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International audience; O livro busca socializar contribuições teóricas, metodológicas e/ou epistemológicas que problematizam práticas, processos e fenômenos culturais contemporâneos e/ou que incorporam a cultura como dimensão central para observar a sociabilidade nos tempos atuais.Em perspectiva acadêmica, a publicação procura atualizar e revisitar, a partir de reflexões sistematizadas em pesquisas de natureza teórica e/ou empírica, a agenda de pesquisa do campo de estudos de cultura, priorizando a perspectiva interdisciplinar e multicêntrica que caracteriza a área.

Este trabalho tem por objeto um conjunto de programas, ações e mecanismos institucionais do Ministério da Cultura (MinC) que passaram a contemplar a coletividade LGBT durante os governos de Lula e Dilma. O objetivo principal do estudo foi compreender a institucionalização das agendas culturais do movimento LGBT em âmbito federal. Analisamos documentos do MinC e depoimentos públicos de agentes desse universo recorrendo ao suporte da Teoria do Discurso (TD) de Laclau e Mouffe (2010), perspectiva segundo a qual a hegemonia opera num movimento de negociação entre discursos contraditórios, visando estabelecer relações de ordem e aglutinação social. Nossa hipótese é que as ações do MinC, sobretudo os editais voltados à cultura LGBT, buscaram administrar os conflitos entre valores minoritários e hegemônicos na sociedade brasileira. Os antagonismos colocados pelas diferenças sexuais e culturais encampadas pelo movimento LGBT teriam sido neutralizados pelo discurso liberal da diversidade. This work focuses on a set of programs, actions, and institutional mechanisms of the Brazilian Ministry of Culture (MinC) that began to contemplate the LGBT community during the governments of Lula and Dilma. The study intended to understand the institutionalization of the cultural agendas of the LGBT movement at the federal level. We analyze MinC documents and public testimonies of agents of this universe using the support of Laclau and Mouffe’s Theory of Discourse (TD), a perspective according to which hegemony operates in a movement of negotiation between contradictory discourses, aiming to establish relations of order and social agglutination. We hypothesize that the MinC actions, especially the LGBT culture public announcements, sought to manage the conflicts between minority and hegemonic values in Brazilian society. The sexual and cultural differences embraced by the LGBT movement poses antagonisms that would have been neutralized by the liberal discourse of diversity. Ce travail aborde un ensemble de programmes, d’actions et de mécanismes institutionnels du ministère de la Culture (MinC) qui ont passé à considérer la collectivité LGBT pendant les gouvernements de Lula et Dilma. L’objectif principal de l’étude a été de comprendre l’institutionnalisation des agendas culturels du mouvement LGBT au niveau fédéral. Nous avons analysé les documents du MinC et les déclarations publiques d’agents de cet univers à l’aide du soutien de la Théorie du Discours (TD) de Laclau et Mouffe (2010), une perspective selon laquelle l’hégémonie opère dans un mouvement de négociation entre des discours contradictoires, visant à établir des relations d’ordre et d’agglutination sociale. Notre hypothèse est que les actions du MinC, en particulier les appels d’offres destinés à la culture LGBT, ont cherché à gérer les conflits entre les valeurs minoritaires et hégémoniques dans la société brésilienne. Les antagonismes posés par les différences sexuelles et culturelles défendues par le mouvement LGBT auraient été neutralisés par le discours libéral de la diversité.

In 2012, the opening of the Louvre Museum in Lens, preceded by the inscription of the Mining Basin on UNESCO's World Heritage List as a "living evolving cultural landscape", aroused media and scientific curiosity for this territory. Are cultural policies able to work towards the local redevelopment of the Mining Basin, a post-industrial territory in crisis with a persistent repulsive image? The purpose of this thesis is to examine projects to reconvert former mining sites through culture and to compare the territorial issues identified by local actors with the local ownership of these projects. This research then proposes to consider what the resemantization of former mining sites, i.e. their change in function, form and atmosphere, implies in terms of territorial renewal. The study invites us to consider the Mining Basin as a territory in tension between past and present, local and global logics, top-down and bottom-up dynamics. It also proposes a reflection on the instrumentalization of the mining heritage through public action as an identity marker and narrative basis for the territory story-telling, which contrasts with the need to give the local population prospects for the future.; En 2012, l’ouverture du musée du Louvre à Lens, précédée de l’inscription du Bassin minier au patrimoine mondial de l’Unesco au titre de « paysage culturel évolutif vivant » ont suscité une curiosité médiatique et scientifique pour ce territoire. Les politiques culturelles sont-elles en mesure d’œuvrer au redéveloppement local du Bassin minier, territoire postindustriel en crise à l’image répulsive persistante ? Cette thèse a pour objet d’interroger les projets de reconversion d’anciens sites miniers par la culture et de mettre en regard les enjeux territoriaux identifiés par les acteurs locaux et l’appropriation habitante de ces projets. Ce travail de recherche propose alors de considérer ce que la resémantisation des anciens sites miniers, soit leur changement de fonction, de forme et d’ambiance, impliquent en termes de renouvellement des territorialités. L’étude nous invite à considérer le Bassin minier comme un territoire en tension entre passé et modernité, logiques locales et globales, dynamiques descendantes et ascendantes. Elle propose, par ailleurs, une réflexion sur l’instrumentalisation de l’héritage minier par l’action publique comme marqueur identitaire et socle narratif pour la mise en récit du territoire, laquelle s’oppose à la nécessité de donner des perspectives d’avenir à la population locale.

In 2012, the opening of the Louvre Museum in Lens, preceded by the inscription of the Mining Basin on UNESCO's World Heritage List as a "living evolving cultural landscape", aroused media and scientific curiosity for this territory. Are cultural policies able to work towards the local redevelopment of the Mining Basin, a post-industrial territory in crisis with a persistent repulsive image? The purpose of this thesis is to examine projects to reconvert former mining sites through culture and to compare the territorial issues identified by local actors with the local ownership of these projects. This research then proposes to consider what the resemantization of former mining sites, i.e. their change in function, form and atmosphere, implies in terms of territorial renewal. The study invites us to consider the Mining Basin as a territory in tension between past and present, local and global logics, top-down and bottom-up dynamics. It also proposes a reflection on the instrumentalization of the mining heritage through public action as an identity marker and narrative basis for the territory story-telling, which contrasts with the need to give the local population prospects for the future.; En 2012, l’ouverture du musée du Louvre à Lens, précédée de l’inscription du Bassin minier au patrimoine mondial de l’Unesco au titre de « paysage culturel évolutif vivant » ont suscité une curiosité médiatique et scientifique pour ce territoire. Les politiques culturelles sont-elles en mesure d’œuvrer au redéveloppement local du Bassin minier, territoire postindustriel en crise à l’image répulsive persistante ? Cette thèse a pour objet d’interroger les projets de reconversion d’anciens sites miniers par la culture et de mettre en regard les enjeux territoriaux identifiés par les acteurs locaux et l’appropriation habitante de ces projets. Ce travail de recherche propose alors de considérer ce que la resémantisation des anciens sites miniers, soit leur changement de fonction, de forme et d’ambiance, impliquent en termes de renouvellement des territorialités. L’étude nous invite à considérer le Bassin minier comme un territoire en tension entre passé et modernité, logiques locales et globales, dynamiques descendantes et ascendantes. Elle propose, par ailleurs, une réflexion sur l’instrumentalisation de l’héritage minier par l’action publique comme marqueur identitaire et socle narratif pour la mise en récit du territoire, laquelle s’oppose à la nécessité de donner des perspectives d’avenir à la population locale.

