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El artículo examina el concepto de “desatino apropiado” en el Quijote de Miguel de Cervantes a partir de las controversias en torno a la verosimilitud, la imaginación y el decoro en las poéticas de la segunda mitad del siglo XVI y los comienzos del siglo XVII. Cervantes propone la posibilidad de un “desatino apropiado”, esto es, una violación aparente del decoro poético que resulta, sin embargo, aceptable desde el punto de vista de esta nueva verosimilitud. Finalmente se estudian algunos casos del Quijote en los que se muestra cómo opera esta categoría en la práctica narrativa cervantina, así como otros ejemplos de desatino que, a nuestro juicio, exceden los límites autoimpuestos de la propiedad. L’article examine le concept de « non-sens approprié » dans le Quichotte de Miguel de Cervantès, à partir des controverses autour de la vraisemblance, de l’imagination et du decorum dans la poétique de la seconde moitié du XVIe siècle et du début du XVIIe siècle. Cervantès propose la possibilité d’un « non-sens approprié », c’est-à-dire d’une violation apparente du decorum poétique, pourtant acceptable du point de vue de cette nouvelle vraisemblance. Enfin, quelques cas du Quichotte sont étudiés, où il est montré comment cette catégorie opère dans la pratique narrative de Cervantès, ainsi que d’autres exemples de non-sens qui, à notre avis, dépassent les limites auto-imposées de la propriété. The article examines the concept of “appropriate nonsense” in Miguel de Cervantes’s Quixote from the controversies surrounding verisimilitude, imagination and decorum in the poetics of the second half of the sixteenth century and the beginning of the seventeenth century. Cervantes proposes the possibility of an “appropriate nonsense”, that is, an apparent violation of poetic decorum that is, however, acceptable from the point of view of this new likelihood. Finally, some cases of the Quixote are studied in which it is shown how this category operates in Cervantes’s narrative practice, as well as other examples of nonsense that, in our opinion, exceed the self-imposed limits of propriety.

El presente artículo trata sobre la mímesis corpórea, técnica creada y desarrollada por LUME Teatro. El objetivo es explicar cómo por medio de esa técnica el actuante encarna poéticamente diferentes estímulos que se encuentran en la vida cotidiana, sean estas personas, imágenes, voces, sonidos, animales o, inclusive, textos o monumentos. Se discuten los conceptos de mímesis, observación y afectación, los cuales se constituyen en la base de esta práctica. A continuación, se describen diferentes experiencias de mímesis corpórea. Finalmente, se llega a la conclusión de que esta técnica es un campo abierto para la exploración actoral que se encuentra en un lugar intermedio entre la creación y el entrenamiento a partir del universo sensible de los artistas que la desarrollan. This article examines corporal mimesis, a technique created and developed by LUME Teatro. The objective is to explain how, with this technique, the performer poetically embodies different stimuli that are found in everyday life, be they people, images, voices, sounds, animals, or even texts or monuments. The concepts of mimesis, observation, and affectation, which form the basis of this practice, are discussed. Then, different experiences with corporal mimesis are described. Finally, it is concluded that this technique is an open field for exploring acting, which is found in an intermediate place between creation and training based on the sensorial universe of the artists who develop it. Cet article traite de la mimésis corporelle, une technique créée et développée par LUME Teatro. L’objectif est d’expliquer comment, à travers cette technique, l’interprète incarne poétiquement différents stimuli que l’on retrouve dans la vie de tous les jours, qu’il s’agisse de personnes, d’images, de voix, de sons, d’animaux et même de textes ou de monuments. Les concepts de mimesis, d’observation et d’affectation, qui forment la base de cette pratique, sont discutés. Ensuite, différentes expériences de mimétisme corporel sont décrites. Enfin, on en conclut que cette technique est un champ ouvert à l’exploration du jeu d’acteur, qui se situe à une place intermédiaire entre la création et la formation à partir de l’univers sensible des artistes qui la développent.

La présente thèse porte sur les récits allégoriques écrits entre 1453 et 1510, qui constituent les derniers représentants directs de l’importante tradition allégorico-narrative popularisée par le Roman de la Rose. Dans la mesure où ils s’ancrent par rapport à un avant et dans l’absence d’un après, ces textes ont développé une poétique tardive qui leur est propre, fondée sur le respect de l’héritage littéraire plus que sur la rivalité, sur la préservation des procédés d’écriture plus que sur leur rénovation. Se dissociant de la filiation critique inaugurée par Jean de Meun, ils renouent ainsi avec les propositions allégorico-narratives non conflictuelles de Guillaume de Lorris, qu’ils honorent par un certain conservatisme. Si l’étude des dernières manifestations d’un genre nécessite, en plus de s’attarder aux considérations poétiques, de replacer les œuvres tardives dans l’histoire littéraire (pour comprendre leur état de postérité et de finalité), il semble que, dans le cas des derniers récits allégoriques, la poétique des textes soit révélatrice de leur positionnement : au-delà des bouleversements culturels du tournant du xvie siècle, le rapport paisible de ces œuvres à leur filiation paraît en effet avoir peu encouragé le renouvellement de la pratique. This thesis focuses on allegorical narratives written between 1453 and 1510, which are the last direct representatives of the important allegorical-narrative tradition popularized by the Roman de la Rose. Insofar as they are anchored in relation to a before and in the absence of an after, these texts have developed a late poetics of their own, based on respect for the literary heritage rather than on rivalry, on the preservation of writing procedures rather than on their renovation. Dissociating themselves from the critical filiation inaugurated by Jean de Meun, they thus revive the non-confrontational allegorical-narrative proposals of Guillaume de Lorris, whom they honor with a certain conservatism. If the study of the last manifestations of a genre requires, in addition to focusing on poetic considerations, placing late works in literary history (to understand their state of posterity and finality), it seems that, in the case of the last allegorical narratives, the poetics of the texts is revealing of their positioning: beyond the cultural upheavals of the turn of the 16th century, the peaceful relationship of these works to their filiation seems to have encouraged little renewal of the practice.

