 Die zweite Höhlenbesichtigung ..... 360 5.3.5 «I withdraw everything»: Das Metaereignis und die ‹(Nicht-)Ordnung› der Textwelt ..... 367 5.4 A Passage to India: Eine raumsemantische Auswertung ..... 376 5.4.1 Alienität und Alterität als Raumkonzepte ..... 376 5.4.2 Kulturkontakt im Zwischenraum: Fielding als ‹heterotope Figur› ..... 380 6 Auswertung: Raumkonzepte bei David Lean ..... 387 6.1 Leans Filme: Konflikte zwischen Alienität und Alterität ..... 387 6.2 Leans ‹gestörte› Erzählungen ..... 391 6.3 Leans ‹heterotope Figuren› am Rande der Geschichte(n) ..... 393 6.4 Möglichkeiten einer Reformulierung der Strukturalen Erzähltheorie ..... 396 6.5 Leans Filme zwischen ‹Old Hollywood› und ‹New Hollywood› ..... 400 7 Medienverzeichnis ..... 405 7.1 Filme und Serien ..... 405 7.2 Forschungsliteratur ..... 406, Finanziert durch den Open-Access-Publikationsfonds 2022 der Westfälischen Wilhelms-Universität Münster (WWU Münster).

Bielefeld : transcript Verlag 2023, 305 S. - (Theorie Bilden; 45) - (Dissertation, Universität Dresden, 2021), Gilles Deleuze zufolge bewegen wir uns permanent in einem Strom von Bewegungsbildern. Vor diesem Hintergrund zeigt Jonas Hänel, dass eine bewegungsbildbasierte Forschung quer zu den Themenbereichen Bildung, Kino und Pflege und ausgehend von Michael Hanekes Film »Liebe« (2012) neue Qualitäten in den Blick rückt. Neben der Beschreibung kontingenter Verläufe im Leben fokussiert er Intensitäten wie Affektionen und Affekte in unterschiedlichen performativen Handlungsvollzügen. Sei es die Beschreibung von Bildungs-, Pflege- oder auch filmischen Prozessen: Sein zentrales Anliegen ist es, die Prozessualität performativer Praxen in ihrem von Brüchen durchzogenen Werden nachzuzeichnen. (DIPF/Orig.)

Die 1930er-Jahre gelten als das populistische Jahrzehnt Hollywoods. Regisseure wie Frank Capra, Leo McCarey und John Ford entwerfen in ihren Werken Szenarien geglückter oder gescheiterter politischer Repräsentation, in denen sich demokratische Ideale mit politischer Theologie und amerikanischem Exzeptionalismus verbinden. Die Szenographie dieser Filme hat sich tief in das kulturelle Gedächtnis der USA eingeschrieben und prägt die politische Inszenierung von Repräsentation bis heute. Johannes Pause liest die damals entstandene Bildsprache als eine Typologie populistischer Repräsentation neu und nutzt sie als Folie, um aktuelle politische Tendenzen zu analysieren.

Die Begriffe Störung, Verunsicherung und Destabilisierung beziehen sich zwar auf unterschiedliche Register, bezeichnen aber alle drei Zustandsveränderungen, die vormals geordnete Verhältnisse infrage oder auf die Probe stellen. Die Beiträge dieses Bandes versuchen, diese Kategorien für die Analyse von Filmen fruchtbar zu machen. Zunächst einmal lässt sich feststellen, dass filmische Narrationen (wie Narrationen generell) überhaupt erst durch Störungen in Gang gesetzt werden, dass Zuschauende etwa durch eine gestörte Informationsvergabe oder durch eine unklare Genrezuordnung verunsichert werden können und dass Filme destabilisierte Welten vor Augen stellen können. In welcher Weise ein Film mithilfe der Trias von Störung, Verunsicherung und Destabilisierung konkret erschlossen werden kann, lässt sich vorab nicht festlegen. Die Geschlechterordnung kann ebenso gestört, verunsichert und destabilisiert werden wie die politische Ordnung oder das Genresystem. Zwar legen die meisten Beiträge dieses Bandes den Schwerpunkt auf eine der drei Kategorien, aber aussagekräftig sind sie nur in ihrer Verknotung: Es gibt eine Art Dialektik von Störung und Destabilisierung, während die Verunsicherung ein wenig als Symptom für die Wirksamkeit dieser Dialektik fungiert. Teils werden in den Beiträgen Filme analysiert, die in ihren filmischen Verfahren als sehr konventionell wahrgenommen werden können, aber die Frage nach Verunsicherung und Destabilisierung ins Zentrum stellen; teils widmen sich die Beiträge Filmen, bei denen Störung und Verunsicherung in erster Linie von den filmischen Verfahren ausgehen. Letztlich betrifft die Frage nach Störung, Verunsicherung und Destabilisierung aber stets sowohl die Seite der Darstellung wie die Seite des Dargestellten.