This thesis examines the implementation of Creative Europe, the European cultural funding programme that was adopted in 2013 by the European Union (EU). The research reveals the context and what made possible the reform of european policies for culture, showing how this process is inscribed within a long-term metamorphosis of public action in Europe.Scholarly literature focused on recent EU cultural policy reforms often describes a "neoliberal turning point" associated with a "creative turn". The redefinition of european cultural policies in the name of "creativity" is accompanied by a generalisation of project-based funding as well as the introduction of an entrepreneurial lexicon and tools specific to new public management to oversee the process of subsidising culture. However, this work tends to be limited to analysing the policy changes that are generated by these processes from a conceptual, discursive or a strictly formal perspective. On the contrary, our analysis seeks to question the hypothesis of a "turning point" by exploring the practical implictions of these changes. In doing so, the analysis of the reform of european policy makes it possible to identify the concrete processes that are at work in what tends to be discussed as the "neoliberalisation" of public policies.We connect three levels of analysis: the cognitive frameworks that justify a public policy and its reform, the elaboration of the political instruments that give it substance, and the concrete implementation of the latter. Our theoretical framework combines sociology of justification with political sociology of the instruments of public action and management tools, and sociology of translation. Our material is based on an analysis of the academic literature on the "creative turn" and grey literature produced by the european institutions, as well as a series of ethnographic interviews and observations – including several weeks in the context of a contact desk of the Creative Europe programme and many months in a cultural lobbbying organisation in Brussels.The thesis contributes to demonstrating that this reforming enterprise induces a plural and contradictory appropriation of policies by the involved actors. Rather than the homogenising term of "neoliberalisation", we therefore prefer that of "modernisation" to underline the conflicts and the compromises that emerge from this incongrous process of appropriation. At each of the three levels of observation, we reveal the efforts made by actors to interpret, model and renegotiate the meaning of the reforms locally. We show the disagremeents around what a "good" cultural policy is and the work of interpreting the programme at the desks of european institutions, or even the malleability of the meaning that is given to the notion of "project". We highlight how project-based funding is transforming not only the working arrangements of cultural organisations that receive such funding but also their ability to develop a critical stance towards EU policy.; Cette thèse prend pour objet la mise en oeuvre d’un programme européen de financement de projets culturels intitulé Europe Créative, adopté en 2013 par l’Union européenne (UE). La recherche donne à voir les conditions de la réforme des politiques européennes pour la culture et montre comment celle-ci s’inscrit dans un processus au long cours de métamorphose de l’action publique en Europe.La littérature académique portant sur les réformes récentes de la politique culturelle de l’UE décrit souvent un « tournant néolibéral » associé à un « tournant créatif ». La redéfinition des politiques culturelles européennes au nom de la « créativité » s’accompagne en effet d’une généralisation du financement par projets et de l’introduction d’un lexique entrepreneurial et d’outils propres au nouveau management public pour encadrer le subventionnement de la culture. Ces travaux se limitent néanmoins généralement à traiter le changement de politique sous l’angle conceptuel, discursif ou strictement formel des transformations engendrées. Notre enquête cherche a contrario à questionner l’hypothèse d’un « tournant » en explorant les traductions pratiques de ces transformations. Ce faisant, l’étude de la réforme de la politique européenne permet d’aborder les processus concrets à l’oeuvre dans ce que l’on a coutume de présenter comme une « néolibéralisation » des politiques publiques.Nous mettons en lien trois niveaux d’observation : celui des cadres cognitifs qui justifient une politique publique et sa réforme, celui de l’élaboration des instruments politiques qui lui donne corps et celui de la mise en oeuvre concrète de ces instruments. Notre cadre théorique mêle la sociologie de la justification, la sociologie politique des instruments de l’action publique et des outils de gestion ainsi que la sociologie de la traduction. Notre matériau se fonde sur une analyse de la littérature académique traitant du « tournant créatif » et de la littérature grise produite par les institutions européennes, ainsi que sur une série d’entretiens et d’observations ethnographiques – dont plusieurs semaines au sein des points de contact du programme Europe Créative, et de nombreux mois au sein d’un lobby pour la culture à Bruxelles.Cette thèse contribue à montrer que l’entreprise réformatrice induit une appropriation plurielle et contradictoire des politiques par les acteurs concernés. Nous préférons alors, au terme homogénéisant de « néolibéralisation », celui de « modernisation » pour souligner les conflits et les compromis émergeant de ces appropriations dissonantes. À chacun des trois niveaux d’observation, nous révélons les efforts réalisés par les acteurs pour interpréter, modeler et renégocier localement le sens des réformes. Nous donnons à voir les disputes relatives à ce que serait une « bonne » politique culturelle et le travail d’interprétation du programme réalisé au guichet des institutions européennes, ou encore la malléabilité du sens donné à la notion de « projet ». Nous mettons en exergue la façon dont le financement par projets transforme non seulement les modalités de travail des organisations culturelles financées, mais également leur capacité à élaborer une prise de position critique vis-à-vis de la politique menée par l’UE.

This thesis examines the implementation of Creative Europe, the European cultural funding programme that was adopted in 2013 by the European Union (EU). The research reveals the context and what made possible the reform of european policies for culture, showing how this process is inscribed within a long-term metamorphosis of public action in Europe.Scholarly literature focused on recent EU cultural policy reforms often describes a "neoliberal turning point" associated with a "creative turn". The redefinition of european cultural policies in the name of "creativity" is accompanied by a generalisation of project-based funding as well as the introduction of an entrepreneurial lexicon and tools specific to new public management to oversee the process of subsidising culture. However, this work tends to be limited to analysing the policy changes that are generated by these processes from a conceptual, discursive or a strictly formal perspective. On the contrary, our analysis seeks to question the hypothesis of a "turning point" by exploring the practical implictions of these changes. In doing so, the analysis of the reform of european policy makes it possible to identify the concrete processes that are at work in what tends to be discussed as the "neoliberalisation" of public policies.We connect three levels of analysis: the cognitive frameworks that justify a public policy and its reform, the elaboration of the political instruments that give it substance, and the concrete implementation of the latter. Our theoretical framework combines sociology of justification with political sociology of the instruments of public action and management tools, and sociology of translation. Our material is based on an analysis of the academic literature on the "creative turn" and grey literature produced by the european institutions, as well as a series of ethnographic interviews and observations – including several weeks in the context of a contact desk of the Creative Europe programme and many months in a cultural lobbbying organisation in Brussels.The thesis contributes to demonstrating that this reforming enterprise induces a plural and contradictory appropriation of policies by the involved actors. Rather than the homogenising term of "neoliberalisation", we therefore prefer that of "modernisation" to underline the conflicts and the compromises that emerge from this incongrous process of appropriation. At each of the three levels of observation, we reveal the efforts made by actors to interpret, model and renegotiate the meaning of the reforms locally. We show the disagremeents around what a "good" cultural policy is and the work of interpreting the programme at the desks of european institutions, or even the malleability of the meaning that is given to the notion of "project". We highlight how project-based funding is transforming not only the working arrangements of cultural organisations that receive such funding but also their ability to develop a critical stance towards EU policy.; Cette thèse prend pour objet la mise en oeuvre d’un programme européen de financement de projets culturels intitulé Europe Créative, adopté en 2013 par l’Union européenne (UE). La recherche donne à voir les conditions de la réforme des politiques européennes pour la culture et montre comment celle-ci s’inscrit dans un processus au long cours de métamorphose de l’action publique en Europe.La littérature académique portant sur les réformes récentes de la politique culturelle de l’UE décrit souvent un « tournant néolibéral » associé à un « tournant créatif ». La redéfinition des politiques culturelles européennes au nom de la « créativité » s’accompagne en effet d’une généralisation du financement par projets et de l’introduction d’un lexique entrepreneurial et d’outils propres au nouveau management public pour encadrer le subventionnement de la culture. Ces travaux se limitent néanmoins généralement à traiter le changement de politique sous l’angle conceptuel, discursif ou strictement formel des transformations engendrées. Notre enquête cherche a contrario à questionner l’hypothèse d’un « tournant » en explorant les traductions pratiques de ces transformations. Ce faisant, l’étude de la réforme de la politique européenne permet d’aborder les processus concrets à l’oeuvre dans ce que l’on a coutume de présenter comme une « néolibéralisation » des politiques publiques.Nous mettons en lien trois niveaux d’observation : celui des cadres cognitifs qui justifient une politique publique et sa réforme, celui de l’élaboration des instruments politiques qui lui donne corps et celui de la mise en oeuvre concrète de ces instruments. Notre cadre théorique mêle la sociologie de la justification, la sociologie politique des instruments de l’action publique et des outils de gestion ainsi que la sociologie de la traduction. Notre matériau se fonde sur une analyse de la littérature académique traitant du « tournant créatif » et de la littérature grise produite par les institutions européennes, ainsi que sur une série d’entretiens et d’observations ethnographiques – dont plusieurs semaines au sein des points de contact du programme Europe Créative, et de nombreux mois au sein d’un lobby pour la culture à Bruxelles.Cette thèse contribue à montrer que l’entreprise réformatrice induit une appropriation plurielle et contradictoire des politiques par les acteurs concernés. Nous préférons alors, au terme homogénéisant de « néolibéralisation », celui de « modernisation » pour souligner les conflits et les compromis émergeant de ces appropriations dissonantes. À chacun des trois niveaux d’observation, nous révélons les efforts réalisés par les acteurs pour interpréter, modeler et renégocier localement le sens des réformes. Nous donnons à voir les disputes relatives à ce que serait une « bonne » politique culturelle et le travail d’interprétation du programme réalisé au guichet des institutions européennes, ou encore la malléabilité du sens donné à la notion de « projet ». Nous mettons en exergue la façon dont le financement par projets transforme non seulement les modalités de travail des organisations culturelles financées, mais également leur capacité à élaborer une prise de position critique vis-à-vis de la politique menée par l’UE.