La présente étude se propose d’interroger la notion d’exemplarité dans les Novelas amorosas y ejemplares de María de Zayas (1637), dont le titre peut être lu comme une amplification non dénuée d’opportunisme de la fameuse œuvre cervantine. L’article, en refusant de se limiter au seul examen des dénouements des «maravillas» de l’autrice madrilène, tente de montrer la cohérence de la construction des personnages et, dans certaines nouvelles, la patiente édification d’un sens exemplaire où s’exprime une perspective féminine qui revendique une égalité de facultés et de capacités entre femmes et hommes. This study sets out to interrogate the notion of exemplarity in María de Zayas’s Novelas amorosas y ejemplares (1637), whose title can be read as an opportunistic extension of Cervantes’s famous work. Far from limiting itself to the study of the outcomes of the «maravillas» of the author, the article attempts to show the coherence of the construction of the characters and, in some novels, the patient construction of an exemplary sense in which a feminine perspective is expressed that claims an equality of potencies and capacities between Women and Men. El presente estudio se propone interrogar la noción de ejemplaridad en las Novelas amorosas y ejemplares de María de Zayas (1637), cuyo título se puede leer como una ampliación oportunista de la famosa obra cervantina. Lejos de ceñirse al estudio de los desenlaces de las «maravillas» de la autora madrileña, el artículo procura mostrar la coherencia de la construcción de los personajes y, en algunas novelas, la paciente edificación de un sentido ejemplar en el que se expresa una perspectiva femenina que reivindica una igualdad de potencias y capacidades entre mujeres y hombres.

En la segunda parte de esta serie de estudios, propondremos un foco en la complementariedad entre trama formular y trama narrativa en el Setenario de Alfonso X el Sabio para determinar las especificidades de esta codificación única e inédita del discurso jurídico alfonsí. Dans la seconde partie de cette série d’études, nous proposerons de nous intéresser à la complémentarité entre trame formulaire et trame narrative dans le Setenario d’Alphonse X le Savant afin de déterminer les spécificités de cette codification unique et inédite du discours juridique alphonsin. In the second part of this set of studies, we will focus on the complementarity between discursive framework and narrative framework in Alfonso X the Wise’s Setenario in order to determine the particularities of this unique and unprecedented codification of the alphonsine juridical discourse.

Dans cet article on étudie la composition et le style des métaphores nautiques dans les odes «Vida retirada», «Al apartamiento» et «A nuestra Señora» de fray Luis de León pour mettre en évidence la qualité poétique de ses créations. L’analyse textuelle est complétée par l’observation des critères philologiques par lesquels l’auteur aborde les textes bibliques et spécialement le In Cantica Canticorum Salomonis explanatio, où sont manifestées ses compétences en matière de rhétorique, de poétique et où il est fait grand cas de l’evidentia comme forme de style privilégié de la poésie. On montre que l’evidentia est la référence et la ligne directrice des tableaux nautiques du poète salmantin, par laquelle sont posés des principes de composition qui font le style de cet auteur. Finalement l’article se penche sur les raisons de l’intérêt de fray Luis pour ces métaphores. This paper analyzes the composition and style of the nautical metaphors of the odes «Vida retirada», «Al apartamiento» and «A nuestra Señora» by fray Luis de León, in order to study the poetic prowess with which he builds them. The analysis is complemented by an observation of the philological criteria with which the author studies the biblical texts, especially in In Cantica Canticorum Salomonis explanatio, where he shows his mastery of rhetoric and poetic questions and exalts the evidentia as a main form of style in poetry. The paper proposes that the evidentia is the expressive guideline of the marine scenes of fray Luis and that it reaches quite developed compositional principles and stylistic forms. It also asks about the special interest of Fray Luis in navigation metaphors. El presente artículo analiza la composición y el estilo de las metáforas náuticas de las odas «Vida retirada», «Al apartamiento» y «A nuestra Señora» de fray Luis de León, con el fin de estudiar la destreza poética con que las plantea. El análisis se complementa con una observación de los criterios filológicos con que el autor estudia los textos bíblicos, especialmente en In Cantica Canticorum Salomonis explanatio, donde muestra su dominio de cuestiones de retórica y poética y exalta la evidentia como forma de estilo principal para la poesía. Se propone que la evidentia es la directriz expresiva de los cuadros náuticos del poeta salmanticense, con la cual alcanza principios compositivos cristalizados en pautas de estilo. A partir de esto, se reflexiona sobre las razones del especial cuidado e interés de fray Luis en dichas metáforas.

Este artículo analiza cómo se opera la interpolación y qué funciones tiene en las dos obras de Tirso de Molina Cigarrales de Toledo y Deleytar aprovechando. Así, a partir de un análisis de los textos preliminares (dedicatorias e introducciones) y de las técnicas de inserción dentro de la trama principal que emplea Tirso, intenta mostrar que la interpolación viene a ser un recurso eficaz para expresar, concretar o ejemplificar las ideas estéticas del mercedario en cuanto al acto de novelar o sea una verdadera poética. Cet article analyse comment s’opère l’interpolation et quelles fonctions elle possède dans les deux oeuvres de Tirso de Molina Cigarrales de Toledo et Deleytar aprovechando. C’est ainsi qu’à partir d’une analyse des textes préliminaires (dédicaces et introductions) et des techniques d’insertion dans la trame principale employées par Tirso, il essaie de montrer que l’interpolation devient un procédé efficace pour exprimer, concrétiser ou exemplifier les idées du mercédaire quant à l’acte de « novelar » c’est-à-dire une véritable poétique. This article analyzes how interpolation works and what functions it has in the two works by Tirso de Molina Cigarrales de Toledo and Deleytar aprovechando. Thus, starting from an analysis of the preliminary texts (dedications and introductions) and the techniques of insertion in the main plot used by Tirso, it tries to show that interpolation becomes an efficient process to express, to give concrete expression to or to exemplify the Mercederian monk’s ideas about the act of “novelar”, that is to say, true poetics.