Early city films undermined the association of the city with social and technological progress by showing what Siegfried Kracauer termed ‘a hidden modernity’ – a spatial mapping of social/ideological structures and values that provided a critique of modernity precisely though focusing on its ‘surface’ aspects. Drawing on Michel de Certeau’s notion of ‘pedestrian speech acts’ this essay explores the ways in which Fellini’s LA DOLCE VITA (1960) and Sorrentino’s homage LA GRANDE BELLEZZA (2013) – both of which paint a picture of a decadent society, the consumer society emerging in Italy during the postwar economic boom, and a morally decadent neoliberal Italy – ‘narrate’ the Eternal City through their flâneur protagonists, in order to illuminate the two filmmakers’ different critical engagement with history and with Rome’s ‘decadence’.emporary interdisciplinary methodologies in the humanities, from.

Die genderorientierte Medienforschung gelangt im 21. Jahrhundert zunehmend zur pragmatischen Erkenntnis, dass populärkulturelle Repräsentationen von Geschlecht weder rein affirmativ noch rein subversiv sind, sondern widersprüchlich. Dieser Widerspruch wird bei Populärkultur oft ganz selbstverständlich vorausgesetzt. Umso überraschender ist es, dass es bislang an systematischen Studien dazu fehlt. Die vorliegende Dissertation setzt an dieser Forschungslücke an und formuliert eine These der strukturellen Ambivalenz. Diese basiert auf der Annahme, dass die aktuelle Populärkultur durchaus von herrschenden Ideologien beeinflusst, aber zugleich auch ein Spielfeld vielfältiger Bedeutungen ist und dass dieses Potential gerade aus Ambivalenzen und Widersprüchlichkeiten entsteht. Es ist also weniger relevant, ob ein Film Genderstereotypen einsetzt, sondern vielmehr, wie diese inszeniert und kontextualisiert sind. Die Geschlechternormen der Moderne sind auch heute noch präsent, befinden sich aber in einem permanenten Aushandlungsprozess. So ist unsere postmoderne Kultur dadurch charakterisiert, dass wir uns fortwährend an modernen Geschlechternormen abarbeiten, sie erweitern, verschieben, durchkreuzen, ganz besonders in der Populärkultur. Dem Science-Fiction-Genre und der Utopie sowie der Dystopie kommt im Prozess dieser Normreflexion und -verschiebung aufgrund ihrer transzendierenden und extrapolierenden Eigenschaften eine besondere Bedeutung zu. Die tatsächliche, aber auch die künstlerisch vermittelte Verschiebung von Normen verläuft dabei nicht linear, sondern komplex und widersprüchlich, im stetigen Wechselspiel aus De- und Rekonstruktion, das die strukturelle Ambivalenz charakterisiert. Nach einer diskursiven Bestimmung der Schnittstellen und Traditionslinien von Gender, Utopie, Dystopie, Science Fiction und Populärkultur wird in der Arbeit an der exemplarischen Analyse von zehn Science-Fiction-Filmen und Fernsehserien demonstriert, dass die Figuration der Ambivalenz sowohl als prekäre Disposition als auch als Chance populärkultureller, postmoderner Inszenierung von Geschlecht zu verstehen ist. Die Arbeit enthält u.a. Fallstudien der Fime "The Circle" (2017), "Arrival" (2016), "Interstellar (2014) und "Ex Machina" (2015) sowie der Fernsehserien "The Handmaid's Tale" (2017-), "Torchwood" (2006-2011), "Orphan Black" (2013-2017) und "Dollhouse" (2008-2010).