Cet article, issu de l’expérience de terrain conduit pendant une thèse doctorale en anthropologie sociale et historique, interroge la fabrique du patrimoine culturel génois par les élites locales de la fin du XXe et du début XXIe siècle. Il étudie la redécouverte d’un héritage oublié, légitimant la recherche d’une reconnaissance européenne et internationale. En particulier, l’analyse s’intéresse aux dynamiques culturelles et urbaines produites autour du label Capitale européenne de la culture en 2004 à Gênes comme moment majeur de l’objectivation culturelle (Handler, 1988) d’une identité génoise, inscrit dans un processus de patrimonialisation (Palumbo, 2003 ; Davallon, 2006) de plus longue durée. This paper presents the case-study of a patrimonialization process in the context of a Genoese cultural heritage, staged by local elites as a forgotten heritage rediscovered, in a bid to gain European and international recognition. The paper focuses on the 2004 European Capital of Culture event, identified as a key moment of the cultural objectivation (Handler, 1988) of a Genoese identity, within a longer process of patrimonialization (Palumbo, 2003; Davallon, 2006). En este artículo, basado en la experiencia de campo realizada durante mi tesis en antropología social e histórica, presenta el caso de la fábrica de un patrimonio cultural genovés, establecido por las élites locales a finales del siglo XX - principios del XXI - como el redescubrimiento de un legado olvidado que justificó la búsqueda de reconocimiento europeo e internacional. En particular, mi análisis se enfoca en el evento de la Capital Europea de la Cultura en 2004 como un momento importante en la objetivación cultural (Handler, 1988) de una identidad genovesa, insertada en el proceso de patrimonialización (Palumbo, 2003; Davallon, 2006) a largo plazo.

This thesis on the dramatical decentralization in Lower Normandy proposes to embrace the period that goes from the 1940s to today, from the launching of a national policy of dramatical decentralization impelled by Jeanne Laurent to the risepower of local authorities in the field of cultural competences. From the end of the second world war and the reconstruction of Caen, we will see how the venues have developed in the region, particularly through the emblematic figure of dramaticaldecentralization in Lower Normandy: Jo Tréhard. Self-taught comedian, director of company and theater, founder of multiple theaters (The “Tonneau”, the “Theatre – Maison de la Culture”, and the Comedy of Caen) and the Normandy Festival. We willthen study the construction of the network of scenes in Lower Normandy, including those with institutional recognition: labeled or approved by the Ministry of Culture (The Theater of Préau to Vire, The SN61 in Alençon, The Trident in Cherbourg, L'Archipel inGranville and the Coutances Theater). Finally, we will see how local authorities complement and support this network, as well as developments related to the latest territorial reforms.; Cette thèse sur la décentralisation théâtrale en Basse-Normandie se propose d’embrasser la période qui va des années 1940 à nos jours, c’est-à-dire du lancement d’une politique nationale de décentralisation dramatique impulsée par JeanneLaurent à la montée en puissance des collectivités territoriales dans le champ des compétences culturelles. A partir de la fin de la seconde guerre mondiale et de la reconstruction de Caen, nous verrons comment les lieux de spectacles se sontdéveloppés dans la région, notamment à travers la figure emblématique de la décentralisation théâtrale en Basse-Normandie : Jo Tréhard. Comédien autodidacte, metteur en scène, directeur de compagnie et de théâtre, fondateur de multiples lieux de spectacle (Le Tonneau, le Théâtre – Maison de la Culture, puis la Comédie de Caen) et d’un festival de Normandie. Nous étudierons ensuite la construction du réseau des scènes et lieux de spectacle vivant bas-normands, notamment ceux qui ont une reconnaissance institutionnelle : labellisées ou conventionnées par le Ministère de laCulture (Le Théâtre du Préau à Vire, La SN61 à Alençon, Le Trident à Cherbourg, L’Archipel à Granville et le Théâtre Municipal de Coutances). Enfin, nous verrons comment les collectivités locales complètent et soutiennent ce réseau, ainsi que les évolutions liées aux dernières réformes territoriales.

En Uruguay, dans les années 1990, le contexte est propice au développement et à la solidification des outils d’accompagnement qui participèrent au financement de plusieurs films. L’approche conjointe de ces outils permet de réfléchir au devenir du cinéma national à partir de ces années-là. En Uruguay, en los años 1990, se genera el ámbito propicio para el desarrollo y concreción de las herramientas de fomento que participaron en la financiación de un grupo de películas. Su reunión permite reflexionar sobre el devenir del cine nacional a partir de esos años.

En Uruguay, en los años 1990, se genera el ámbito propicio para el desarrollo y concreción de las herramientas de fomento que participaron en la financiación de un grupo de películas. Su reunión permite reflexionar sobre el devenir del cine nacional a partir de esos años. En Uruguay, dans les années 1990, le contexte est propice au développement et à la solidification des outils d’accompagnement qui participèrent au financement de plusieurs films. L’approche conjointe de ces outils permet de réfléchir au devenir du cinéma national à partir de ces années-là.

International audience

Cet article se penche, dans une première partie, sur les controverses contemporaines relatives à la politique de l’expertise, au périmètre et à la légitimité des prétentions concurrentes à détenir le savoir. Deuxièmement, il s’appuie sur les recherches récentes de l’auteur à propos de « l’économie créative » pour montrer comment, dans le cadre de l’intérêt national, les pratiques d’experts au sein de l’État britannique et d’autres organismes publics en sont venues à orienter et façonner durablement les politiques culturelles. Troisièmement, à partir de l’expérience de l’auteur comme expert culturel désigné, cet article analyse l’évolution du régime de la recherche au Royaume-Uni, la réévaluation de l’expertise qu’elle a engendrée et ses conséquences pour l’autonomie des chercheurs.

Ce texte examine les formes de la pluriactivité des comédiens inscrits dans un champ de production artistique particulier : celui du théâtre public. L'inscription dans une économie administrée ainsi que les conditions sociales et économiques actuelles de l'exercice du métier de comédien impliquent que ce dernier se définisse de moins en moins par l'activité fondatrice : monter sur scène pour dire un texte. Le métier de comédien repose sur la combinaison floue, incertaine et changeante d'une diversité d'activités artistiques, sociales, éducatives, politiques. L'auteur examine ensuite les effets de la pluralité ainsi que la nécessité pour ces comédiens de lutter contre les logiques de stigmatisation reposant sur la distance croissante avec l'activité artistique "pure"

Since Iain Pears’s The Discovery of Painting (1988) and David Solkin’s Painting for Money (1993), art historians have demonstrated the fruitfulness of exploring British art through the lens of the art market, patronage and cultural policies. They have shown that the funding models of art, whether they involve institutions or patronage, or both, actually shape art practices as much as they respond to artists’ creativity. Charlotte Gould’s book, which explores the contemporary social, economic ...