Dans Lejos de Roma (2008) l’écrivain colombien Pablo Montoya imagine, à la première personne, dans un récit apocryphe, ce qui constitue une espèce de journal intime de Publius Ovidius Naso, écrit au cours des années d’exil à Tomes, aux confins d’un empire dont le poète saisit le délitement. Montoya, dans les fragments qui constituent ce texte, élabore une poétique des frontières. Politiques, historiques, culturelles ou linguistiques, les frontières traversent le sujet ovidien, qui peu à peu, dans un itinéraire de régénération, parvient à reconquérir depuis les limites de la condition humaine sa capacité métamorphique, et à faire de la frontière un limes créatif, et de son corps un limen, comme lieu privilégié de subjectivation et d’interaction. En Lejos de Roma (2008) el escritor colombiano Pablo Montoya imagina, en primera persona, a lo largo de un relato apócrifo, lo que constituye una especie de diario íntimo de Publio Ovidio Nasón, redactado en el transcurso de su exilio en Tomes, en los confines de un Imperio de cuyo desmoronamiento es testigo. Montoya, en los fragmentos que constituyen ese texto, va elaborando una poética de la frontera. Políticas, históricas, culturales o lingüísticas, las fronteras cruzan el sujeto ovidiano, que paulatinamente conoce un proceso de regeneración que lo lleva a reconquistar, desde los límites de la condición humana, su capacidad metamórfica, con la que hace de la frontera un limes creador y de su cuerpo un limen, como un lugar privilegiado de subjetivación e interacción.

El presente artículo desarrolla el análisis de la relación analógica entre la alquimia y la emoción-pasión que se da de manera implícita en Feux y en Les charités d’Alcippe, de Marguerite Yourcenar. La doble materia prima de la alquimia –física y espiritual– le permite convertirse en modelo de esa conmoción de la materia viva que también se manifiesta como fenómeno psíquico y como pensamiento. La emoción-pasión se constituye –según sus teorías más recientes– entre preconsciencia y cognición, y el opus nigrum es la fase cuya descripción conviene a esa indecisa zona. Un mismo anclaje en el cuerpo demandan la alquimia de la carne y la alquimia del verbo rimbaldiana: de ahí que la poesía sea reconocida como lenguaje natural por esos saberes preconscientes o herméticos reacios al lenguaje conceptual. This paper develops the analysis of the analogical relation between the alchemy and the emotion-passion that occurs implicitly in Feux and Les charités d’Alcippe, by Marguerite Yourcenar. The double raw material of alchemy –physical and spiritual– allows it to become a model of that commotion of living matter that also manifests itself as a psychic phenomenon and as a thought. Emotion-passion takes place –according to its most recent theories– between pre-consciousness and cognition, and opus nigrum is the phase whose description suits that indecisive zone. The alchemy of the flesh and the alchemy of the verb –by Rimbaud– demand the same anchoring in the body: hence poetry is recognized as a natural language by those pre-conscious or hermetic knowledges that are reluctant to conceptual language. Cet article développe l’analyse de la relation analogique entre l’alchimie et l’émotionpassion qui se présente de manière implicite dans Feux et Les charités d’Alcippe, de Marguerite Yourcenar. La matière première de l’alchimie –physique et spirituelle– lui permet de devenir le modèle de ce bouleversement de la matière vivante se manifestant également comme mène psychique et comme pensée. L’émotion-passion se constitue –selon ses théories les plus récentes– entre préconscience et cognition, et l’œuvre au noir est la phase dont la description convient une telle zone indécise. Le même ancrage au corps est demandé dans l’alchimie de la chair et dans l’alchimie du verbe rimbaldienne: de là que la poésie soit reconnue comme langage naturel par ces savoirs préconscients ou hermétiques qui refusent le langage conceptuel.

This text presents traces of construction of a Poetics, whose purpose is to develop a Re-Vision of the Brazilian Theater in five key moments. To do so, it is sought to establish a scene of origin, outlined from the encounter – impregnated with attraction and repulsion – that takes place in Colonial Brazil, from the 16th Century, between Amerindian and European civilizations. Two metaphysics and forms of expression thus form the intensive and pantheatrical basis of a Poetics that projects a notion of Brazilian theater in a constant state of struggles of perspectives, symbolized, in its origins, by two anthropophagic interdevouring mouths: the mercantilist Christian eucharist and the Amerindian cosmopolitics., Ce texte présente une ébauche de construction d’une Poétique, dont le but est de faire une Re-vision, en cinq moments clés, du Théâtre Brésilien. Pour ce faire, nous cherchons à établir une scène d’origine, décrite à partir de la rencontre – imprégnée d’attraction et de répulsion – qui se déroule au Brésil, à partir du XVIe siècle, entre les civilisations amérindiennes et européennes. Deux métaphysiques et formes d’expression forment ainsi la base intensive et panteatrale d’une poétique qui projette une notion de théâtre brésilien dans un état constant de luttes de perspectives, symbolisées, à l’origine, par deux bouches anthropophages: l’eucharistie chrétienne mercantiliste et la cosmopolitique amérindiennes., Primeiro momento-chave - o período colonial - de uma releitura do Teatro Brasileiro a partir de uma Poética Antropofágica Perspectivística Xamânica. Definição dos termos dessa Poética com base em uma cena de origem, que se dá no século XVI, no espaço geopolítico aonde se configurará uma ideia de nação brasileira: o encontro entredevorante de duas civilizações antropofágicas: a eucarística ocidental católica e a ritualística ameríndia tupinambá.