Durch aktuelle gesellschaftspolitische und rechtliche Debatten um geschlechtliche und sexuelle Vielfalt ist einiges in Bewegung geraten: Tradierte (Zu-)Ordnungen von Geschlecht sind durchlässiger geworden, strikte Regulierungen von Sexualität(en) sind aufgebrochen. Soziale Wirklichkeiten scheinen nun pluralisiert und neue Chancen für selbstbestimmte Lebens­weisen eröffnet. Zugleich haben institutionalisierte Vorstellungen von binären Ge­schlech­terdifferenzen und von Heterosexualität Spuren hinterlassen, die als ‚Einschreibungen’ der sozialen Verhältnisse weiter existieren. Der vorliegende Band ist das Ergebnis interdisziplinärer Reflexionen in den Sozial- und Geisteswissenschaften. Die Beiträge geben einen Einblick in unterschiedliche disziplinäre Perspektiven auf Gender- und Sexualitäts(zu)ordnungen. Sie spannen die Breite der For­schungsfelder mit ihrem jeweiligen Bezug zu Alltagspraktiken auf; vor dem Hintergrund der Fachkulturen und wissenschaftlichen Entwicklungen beleuchten sie begriffliche Konzepte, Fragestellungen sowie Arbeitsweisen und reflektieren vor allem auch die Gleichzeitigkeit von Kontinuität, Wandel und neuen Normierungsprozessen.Der vorliegende Band ist das Ergebnis interdisziplinärer Reflexionen in den Sozial- und Geisteswissenschaften. Die Beiträge geben einen Einblick in unterschiedliche disziplinäre Perspektiven auf Gender- und Sexualitäts(zu)ordnungen. Sie spannen die Breite der For­schungsfelder mit ihrem jeweiligen Bezug zu Alltagspraktiken auf; vor dem Hintergrund der Fachkulturen und wissenschaftlichen Entwicklungen beleuchten sie begriffliche Konzepte, Fragestellungen sowie Arbeitsweisen und reflektieren vor allem auch die Gleichzeitigkeit von Kontinuität, Wandel und neuen Normierungsprozessen

Demonstrating, representing, or showing is at the heart of every educational action. Historical representations on screen and stage do not "teach" us history but rather influence our ideas and interpretations of it. The contributions to this volume explore the depiction of history in theater and film from the intersection of historical scholarship, aesthetics, memory studies, and education. They examine the creation of historical images, film production and reception, the scriptwriting process, educational programming, and depictions of German-American encounters. Above all else, they explore how various theatrical and filmic productions show history rather than tell it. (DIPF/Orig.)

The author discusses the concept of historical images and how storytelling conventions pioneered in early twentieth-century Hollywood became global practices. His contribution uses the film Der Staat gegen Fritz Bauer (2015) as a case study for the creation and transmission of historical images on film. The film, a dramatization of Fritz Bauer’s involvement with the capture of Adolf Eichmann, explores the Attorney General’s life before he served as lead prosecutor at the Frankfurt Auschwitz Trials (1963-1965). He analyzes the ways that Der Staat gegen Fritz Bauer utilizes storytelling techniques pioneered in Hollywood to construct historical images of the Hessian Attorney General while simultaneously perpetuating well-worn myths about Bauer’s private life. For the author, the film exemplifies our current globalized film culture, where differences in national filmmaking styles have largely fallen by the wayside in favor of films that appeal to more global, transnational audiences connected to streaming services and no longer dependent on the theatrical distribution model. (DIPF/Orig.)