National audience

This thesis aimed to analyze the experience of empowerment of women inserted in the field of public cultural policies addressing at the transmission of artisanal knowledge. For this, we selected the case of an organization that received incentives from this public policy and, with this, we identified and described the cultural field that was formed from the transmission of knowledge in popular culture in the researched community. The empowerment process was based on the experience of the women who acted in this organization. This is a qualitative research, based on feminist epistemology, bringing the gender category as a central point, but not as the only form of interpretation, insofar as Pierre Bourdieu's works on the social field and types of capital also seem important for a better understanding of the process of construction of the reality of the women interviewed. Oral history was used to the extent that the memories of these women were one of the main means of collecting data for this thesis. Through their narratives, it was possible to identify their trajectories within the actions of the selected organization, and to verify a positive influence of cultural policy in their empowerment processes, although the sexual division of domestic work continued as the main limiting factor so that they could participate more actively in the productive sphere. It is therefore important to note that it is not possible to change the sexual division of the professional work of the artisans, without changing in the sexual division of domestic work, power and knowledge in society. Thus, we must think of public policies that are based on the struggle for equality and justice, since it is the duty of all of us, men and women, to work in defense of a more human world, with ethics in different types of work and without hierarchies of gender.________________________________________________________________________________________________________________________________ Cette thèse vise à analyser l’expérience de l’autonomisations des femmes insérée dans le domaine des politiques politiques publiques culturelles visant à la transmission du savoir artisanal. Pour cela, nous avons sélectionné le cas d'une organisation qui a reçu des incitations de cette politique publique et, avec cela, nous avons identifié et décrit le champ culturel qui s'est formé à partir de la transmission du savoir dans la culture populaire dans la communauté étudiée. Le processus d'autonomisation a été analysé à partir de l'expérience des femmes qui ont agi dans cette organisation. Il s’agit d’une recherche qualitative, basée sur l’épistémologie féministe, qui fait de la catégorie de genre un point central, mais pas une forme d’interprétation unique, dans la mesure où les travaux de Pierre Bourdieu sur le champ social et les types de capital semblent également importants pour une meilleure compréhension sur le processus de construction de la réalité des femmes interviewées. L’histoire orale est utilisée dans la mesure où la mémoire de ces femmes constitue l’un des principaux moyens de collecte des données de cette thèse. À travers ses récits, il a été possible d’identifier ses trajectoires autour des actions de l’organisation sélectionnée et de vérifier l’influence positive de la politique culturelle sur ses processus d’autonomisation, bien que la division sexuelle du travail domestique soit restée le principal facteur limitant pour qu’elles pourraient participer plus activement dans la sphère productive. Il est, donc, important de noter qu'il n'est pas possible de changer la division sexuelle du travail professionnel des artisans sans travailler pour changer la division sexuelle du travail domestique, du pouvoir et du savoir dans la société. Devrions-nous, donc, penser à des politiques publiques fondées sur la lutte pour l'égalité et la justice, car nous avons tous le devoir, hommes et femmes, de travailler pour la défense d'un monde plus humain, avec l’éthique dans différents types de travail et sans hiérarchies de genre créées. Essa tese teve o objetivo de analisar a experiência de empoderamento de mulheres inseridas no campo das políticas públicas culturais voltadas para a transmissão de saberes artesanais. Para isso, foi selecionado o caso de uma organização que recebeu incentivos dessa política pública e, com isso, identificamos e descrevemos o campo cultural que se formou a partir da transmissão de saberes de cultura popular na comunidade pesquisada. O processo de empoderamento foi analisado a partir da experiência das mulheres que atuaram/atuam nessa organização. Esta é uma pesquisa qualitativa, baseada numa epistemologia feminista, trazendo a categoria gênero como ponto central, mas não como única forma de interpretação, na medida em que os trabalhos sobre campo social e tipos de capitais de Pierre Bourdieu também parecem importantes para uma maior compreensão sobre o processo de construção da realidade das mulheres entrevistadas. A história oral foi utilizada na medida em que as memórias dessas mulheres foram um dos principais meios de coleta de dados dessa tese. Por meio de suas narrativas, foi possível identificar suas trajetórias em torno das ações da organização selecionada, e verificar uma influência positiva da política cultural em seus processos de empoderamento, apesar de que a divisão sexual do trabalho doméstico continuou como o principal fator limitante para que elas pudessem participar mais ativamente da esfera produtiva. Por isso, é importante colocar que não é possível mudar a divisão sexual do trabalho profissional das artesãs, sem trabalhar uma mudança na divisão sexual do trabalho doméstico, do poder e do saber na sociedade. Assim, devemos pensar em políticas públicas que estejam fundadas na luta pela igualdade e pela justiça, já que é dever de todos nós, homens e mulheres, trabalharmos em defesa de um mundo mais humano, com a ética nos diferentes tipos de trabalho e sem hierarquias gendradas. São Cristóvão, SE

« Delenda est Carthago », « Instauranda est Carthago », « Servanda est Carthago ». Ces trois injonctions latines résument trois programmes pour Carthage. La première, bien connue et quasi proverbiale, celle de Caton l’Ancien, demande dès 153 av. J.C. une destruction radicale. La deuxième, devenue depuis 1875 un rêve du cardinal Lavigerie, propose une renaissance de la ville : « Instauranda est Carthago », il faut ressusciter Carthage. Quant à la troisième, elle sert depuis 1972 de devise au p...

Introduction En Europe, l’histoire de la muséologie coïncide avec l’essor de doctrines libérales et le phénomène de laïcisation de la société depuis la fin du XVIIIe siècle. Avec le passage du privé au public, parallèlement au passage du contexte sacré au contexte profane, le patrimoine religieux est devenu un bien collectif, de la nation, accueilli dans des institutions muséologiques dans lesquelles il est préservé, étudié et exposé au public. L’objet de ce chapitre consiste à décrire le cas...

C’est à partir du patrimoine antique qu’est né le tourisme. Ce terme lui-même ne vient-il pas du grand « tour » que faisaient les jeunes aristocrates britanniques en Italie au XVIIIe siècle, complétant leur apprentissage des textes anciens par la visite des sites romains ? Et ne peut-on voir dans Chateaubriand se recueillant dans Carthage désert l’ancêtre des touristes modernes qui arpentent aujourd’hui le lieu en groupes serrés ? Le Maghreb a offert à la France sa part dans l’héritage antiqu...

La « pittoresque aventure », selon l’heureuse définition de J.P. Laporte, du Comité des dames amies de Carthage (ou CDAC) est une claire démonstration de l’intérêt porté par des dames de la haute bourgeoisie française en Tunisie à l’Antiquité et à l’archéologie. Dans les premières décennies du XXe siècle, en effet, les fouilles archéologiques de Carthage font l’objet de promenades des familles, avec dames et enfants, sous la conduite experte du père Alfred-Louis Delattre ou du docteur Louis C...

Le lien entre la patrimonialisation des monuments puis celle des centres urbains historiques au Maghreb et l’essor du tourisme n’est plus à démontrer. Depuis les premiers classements de monuments historiques à la fin du XIXe siècle jusqu’aux labellisations UNESCO au titre du patrimoine mondial, toutes les entreprises patrimoniales sont portées par des arguments économiques liés au tourisme, qui secondent des arguments scientifiques, esthétiques et politiques. Et l’influence est réciproque si ...

À Khaled Kchir, en souvenir d’un mawlid à la Grande Mosquée de Tunis. Les bouleversements de la Révolution française et l’institution sous la Monarchie de Juillet de l’Inspection générale des monuments historiques tiennent une place fondatrice dans l’histoire du patrimoine en France : désormais, « l’héritage, son entretien et son étude font l’objet d’une exigence identitaire parce qu’ils garantissent la représentation de la nation ». Cette conception nouvelle du patrimoine a été transposée da...

Comment un projet industriel, la création du barrage-réservoir de Hammam Zriba situé aux environs de Tunis et destiné à fournir de l’eau potable à la Tunisie coloniale, a-t-il pu faire naître l’idée d’un itinéraire touristique basé sur le patrimoine ancien et moderne ? L’idée semble à première vue assez étonnante. Elle fut néanmoins défendue par un ingénieur spécialiste en hydraulique, Jean Coignet, qui entendait ainsi établir un lien entre le passé antique et le présent colonial. On sait com...

Objet d’appropriations et de manipulations nombreuses, la kasbah berbère va être précocement érigée en archétype touristique dans tout le Sud marocain où le tourisme joue un rôle important (palmeraie de Marrakech, versants atlassiques septentrionaux jusqu’aux limites des frontières sahariennes). Cela au point qu’après l’indépendance le modèle et la dénomination de kasbah perdurent pour tous les bâtiments nouvellement construits : des hôtels étoilés aux stations-services, des sièges administra...

Introduction Après l’indépendance de l’Algérie, plus des trois quarts des églises construites pendant la période coloniale sont converties en mosquées. Le territoire ayant connu une domination française pendant plus de cent trente ans, après une longue présence espagnole et la souveraineté ottomane, les lieux de culte chrétiens ont constitué des enjeux majeurs dans l’aménagement urbain et l’évolution politique religieuse nationale. Il est donc nécessaire de lier l’étude architecturale à l’hi...