Cet article propose une réflexion méthodologique qui fait dialoguer certains aspects de la pensée de Gérard Genette (la fictionalité, la littérarité, le paratexte, la distinction entre les poétiques fermées et ouvertes) dans Fiction et Diction (1991), Seuils (1987) et « Vraisemblance et motivation » (1969) avec la littérature médiévale de langue française, en examinant plus précisément le problème du développement d’une poétique fictionnelle pour les fabliaux, récits brefs composés de la fin du xiie au début du xive siècle. Il vise à fournir des éléments de réponse aux deux questions suivantes : que peut faire Genette pour les fabliaux et en quoi la participation de la littérature médiévale aux entreprises critiques et théoriques modernes est-elle pertinente ? Nous favorisons le croisement des poétiques fermées et ouvertes décrites par Genette pour recourir à une méthode qui préserve l’altérité des fictions médiévales que sont les fabliaux et qui ouvre des voies à l’interprétation de ces textes que les chercheurs ont longtemps voulu laisser du côté du documentaire. Ainsi la littérature médiévale apparaît moins comme un écran sur lequel projeter des théories modernes qu’une véritable interlocutrice dans les discussions – toujours actuelles – sur la fiction. This paper offers a methodological reflection which brings into dialogue some aspects of Gérard Genette’s thought (fictionality, literariness, paratext, the distinction between “closed” and “open” poetics) in Fiction et Diction (1991), Seuils (1987), and “Vraisemblance et motivation” (1969) and medieval French literature, by examining more precisely the problem of the development of a fictional poetics for fabliaux, short narratives composed from the end of the 12th to the beginning of the 14th century. It aims to provide answers to the two following questions: what can Genette do for the fabliaux and in what ways is the participation of medieval literature in modern critical and theoretical works relevant? We foster the combination of “closed” and “open” poetics described by Genette to use a method which preserves the alterity of medieval fictions such as fabliaux and creates new interpretative paths for these texts that researchers have long wanted to read as documentary sources. Medieval literature thus appears less as a screen on which to project modern theories than as a real interlocutor in the still current discussions on fiction. Questo articolo propone una riflessione metodologica che mette in dialogo con la letteratura medievale francese alcuni aspetti del pensiero di Gérard Genette (la finzionalità, la letterarietà, il paratesto, la distinzione tra poetiche chiuse e aperte) in Fiction et Diction (1991), Seuils (1987) e "Vraisemblance and Motivation" (1969), esaminando più specificamente il problema dello sviluppo di una poetica finzionale per i fabliaux, brevi racconti composti dalla fine del XII all’inizio del XIV secolo. Esso mira a fornire risposte alle seguenti due domande: cosa può fare Genette per i fabliaux e come è rilevante la partecipazione della letteratura medievale nei moderni sforzi critici e teorici? Privilegiamo l’intersezione delle poetiche chiuse e aperte descritte da Genette per utilizzare un metodo che preservi l’alterità delle finzioni medievali che sono i fabliaux e che apra vie di interpretazione di questi testi che gli studiosi hanno voluto a lungo lasciare dalla parte del documentario. Così la letteratura medievale appare meno come uno schermo su cui proiettare le teorie moderne che come un vero interlocutore nelle discussioni - ancora attuali - sulla narrativa.

Conducted in Lisbon on the occasion of the launch of the Portuguese translation of The Names of History: On the Poetics of Knowledge [Les Mots de l’histoire. Essai de poétique du savoir] (As palavras da História. Ensaio de poética do saber, Unipop, 2014), this interview with Jacques Rancière asks the author about the ways in which this book is part of an intellectual trajectory in which an understanding of the gaps produced by emancipatory practices has been coupled with an identification of the gaps with the disciplinary schemas of history and philosophy., Réalisé à Lisbonne à l’occasion du lancement de la traduction portugaise de Les Mots de l’histoire. Essai de poétique du savoir (As palavras da História. Ensaio de poética do saber, Unipop, 2014), cet entretien avec Jacques Rancière interroge l’auteur sur les manières dont ce livre s’inscrit dans une trajectoire intellectuelle dans laquelle la compréhension des écarts produits par les pratiques d’émancipation s’est doublée d’un repérage des écarts avec les schémas disciplinaires de l’histoire et de la philosophie., Realizada em Lisboa por ocasião do lançamento da tradução portuguesa de Les Mots de l’histoire. Essai de poétique du savoir (As palavras da História. Ensaio de poética do saber, Unipop, 2014), esta entrevista com Jacques Rancière pergunta ao autor sobre as formas como este livro faz parte de uma trajectória intelectual em que uma compreensão das lacunas produzidas pelas práticas emancipatórias foi associada a uma identificação das lacunas com os esquemas disciplinares da história e da filosofia.

Le présent article étudie la première série de représentations de Les Frères de Joost van den Vondel, à Amsterdam, en 1641. L’œuvre met en scène la déchirante décision que le roi David doit assumer pour se plier à la volonté divine : ratifier les exécutions des fils et des petits-fils de Saül. En faisant représenter Les Frères, Vondel mettait en pratique une diffusion de la parole de Dieu la plus profonde et la plus respectueuse possible, tout en évitant de montrer explicitement les exécutions. En lieu et place de la cruauté pure, il a eu recours à divers mécanismes dramatiques et visuels, et surtout au tableau vivant, destinés à créer chez le spectateur des images mentales frappantes et à créer la plus grande empathie avec le roi David. La pratique expérimentale de Vondel présente d’évidentes ressemblances avec les théories contemporaines sur le théâtre. Un ami de Vondel, Gerardus Vossius, introduisit dans sa poétique un débat sur l’effet irrésistible des spectacles dramatiques sur les spectateurs. En s’appuyant sur le traité Du sublime de Longin, Vossius établit une différence entre l’effet momentané de la représentation de la cruauté explicite, et l’effet durable de notre imagination. Le tableau vivant dans Les Frères de Vondel offre ainsi un point de vue privilégié pour étudier la pratique théâtrale en regard des débats théoriques sur l’effet du spectacle, au cœur du Siècle d’or hollandais. This article discusses the first series of performances of Joost van den Vondel’s Brothers in Amsterdam in 1641. The drama focuses on the heart-rending decision king David has to take to follow God’s will to ratify the executions of Saul’s sons and grandsons. With the staging of Brothers Vondel made an experiment in spreading the Word of God as profoundly, but also as respectfully as possible. He avoids showing the executions explicitly. Instead he uses diverse dramatic and visual means and most prominently a tableau vivant to urge the theatre-goers to create strong mental images and thus to empathize maximally with David. Vondel’s experiment in theatre practice has striking parallels with theatre theory of the same period. In his poetics Vondel’s close friend Gerardus Vossius initiates modern discussion on the overwhelming effect of dramatic performances. With the help of Longinus’s On the Sublime Vossius makes a distinction between the ‘cheap’ momentary effect of staging explicit cruelties and the long-lasting effect of our imagination. By placing a tableau vivant in the performance of Brothers at the center of attention we get a privileged view on theatre practice and related theoretical discussion on the effect of the dramatic performance in the Dutch Golden Age. Este artículo estudia la primera serie de representaciones de Los Hermanos de Joost van den Vondel, en Ámsterdam, en el año 1641. La obra se centra en la desgarradora decisión que el rey David debe asumir para someterse a la voluntad divina y ratificar las ejecuciones de los hijos y nietos de Saúl. Con la representación de Los Hermanos, Vondel experimentaba una difusión de la palabra de Dios lo más profunda y respetuosa posible, evitando mostrar las ejecuciones de manera explícita. En lugar de ello, recurre a distintos mecanismos dramáticos y visuales, y ante todo al cuadro vivo para crear en el espectador impactantes imágenes mentales y llevarle así a empatizar al máximo con David. Esta práctica experimental de Vondel presenta claros paralelismos con teorías coetáneas del teatro. Un amigo de Vondel, Vosio (Gerardus Vossius), inicia en su poética un debate sobre el efecto irresistible de los espectáculos dramáticos en los espectadores. Basándose en el tratado De lo sublime de Longino, Vosio distingue por una parte el efecto momentáneo de la representación de la crueldad explícita y por otra el efecto duradero de nuestra imaginación. El cuadro vivo en Los Hermanos de Vondel ofrece así un punto de vista privilegiado para estudiar la práctica teatral junto con los debates teóricos sobre el efecto del espectáculo teatral en plena Edad de Oro holandesa.