Demonstrating, representing, or showing is at the heart of every educational action. Historical representations on screen and stage do not "teach" us history but rather influence our ideas and interpretations of it. The contributions to this volume explore the depiction of history in theater and film from the intersection of historical scholarship, aesthetics, memory studies, and education. They examine the creation of historical images, film production and reception, the scriptwriting process, educational programming, and depictions of German-American encounters. Above all else, they explore how various theatrical and filmic productions show history rather than tell it. (DIPF/Orig.)

Master's thesis in Documentary production For mange er dokumentarfilm en sjanger som skildrer virkelige hendelser med virkelige mennesker. Tradisjonelt ligger dens verdi i indeksikalske bilder fra virkeligheten, og den skulle skildre verden slik den var. Men en dokumentarfilm er jo tross alt et sammensatt verk, bestående av nøye utvalgte sekvenser som er med på å fortelle en bestemt historie. I likhet med blant annet en tale, er dokumentarfilm bygd opp for å fremme et subjektivt synspunkt om noe, eller noen i samfunnet. En dokumentarfilm er ikke et produkt av tilfeldige scener satt sammen, men heller nøye utvalgte fragmenterte hendelser som til sammen formidler et overordnet budskap. Alle filmatiske valg som gjøres i en dokumentarfilm vil, i teorien være subjektive, og derfor mener jeg det vil være å underminere dokumentarfilmens kompleksitet å si at dens verdi kun ligger i de indeksikalske bånd med virkeligheten. «All films are rhetorical in the sense that they imply an ideological position towards their subject» (Plantinga, 2010, s. 123). Jeg ønsker med denne oppgaven å benytte meg av en retorisk tilnærming av The Thin Blue Line. Jeg vil undersøke hvordan Errol Morris benyttet seg av strukturelle og filmatiske virkemidler for å forme argumenter, formidle en sannhet, og få løslatt en mann som var dømt til døden. Retorikken gir meg helt konkrete redskaper å benytte meg av, for å undersøke og avdekke hvordan Errol Morris implementerte både eksplisitte og implisitte audiovisuelle virkemidler i den filmatiske diskursen.

In this paper I will analyze the role played by food in the Italian movies and its role in the society. In the first part of the thesis, the analysis will be mostly focused on a linguistic overview on the language of cinema and its linguistic features. The second part will analyse the role of food in anthropology and the influences in shaping the past and the current eating lifestyle. A third part will be dedicated to the analysis of Italian movie making, from the Fascist age until the current years, providing an overview of the different styles and personalities who shaped the art of filmmaking in Italy. The last part of the paper will focus on the joint analysis of the Italian society, the role of the food and their representation in the Italian movies. The analysis will cover some of the major works of art, depicting the Italian society there represented, the role of men and women in the society of the time and how the food is depicted. A side chapter has been added in order to compare the role of food in foreign movies, though the chapter do not take into consideration any linguistic analysis, but just the movies in itself and which part the food plays in the different movies. The aim of the analysis is to show how food has been always a constant representation in Italian art -unlike foreign movies - and how the role of the food changed throughout the years, from simple element of the scene to conveying deeper significances Italian Master's Thesis MAHF-ITAL ITAL350

eingereicht von Dr. Michaela Baur, BEd. (Univ.) Literaturverzeichnis: Blatt 86-91 Paris-Lodron-Universität Salzburg, Masterarbeit, 2018 (VLID)4959221