Parmi les lieux de la villégiature d’hiver que se sont efforcés de promouvoir les responsables coloniaux en Afrique du Nord et quelques investisseurs, les oasis offraient un cadre spécifique qu’il convenait de respecter dans les équipements touristiques : le paysage et l’architecture y conjuguent une forme de symbiose qu’un commentateur italien, à propos des aménagements en Libye, a défendue au nom d’une « esthétique de l’oasis », affectant une indéniable valeur identitaire au palmier et au t...

L’architecture moderne au Maroc s’est développée de façon protéiforme, à la fois strictement fonctionnaliste, vernaculaire, ou irrésistiblement lyrique. Elle s’est en permanence construite en accord ou en opposition avec l’image pittoresque qui est attachée au Maroc touristique, jusqu’à ébranler les plus radicaux des Modernes. Ces « écarts » aux préceptes modernistes s’inscrivent dans l’histoire mondiale de l’architecture, la crise des CIAM (congrès internationaux d’architecture moderne) et l...

Le présent livre est le résultat de rencontres, entre des personnes, des disciplines et des générations, qui se sont tenues entre 2010 et 2014. À son origine, au début des années 2000, l’idée de travailler sur le tourisme lors de la période coloniale au Maghreb est née de discussions entre les historiens du laboratoire Diasporas (et ensuite FRAMESPA) de l’université de Toulouse-Jean Jaurès et ceux de l’équipe Ressources patrimoniales de la faculté des lettres et des humanités de Manouba (Tuni...

Pendant la période coloniale, la première institution chargée de promouvoir le tourisme à l’échelon de la Tunisie est créée relativement tardivement, seulement en 1934. Les liens entre tourisme et archéologie sont pourtant très tôt tissés mais de façon officieuse. Si un Service des antiquités et des arts est fondé en 1885 pour étudier, sauvegarder et faire connaître le patrimoine de la Tunisie, et plus particulièrement les ruines de l’Antiquité, l’archéologie est cependant considérée, dans ce...

L’héritage berbère constitue une des composantes du patrimoine tunisien. Il marque certaines régions du pays, principalement celle de Matmata qui occupe la partie nord d’une chaîne montagneuse s’étendant de la délégation de Matmata Nouvelle (gouvernorat de Gabès) vers les frontières tuniso-libyennes. Ce territoire occupe une position stratégique reliant l’un des plus puissants pôles touristiques balnéaires du Sud-Est tunisien (Djerba-Zarzis) aux zones du tourisme saharien et oasien du sud-oue...

Dans son rapport au tourisme et au patrimoine, le fait religieux n’a pas été souvent analysé par les sciences sociales de manière critique. Les auteurs se sont souvent inscrits dans l’interprétation qui prône le modèle religieux pour saisir le tourisme contemporain et la constitution du patrimoine. D’une part, à la suite de Victor et Edith Turner qui ont établi le pèlerinage comme un des lieux de performance dynamique de soi, en reprenant le schéma des rites de passage de Van Gennep, Graburn ...

« On ne franchit pas l’Océan indien comme la Méditerranée » écrit au début des années vingt le gouvernement général de l’Indochine en réponse à la Section du conseil des colonies en charge du tourisme. Celle-ci, depuis Paris, avait suggéré à l’administration française en Indochine de prendre pour modèle des éléments de l’organisation touristique d’Afrique du Nord pour rattraper son retard en la matière. À Hanoï, piqué au vif, on avait beau mettre en avant la spécificité du terrain indochinois...

Lauréat du Grand Prix de Rome en 1953, l’architecte franco-tunisien Olivier-Clément Cacoub a seulement une trentaine d’années lorsque le président Habib Bourguiba fraîchement arrivé au pouvoir fait appel à lui pour édifier des architectures publiques qui matérialiseront la modernité qu’il entend insuffler au pays qu’il dirige. Sous l’autorité de Bourguiba, Cacoub sera le maître d’œuvre tunisien le plus productif et sans doute le plus influent des décennies post-indépendances, notamment dans l...

National audience; La nuit est une question de politique publique qui impacte autant la question de la vie culturelle, du travail, de la mobilité, de l’éclairage urbain, du tourisme, etc. Les politiques de la nuit qui émergent apparaissent en tension entre impératifs d’ordre public et logiques de marketing territorial. Comment les accompagner en termes de politiques publiques ? Quelles questions soulèvent les pratiques artistiques et culturelles nocturnes en termes de gestion des mobilités, d’ouverture des lieux artistiques et culturels ou de mise à disposition des espaces publics, d’organisation de l’offre culturelle mais aussi de demande de groupes sociaux divers ? Quels problèmes de voisinage et de sécurité ces activités engendrent-elles ? En quoi stimulent-elles les coeurs de ville mais quelles contraintes particulières représentent-elles par ailleurs ? Comment traiter une demande parfois contradictoire sur la nuit ?

International audience

International audience; Whilst The French Government is about to launch a cultural voucher targeting the 18-years-olds, we aim to have a glance at the many similar tools developed during the 1990s by the French local authorities focusing on their neoliberal origins. We will show in the following paper that if the local officials acting as trailblazers of the use of vouchers were clearly neoliberal, their successors endeavoured to define them as a functional tools, avoiding some hard political debates on its depth nature. The neoliberal mediators of the voucher within local authorities used first to develop a very politicized discourse whose structure has been kept by their successors who spread vouchers throughout the French regions, developing it only formally without modifying its political meaning.; Le néolibéralisme dans les politiques culturelles: le discours des médiateurs du chèque culture en France Résumé/Abstract: Alors que le gouvernement français s'apprête à lancer un pass culture destiné aux jeunes de 18 ans, il est proposé de revenir sur les multiples dispositifs similaires lancés depuis les années 1990 par les collectivités locales françaises en examinant leur filiation néolibérale. Nous montrerons dans cet article que si les élus locaux pionniers du chèque affichaient sans complexe leurs visées néolibérales, leurs successeurs ont eu une approche bien plus mesurée et utilitariste permettant d'éviter tout débat politique de fond sur cet instrument. Les médiateurs néolibéraux du chèque au sein des collectivités territoriales françaises ont ainsi su développer un discours très politisé et militant au départ dont la structure a ensuite pu être reprise par leurs successeurs qui ont diffusé l'instrument « chèque » en le développant de façon purement formelle sans pour autant en modifier la structure.

How are built, to structure and organize courses cultural industries and creative in Burkina Faso? What is their level of development? What are the current challenges they are facing and what are the strategies actors? These are just issues that sets out to answer our research work.The development of cultural industries in Burkina Faso is in operation since independence and has intensified over the past ten years. This dynamic knows the ups and downs depending on the circumstances (environment), actors and public policy.Despite the efforts and progress in the sector there is the low industrialization of culture and embryonic chains character. Meanwhile the hopes of the actors placed in them (cultural industries and creative) for their ability to create wealth and jobs are large and related. Discourses and practices are often contradictory and public policy lack of pragmatism.Faced with this situation, our work is striven is to show the State or the environment in which evolved and are currently changing the industrialization of culture and how the actors at each level of the streams industrial (Book, Music, Cinema and audiovisual, Video games) and the so-called creative industries (Fashion and textile design & Arts and crafts) are organized and structure their sectors to continue to exist in a context of openness, globalization of artistic and cultural works.Finally, the work closes by opening up the current changes that characterize the industrial sectors of culture both at the level of production factors in the strategies of the actors.KeywordsCultural industries ; Cultural and creative industries ; Cultural development ; Dies ; Stakeholder strategies ; Cultural policies ; Public policies ; Economy of culture ; Political economics., Comment se construisent, se structurent et s’organisent les filières des industries culturelles et créatives au Burkina Faso ? Quel est leur niveau de développement ? Quels sont les défis actuels auxquels elles sont confrontées et quelles sont les stratégies des acteurs. Ce sont-là les questions que se propose de répondre notre travail de recherche.Le développement des industries culturelles au Burkina Faso est en marche depuis les indépendances et s’est accentué lors de ces dix dernières années. Cette dynamique connait des hauts et des bas au gré des circonstances (environnement), des acteurs et des politiques publiques. Malgré les efforts et les avancées dans le secteur, on note la faible industrialisation de la culture et le caractère dit embryonnaire des filières. Pendant ce temps les espoirs des acteurs placés en ces industries culturelles et créatives pour leurs capacités à créer des richesses et des emplois sont grands et relatifs. Les discours et les pratiques sont souvent contradictoires et les politiques publiques manquent de pragmatisme.Face à cette situation, couplée avec les mutations qui atteignent aujourd’hui les industries culturelles, notre travail s’est évertué à montrer l’état ou l’environnement dans lequel a évolué et évoluent actuellement l’industrialisation de la culture et comment les acteurs à chaque niveau des filières industrielles (Livre, Musique enregistrée, Cinéma et audiovisuel, Jeux vidéo) et des filières dites créatives (Mode et textile et Design & artisanat d’art) s’organisent et structurent leurs secteurs pour continuer d’exister dans un contexte d’ouverture, de mondialisation des œuvres artistiques et culturelles. Enfin, le travail se conclut en s’ouvrant sur les mutations actuelles qui caractérisent les filières industrielles de la culture, tant au niveau des facteurs de production que des stratégies des acteurs.Mots-clésIndustries culturelles ; Industries culturelles et créatives ; Développement culturel ; Filières ; Stratégies d’acteurs ; Politiques culturelles ; Politiques publiques ; Economie de la culture ; Economie politique.