Dans cet essai, je discute des possibilités méthodologiques pour réaliser des recherches, en utilisant les processus créatifs dans les arts comme référence. Comment valoriser l’expérimentation, les notes sur les travaux en cours, les éclats de vie, sans perdre la rigueur du débat théorique, ni le regard attentif sur les urgences éthiques et politiques du présent? Avec le soutien de Foucault, Hadot, Benjamin, je discute des sujets du travail de Kiarostami, Clarice Lispector, Italo Calvino et Pina Bausch. Avec ces exemples et d’autres, y compris le compte rendu d’une recherche en cours, je propose des moyens de raisonner poétiquement pour s’approprier sans peur de ce que les différents arts enseignent. Neste ensaio, discute-se a possibilidade metodológica de realizar pesquisas, tendo como referência processos criativos em artes. A pergunta é: como valorizar a experimentação, as anotações do trabalho em curso, o registro dos lampejos de vida, sem perder o rigor do debate teórico, nem o olhar atento sobre urgências, éticas e políticas do presente? Com o apoio em Foucault, Hadot, Benjamin, entre outros, percorrem-se tópicos da obra do cineasta Kiarostami, de Clarice Lispector, do escritor Italo Calvino e da coreógrafa Pina Bausch. Com esses e outros exemplos, inclusive com o relato do percurso de uma pesquisa, propõem-se modos de raciocinar poeticamente, com a apropriação sem medo daquilo que ensinam diferentes artes. This essay discusses methodological possibilities for conducting research using creative artistic processes as references. I ask: how can experimentation be valued, as well as notes of works in progress, and registers of flashes from life, without losing the rigor of theoretical discussions or an attentive look at urgent ethical and political needs of the present? Supported by Foucault, Hadot, Benjamin and others, I discuss topics from the work of Kiarostami, Clarice Lispector, Italo Calvino, and Pina Bausch. With these and other examples, including comments on a study in progress, I propose ways of reasoning poetically by fearlessly appropriating lessons from the arts.

Convocar marbetes como «novela» o «parodia de libros de caballerías» es tan natural que pocas veces nos fijamos en la tradición narrativa en la cual se situaba El ingenioso hidalgo don Quijote de la Mancha. Este artículo propone recuperar la vena jocoseria y los textos fundamentales de Luciano que hicieron posible la ficción de Cervantes. Sin atar el libro de 1605 al género de la sátira menipea, sí lo define como libro menipeano. La adaptación alemaniana (Primera parte de Guzmán de Alfarache) de la fórmula lucianesca vieja (Historia verdadera, El sueño) y nueva (Segunda parte del Lazarillo, Crotalón) no podía satisfacer a Cervantes : desde esta perspectiva de historia literaria, el Quijote constituye una propuesta narrativa alternativa de prosa menipeana., Using categories such as “novel” or “parody of tale of chivalry” is such a common thing that we rarely consider the narrative tradition within which El ingenioso hidalgo don Quijote de la Mancha fell. This article comes back to the jocoseria inspiration and those among Lucien’s fundamental texts which made it possible for Cervantes’s fiction to emerge. Without locking his 1605 text in the Menippean satire genre, Cervantes defines it as a Menippean book. Cervantes could not be satisfied with the adaptation by Mateo Alemán (Primera parte de Guzmán de Alfarache) of the old Lucianesque formula (Historiaverdadera, El sueño) nor of the short story (Segunda parte del Lazarillo, Crotalón). Envisaged from such a perspective of literary history, the Quijote becomes an alternative to the narrative proposition of Menippean prose.

espanolEste trabajo desarrolla una primera reflexion sobre la reformulacion de la nocion de verosimilitud que Cervantes lleva a cabo en el Quijote. Cervantes rechaza una verosimilitud limitada a la estricta imitacion del mundo real en pro de una verosimilitud fundada en la coherencia interna de una narracion liberada de las limitaciones de la verosimilitud referencial, y, capaz por tanto, de integrar lo maravilloso. Veremos en este trabajo como Cervantes recupera para ello la dimension ecfrastica de la narracion que el Renacimiento habia heredado de la retorica antigua para asegurar asi una descripcion que suscita de manera eficaz la adherencia del lector francaisCe travail developpe une premiere mise au point sur la reformulation de la notion de vraisemblance que Cervantes mene a bien dans le Quichotte. Il s’agit pour Cervantes de refuser une vraisemblance limitee a la stricte imitation du monde reel au profit d’une vraisemblance qui repose sur la coherence interne d’un recit affranchi des contraintes de la vraisemblance referentielle et capable des lors d’integrer le merveilleux. Nous verrons dans ce travail comment Cervantes recupere pour ce faire la dimension ekphrastique du recit dont la Renaissance avait herite de la rhetorique antique pour aboutir a une description qui ne manque pas de susciter l’adhesion du lecteur.

La mémoire littéraire retient de don Quichotte sa propension aux affabulations. La convergence avec Dorante, le menteur de Corneille dans sa pièce éponyme, réside dans la réversibilité affichée par le personnage entre les deux parties du roman de Cervantès : le chevalier, sur la voie du désabusement, revendique le primat du réel tout comme Dorante converti à la sincérité entre Le Menteur et La suite du Menteur. Cette réminiscence ainsi que la spécularité entre les pièces, introduit la dimension métalittéraire du propos. La filiation entre ces deux personnages en quête de vérité installe un questionnement sur l’efficacité paradoxale du mensonge pour mieux affirmer le choix d’un scepticisme propre à la pensée baroque. La memoria literaria recuerda de don Quijote su propensión a las fabulaciones. La convergencia con Dorante, el mentiroso de Corneille en su pieza epónima, reside en la reversibilidad mostrada por el personaje entre las dos partes de la novela de Cervantes: el caballero, ya desengañado, reivindica la primacía de la realidad, como Dorante se vuelve sincero entre Le Menteur y La suite du Menteur. Esta reminiscencia, así como la especularidad entre las dos piezas, introduce la dimensión metaliteraria del propósito. La filiación entre estos dos personajes en busca de la verdad instala un cuestionamiento sobre la efectividad paradójica de la mentira para afirmar mejor la elección de un escepticismo propio del pensamiento barroco.