This thesis examines the concept of real-life mass shootings and its depiction in American fictional cinema. The issue of mass shootings is a highly controversial subject of discussion, both within the public and political sphere, as it necessarily touches upon rigid perceptions of civil liberties – specifically those of the Second Amendment – which further permeates the field of fictional cinema. As opposed to assessing the issue of mass shootings as a product of a prevailing culture of guns, it is to a significant extent reduced to political leverage, a rhetorical weapon aimed to legitimize prevailing attitudes on a political battlefield on which opponents and supporters of one’s individual right to bear arms meet head to head. Moreover, it may be argued that there is a general reluctance to acknowledge the issue of mass shootings as a national concern, particularly when the foundation on which contemporary society is built will have to be scrutinized and examined from different angle. Certain traditional conceptions of the US as a nation may further distort the pathway towards efficiently and constructively deal with a widespread concern that is fundamentally American in nature; the prevailing mentality surrounding the issue of mass shootings thus leaves the idea of progress deadlocked. All things considered, newfound perspectives are necessary, and fictional cinema may prove to be of significant rhetorical value within this context, which constitutes the main argument of the thesis. As of today, the issue remains largely unseen on screen, particularly within the commercial sector, as Hollywood operates within relatively rigid traditional boundaries of expression, both in terms of ideological and financial structures – particularly when mass shootings are to be examined. Yet, attempts have been made within the independent sector. Certain filmmakers are unwilling to allow the acclamation of the second amendment of the Constitution fall in disfavor of the first; some step carefully around the elephant in the room, while others are willing to face it head on. In order to illuminate the sociopolitical value of fictional film and the ways in which aspects of the ongoing debate of mass shootings may be critically examined, Gus Van Sant’s 'Elephant', Lynne Ramsay’s 'We Need to Talk About Kevin' and Tim Sutton’s 'Dark Night' are analyzed. While Ramsay examines the concept of scrutiny and prejudice, Van Sant targets the distortedness of the discourse of mass shootings, and Sutton frames the issue of mass shootings as an inevitable downfall of the cultural status quo, in which guns are assigned the leading role. Masteroppgave i medievitenskap MEVI350 MASV-MEVI

Schröder, Ralf J.: Vom Drama zum Film; Renner, Karl N.: Der Findling. Erzählung und Film

Warum gucken Frauen Chick Flicks? Wenn Melodramen traurig machen, Thriller für Spannung sorgen und Horrorfilme für Angst und Schrecken, welche Schaulust geht dann mit Chick Flicks einher? Was ist der Reiz an Filmen wie „Legally Blonde“ oder „Miss Congeniality“ - Filme, die ausgesprochen schrill und pink sind? Aufgrund der erfolgreichen Protagonistinnen heißt es, Chick Flicks („chick“, Englisch für „Küken“ oder „Tussi“, „flick" Englisch für „Film") sprächen insbesondere Frauen an. Produzieren Chick Flicks also eine weibliche Filmerfahrung? In dem Buch „Chick Flicks. Film, Feminismus und Erfahrung“ erklärt die Filmwissenschaftlerin Sarah-Mai Dang, warum Chick Flicks so erfolgreich sind. Das Genre ist zeitgleich mit dem sogenannten Postfeminismus Mitte der 1990er Jahre entstanden und hat für heftige Diskussionen unter feministischen Medienwissenschaftlerinnen gesorgt. Angesichts der stereotypen Inszenierung von Frauen (High Heels, Minirock und Bikini) wird Chick Flicks einerseits vorgeworfen, antifeministisch und reaktionär zu sein. Andererseits gelten die Filme als ‚frauenfreundlich‘, da sie starke Protagonistinnen präsentieren, die über „agency“, Handlungsmacht, und „choice“, Wahlfreiheit verfügen. Diese gegensätzlichen Wahrnehmungen und politischen Debatten sind Ausgangspunkt dieser Studie, in der die Autorin Chick Flicks als popkulturelles Phänomen untersucht. Anstatt das Genre als gut oder schlecht zu bewerten, geht Sarah-Mai Dang der Frage nach, was Chick Flicks überhaupt sind und warum sie so gerne gesehen werden.