En France, les institutions culturelles ont une place primordiale. Les politiques culturelles françaises mises en place à partir de la fin des années 1950 s’orientent rapidement vers une volonté de démocratisation culturelle, donc d’accès à la culture pour tous, mais aussi, à partir des années 1980 avec Jack Lang, vers la reconnaissance de la pluralité et de la diversité des pratiques culturelles et artistiques. L’art contemporain tient une place majeure : le soutien à la création contemporaine est, depuis le milieu du XXe siècle, une préoccupation récurrente des politiques culturelles. La multiplication des fondations d’art contemporain privées depuis quelques années a amorcé une remise en question de l’intervention de l’État dans le domaine culturel, mais aussi des questionnements autour de la mission d’accès à la culture pour tous d’abord revendiquée par les instances publiques.Depuis la fin du XXe siècle, la médiation prend de plus en plus d’importance. Aujourd’hui, les médiateurs sont présents dans toutes les structures d’art contemporain, qu’elles soient publiques ou privées. Cependant, ceux-ci doivent faire face à de nombreux défis : la précarité de leur emploi, une non-reconnaissance de leur statut par certains acteurs du milieu et le développement de nouvelles technologies qui peut devenir une concurrence pour la médiation « humaine ».À travers l’étude de trois institutions : le FRAC Île-de-France (entièrement public), le Palais de Tokyo (qui a un fonctionnement mixte) et la Fondation Louis Vuitton (entièrement privée), ce mémoire s’attache à mieux comprendre les mécanismes des services des publics, la perception des politiques culturelles par les acteurs de la médiation et les débats qui émergent autour de la médiation culturelle.

International audience; Drawing on an analysis of the Saint-Nazaire based project Les Oides, this paper aims to address geographical and political issues related to the urban valorization of street art. It first argues that the artistic project can trigger evolutions of city users’ representations and practices without being subject to any institutional recognition. The paper then focuses on the logic of the project’s legitimization and shows that institutional valorization faces difficulties even though the project seems to be consensual. It eventually outlines the gap between street art’s ability to valorize urban space on the one hand and political choices that leads to official recognition of this potential.; À partir d’une analyse du projet des « Oides » à Saint-Nazaire (Loire-Atlantique), cet article interroge les enjeux géographiques et politiques de la valorisation urbaine du street art. Il montre d’abord comment le projet artistique, indépendamment de toute reconnaissance institutionnelle, constitue un facteur d’évolution des représentations et des pratiques des usagers de l’espace urbain dans lequel il s’inscrit. Il s’intéresse ensuite aux acteurs, aux critères et aux logiques qui interviennent dans le processus de légitimation d’un projet apparemment consensuel mais dont la valorisation institutionnelle s’avère délicate, mettant ainsi en évidence l’écart entre la capacité du street art à valoriser un territoire et les choix auxquels répond la décision politique de reconnaître ou non ce potentiel sous la forme d’une institutionnalisation.

This dissertation deals with the international mobility of artists, especially about performing arts in relation with cultural policies. The object of my study is artistic practices (displacements, projects, creation, distribution) in connection with space and territories. This is not tackled from the angle of anchorage but from that of mobility, expressed by artists as a normal and valorised activity. These practices have been questioned through the prism of nomadism - a notion that has been massively used by mobility analysts as well as by mobility actors themselves and criticized in the context of the new mobilities paradigm. In accordance with this paradigm, the dissertation discusses this romantic reading of mobility by analysing artistic mobility in terms of spatialities and territories, in relation with distance, movement, institutions or otherness. From 2012 to 2014, I applied mobile methods by building a mobile field in order to focus on and understand spatial movement. This methodology articulates a static point of view (study of cultural policies, of data from institutions and of cultural operators’ speeches) and a mobile one (interviews with artists on the move, observations abroad). This dissertation draws a geography of cultural globalization based on artists’ travels. It shows places visited by French artists in the context of economic trends and geopolitical logics. This geography balances the weight of the European Union as a political framework for cultural policies and artistic cooperation. It also lays emphasis on the relation with territories articulating places here (a multi-level institutional relationship) and places elsewhere (a multi-located way of creating). Far from the generalising idea of nomadism, this territorial study by artistic mobility reveals a political and symbolic action of territories in cultural globalization., Cette thèse de géographie porte sur la mobilité internationale des artistes. Mes travaux ont consisté à étudier les pratiques et les discours des artistes rhônalpins, plus spécifiquement dans le domaine du spectacle vivant, au regard des politiques culturelles et de leurs dispositifs. J’ai questionné ces pratiques (déplacements, construction de projets, création, diffusion) dans leur relation à l’espace et aux territoires, non par le prisme de l’ancrage mais par celui d’une mobilité internationale qui paraissait tout autant normale que valorisée aux yeux des artistes. Sur un plan théorique, ces pratiques ont été interrogées à travers la notion de nomadisme, abondamment mobilisée tant par les analystes que par les artistes eux-mêmes. La thèse consiste à déconstruire la conception de la mobilité des artistes comme une pratique nomade en proposant une analyse en termes de spatialités et de territorialités, laquelle décline plusieurs modalités de relations à la distance, au mouvement, aux institutions et à l’altérité. De 2012 à 2014, j’ai bâti et appliqué un protocole méthodologique impliquant tout d’abord la construction d’un terrain mobile afin de capter et comprendre au mieux le mouvement dans l’espace. Cette méthodologie a consisté à articuler un point de vue fixe (étude des politiques culturelles à plusieurs niveaux, des données issues du dispositif de la Région et des discours d’opérateurs culturels) et un point de vu mobile (entretien avec des artistes mobiles à l’international et observation de projets d’artistes à Montréal, Ouagadougou et Barcelone). Cette thèse dessine une géographie de la mondialisation culturelle par les voyages des artistes. Découlant des déplacements, elle reflète les affinités des artistes mais aussi les espaces de projection des territoires dont ils sont issus ainsi que des dynamiques de développement des marchés du spectacle vivant. Cette géographie relativise le poids du cadre européen et met en lumière un jeu de territorialités qui articule les ici (composés des relations institutionnelles aux différents niveaux de territoires dans lesquels les artistes s’inscrivent) et les ailleurs (composés des différentes destinations et de leur poids symbolique, humain et matériel investi puis véhiculé artistiquement). Loin d’un nomadisme généralisé et généralisant, l’étude des territorialités mobiles des artistes est révélatrice d’un rôle politique et symbolique des territoires dans la mondialisation culturelle.

L’étude sociologique des univers artistiques gagne à prendre en compte l’ensemble des activités qui contribuent à l’élaboration et à la diffusion des œuvres. L’ouvrage de Catherine Dutheil-Pessin et François Ribac, consacré au spectacle vivant, s’inscrit dans cette perspective. À partir d’une enquête conduite auprès d’une quarantaine de programmateurs et programmatrices de différents lieux culturels de la région Pays de la Loire, complétée par quelques entretiens à Grenoble et par l’exploitat...