International audience; Pursuing its project of an annotated translation of the Pindar Scholia, the ISTA team offers, in this second volume, an extended commentary to the scholia to the Second Olympic. It follows the text established by A.B. Drachmann, while allowing itself to introduce a few corrections, and takes guidance from the work of scholars of Pindar and the Scholia, with a view to account for the scholiasts’ sensitivity to the polysemic character of Pindar’s poetry, their desire to adopt multiple approaches through various critical methods, and their careful record of the different interpretations proposed on the text.; Continuando con su trabajo de traducción comentada de los escolios a Píndaro, el equipo del ISTA presenta en este segundo volumen el texto, la traducción y un comentario desarrollado de los escolios a la segunda Olímpica. Siguiendo el texto establecido por A. B. Drachmann, esta traducción, que no se inhibe a la hora de aportar algunas correcciones y que se ve guiada por el trabajo de los especialistas de Píndaro y de los escolios, procura dar cuenta de la sensibilidad de los escoliastas respecto a la polisemia de la poesía pindárica, de su voluntad de multiplicar las aproximaciones según diversos métodos críticos y de su cuidado por referir las diferentes interpretaciones propuestas a propósito del texto.; Poursuivant son travail de traduction commentée des scholies à Pindare, l’équipe de l’ISTA présente dans ce deuxième volume le texte, la traduction et un commentaire développé des scholies à la deuxième Olympique. Suivant le texte établi par A. B. Drachmann sans s’interdire d’y apporter quelques corrections et guidée par les travaux des spécialistes de Pindare et des scholies, elle s’efforce de rendre compte de la sensibilité des scholiastes à la polysémie de la poésie pindarique, de leur volonté d’en multiplier les approches selon diverses méthodes critiques, et de leur soin à rapporter les différentes interprétations émises sur le texte.

El bien y el mal de las ciencias humanas, publié à Paris en 1626 par Juan Lerín García, est un ouvrage qui s’inscrit dans le courant d’opposition à l’art poétique de l’époque. Sa finalité didactique et morale sur le sujet de l’usage des poètes classiques est inspirée, jusqu’à un plagiat assumé et direct, de l’Apología contra los que reprehenden el uso de las humanas letras en los sermones y comentarios de la Santa Escritura du cistercien Lorenzo de Zamora. El bien y el mal de las ciencias humanas, published in Paris in 1626 by Juan Lerín García, belongs to the known negative current towards the poetic art. Its didactic and moral purpose, in relation to the use of classical poets, allows to establish a conscious and direct plagiarism of the Apología contra los que reprehenden el uso de las humanas letras en los sermones y comentarios de la Santa Escritura of the Cistercian Lorenzo de Zamora. El bien y el mal de las ciencias humanas, publicado en París en 1626 por Juan Lerín García, se inscribe en la conocida corriente negativa hacia el arte poética de la época. Su finalidad didáctica y moral en relación con el uso de los poetas clásicos permite la hereda, a través de un plagio consciente y directo de la Apología contra los que reprehenden el uso de las humanas letras en los sermones y comentarios de la Santa Escritura del cisterciense Lorenzo de Zamora.

Dans l’épilogue de Don Quichotte, Cervantès découvre pour la première fois son désir qu’une poétique nouvelle, la sienne, clôture la poétique des romans chevaleresques. Pour cela il crée un ensemble d’instruments qui sapent une équation topique de son époque (écriture égale vérité), ce qui conduit à faire du lecteur crédule un lecteur critique et ouvre la porte au roman moderne. L’un de ces instruments, et pas le moins important, est la récupération de l’art ancien de la voix, qui disparaissait de l’écriture au moment même où la lecture vocalisée se transformait en lecture oculaire ou silencieuse. L’art de la voix dans le Quichotte est repérable dans un ensemble de didascalies qui, en contrôlant l’actio de la lecture sonore —encore prédominante dans la première moitié du xviie siècle—, guident la réception des auditeurs. Ces didascalies concernent des aspects phoniques de la voix, le volume, diverses tonalités dramatiques, des techniques qui rendent perceptibles la médisance ou les soliloques des personnages ou bien encore la façon de lire qui pousse l’hidalgo de La Manche vers la folie. Dans tous les cas, l’actio de la voix resémantise l’écriture, ce qui est particulièrement important par rapport aux trois avatars du protagoniste (Quejana/ Don Quichotte/Alonso Quijano). In the epilogue of Don Quixote, for the first time Cervantes discovers his desire for a new poetics, his own, to conclude the poetics of the chivalric romance novels. For this, he creates a set of resources that undermines a topical equation of his time (writing equals truth), which propitiated the conversion of the gullible reader into a critical reader and the advent of the modern novel. One of the resources, not the least important, was the recovery of the millenary art of voice which was fading away both in writing and in the transformation of vocalized reading into ocular or silent reading. The art of voice in Don Quixote is ciphered in a corpus of didascalias which when in control of the resonant reading’s actio —still prevailing in the first half of the 17th century— guides the listener’s reception. These didascalias encompass phonic aspects of the voice, volume, various dramatic tonalities, pronunciation techniques that make intelligible evil-speaking or the characters’ soliloquies or the way of reading that leads the Manchegan knight to madness. In the performed analyses, case by case, the actio of the voice recreates the writing semantics, which gains special importance by dealing with the three avatars of the protagonist (Quejana/don Quijote/Alonso Quijano). En el epílogo del Quijote Cervantes descubre por primera vez su deseo de que una poética nueva, la suya, clausure la poética de las novelas caballerescas. Para ello crea un conjunto de recursos que socavan una ecuación tópica de su época (escritura igual a verdad), lo cual propició la conversión del lector crédulo en lector crítico y el advenimiento de la novela moderna. Uno de esos recursos, y no el menos importante, es la recuperación del milenario arte de la voz que iba desvaneciéndose en la escritura tanto como la lectura vocalizada se transformaba en ocular o silenciosa. El arte de la voz en el Quijote se cifra en un corpus de didascalias que al controlar la actio de la lectura sonora —todavía preponderante en la primera mitad del siglo xvii— guían la recepción de los oyentes. Dichas didascalias abarcan aspectos fónicos de la voz, el volumen, variadas tonalidades dramáticas, técnicas de pronunciación que hacen inteligibles la maledicencia o los soliloquios de los personajes o la manera de leer que conduce al hidalgo manchego a la locura. En los análisis realizados, caso por caso la actio de la voz resemantiza la escritura, lo que cobra especial importancia tratándose de los tres avatares del protagonista (Quejana/don Quijote/Alonso Quijano).