Medienbildung: Studien zur audiovisuellen Kultur und Kommunikation, Band 1, Die hier vorliegende Masterarbeit im Studiengang Medienbildung: Visuelle Kultur und Kommunikation untersucht die Konstruktion von Weiblichkeit sowie die Repräsentation von Frauen im US-amerikanischen Film am Beispiel von Filmen der Schauspielerin Julia Roberts. Dies geschieht im Kontext des Foucault’schen Machtbegriffs. Die Analyse von Frauenbildern in den Filmen ist ein möglicher Zugang, um aufzuzeigen, dass die Konstruktion von Weiblichkeit nicht auf anthropologische Gegebenheiten gestützt werden kann, sondern vielmehr in den Zuweisungen an Weiblichkeit zu finden ist und damit innerhalb von Machtverhältnissen agiert. Bei der Auswahl der Filme handelt es sich um insgesamt 18 Filme, die in einem Zeitraum zwischen 1989 und 2010 entstanden sind und in denen die Schauspielerin Julia Roberts die Hauptrolle besetzt.

Seksualitet er et sentralt tema i norsk ungdomsfilm. Ungdommene i ungdomsfilmene snakker om sex, drømmer om sex og har sex. Ungdomsfilmen er fortellinger om ung seksualitet. I denne masteroppgaven undersøkes hvordan seksualitet fremstilles i norsk ungdomsfilm. Dette er et lite belyst tema. Med tekstanalyse som metode analyseres norske ungdomsfilmer produsert i perioden 2011 til 2014. Hensikten er å undersøke hvordan seksualitet fremstilles for ungdomspublikummet. Hva er seksualitet i norsk ungdomsfilm? Hvilke seksuelle handlinger, relasjoner og utrykk er tilgjenglige i filmmaterialet? Analysen av ungdomsfilmene viser at filmene fremstiller et begrenset handlingsrom for unges utforskning av seksualitet. Ungdomsfilmene konstruerer en seksualitet som er heteronormativ, romantisk motivert og fokusert på konkrete seksuelle handlinger. Heteroseksualitet fremstår som normen for akseptabel seksualitet for unge, mens andre begjærsformer marginaliseres. Samtidig er også uttrykkene for heteroseksualitet i ungdomsfilmene svært begrenset. Fortellinger om seksuelle overgrep har en sentral plass. Ung seksualitet fremstår som en jakt på heteroseksuelt samleie. Den seksuelle utprøvingen som går lengre enn kysset, men som ikke leder til samleie, er så å si fraværende.

Il y a une nouvelle vague de racisme ouvert en France. Cependant, c'est un phénomène avec des racines sociales et historiques complexes. Ce mémoire cherche à comprendre le racisme de deux manières : généralement, aussi bien que spécifiquement à la France. Le centre d'attention principal de cette étude est la psychologie du racisme, comment le racisme fonctionne et ses conséquences, éléments qui sont étudiés à travers l'analyse d'une série de neuf courts-métrages, « Pas d'histoire ! 12 regards sur le racisme au quotidien », créée pour mettre en lumière le problème de racisme en France. La question de savoir si ces films peuvent être une représentation valable et réaliste de la vraie vie ou non est également examiné. Ces deux pistes d'étude sont importantes parce que le racisme est un problème omniprésent mais mal compris, et le film fictif est souvent utilisé comme moyen pour représenter la réalité. Les deux premiers chapitres exposent les contextes sociaux et historiques en détail, le plan de travail et les méthodes et théories fondatrices utilisées dans ce mémoire. Les analyses couvrent les trois chapitres finaux. Le chapitre trois contient les analyses individuelles de chaque courts-métrage. Le chapitre quatre consiste en une analyse comparative des manifestations et des effets du racisme, soutenue par des théories et des études psychologiques. Le chapitre cinq comprend une comparaison des courts-métrages aux théories principales employées, aussi bien qu'une comparaison des courts-métrages à des études factuelles et anthropologiques du racisme en France. Étant donné le centre d'attention de cette étude, elle se sert principalement de sources psychologiques, mais également de sources sociologiques aussi bien que d'articles médiatiques qui couvrent le sujet du racisme en France. Comme elle vise à comprendre le racisme d'un point de vue large aussi bien que distinct à la France, ses résultats sont donc à la fois généraux et spécifiques. Cette étude est importante parce qu'elle identifie des manifestations variées du racisme qui peuvent ne pas être considérées comme délibérées par le responsable. Elle décrit aussi des conséquences négatives du racisme qui peuvent ne pas être bien reconnues. Cela est important parce qu'une compréhension et une connaissance plus profonde pourraient potentiellement entraîner des relations interraciales améliorées. There is a new wave of overt racism in France, yet it is a phenomenon with complex social and historical roots. This thesis seeks to understand racism in two ways: generally, as well as specific to France. The main focus in this study is the psychology behind racism, how racism functions and its consequences, which are explored through the analysis of a series of nine short films created to shed light on the issue of racism in France. Whether or not these films can be a valid, realistic representation of real life is also explored. Both courses of study are important because racism is a pervasive, yet widely misunderstood, problem and fictional film as a medium is often used in order to portray reality. After laying out in depth the social and historical contexts, the course of this study and the foundational theories and methods used in the thesis in the first and second chapters, the analyses span the final three. Chapter three contains individual analyses of the short films. Chapter four consists of a comparative analysis of the manifestations and effects of racism supported by psychological theories and studies. Chapter five includes a comparison of the short films to the primary theories employed, as well as a comparison of the short films to factual and anthropological studies of racism in France. Given the focus of this project, research draws chiefly from psychology sources, but also from sociology as well as media and newspaper articles covering the topic of racism in France. As this study aims to understand racism on a broad level as well as distinct to France, its results are therefore both general and specific. This study is significant because it identifies various manifestations of racism that may not necessarily be considered racist or wrong by the perpetrator. It also describes adverse consequences of racism that may not be well recognized. This is important because a deeper understanding and awareness of these could potentially lead to improved race relations. Master i Fransk MAHF-FRAN FRAN350