Ce travail part de la constatation que les “musiques actuelles”, concept français diffi-cile à traduire, ont trouvé en Allemagne un public et un marché très ouvert. Il interroge les raisons de ce succès qui peuvent être cherchées aussi bien dans la dynamique propre à la scène musicale allemande que dans la mise en œuvre d'une politique volontariste des acteurs français. Cette étude, à la croisée de différents champs scientifiques, se concentre sur l’analyse de discours politiques et les témoignages d’experts français et allemands. Le chercheur met à l’épreuve la légitimité du volontarisme culturel français pour renouveler les savoirs sur ces politiques culturelles et le soutien à l’export des “musiques actuelles”. La thèse rend compte des motivations de l’État et des dispositifs d’aide à l’export. Par la confrontation des témoignages, l’enquêtrice montre la compéti-tivité du marché allemand de la musique. Analyser la période entre 2007 et 2017 per-met d’appréhender la manière dont la structuration d’un milieu accompagne les muta-tions contemporaines de l’industrie musicale. Saisir les particularités du marché alle-mand au prisme de son accueil envers les musiques étrangères, témoigne de la possibili-té d’une convergence entre les habitudes du consommateur allemand et les particulari-tés des “musiques actuelles” françaises dessinant un créneau où se rencontrent diversité culturelle, créativité et francophilie. Ce travail identifie l’activité des “musiques ac-tuelles” françaises en Allemagne comme une pratique encore marginale. La reconsidé-rer permet de définir un nouveau modèle de soutien à l’export visant une plus large communication en France sur les réalités du marché allemand. This work starts from the observation that the “musiques actuelles”, French concept difficult to translate, found in Germany a public and a very open market. It questions the reasons for this success, which can be sought in the dynamics specific to the Ger-man music scene and in the implementation of a voluntarist policy of French actors. The research, spanning different scientific fields, deployed both in France and in Ger-many and its analysis focuses on the analysis of political discourses and the statements of experts. The researcher tests the legitimacy of the French voluntarist cultural policy to renew knowledge about French cultural policies and support for the export of actual music. The thesis reflects the motivations of the State and the aid mechanisms for ex-port. The competitiveness of the German music market is revealed by the interviewer by the confrontation of the statements. Analyzing the period between 2007 and 2017 allows us to understand how the structuring of a sector accompanies the contemporary changes in the music industry. Understanding the specifics aspects of the German market through the prism of its acceptance towards foreign music shows the possibility of a convergence between the habits of the German consumer and the peculiarities of the French “musiques actuelles”, creating a niche where cultural diversity, creativity and Francophilia meet each other. This work identifies the activity of French “mu-siques actuelles” in Germany still as a marginal practice. The reconsideration of this practice makes it possible to define a new model of export support pointing towards a wider communication in France on the realities of the German market. Der Ausgangspunkt dieser Arbeit war die Beobachtung, dass die “musiques actuelles”, ein schwer übersetzbares französisches Konzept, in Deutschland ein Publikum und einen sehr offenen Markt gefunden haben. Es werden Gründe für diesen Erfolg in Frage gestellt, die sowohl in der Dynamik der deutschen Musikszene als auch in der Umsetzung einer gezielten Politik der französischen Akteure gesucht werden können. Die Forschung, die sich an der Schnittstelle unterschiedlicher wissenschaftlicher Felder befindet, wird sowohl in Frankreich als auch in Deutschland durchgeführt und kon-zentriert sich auf die Analyse politischer Diskurse und die Aussagen von Fachleuten. Es wird überprüft, inwiefern die französische gezielte Kulturpolitik legitim ist. Dadurch soll das Wissen über die Förderung des Musikexports erneuert werden. Die Arbeit spiegelt die Motivation des Staates und die Mechanismen der Exportförderung wider. Der Interviewer zeigt durch die Auseinandersetzung mit den Aussagen die Wettbewerbsfähigkeit des deutschen Musikmarktes. Durch die Analyse des Zeitraums zwischen 2007 und 2017 können wir verstehen, wie die Strukturierung einer Umge-bung die zeitgenössischen Veränderungen in der Musikindustrie begleitet. Die Wahr-nehmung der Besonderheiten des deutschen Marktes und der Akzeptanz fremder Mu-sik in Deutschland spricht dafür, dass eine Konvergenz zwischen den Gewohnheiten des deutschen Verbrauchers und den Besonderheiten der aktuellen Musik aus Frank-reich möglich ist. Diese Übereinstimmung schafft eine Nische, in der sich kulturelle Vielfalt, Kreativität und Frankophilie treffen. Diese Arbeit identifiziert die Präsenz der aktuellen Musik aus Frankreich in Deutschland als eine noch marginale Praxis. Die Überdenkung ermöglicht es, ein neues Modell der Exportförderung zu definieren, das auf eine breitere Kommunikation in Frankreich über die Gegebenheiten des deutschen Marktes ausgerichtet ist.

Le Lindy Hop et les danses Jazz africaines américaines du début du XXe siècle font aujourd’hui l’objet d’une sous-culture internationale. Leur popularité se nourrit en grande partie de la mise en valeur de leur joie et d’un cadre social hospitalier. Bien que cette culture soit aujourd’hui majoritairement investie par des danseurs non africains-américains, elle bénéficie d’une relation privilégiée avec plusieurs aînés, anciens habitués du Savoy Ballroom de Harlem, le lieu mythique où la danse s’est initialement développée. À leur côté, les processus de recréation, d’actualisation et de transmission de ces danses historiques présentent le terrain complexe d’une appropriation culturelle, celle d’un savoir situé afrocentrique et de la représentation de sa joie inhérente. À partir du paradigme épistémologique de la théorie critique, féministe et intersectionnelle du point de vue, cette recherche examine la démarche de traduction transculturelle, où le sens des récits des aînés et l’expression de leur affect en viennent à être substitués par des stratégies racialisées d’équivalence et d’identité et des rapports savoir/pouvoir non examinés. L’analyse s’est particulièrement centrée sur une lecture du cadre idéologique de la sous-culture, de sa « volonté de savoir » et du rapport « mythologique » (Roland Barthes) des danseurs à l’histoire et à l’authenticité. Le terrain s’est défini par une approche interdisciplinaire, multisite, ethnographique et phénoménologique située, représenté par trois études de cas localisées. Une observation participante a eu lieu dans le plus grand rassemblement international annuel de danseurs au Herräng Dance Camp suédois (1). Elle a mis en lumière un système de référence dominant et hégémonique qui perpétue les bases d’une marginalisation sociale et racialisée, malgré l’importance donnée à l’africanité de la danse et la promotion de valeurs d’ouverture, de participation, de communauté et de liberté proactive. Cette communauté culturelle, caractérisée par une volonté libérale de « bonne pratique » sociale, a aussi été le contexte d’émergence de figures « killjoy » (Sara Ahmed) (2) mettant en évidence l’homogénéité sociale structurelle de la sous-culture. L’affirmation féministe noire de ces dernières a également permis de contextualiser et de situer la dynamique politique, raciale, genrée et économique du récit des Anciens et de leur expérience du Harlem Renaissance qui a donné naissance à la danse. À partir d’une posture éthique et critique contre-hégémonique, soutenue par une articulation de la pensée d’Hannah Arendt et de la théorie postcoloniale, la conclusion de la recherche s’est réalisée autour d’une recherche-action participative dans l’école de danse Cat’s Corner à Montréal (3). Elle a été le terrain d’une remise en cause appliquée d’un système culturel et pédagogique stabilisé par un régime hégémonique de la blanchité. Les résultats se sont concrétisés dans une réforme pédagogique de l’enseignement des danses Jazz, fondée sur une approche plus holistique et non conformiste de leur tradition et sur l’intégration d’une éthique renouvelée de la relation., An international contemporary subculture has formed around the practice of Lindy Hop and the African-American Jazz dances of the beginning of the XXth century. It has gained popularity by its focus on the joy of dancing and a welcoming social environment. Although today this culture is predominantly represented by non African-American dancers, the scene has developed a close relationship with a few elders who used to be regulars at the Harlem Savoy Ballroom, the legendary place where the dance initially flourished. Informed by the lived experience of these elders, the process of reenactment, actualization and transmission of the historic dances is a complex one, involving the cultural appropriation of afrocentric situated knowledge as well as the representation of its joyful nature. Adopting the standpoint theory paradigm with an intersectional approach, this dissertation examines the processes of transcultural translation through which the elders’ narrative and their politics of emotion are substituted with an altered meaning. The cultural dynamic involves racialized strategies of equivalence and identity and an unexamined power/knowledge relation. The analysis focused on the ideological foundation of the subculture, the foucaldian “will to knowledge” and the dancers’ “mythological” (Roland Barthes) relationship with history and cultural authenticity. Drawing on an interdisciplinary approach and a situated phenomenology, three case studies were conducted through a multi-site ethnography. A participant observation was carried at the Swedish Herräng Dance Camp (1), the biggest international annual gathering of dancers. Despite the importance given to the Africanist origins of the dance and the promotion of liberal values like openness, participation, community and proactive freedom, the investigation highlighted a dominant and hegemonic reference system that perpetuates the basis of a social and racialized marginalization. This cultural community, characterized by an attention to “good practice”, was also the context for the emergence of “killjoys” (Sara Ahmed) (2) highlighting the structural social homogeneity of the subculture. The Black feminist claim of these “killjoys” also pointed to the need to contextualize and situate the political, racialized, gendered and economic dynamic of the elders’ narrative in their experiential account of the Harlem Renaissance that gave birth to the dance. Ultimately, this dissertation sought to posit an ethical and counter-hegemonic critical standpoint, articulating the political thought of Hannah Arendt and postcolonial theory. Throughout its process of analysis, a participative action research was carried out at the Montreal’s Cat’s Corner Swing Dance School (3). It led to collectively challenge the pedagogical conventions of the dance rooted in the hegemonic order of whiteness. The results of which formed around the beginning of an extensive educational reform, founded in a more holistic and open approach to the tradition of the dance and in a renewed ethic of care.