La perenne crisis económica que vive América Latina afecta de manera diferente a las mujeres, quienes a la par que un cuarto propio, como reclamara Virginia Woolf, necesitan tiempo para la escritura. Varios de los poemas de la ya extensa obra de Rocío Silva Santisteban (1963) abordan el tema de la precariedad económica: cuando los precios suben, el dinero se acaba antes del fin de mes y el sujeto poético anhela sólo un instante de inspiración para escribir. La escritura se pelea con la subsistencia, con las responsabilidades maternales, con el hambre, aunque otras veces la escritura, su imposibilidad, es simplemente otro rasgo de pobreza. Tomando este hilo conductor intento hacer un análisis de la precariedad económica en aquellos poemas que funcionan como poéticas, desde “Sudando el dolor ajeno” de su primer libro Asuntos circunstanciales (1984), hasta “Tiempos de carencia” de Las hijas del terror (2007), su poemario más reciente, para analizar cómo el factor económico es un punto medular del hacer poético. La constante crise économique en Amérique Latine a des effets différents sur les femmes, lesquelles ont besoin de temps pour l’écriture ainsi que d’une chambre à soi, comme celle revendiquée par Virginia Wolf. Plusieurs poèmes de la vaste production de Rocío Silva Santisteban (1963) traitent de la précarité économique des femmes : lorsqu’il y a des urgences matérielles et que l’argent manque avant la fin du mois, le sujet poétique féminin de Silva Santisteban ne peut aspirer qu’à un bref moment d’inspiration pour écrire. L’écriture d’un tel « sujet » entre en conflit avec la recherche de la subsistance quotidienne, les responsabilités maternelles, la faim, même si, parfois, l’écriture, ou plutôt son impossibilité, n’est qu’un autre trait de la pauvreté. C’est en partant de ce fil conducteur que nous analyserons la précarité économique dans des poèmes de Silva Santisteban qui fonctionnent comme des « poétiques » singulières, tels que “Sudando el dolor ajeno” issu de son premier livre, Asuntos circunstanciales (1984) jusqu’à “Tiempos de carencia” de Las hijas del terror (2007), son recueil le plus récent. Nous observerons comment le facteur économique constitue un aspect médullaire dans la fabrique et l’exercice poétique. The constant economic crisis in Latin America has a special effect on women who, in addition to a room of their own demanded by Virginia Woolf, need time to write. Many poems in the extensive literary work of Rocío Silva Santisteban (1963) confront this economic precarity: when prices increase and the money runs out before the end of the month, the poetic subject longs for an inspirational moment to write. Writing is set in opposition to the struggle for subsistence, to maternal responsibilities, to hunger, and at other times the impossibility of writing is simply another characteristic of poverty. Following this thread, I analyze the theme of economic precarity in those poems that function as ars poetica. From “Sudando el dolor ajeno” in Silva Santisteban’s first book Asuntos circunstanciales (1984) through “Tiempos de carencia” in Las hijas del terror (2007), her most recent poetry book, I show how these economic concerns are essential components of the poetic labor.

En septiembre de 2015 se estrenó en la televisión argentina la serie “Historia de un Clan”, dirigida por Luis Ortega. La misma trató sobre los hechos ocurridos en el denominado Clan Puccio durante los años 1982 y 1985. Su director trabajó desde una composición narrativa que superó la crónica de los acontecimientos y se posicionó, a partir de un ordenamiento estético y dramático propio para encontrar una revelación que ha desafiado el orden ideológico. La televisión, el campo audiovisual, es el medio que le permitió a Ortega expresar la existencia de los sucesos reales en la complejidad de un tiempo histórico, una materialidad cultural y una realidad subjetiva que expresó las contradicciones de una crisis., In September 2015 the series “Historia de un Clan”, directed by Luis Ortega, premiered on Argentine television. On the events that took place in the so-called Clan Puccio, which took place between 1982 and 1985. The director worked from a narrative composition that overcomes the chronicle of events and positions himself from an aesthetic and dramatic order, to find a revelation that challenges the ideological order. Television, the audiovisual field, is the medium that allows Ortega to express the existence of real events in the complexity of a historical time, a cultural materiality and a subjective reality that expresses the contradictions of a crisis., Em setembro de 2015, a série “Historia de un Clan”, dirigida por Luis Ortega, estreou na televisão argentina. Sobre os acontecimentos ocorridos no chamado Clan Puccio, que ocorreu entre 1982 e 1985. O diretor trabalha a partir de uma composição narrativa que supera a crônica dos eventos e se posiciona a partir de uma ordem estética e dramática, para encontrar uma revelação que desafia a ordem ideológica. A televisão, o campo audiovisual, é o meio que permite à Ortega expressar a existência de eventos reais na complexidade de um tempo histórico, uma materialidade cultural e uma realidade subjetiva que expressa as contradições de uma crise., Facultad de Periodismo y Comunicación Social

La frontière constitue un concept aporétique, entre clôture et passage. L’ayant d’abord considérée dans sa relation au territoire et à l’espace historique, social et politique, je m’intéresse plus particulièrement à sa traduction symbolique dans la littérature et aux significations culturelles qu’elle revêt dans diverses aires linguistiques. Cet article synthétise les résultats de deux projets de recherche successifs qui abordent la représentation de la frontière dans la littérature hispano-américaine, sud-africaine et française et son rapport avec l’élaboration du discours historique et des récits de mémoire. La frontera constituye un concepto aporético, entre clausura y pasaje. Luego de haberla considerado en su relación al territorio y al espacio histórico, social y político, me intereso más particularmente en su traducción cultural en la literatura y en las significaciones culturales que reviste en diversas áreas lingüísticas. El presente texto sintetiza algunos de los resultados de dos proyectos de investigación sucesivos que abordan la representación de la frontera en la literatura hispanoamericana, sudafricana y francesa así como su relación con la construcción del discurso histórico y de los relatos de memoria.