In der Praxis der Filmseminare mit Studentinnen und Studenten hat sich gezeigt, dass diese meist nicht über hinreichendes Vorwissen für Filmanalysen verfügen und ihnen auch die Fachbegriffe im Bereich der filmischen Gestaltungsmittel fehlen. Da die Filmanalyse-Seminare allein schon wegen der jedes Universitäts-Zeitraster sprengenden Filmlänge sinnvollerweise als Blockveranstaltungen durchgeführt werden, bekommen die Studenten zur Vorbereitung und als Hilfmittel für eigene Filmanalysen eine grundständige Einführung. Dieses Basiswissen über „Filmsprache und Filmanalyse in der Medienpädagogik“ ist in den letzten zwanzig Jahren immer wieder optimiert worden und wird in der vorliegenden Fassung an der TU Dresden und der Universität Duisburg/Essen eingesetzt. The experience with film seminars for students has shown that these mostly do not dispose of enough foreknowledge for film analyses and they also lack the technical terms of the cinematic means. Since the length of films blows up each university time slot pattern, and therefore the seminars are conducted as block events, the students get an introduction from scratch in an orientation session as basic knowledge and tools for their own film analysis. This basic knowledge of "film language and film analysis in the media education" has been optimized again and again in the last twenty years and is used in the present version at the TU Dresden and the University of Duisburg/Essen., Medienwelten – Zeitschrift für Medienpädagogik, Nr. 3 (2014): Medienpädagogik vorgestellt: Filmbildung und narrative Pädagogik (TU Dresden)

Der Aufsatz beschäftigt sich mit zwei unterschiedlichen Auffassungen von Politik, nämlich jener von Jacques Rancière einerseits und einer allgemein gebräuchlichen andererseits, sowie ihrer kombinierten Verwendung zur Untersuchung politischer Vermittlung im Kino. Ein Zusammendenken zweier divergierender Politikbegriffe, welches zu einer umfassenden Analyse politischer Inhalte beitragen kann. Anhand der beiden Comicverfilmungen THE DARK KNIGHT (USA/GB 2008) und X-MEN: THE LAST STAND (CDN/USA 2006) wird eine solche dann, in prägnanter Form, praktisch umgesetzt. Auf einen Verweis auf die politische Relevanz von Comicverfilmungen wird dabei nicht verzichtet.