La réception nationale du ballet académique en Espagne est déterminée par le contexte institutionnel qui l'accueille. Les acteurs du champ chorégraphique espagnol du ballet académique (maîtres, chorégraphes, danseurs) définissent une manière d'être, de faire et l’attitude du danseur espagnol stéréotypé par rapport à l'étranger. Cela en dépit du fait qu'en Espagne, une école nationale de ballet académique n'a pas été institutionnalisée en raison d'une politique culturelle faible et inefficace tout au long de son histoire. National reception of academic ballet in Spain is constrained by its institutional context. Stakeholders of the Spanish choreographic field of academic ballet (masters, choreographers, performers) define distinctly a form of being, of doing and of attitude of the stereotyped Spanish dancer in comparison with the foreign. This is despite the fact that in Spain a national school of academic ballet has not been institutionalized as a result of a weak and ineffective cultural policy throughout its history. La recepción nacional del ballet académico en España está determinada por el contexto institucional que la acoge. Los agentes del campo coreográfico español del ballet académico (maestros, coreógrafos intérpretes) definen distintivamente una forma de ser, de hacer y de actitud del bailarín español estereotipada en comparación con lo foráneo. Ello a pesar de que en España no se ha llegado a institucionalizar una escuela nacional de ballet académico como consecuencia de una política cultural débil e ineficaz a lo largo de su historia.

THESIS SUMMARYAfrica is no exception to the debates on the cultural industries, already in vogue, at the global level. Although well developed in the North, cultural industries are less developed in Africa. In the continent, while some countries have successful models of development in this sector, like Nigeria or South Africa, the cultural industries in francophone countries of sub-Saharan Africa are still in a precarious level. This seems likely due to a late awareness of their issues, socio-political considerations, or a misunderstanding of the roles of the actors. Hence our interest in studying the role of public authorities in the process of cultural industries development in Burkina Faso, through the following subject: Cultural industries in francophone countries of sub-Saharan Africa: case of Burkina Faso. To carry out our reflection on the subject, the methodology consisted as well of a theoretical brusaillage and field investigations, allowing to confirm the hypotheses emitted.In Burkina Faso, the cultural industries are dynamic, by their organization, despite some shortcomings in the development of cultural sectors. This dynamic, favorable to the implementation of major initiatives and cultural events, makes the country as a "cultural crossroads" in Africa. Cultural industries generate considerable social, political and economic impacts for the country. However, these profits are the subject of conflicts between mainly industrial culture sector and the public sector. It is therefore essential that public authorities and cultural private sector work in synergy, with well-defined roles, to take the challenges seriously, for a more viable, dynamic and sustainable sector., L’Afrique n’échappe pas aux débats sur les industries culturelles, déjà en vogue, au niveau mondial. Bien développées dans les pays du Nord, les industries culturelles connaissent cependant un développement très faible en Afrique. Dans le continent, si quelques pays ont des modèles réussis de développement de ce secteur, à l’instar du Nigéria ou de l’Afrique du Sud, les industries culturelles des pays francophones d’Afrique subsahrienne demeurent encore dans un état précaire. Cela semble probablement dû à une prise de conscience tardive de leurs enjeux, à des considérations socio-politiques, ou encore à une mauvaise compréhension des rôles des acteurs. D’où notre intérêt à étudier le rôle des pouvoirs publics dans le processus de développement des industries culturelles au Burkina Faso, à travers le sujet suivant : Les industries culturelles dans les pays francophones d’Afrique subsaharienne : cas du Burkina Faso. Pour mener à bien notre réflexion sur le sujet, la méthodologie a consisté aussi bien à un débroussaillage théorique et à des enquêtes de terrain, permettant de confirmer les hypothèses émises. Au Burkina Faso, les industries culturelles connaissent, par leur organisation, une certaine dynamique, malgré quelques insuffisances dans le développement des filières culturelles. Cette dynamique, favorable à la mise en place d’initiatives et d’évènements culturels d’envergure, fait sans doute considérer le pays comme un « carrefour culturel » en Afrique. Les industries culturelles génèrent des enjeux sociaux, politiques et économiques considérables pour le pays. Cependant, ces enjeux sont l’objet de conflits entre surtout les industriels de la culture et l’Etat. Aussi, est-il indispensable que les pouvoirs publics et les industriels de la culture travaillent en synergie, avec des rôles bien définis, pour prendre au sérieux les défis, pour un secteur plus viable, dynamique et durable.

En 2015, le poids économique direct de la culture, c’est-à-dire la valeur ajoutée de l’ensemble des branches culturelles, est de 43 milliards d’euros. La part de la culture dans l’ensemble de l’économie (2,2 %) est en baisse et représente la valeur minimale de ce poids en vingt ans. À titre de comparaison, la branche hébergement et restauration réalise une valeur ajoutée de 55 milliards d’euros en 2015. Par rapport à 2008, la croissance des branches culturelles est nulle, ce qui s’explique par les différentes crises structurelles touchant l’architecture (- 2,3 % par an depuis 2008), la presse et le livre (respectivement - 2,1 % et - 1,7 % par an) ainsi que les agences de publicité (- 1,5 % par an). À l’inverse, certains secteurs sont en pleine croissance, notamment l’audiovisuel (+ 1,7 % par an) et le patrimoine (+ 2,8 % par an). L’audiovisuel et le spectacle vivant restent les deux premières branches culturelles en termes de poids économique et représentent, ensemble, 44 % de la valeur ajoutée des branches culturelles. Conséquence de cette croissance en berne, l’emploi culturel continue de baisser (- 3,6 % par rapport à 2014) et passe sous les 600 000 emplois. Depuis 2011, les branches culturelles ont perdu 80 000 emplois. In 2015, the direct economic impact of culture, i.e. the total value-added of all areas of culture, amounted to some 43 billion euros. The proportional value of culture within the economy as a whole fell to 2.2%, the lowest it has been for twenty years. For the purposes of comparison, the value-added of the hotel and catering industry was worth 55 billion euros in 2015. Compared with 2008, there has been zero growth across all areas of culture, which is due to the various ongoing economic crises affecting the sectors of architecture (down 2.3% year-on-year since 2008), press and book publishing (down 2.1% and 1.7% respectively, year-on-year) and advertising agencies (down 1.5% year-on-year). Conversely, sectors such as audiovisual (up 1.7% year-on-year) and cultural heritage (up 2.8% year-on-year) are experiencing a boom. Audiovisual and the performing arts are the two biggest cultural sectors in terms of their contribution to the cultural economy and, together, represent 44% of the value-added of all the cultural sectors combined. As a result of this sluggish economic situation, employment in the cultural sector continues its downward trajectory (down 3.6% on 2014) and has fallen below 600,000 jobs. The cultural sector has lost 80,000 jobs since 2011.