A partir de cuatro versos famosos de la Epístola a los Pisones de Horacio (v. 333-334 y 343-344), la crítica y la práctica literaria han convertido al poeta en un benefactor de la humanidad que mejora a los hombres instruyéndolos y entreteniéndolos. Nuestro objetivo es revelar ―como en filigrana y marcando la transición de una época a otra, del clasicismo a la modernidad― las desviaciones a las que estos versos han dado lugar. Drawing on four famous verses of Horace’s Epistle to Pisones (v. 333-334 and 343- 344), criticism and literary practice transformed the poet into a benefactor of humanity who improves men by instructing and entertaining them. Our goal is to reveal―as in filigree and marking the transition from one era to another, from classicism to modernity―the deviations to which these verses have given rise. À partir de quatre vers célèbres de l’Épître aux Pisons d’Horace (v. 333-334 et 343- 344), la critique puis la pratique littéraire ont transformé le poète en bienfaiteur de l’humanité qui redresse les mœurs des hommes en les instruisant et en les divertissant. Nous nous proposons de dévoiler, comme en filigrane, les détournements auxquels ces vers ont donné lieu pour marquer le passage d’un âge à un autre, du Classicisme à la Modernité.

Submitted by Boris Flegr (boris@uerj.br) on 2021-01-05T15:03:03Z No. of bitstreams: 1 Marcelo Alves da Silva_Dissertacao.pdf: 2468796 bytes, checksum: fe1d87ac508accdd1f60943ed32edb73 (MD5) Made available in DSpace on 2021-01-05T15:03:03Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Marcelo Alves da Silva_Dissertacao.pdf: 2468796 bytes, checksum: fe1d87ac508accdd1f60943ed32edb73 (MD5) Previous issue date: 2019-03-20 Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior Cette dissertation est disposée a faire la lecture de l épopée Odyssée, de Homère, à partir de Le Gardeur de troupeaux (1914), groupe de poèmes-Alberto Caeiro, hétéronyme du poète portugais Fernando Pessoa. Nous croyons que chez le poème homérique, il y a le phénomène de la sécularisation du savoir poétique et sa correspondant et conséquent scission avec le savoir speculatif. Les occurrences sont ilustrées dans les épisodes pendant l Odyssée. Basé sur l idée de que Alberto Caeiro est « plus grec que les grecs eux-mêmes » - thèse soutenue par Ricardo Reis, c est à dire, l autre des hétéronymes - il y aurait, donc, dans le groupe de poèmes caeirienne, la tendance poétique a effectuer l indistinction entre le savoir artistique et le savoir rationnel-speculatif. Comme ça, croyant que les deux oeuvres ici mentionnés sont segments de un debat sur les problèmes artistiques et aussi sur la relation entre art et connaissance, nous avons fait des plis de lectures. Nous les appelons des angulations: les aproximations sont aiguës ; les distances sont obtuses. Notre méthode de lecture prédit que, de quelque façon, Le Guardeur de troupeaux, en établissant une rivalité contre la positivité du langage à travers du mystère lui-même fondé sur un langage poétique, il le restaure des formes de connaissance dans l environnement poétique et donne donc une perpendicularité dont le corollaire est la réparation des traces homériques. Afin d assurer notre hypothèse et de respecter les méthodologies emergentes des oeuvres littéraires elles-mêmes, nous offrons une attention aux paroles de Fernando Pessoa dans Ideias Estéticas et, surtout, aux conjectures de Theodor Adorno, de Walter Benjamin et de Jean-Luc Nancy sur la confrontation de l oeuvre d art comme lieu de pensée poétique et poétisé en antagonisme intentionnel avec cristallisation systématique de la métaphysique; a Phillipe Lacoue-Labarthe, avec la proposition de que ce lieu, pensé par les protagonistes de la théorie critique, était indiqué par les grecs, était imaginé par les théoriciens du Romantisme allemand et il a été exécuté par la production artistique du début de la modernité; nous avons demandé aussi les autres critiques de l art pour comprendre le passage de ces conaissances au statut poétique et au statut plastique. Esta dissertação está disposta a fazer a leitura da epopeia a Odisseia, de Homero, a partir de O Guardador de Rebanhos (1914), conjunto de poemas-Alberto Caeiro, heterônimo de Fernando Pessoa. Cremos que está localizado, no poema homérico, o fenômeno da secularização do saber poético e sua correspondente e consequente cisão com o saber especulativo. Os fenômenos são ilustrados nos episódios da Odisseia. A partir da afirmação do heterônimo Ricardo Reis de que Alberto Caeiro é mais grego do que os próprios gregos , haveria, pois, no conjunto de poemas caeiriano, a disposição poética em engendrar a indistinção entre saber artístico e saber racional-especulativo por meio de soluções fornecidas no ambiente plástico. Desta forma, acreditando que ambas as obras aqui mencionadas são seguimentos de uma discussão dos problemas artísticos sobre o relacionamento entre arte e conhecimento, efetuamos dobras de leituras, que chamamos de angulações ora aproximativas (agudas), ora distanciadas (obtusas). Nosso método de leitura intui que, de alguma maneira, O Guardador de Rebanhos, ao travar, por meio do próprio mistério que a linguagem vela, uma luta com sua eventual positividade, restitui-lhe formas de conhecimento no âmbito poético e enseja, pois, uma perpendicularidade cujo corolário é a reparação dos traçados homéricos. Para assegurar nossa hipótese e respeitar as metodologias emergentes das próprias obras literárias, damos atenção ao que nos diz Fernando Pessoa em suas Ideias Estéticas e, sobretudo, às reflexões de Theodor Adorno, de Walter Benjamin e de Jean-Luc Nancy quanto ao enfrentamento da obra de arte como lugar de pensamento que se coloca como poético/poetizado, em intencional combate com a cristalização sistemática da metafísica; às de Phillipe Lacoue-Labarthe, com a proposição de que este lugar, pensado pelos protagonistas da teoria crítica, fora indicado pelos gregos, imaginado pelos teóricos românticos alemães e realizado pela produção artística do início da modernidade; e, por fim, às de outros críticos de arte a fim de compreender o trânsito de tais saberes ao estatuto poético e ao estatuto plástico.